Crítica Cinéfila: Mickey 17

Mickey 17, un miembro de la tripulación prescindible enviado a un planeta helado para colonizarlo, se niega a dejar que su clon de reemplazo, Mickey 18, tome su lugar. 

Mientras los estudios de Hollywood se inclinan rápidamente ante el régimen republicano, existe la preocupación de que "Mickey 17", la cruda pero extrañamente necesaria película de ciencia ficción anticapitalista de Bong Joon-ho, sea una de las últimas obras de arte honestas en colarse bajo las puertas. Si eso resulta ser cierto, deberíamos atesorarla aún más. El autor coreano, después de su victoria en Mejor Película en 2020 por "Parasite", se ha llevado 80 millones de dólares de la inversión de Warner Bros y, dejando de lado cuatro cambios de fecha de estreno, aseguró el corte final de una vertiginosa épica del género que responde a la pregunta existencial en el corazón mismo de nuestra existencia actual: ¿qué sentido tiene vivir en un mundo construido para hacernos sentir inútiles?

Aquí, la idea de un "prescindible", en una historia adaptada por Bong de la novela Mickey7 de Edward Ashton de 2022, es la idea literal del trabajador capitalista: para escapar de sus deudas, Mickey Barnes (Robert Pattinson) se alista como "prescindible" en una misión colonial al planeta Niflheim. Al morir, su cuerpo simplemente es reimpreso y cargado con sus recuerdos para que pueda trabajar y morir de nuevo. Para cuando lo conocemos, hemos llegado a Mickey 17, 10 Mickeys más profundos que en el libro de Ashton.

Para quienes solo conocen la obra de Bong gracias a "Parasite", "Mickey 17" es diferente, pero su tono es bien completo: tierno, cínico, violento, humanista, absurdista y arraigado en la política de clases. Sin embargo, es más bien una continuación directa de algunas de sus películas anteriores, fusionando los entornos utilitarios futuristas de "Snowpiercer" (2013) con la adorable mascota defensora de los derechos de los animales de "Okja" (2017) . Dichas criaturas, en este caso, son los insectoides "creepers", la población indígena de Niflheim. Son larvas grandes y peludas con estómagos blandos que parecen paquetes de panecillos.

Mickey 17 los encuentra por primera vez después de caer en un barranco de hielo. "Oh, genial, ¿por qué no?", suspira. ¿Al menos pueden tragárselo entero? ¿Y no masticarlo bocado a bocado? Este es Pattinson en su mejor momento, manteniendo su carisma de estrella de cine como rehén para perseguir a adorables bichos raros en todo tipo de matices. Aquí está completamente liberado, encontrando constantemente las formas más inesperadas y encantadoras de decir una línea, con un acento estadounidense. Después de tambalearse de regreso a la nave colonial, Mickey 17 se enfrenta a Mickey 18. Ahora es un doble. Ha sido sucedido. Si muere, eso es todo.

Uno de los chistes más graciosos (aunque también extremadamente triste, si te paras a pensarlo) es la constante resignación de su personaje ante la muerte. ¿Cuando un colega revela que lo han enviado a una caminata espacial para probar los efectos de la radiación? "Ah, entiendo". ¿Y cuando se da cuenta de que sigue vivo cuando están a punto de arrojarlo al horno, solo para encogerse de hombros y seguir adelante de todos modos? "Gracias". ¿Y cuando los "rastreadores", sin dar explicaciones, deciden no comérselo? "¡Sigo siendo carne de calidad!". Mickey es un héroe para cada persona abatida hasta el punto de que ya no vive, sino que simplemente existe.

"Mickey 17" es una película de ciencia ficción sobre la clase trabajadora, con pasillos de servicio de la diseñadora de producción Fiona Crombie y enterizos a juego de la diseñadora de vestuario Catherine George. La ingeniosa y dinámica cinematografía de Darius Khondji nos arrastra directamente a la suciedad con estos personajes. Nos conecta con ellos, incluyendo lo más parecido a una voz de esperanza en la película hermosamente cargada de palabrotas: la novia de Mickey, Nasha (Naomi Ackie, con una sonrisa encantadora). 

