Crítica Cinéfila: One Battle After Another

Cuando su principal enemigo resurge después de 16 años, una banda de ex revolucionarios se pone de nuevo en contacto para rescatar a la hija de uno de los suyos, encarnado por Leonardo DiCaprio. 

El director Paul Thomas Anderson solo ha dirigido cuatro películas ambientadas en la actualidad. Salvo un puñado de ellas y una encantadora escapada al Reino Unido, ha dedicado su carrera a hurgar en los olvidos de la historia estadounidense, explorando a sus locos y profetas, a sus almas perdidas que se tambalean en los conmocionados días de la posguerra. La fiesta del fin del mundo de Boogie Nights dio paso al horror primigenio de "There Will Be Blood", luego al retrato de "The Master" del hambre espiritual de mediados del siglo XX, y finalmente al agotamiento hippie de "Inherent Vice". Tras dedicar un tiempo a los asuntos del corazón en "Phantom Thread" de 2017, Anderson decidió revisitar el Los Ángeles de los años 70 de Boogie Nights, solo que a través del prisma sentimental de "Licorice Pizza". De alguna manera, había cerrado el círculo, lo que le permitió dar la vuelta y afrontar la realidad que se le venía encima. 

En cierto punto, el aparente apego de Anderson al pasado se hizo tan evidente que empezó a parecer como si estuviera desconcertado, asustado y/o abrumado con el mundo moderno hasta cierto punto y, por lo tanto, posiblemente menos relevante para él. Así nos dispara con “One Battle After Another”, cuyo poder y misericordia residen en cómo funciona simultáneamente como una volcada demoledora en esa línea de ataque y una rendición sincera a sus méritos.

Vagamente abstraída de "Vineland" de Thomas Pynchon, ambientada en 1984, pero deseosa de reflejar una variedad de avances post-Reagan en el etnofascismo (la acción comienza en un hoy reconocible antes de saltar 16 años hacia adelante a un mañana claramente inalterado), esta comedia-thriller paranoica, propulsiva, hilarante y abrumadoramente tierna, un éxito de taquilla de persecuciones automovilísticas, no solo mira a la cara a un país destrozado con su relato ya profético de centros de detención de inmigrantes, caricaturas nacionalistas blancas y pretensiones absurdas para desplegar al ejército en ciudades santuario. También es la primera película de su tamaño que cristaliza con precisión lo jodidamente ansioso que se siente estar vivo en este momento, que captura la caricatura de la realidad estadounidense y proporciona una hoja de ruta convincente sobre cómo podríamos sobrevivir a ella. ¿Y cómo logra eso su cineasta, un niño prodigio apasionado, ahora padre de cuatro hijos a los 55 años? Sencillo: cae desde 12 metros del tejado de un edificio de apartamentos y cae justo sobre la hoja de su propia espada. 

Anderson siempre se ha sentido atraído por el autodescubrimiento; por la desgarradora búsqueda de un lugar y una permanencia en un mundo en constante cambio bajo nuestros pies. Dirk Diggler, el niño de preguntas Donnie Smith, Lancaster Dodd y el niño de mamá Reynolds Woodcock son solo algunos de los personajes inmortales que ha creado a lo largo de las últimas tres décadas, todos ellos inamoviblemente anclados a vidas pasadas que los arrastran hacia el futuro. Con "One Battle After Another", Anderson admite que no se diferencia de sus creaciones más perdurables. Con el tiempo, quizá ninguno de nosotros lo sea. 

Si bien Anderson nunca se ha estancado ni ha buscado con tristeza su antigua gloria (al contrario, su obra, que cambia de forma, es notable por su vitalidad ilimitada), Hollywood se ha derrumbado a su alrededor a pesar de sus esfuerzos por preservar la magia del celuloide. A pesar de ello, ha persistido, haciendo lo suyo al margen de un sistema de estudios que se desmorona más rápido de lo que su generación de cineastas puede fortalecerlo con nuevas películas. Sin embargo, su radicalidad formal se vio suavizada por una preferencia emergente por las cosas como eran, aunque solo fuera como un entorno. El pasado puede ser un refugio muy tentador para quienes se sienten frustrados por su incapacidad para cambiar el mundo. 

