Crítica Cinéfila: The Photograph

Cuando la famosa fotógrafa Christina Eames muere inesperadamente, su hija Mae Morton se queda confundida, enfadada y llena de preguntas. Cuando encuentra una fotografía escondida en una caja de seguridad, Mae comienza a investigar la vida de joven de su madre, comenzando al mismo tiempo un apasionado e inesperado romance con un periodista, Michael Block.

The Photograph es un vehículo estelar "romántico" para Issa Rae y Lakeith Stanfield que es profundamente defectuoso pero a la vez sexy y reflexivo. El cuarto largometraje de la escritora y directora Stella Meghie (después de  The Weekend, Everything Everything, Jean of the Joneses), es grueso y cubierto de múltiples capas con un lenguaje visual bien preciso, que invita a la audiencia a mirar debajo de la superficie de un encuentro estándar.

Para perseguir fotos históricas de una historia en la que está trabajando, el veterano reportero Michael (Stanfield) se encuentra en los archivos del museo donde Mae (Rae) trabaja como curadora. Michael se enamora al instante, pero Mae es más cautelosa, y que su mente está preocupada por la reciente muerte imprevista de su madre. A medida que avanza su relación, Mae siente la necesidad de conocer el pasado de su madre.

En realidad, hay bastantes historias de amor en la película: aparte de la que está entre los dos personajes principales, está el amor que se muestra en flashbacks entre la madre de Mae, Christina (Chanté Adams, quien da la mejor actuación en la película) y el pescador del país, Isaac (Rob Morgan); la estrecha relación de Mae con su padre (Courtney B. Vance); la estrecha relación de Michael con su hermano mayor Kyle (Lil 'Rel Howery); y el feliz matrimonio de Kyle con Asia (Teyonah Parris).

La trama de The Photograph literalmente se centra en la fotografía de Christina. Meghie envió a la entonces estudiante-fotógrafa de la Universidad de Nueva York, Jheyda McGarrell,  para capturar el paisaje de Luisiana de la infancia de Christina, y la forma en que estas imágenes se entrelazan con la historia hace que desees poner fin a la omnipresente sesión de fotos de la cara de un actor en imágenes de archivo tan a menudo vistas en películas. Los marcos del director de fotografía Mark Schwartzbard emiten tonos dorados de los actores contra un telón de fondo que en su mayoría sesga lo masculino y lo oscuro. Hay un brillo duradero en la apariencia de la imagen que es un verdadero regalo.

La sensual partitura de jazz llega a ese punto medio entre Coltrane y The Roots, esencialmente el sonido característico del compositor ganador del Grammy Robert Glasper. Meghie claramente voló a través de su presupuesto musical con alegría nostálgica: los artistas destacados incluyen a Al Green, Chaka Khan ("Ain't Nobody"), Whitney Houston ("You Give Good Love"), Anita Baker ("Caught Up in the Rapture") y Luther Vandross (su versión intoxicante de "If You Were Mine" de Marvin Gaye). Tanto la partitura de Glasper como esta mega-lista de reproducción de jams lentos de R&B le dan a la película un brillo emocional. Pero es tan musical que la imagen a veces se siente como un micrófono abierto de palabra hablada.

Pero en términos narrativos, The Photograph es un asunto decepcionantemente impredecible. Las fallas incluyen un huracán artificial que supuestamente es amenazante pero apenas se registra; escenas de sexo PG-13 atrofiadas y confusas de cuerpos apasionados y expuestos; y una química tenue entre Rae y Stanfield que fue forzada en romance, pues este no florece tan natural como se esperaría. Pero lo que más sorprende es el personaje de Rae, quien no termina de aterrizar en la anatomía de Mae y de momentos se siente sin emociones y sin un real atractivo para uno querer apoyarla en su travesía. 

El rendimiento de Rae está notablemente poco cocinado, como si la actriz no estuviera completamente conectada con el material. Esto inevitablemente te deja deseando haber podido acceder a las dramáticas habilidades que mostró sobre todo en el final explosivo de la primera temporada de Insecure . Los momentos sobresalientes de Rae aquí están ligados a la comedia, como cuando Mae habla sobre su amor por el rapero Drake (algo que comparte con el personaje de Rae en Insecure de HBO y la propia Rae). De hecho, la conversación de primera cita entre Kendrick Lamar y Drake entre Mae y Michael es la escena en la que la química aparece más entre los dos. 

La ruptura de Stanfield en los últimos años lo ha visto interpretar a un nerd negro así como al novio en un romance que se ha desmoronado. Pero aquí, tal vez por primera vez, interpreta su versión de un chico sexy y emocionalmente sintonizado con problemas de compromiso. Mientras que Rae a menudo es dramáticamente plano, la fanfarronería de Stanfield nos ayuda a invertir en la pareja.