Es esencialmente la versión de Bong de Alien (1979): una comedia sobre cómo Weyland-Yutani trata a las personas como forraje, solo que el xenomorfo es mucho más amigable e interesado en la solidaridad comunitaria. Todos aquellos en la cima de la cadena alimentaria son terriblemente horribles pero, desafortunadamente para nosotros, plausibles. Mark Ruffalo aparece como el excongresista Kenneth Marshall, con su bronceado, una mandíbula extraña y su vulnerabilidad a la explotación por parte de la derecha religiosa; sí, obviamente es Trump, pero Ruffalo le presta suficientes peculiaridades como para que funcione como una sátira y una creación diabólica por derecho propio. Lo mismo puede decirse de Ylfa, la esposa de Marshall, obsesionada con la salsa, interpretada por Toni Collette.

A pesar de toda la crueldad y la bufonería que pueda rodear a su héroe, Bong nos revela algo: lo que realmente estamos viendo es a un hombre que aprende que está bien ser feliz.

Crítica Cinéfila: Beef

Un incidente de tráfico entre dos desconocidos (un contratista fracasado y una empresaria descontenta), desata un conflicto que sacará a relucir su lado más oscuro.

Esta serie me recordó mucho a la película "The Insult", la historia de un refugiado palestino y un libanés cristiano que, después de un pequeño conflicto que inicia con una discusión de vecinos se crece a un nivel que llega a oídos del presidente. Esta serie no llegó ahí, pero su alcance abarca riesgos tan extremos. 

Si alguna vez ha estado en un estacionamiento lleno, seguramente reconocerás el incidente detonante en "Beef": un camión casi choca contra un SUV, que toca la bocina extravagantemente antes de acelerar. Tal vez incluso te identifiques con el impulso de hacer lo que hacen los autos a continuación, incluso si nunca lo has hecho tú mismo: el camión persigue al SUV como si fuese una escena de Fast & Furious, asomándose por el tráfico que se abarrota y subiéndose sobre céspedes de los suburbios.

Pero Amy (Ali Wong) y Danny (Steven Yeun), los protagonistas en duelo de "Beef", llevan las cosas aún más lejos. El encuentro precipita un ciclo interminable de venganza, durante el cual desfiguran la propiedad de los demás, sabotean las carreras y las familias de los demás. Es una premisa hilarante a primera vista, y las medias horas pasan volando a medida que se acumulan los giros salvajes. Sin embargo, lo que se espera menos, y lo que realmente persiste una vez que el polvo se ha asentado, es el énfasis de la serie en la humanidad defectuosa de los personajes y su cautivador sentido de empatía por su desesperación existencial.

En el corazón de Beef acecha un miedo tan abrumador que amenaza con tragarse a los dos protagonistas. Al final de la temporada de 10 episodios, Amy lo expresa trémulamente en una sesión de terapia: "¿Crees que el amor realmente puede ser incondicional?" ella pregunta. “Sabes, debe haber algún punto en el que todos quedemos fuera del alcance del amor. Como si el error fuera tan grande y luego el amor tuviera que parar”. Para entonces, ya hemos visto cuánto de sus vidas y las de Danny se han basado en la posibilidad de que el amor se acabe, cada uno aterrorizado de cometer un error o dejar que otros vean que lo han hecho, para no perder todo por lo que han trabajado.

Para Amy, una mujer de negocios hecha a sí misma con un apuesto esposo George (Joseph Lee), una hija adorable (Remy Holt) y una elegante casa en Calabasas, significa sonreír con los dientes apretados mientras se recuerda lo "afortunada" que se siente mientras se siente presionada tanto a nivel familiar como laboral. Para Danny, propietario de un negocio de contratación en quiebra, parece tranquilizar a su compañero de habitación/hermano Paul (Young Mazino) y a sus sufridos padres en Corea de que tiene todo bajo control, cuando en realidad, se ha visto reducido a rogar por préstamos de su primo recién salido de prisión Isaac (David Choe).

Ambos están a punto de romperse al momento de su encuentro, como establecen Yeun y Wong en un par de actuaciones espectaculares. El Danny de Yeun se comporta como un puño cerrado, perpetuamente en previsión de un golpe que se avecina y listo para devolver el golpe en cualquier momento. Wong, en quizás su papel más dramático hasta la fecha, rara vez ha estado mejor de lo que está aquí: sus enormes ojos y labios fruncidos nos muestran cada costura y grieta en las máscaras plácidas de Amy. Ambos pasan la mayor parte de la temporada fijándose el uno al otro desde la distancia. Pero en los momentos en que la pareja se junta, su energía ruge con algo más complicado y más divertido que la simple atracción o el odio.  