Pero la revolución se presenta de muchas maneras, y mientras que la nueva epopeya de padre e hija de Anderson implícitamente admite el conservadurismo de envejecer, este grito de guerra de unos 150 millones de dólares es la obra de un artista y un padre decidido a convencerse de que envejecer no tiene por qué ser lo mismo que rendirse. Que mantener viva la lucha es lo más parecido a ganarla. Si bien el espíritu alocado de esta película podría ser trasplantado de una novela de Pynchon de hace 35 años, es la inquebrantable actualidad de esta reinterpretación lo que le permite adoptar la perspectiva a largo plazo de la eterna guerra de Estados Unidos contra sí mismo y articular de manera tan brillante, en palabras de Gary Valentine, lo liberador que puede ser "dejar de usar el tiempo como excusa".

Enfrentando la maldad desenfrenada y la humillación sin fondo de la administración Trump desde sus primeros fotogramas sin necesidad de nombrarlo, "One Battle After Another" comienza a toda velocidad y avanza tan rápido que apenas se puede decir que se mueve en un círculo perfecto. El grupo revolucionario conocido como French 75 está conspirando para liberar a un grupo de migrantes que han sido encarcelados en un centro de detención de California cerca de la frontera con México, y un experto en demoliciones llamado "Ghetto Pat" (Leonardo DiCaprio) está tratando de demostrar su valía al resto de la tripulación. Los fuegos artificiales que lanza sobre el campamento no son las únicas chispas que desencadenará esa noche, ya que la obra de Pat llama la atención de la capitana de French 75, Perfidia Beverly Hills (una Teyana Taylor eruptiva, humeante de celo revolucionario). 

Perfidia es una superviviente nata con una obsesión por el poder imparcial que puede acabar con ella si no tiene cuidado, y eso es precisamente lo que ocurre cuando, tras infiltrarse en la tienda del líder del campo de detención, el coronel Steven J. Lockjaw (un Sean Penn excepcional como un Alfred E. Neuman pretencioso y esteroidal), le ordena al militar que se ponga en plena posición antes de soltarlo. Esa decisión incita una doble pasión sexual que obliga a Lockjaw a seguir a los 75 como Pepé Le Pew siguiendo el rastro de feromonas de una gata.

Cada banco que roban o cada oficina de senador antiaborto que vuelan acerca al coronel un paso más a chantajear a Perfidia para que se someta, y cuando finalmente hace su jugada, la subversiva egoísta no duda en salvarse a sí misma. Da igual que ella y Pat acaban de tener una niña, o que esté condenando a sus compañeras revolucionarias —incluida la ultraestoica Deandra (Regina Hall)— a una muerte casi segura. Perfidia está convencida de que ha perdido la batalla de su vida, y su determinación como radical y madre se apaga como un interruptor. 

Cuando la historia retoma una década y media después, el fabricante de bombas antes conocido como Ghetto Pat ha renacido como el autodenominado "amante de las drogas y el alcohol" Bob Ferguson en el enclave boscoso de Baktan Cross, donde pasa la mayor parte del tiempo sentado en casa en bata, volándose los sesos con mala hierba y rumiando impotente sobre cómo proteger a su hija adolescente Willa de un pasado que se siente más como un delirio paranoico. No hay tal suerte: el coronel Lockjaw, ahora envejecido como un nabo humano camina como una ametralladora que ha sido embestida, mientras está siendo considerado para unirse a una camarilla de élite de adoradores hiperracistas y no descansará hasta eliminar a cualquiera que sepa que una vez tuvo relaciones sexuales con una mujer negra. No pasa mucho tiempo hasta que todo el peso del ejército cae sobre Baktan Cross bajo el disfraz de un abuso de poder más rutinario, y Bob se encuentra en riesgo de perder a su hija.

La chica es interpretada por Chase Infiniti, una recién llegada, con un magnetismo propio. Su actuación inspira una extraña especie de orgullo secundario y recompensa con creces los años que Anderson tardó en encontrarla. DiCaprio es algo menos revelador (aunque es raro verlo ser padre, a diferencia de un personaje que casualmente tiene hijos), pero el tipo trabaja con poca frecuencia —y a un nivel tan asombrosamente alto— que cada vez que reaparece se siente como una revelación en sí misma. 