The Photograph se encuentra en la compañía tonal de películas como el indie Love Jones de Witcher, que se hizo con un presupuesto muy reducido. Que Meghie cuenta con el respaldo de un gran estudio que puso en producción dólares reales, así como una agresiva campaña de marketing que apuesta por estrellas negras nuevas, es algo con lo que Witcher solo podría haber soñado.

The Photograph refleja una tendencia que está ganando más tracción de la que hemos visto antes. A pesar del impacto artístico de la película en el medio de la carretera, representa el crecimiento de algo invisible durante demasiado tiempo: el amor negro real que no solo se juega para reír. 

Crítica Cinéfila: Uncut Gems

Howard Ratner es el propietario de una joyería ubicada en el barrio de los diamantes de la ciudad de Nueva York que vende en exclusiva a ricos y famosos. Un día se produce un importante robo que le obliga a tener que afrontar una deuda económica que no está preparado para pagar. 

"Creo que eres la persona más molesta del planeta", comenta alguien a Howard Ratner, un negociante en el distrito de diamantes de Nueva York. La pregunta es si este frenético, sudoroso, maníaco, desorganizado, poco confiable y con frecuencia desesperado; un hombre de mediana edad surgirá como una figura de repulsión o fascinación para el público. Por lo tanto, es un homenaje a los guionistas y directores Josh y Benny Safdie, y a Adam Sandler, que interpreta a Howard, del que Uncut Gems emerge como una verdadera joya en sí misma, una chispeante comedia dramática sobre un jugador compulsivo y un tomador de riesgos que nunca sabe cuándo dejar de apostar. Muchos estarán de acuerdo en que esta es la mejor actuación de Sandler, y los hermanos Safdie finalmente se moverán de la periferia de la escena del cine comercial a un lugar más cercano al centro.

Esto no se debe a que los Safdie hayan hecho una película adorable, ni mucho menos. Desde el principio, en una escena sangrienta en una mina de diamantes hasta la prolongada e intensa escena en la joyería de la calle 47 de Howard, el cual con su comportamiento de gritos, regateos y confrontamientos es monumental. Es posible sentir que este es el último lugar en la Tierra en el que te gustaría estar. Por otro lado, algunas personas se dan cuenta de esto, y para Howard es el núcleo de su existencia.

En un breve prólogo ambientado en Etiopía, se extrae un pedazo de roca del tamaño de una pelota de fútbol de una mina, y numerosas gemas incrustadas son claramente de gran valor. Recién adquirido y en contra de sus mejores instintos, Howard permite que uno de sus clientes más valiosos, el titán de baloncesto Kevin Garnett, tome prestada la pieza, un juicio erróneo que pone en marcha un sinfín de crisis y desgracias.

Howard, quien se enteró de una valiosa (y aparentemente mágica) joya obtenida en Etiopia, ha esperado 17 meses para poder tenerla entre sus manos y poder pagar una grandiosa deuda con lo que pueda obtener de la joya. Por supuesto, Howard no recupera su valioso pedazo de roca cuando lo espera, y esto es solo el comienzo de las promesas no cumplidas; las deudas pendientes de pago se acumulan para cubrir las deficiencias y todos se enojan más y más. Sin embargo, por su parte, Howard casi siempre tiene un ángulo, otra carta para jugar; seguro estará pensando "¿qué es un nuevo día sin un nuevo fuego para apagar?

Los escritores han inventado cualquier cantidad de incidentes escandalosos que, de hecho, se sienten reales y no bromas inventadas. Lo que debería ser una noche tranquila para la familia Ratner con motivo de una presentación de teatro escolar se transforma en un conjunto de eventos locos que dejan a Howard encerrado desnudo en la cajuela de un automóvil. Su esposa Dinah (Idina Menzel), que bien sabe cómo tratar con su esposo, está naturalmente furiosa.

Por supuesto, Howard tiene una mujer en el lado, Julia (Julia Fox), que trabaja en su joyería y para quien proporciona un departamento. Esta relación golpea las rocas durante este período cuando Howard está sudando por los puntajes de baloncesto en los que ha apostado fuerte y si alguna vez recuperará la gran gema. 

Las gemas sin cortar tendrían que estar en cualquier lista final de la película en la que se gritó el mayor porcentaje de diálogo. Y sin embargo, los Safdies y el elenco profundizan lo suficiente aquí para hacer la película verdaderamente humano; puede que no sea un estilo de vida que la mayoría de la gente reconocerá, pero la dinámica, los deseos y las ansiedades se sienten reales, gracias a la forma en que los escritores directores superan los obvios adornos dramáticos para aprovechar sentimientos creíbles.