En su obsesivo odio mutuo, nos damos cuenta de que cada uno ha encontrado a la única persona por la que no necesita ponerse una fachada, que no necesita preocuparse por impresionar o decepcionar, hacia la que dirige sus impulsos más feos. Bajo esa luz, casi no parece sorprendente que su vendetta les haya dado una nueva oportunidad de vida. El rostro de Danny se ilumina de alegría en los momentos finales, dirigido por Hikari (37 Seconds), mientras él huye después de profanar su casa. También en Amy vemos lo que parece una sonrisa en su rostro mientras corre gritando tras él. Ambos han encontrado "una razón para empezar de nuevo", como canta Hoobastank en uno de los muchos lanzamientos de agujas del cambio de milenio que juegan como estruendosamente irónicos y conmovedoramente sinceros.

Tales cambios tonales son parte del curso en Beef, que los ejecuta tan hábilmente que casi parece fácil. El creador Lee Sung Jin (Dave de FXX) basa cada desarrollo de la trama y cambio de humor en un mundo que tiene la textura de la vida real (a veces literalmente, como en las grietas y manchas en las paredes de la iglesia modesta a la que asiste Danny) y en personajes que parecen tan complejos como la gente real. Cada decisión loca tiene sus raíces en motivaciones que podemos entender, incluso si los personajes que las ejecutan no lo hacen. Cada chiste crece a partir de personajes interpretados y escritos tan vívidamente que parecen saltar de la pantalla. Un intercambio inactivo sobre el contenido nutricional del bizcocho de Sara Lee es divertido por su frivolidad, pero también es una forma eficiente de garantizar que dos personajes secundarios se presenten a mitad de la temporada: los delincuentes Bobby (Rekstizzy) y Michael (Andrew Santino) se sienten tan habitados como cualquiera de los otros.

Esos poderes de observación también siguen a los personajes a lugares más profundos y tristes. A medida que avanza la temporada, nos familiarizamos gradualmente con las ansiedades y los dolores que atormentan a tantas personas en la órbita de Danny y Amy. Está la tranquila soledad que irradia Fumi (Patty Yasutake), la suegra de Amy, mientras almuerza sola. O la humillación que retuerce el rostro de Paul cuando le pide a un ser querido que lo ayude a financiar sus sueños, solo para ser derribado. Amy y Danny parecen creerse únicos en su infelicidad, y no del todo sin razón: el dolorosamente optimista George, por ejemplo, solo puede pensar en hablar con su esposa sobre su malestar asegurándole: "Conozco a muchas personas que luchan contra la depresión y ganaron".

Sin embargo, Beef aumenta en placer mientras la ansiedad crece. Con el tiempo, su generosidad hacia estas almas asustadas o perdidas se convierte en su propia respuesta a las ansiedades de Amy sobre los límites del amor. Al final de la temporada, la ira que infecta a sus protagonistas parece haber afectado a casi todos en sus círculos. Hemos sido testigos de lo peor de ambos, aullamos ante sus movimientos más escandalosos, nos quedamos boquiabiertos ante la magnitud de la destrucción física y emocional que han dejado a su paso. Los hemos visto a ellos y a otros cruzar el tipo de líneas que podrían amenazar los lazos más fuertes, que podrían llevar a una pareja al divorcio, a una familia a volverse contra sí misma, a un creyente a perder la fe. Y nos quedamos dándonos cuenta de que nada de eso nos ha hecho sentir menos humanos por eso. Tal vez Amy tenga razón, y el amor nunca puede ser realmente incondicional. Pero resulta que su gracia se extiende bastante lejos.

Crítica Cinéfila: Nope

Dos rancheros de un remoto pueblo del interior de California hacen un descubrimiento tan insólito como escalofriante.

Advertencia: esta crítica tiene spoilers sin piedad.

El género de terror no se imaginaba cuánto necesitaba a un cineasta como Jordan Peele. Este visionario creador, un actor de comedia convertido en uno de los mejores directores de su generación, ha creado un nuevo estilo de hacer cine de terror. No solo ha establecido con mucha intención los elementos narrativos de su cinematografía, sino que también le ha dado forma a un subgénero de terror que no estaba tan bien forjado como el resto, como lo es el cine de terror negro. Y su última película NOPE no es una excepción.

La historia comienza con OJ Haywood (Daniel Kaluuya), un entrenador de caballos que ayuda a su padre en el rancho familiar, así como adiestrando caballos para espectáculos de televisión y cine. Pero cuando su padre muere en extrañas circunstancias (un objeto que cae del cielo le atraviesa la cabeza), tiene que aprender a llevar el negocio familiar por sí solo si no quiere perderlo por las grandes deudas que se irán acumulando. 

Meses después de perder a su padre, OJ en compañía ocasional de su hermana Emerald (Keke Palmer) intentan llevar a su caballo Lucky a ser la imagen de un comercial, pero debido a fallas de seguridad, ambos pierden la oportunidad financiera. Los problemas financieros del rancho han obligado a OJ a vender sus caballos a Jupe (Steven Yeun) el dueño de un pequeño pero popular parque temático del Oeste conocido como Jupiter's Claim. Jupe ofrece comprar el rancho de los Haywood, una oferta que Em anima a OJ a aceptar. Pero justo antes de caer en la bancarrota, OJ es testigo de cómo un OVNI hace presencia cerca de su granja. Y al confesarle el suceso a Em, ella no deja de ver una posible oportunidad monetaria. Con tantos videos de mala calidad que exponen la vida extraterrestre, ¿qué tan difícil podría ser captar uno por sí mismos, sobretodo teniéndolo en el patio de su hogar?

Cuando parecía que ya el cine había presentado todo sobre los UFO y OVNIS, Jordan Peele elimina el simple concepto de los seres verdes con cabeza gigantes y ojos redondos. De hecho, ni siquiera se trata de seres inteligentes que vienen a conquistar la tierra como nuevo hogar, ni alienígenas pacíficos que buscan una forma de comunicarse con otra civilización. Se trata de un animal que viene de otro planeta, un depredador sanguinario, que ha encontrado su lugar arriba de esas montañas y atacará a todo aquel que ose molestarle, o que simplemente lo mire.

Hasta ese punto parecería que la historia se trata de dos hermanos en un intento de grabar un OVNI para exponerlo en las redes y ganar dinero por ese video. Pero como toda película de Jordan Peele, es mucho más que eso. Al igual que sus demás historias, existe un aspecto temático de trasfondo que se explora en esta trama. Mientras que Get Out habla sobre un racismo y esclavitud moderna, Us circula alrededor de la lucha de clases, Nope se enfoca en la cultura capitalista y en esa ambición de ganar dinero sin importar lo que se haga para lograrlo. Así es cómo llega a esta lucha entre dos superdepredadores: la bestia alienígena y, el peor de todos, el dinero.

La historia fácilmente pudiese ser un homenaje al cine de Hollywood, gracias a sus referencias visuales tanto a nivel narrativo (Em insiste que su tátara tátara abuelo fue el jinete que aparece en "Placa 626" - la primera imagen en movimiento) como los aspectos técnicos de la cinematografía, la escenografía tan western donde se desarrolla, el vestuario indicativo del staff de rodaje e incluso la escenografía donde se refiere a algunos clásicos del cine western de Hollywood. Incluso pudiese ser un símbolo sobre la cultura de la vigilancia y cómo nadie está a salvo de la exposición detrás de un lente; para los personajes que luchan contra un monstruo gigante del cielo que come seres vivos, pasan una gran cantidad de tiempo principalmente preocupados por filmarlo. Una vez unas desapariciones masivas se dan lugar, ya OJ y Em saben que esto atraerá ojos y lentes curiosos a las tierras áridas de Agua Dulce para dar con el misterio. Y eso significa la exposición de un rico secreto que tienen reservados para sus propios bolsillos. 

Al final, el capitalismo es la temática que engloba ese trasfondo que el cineasta tiene detrás de esta historia. Con frecuencia se nota a los personajes luchando por esta necesidad de querer más: Em quiere más fama y reconocimiento; Jupe quiere más dinero, aún si estas son ganancias en base a sus traumas de su niñez; OJ y su hermana ven estas grabaciones como la clave de no perder el terreno familiar y caer en la bancarrota; hasta la criatura quiere más humanos, aún si esto significa que lo vaya afectando por dentro.

Con un conjunto de otros elementos que redondearon esa famosa fórmula Peele (incluyendo una interesante historia secundaria sobre un chimpancé asesino de un sitcom), Nope se conecta directamente con la temática de dos de las películas clásicas de monstruos de Hollywood, King Kong y Jurassic Park : que el deseo de las masas de espectáculos creíbles, aterradores y emocionantes solo puede terminar en un desastre. Y mientras se vendan las entradas, hay personas como Jupe o el director de fotografía Antlers que felizmente crearán espectáculos mortales (este último, con el final que se le dio parece estar haciendo un reclamo a las fallas de seguridad en set). 