Esto también es cierto para todo el elenco de arriba a abajo, pero Sandler lidera el camino. Las pasiones de Howard por los negocios, el dinero, el juego, las mujeres y los deportes son completamente normales, pero no parece haber aprendido mucho sobre sus propias deficiencias a lo largo de los años. El desempeño de Sandler muestra que el tiempo puede haberlo hecho echar un vistazo a los errores de sus formas, pero el hecho de que haya continuado con las cosas le da la confianza para continuar, sin lecciones aprendidas. Es una parte infernal, y Sandler la asesina.

Como su mujer al lado, Fox al principio parece destinada a seguir siendo la mera víctima del abuso y la falta de atención de su jefe/amante, pero la actuación se abre lentamente como una flor de una manera hermosa que uno no espera. No hay un actor en el reparto que no presente un trabajo bullicioso y con mucho cuerpo, y eso incluye a Garnett, quien, además de sus numerosas escenas, se vislumbra en los juegos de televisión.

Las ubicaciones en el área de Nueva York brindan excelentes y variados fondos, y la cinematografía de Darius Khondji los evoca vívidamente de una manera nítida y naturalista. La composición grande y audaz de Daniel Lopatin a veces va un poco por encima para ser demasiado notable en comparación con lo que acompaña en la pantalla, pero también sirve adecuadamente para los grandiosos esquemas y emociones de los personajes.

Los Safdies sumergen al público en lo más profundo de este mundo, y es fácil sentirse abrumado y desanimado por la vulgaridad del mismo; todos son descarados, es la norma que las promesas y expectativas no se cumplan, los gritos febriles son el modo aceptado de comunicación y ningún día está completo sin un nuevo incidente no deseado.

Sorry to Bother you

Un vendedor telefónico con problemas de autoestima descubre la clave para el éxito en el negocio. Pero cuando empieza a subir escalones en la compañía, sus amigos activistas denuncian prácticas laborales injustas. (FILMAFFINITY)

Está de moda contar historias sobre problemas sociales, pero lo importante no es simplemente contarlas, sino cuanta creatividad tiene el cineasta para contarlas de una manera única y fuera de lo tradicional. Esto es lo que hace que una historia sobre injusticias laborales pueda ser divertida y a la vez educativa. Boots Riley hace su debut como director con Sorry to Bother You.

En un presente alterno en Oakland (California), Cash es un joven que trata desesperadamente de conseguir un trabajo. Su personalidad tan introvertida y valoración propia le hacen aún más difícil la oportunidad de lograr cosas en la vida, hasta que en su más reciente trabajo logra algo que pocas personas se han atrevido a hacer: cambiar su actitud  (o mejor dicho, su voz) para brindar el servicio al cliente. 

Pero de manera aleatoria, sus propios compañeros de trabajo deciden hacer huelga a las injusticias laborales que deben enfrentar, como el salario mínimo o abuso de horarios de trabajo. Ahora Cash tendrá que decidir entre seguir subiendo en su nuevo trabajo o unirse a la causa de las únicas personas que han sido sus verdaderos amigos.

Keith Stanfield es un actor que se ha destacado por establecer un tipo de personaje que se presenta tímido o introvertido, pero que cuando se debe enfrentar a algo o alguien siempre lo hace de una manera inolvidable (nunca olvidaremos su personaje en "Get Out"). Y así mismo sucede en esta ocasión donde no solo crea a una persona tridimensional en Cash, sino también que lo va cambiando a paso de bebé y que lo hace creíble. Que no solo se trata de adaptarse a su nuevo trabajo y su nueva vida, sino también como él mismo trata de cambiar este nuevo mundo del que es parte.

Es importante resaltar que la realidad de la película es completamente exagerada: aquí no se trata de que tan reales son los hechos, sino que tan satíricos pueden llegar a ser. A pesar de estar narrando una situación global, Boots Riley crea personajes elocuentes a su manera y acciones que sólo tienen lógica en este mundo. Parecerán demasiado alocadas e inesperadas, pero lo que en realidad hace es romper con el estereotipo de que los tráilers cuentan todo. 

Del mismo modo, cuenta con una fotografía muy peculiar, donde el principal aspecto a resaltar son las emociones y locuras de sus personajes, pero a la vez las locuras del mundo en el que viven. Mientras tanto, la banda sonora le da un aspecto de video musical o videos de campaña, queriendo hacer meschandizing de las mismas ideologías de la película.

Aunque es una película sumamente irregular, es lo suficientemente original y rara para sobresalir en el mercado. Sorry to Bother You es alocada y ambiciosa donde los momentos más ridículos tienen su pizca de realidad, mostrándonos una versión distorsionada y paranoica de la época actual.