La línea entre la artesanía obsesiva y la creación comercial obsesiva se vuelve casi indistinguible, ya que ambas conducen a los mismos fines violentos. La actitud de cine por encima de la vida de los personajes deja un sabor muy amargo y pone en tela de juicio cada una de sus acciones. El mismo Peele deja un fuerte indicio de la veracidad de esta interpretación en el primer cuadro de la película, que muestra una sombría cita bíblica del profeta Nahum: “Te echaré una inmundicia abominable, te haré vil, te haré un espectáculo”. El monstruo OVNI de Peele, entonces, puede interpretarse como un juicio moral desde lo alto de la obsesión de la humanidad por el dinero y el espectáculo, y como castigo llover sobre ellos suciedad y sangre.

Peele, como ha demostrado una y otra vez, es un maestro de la cinematografía y el cine. Con Nope, vuelve a dejarnos pensando sobre los horrores que la misma humanidad ha provocado, e incluso deja cuestionando a cualquiera de quién realmente es el monstruo de esta historia: ¿la criatura alienígena comehumanos o el ser humano con su gula de autodestrucción?

Crítica Cinéfila: Minari

David, un niño coreano-americano de 7 años, ve cómo a mediados de los años 80 su vida cambia, de la noche a la mañana, cuando su padre decide mudarse junto a toda su familia a una zona rural de Arkansas para abrir allí una granja, con el propósito de lograr alcanzar el sueño americano.

Inspirada en una novela de Flannery O'Connor, la semi-autobiográfica “ Minari ” de Lee Isaac Chung es una historia cruda y vívidamente recordada de dos asimilaciones simultáneas; es la historia de una familia que se asimila a un país, pero también la historia de un hombre que se asimila a su familia.

Jacob Yi (Steven Yeun) y su esposa Monica (Yeri Han) emigraron juntos de Corea a principios de los 70, pero, después de casi una década de sobrevivir como sexeros de pollos en California, llegan al tráiler de Arkansas, casa que compró para su familia. Mientras se acerca a la parcela de cinco acres de la tierra de cultivo, los ojos de Jacob brillan con una especie de felicidad infernal; es la mirada de un hombre que está a punto de plantar literalmente sus raíces en suelo extranjero. Él ve esta tierra cruda como un Jardín del Edén que está esperando ser cultivado. Mónica, una mujer práctica preocupada por criar a un hijo con un soplo cardíaco en un pueblo que está a una hora del hospital más cercano, no está del todo convencida. 

Suave como la corriente que fluye a través de la propiedad de Yi y, sin embargo, lo suficientemente poderoso como para reverberar en las generaciones venideras, el amoroso y adorable drama de inmigrantes de Chung interroga al Sueño Americano con la dura esperanza de una familia que necesita creer en algo antes de que pierdan toda la fe el uno en el otro. Jacob es demasiado orgulloso para conformarse con los términos de otra persona; hará cualquier cosa para demostrar que está llevando a su familia a la tierra prometida, incluso si nadie más comparte su visión del éxito. 

De día, trabaja en un gallinero donde evalúa los genitales de los pollos. Por la noche, entierra productos coreanos en su granja y somete la tierra con la ayuda del excéntrico pentecostal vecino (Will Patton). Jacob no parece demasiado interesado en mezclarse: él y Mónica se hablan en coreano en casa, y una tentativa mañana de domingo en la iglesia local no parece quedarse con él como lo hace con sus hijos.

Por lo general, se ve a Jacob con una camiseta sin mangas blanca y un sombrero rojo con un cigarrillo fruncido entre los labios; es la destilación de un hombre en la forma en que un niño podría recordar a su padre. Con ese fin, "Minari" a menudo se siente como si fuera el punto de vista de David. Al igual que su padre, este niño tiene que asimilarse en al menos dos frentes diferentes.

Nacido en Estados Unidos y perfectamente bilingüe, David vive de la soda Mountain Dew y le encanta ver la lucha libre en la televisión. Moja su cama y se mete en otros problemas traviesos, pero la mayoría de las veces trata de mantener las cosas equilibradas, aunque solo sea por el agujero en su corazón. Pero cuando Mónica invita a su madre viuda a vivir con ellos, David puede sentirse atraído en dos direcciones a la vez por primera vez en su vida.

Una anciana juguetona y vulgar con un sentido del humor travieso, Soonja (Yuh-Jung Youn) es la abuela más genial que un niño podría pedir, pero David está disgustado de que ella no se alinee con su comprensión americanizada de lo que una abuela debería ser. Ella no hornea y "huele coreano". Ella es su contraste perfecto, incluso si aún no es lo suficientemente perspicaz para darse cuenta. Las muchas escenas entre estos dos maravillosos personajes son cálidas y melancólicas en igual medida, ya que rebotan desde la sabia sabiduría hasta el tipo de humor hilarante y grosero. Youn es extraordinaria en el papel; desde el principio personifica la forma elegante en que Chung mantiene a "Minari" suspendido entre el naturalismo y el melodrama.

La inmaculada memoria de Chung siempre fluye de manera conmovedora entre recuerdos compartidos del pasado y visiones conflictivas del futuro. Esta hermosa película presenta a la familia como el viaje definitivo, solo para explorar lo difícil que puede ser ponerse de acuerdo sobre un destino. ¿Está Jacob tratando de demostrar lo que es posible por sí mismo, o está haciendo todo lo posible para construir algo para la próxima generación? ¿Hay alguna forma de que esos dos objetivos puedan superponerse antes de que Monica decida irse por otro camino?

Si el final se registra como inusualmente intenso para una película que, por lo demás, se intercambia en observaciones silenciosas y notas de gracia expresivas, “Minari” se mantiene unida por cómo siempre se siente como un sueño. Al final de esta película inolvidable, los sueños y la realidad rara vez han sido más indistinguibles entre sí. A través de los ojos de Chung, eso es precisamente lo que hace que ambos parezcan posibles.

Sorry to Bother you

Un vendedor telefónico con problemas de autoestima descubre la clave para el éxito en el negocio. Pero cuando empieza a subir escalones en la compañía, sus amigos activistas denuncian prácticas laborales injustas. (FILMAFFINITY)

Está de moda contar historias sobre problemas sociales, pero lo importante no es simplemente contarlas, sino cuanta creatividad tiene el cineasta para contarlas de una manera única y fuera de lo tradicional. Esto es lo que hace que una historia sobre injusticias laborales pueda ser divertida y a la vez educativa. Boots Riley hace su debut como director con Sorry to Bother You.

En un presente alterno en Oakland (California), Cash es un joven que trata desesperadamente de conseguir un trabajo. Su personalidad tan introvertida y valoración propia le hacen aún más difícil la oportunidad de lograr cosas en la vida, hasta que en su más reciente trabajo logra algo que pocas personas se han atrevido a hacer: cambiar su actitud  (o mejor dicho, su voz) para brindar el servicio al cliente. 

Pero de manera aleatoria, sus propios compañeros de trabajo deciden hacer huelga a las injusticias laborales que deben enfrentar, como el salario mínimo o abuso de horarios de trabajo. Ahora Cash tendrá que decidir entre seguir subiendo en su nuevo trabajo o unirse a la causa de las únicas personas que han sido sus verdaderos amigos.

Keith Stanfield es un actor que se ha destacado por establecer un tipo de personaje que se presenta tímido o introvertido, pero que cuando se debe enfrentar a algo o alguien siempre lo hace de una manera inolvidable (nunca olvidaremos su personaje en "Get Out"). Y así mismo sucede en esta ocasión donde no solo crea a una persona tridimensional en Cash, sino también que lo va cambiando a paso de bebé y que lo hace creíble. Que no solo se trata de adaptarse a su nuevo trabajo y su nueva vida, sino también como él mismo trata de cambiar este nuevo mundo del que es parte.

Es importante resaltar que la realidad de la película es completamente exagerada: aquí no se trata de que tan reales son los hechos, sino que tan satíricos pueden llegar a ser. A pesar de estar narrando una situación global, Boots Riley crea personajes elocuentes a su manera y acciones que sólo tienen lógica en este mundo. Parecerán demasiado alocadas e inesperadas, pero lo que en realidad hace es romper con el estereotipo de que los tráilers cuentan todo. 

Del mismo modo, cuenta con una fotografía muy peculiar, donde el principal aspecto a resaltar son las emociones y locuras de sus personajes, pero a la vez las locuras del mundo en el que viven. Mientras tanto, la banda sonora le da un aspecto de video musical o videos de campaña, queriendo hacer meschandizing de las mismas ideologías de la película.

Aunque es una película sumamente irregular, es lo suficientemente original y rara para sobresalir en el mercado. Sorry to Bother You es alocada y ambiciosa donde los momentos más ridículos tienen su pizca de realidad, mostrándonos una versión distorsionada y paranoica de la época actual.