Bob, un drogadicto maniaco y preso del pánico que corretea por la película en bata abierta mientras se toma latas frescas de Modelo como si fuera Gatorade, quizá no esté tan ido como el personaje de Pynchon en el que se basa, pero la "vaselina de la juventud" se ha formado sobre sus ojos inyectados en sangre de forma muy similar. Es profunda, constante y entrañablemente divertido verlo hacer de Forrest Gump todo lo que sigue a la llegada de Lockjaw a Baktan Cross, desde una redada glorificada de ICE hasta una persecución en coche inspirada en "Vanishing Point". La actuación ensangrentada de DiCaprio inmortaliza aún más al antiguo galán como el bufón más talentoso del cine moderno, pero aquí —colaborando por primera vez con Anderson, quien prodiga el mismo amor y atención a sus extras que a sus estrellas— el irritable genio cómico del actor encuentra una nueva dimensión a través de la deferencia natural de su personaje. 

Bob es a la vez el centro de la acción y un elemento secundario, como una tira de papel tapiz que se despega y se integra perfectamente con el fondo cuando no se está despegando. Esa dinámica resulta esencial para un segundo acto emocionante que coloca a Bob, junto con varias familias mexicanas indocumentadas, al cuidado del maestro de karate residente y protector sagrado de Baktan Cross en medio de un enfrentamiento gubernamental en todo el pueblo. Un contraste espectacular para el Bob permanentemente aturdido de DiCaprio, es el sereno Sensei de Benicio del Toro y su enfoque zen ante la amenaza que representan las fuerzas de Lockjaw, emergiendo gradualmente como el ethos desafiante de la película. "Hemos estado asediados durante cientos de años", dice con una respiración constante. "Olas del océano". 

Aquí, esas olas finalmente culminan en un río de colinas, mientras finaliza con una persecución en coche por los montículos ciegos de la Carretera 78 en Borrego Springs. Como todo en la película de Anderson, la acción vehicular es simple, fascinante, veloz y perfectamente expresiva. Esa velocidad vertiginosa resulta esencial para una película que oscila entre el delirio slapstick y la cruda realidad incluso más rápido que la banda sonora de Jonny Greenwood, que impulsa la acción con una implacabilidad al estilo de "Magnolia", mientras sus escalas de piano staccato se sumergen en el estruendo de los violines, como gotas de lluvia engullidas por un tsunami. 

"One Battle After Another" puede que sea una de las películas más absurdas que Anderson haya hecho, pero es innegable la sinceridad de sus horrores, ni la lucidez con la que diagnostica la pequeñez de los hombres que los infligen a los inocentes y vulnerables.

Salman Rushdie argumentó en "Vineland" sobre lo que Estados Unidos le ha estado haciendo a sus hijos. Por lo que "One Battle After Another" podría describirse como una película sobre por qué la gente sigue haciéndolas de todos modos, incluso mientras "la represión continúa ampliándose y profundizándose sin importar quiénes ocupen el poder". Bob y Willa solo comparten una escena antes de que "otra batalla" se interponga entre ellos, pero es una pequeña obra maestra de desconexión intergeneracional, con un humor espléndido, ya que el padre, aterrorizado, está demasiado aturdido por el miedo a perder a su hija como para apreciar lo bien que ella ha aprendido a compensar sus fracasos. 

Bob está tan enterrado en su propio pasado que se niega a involucrarse con el presente de su hija, pero mientras corre por la segunda mitad de esta película en busca de Willa, Anderson convierte al antiguo renegado en un emblema viviente de la verdad eterna de toda paternidad: tener hijos es lo más valiente que una persona puede hacer en un mundo que se vuelve más pernicioso cada día, pero criarlos significa estar aterrorizado cada minuto de vigilia por el resto de su vida natural. 

Tanto sobre la paternidad como "Phantom Thread" sobre el matrimonio, la última película de Anderson está impregnada de un miedo que está completamente ausente de la suprema confianza de su forma. Es un recordatorio incomparablemente reconfortante de que incluso los artistas más inmortales de hoy pueden morir de miedo ante la idea de que sus hijos luchen las mismas batallas que ellos. Batallas que un miembro de la Generación X como Anderson no puede evitar mirar a su alrededor y sentir que ha perdido. Un día estás detonando C4 dentro de un centro de detención del gobierno y al siguiente estás enviando a tu hija al baile del colegio con un dispositivo de rastreo de la Guerra Fría en el bolso. "El tiempo no existe", dice alguien en un momento crucial, "pero nos controla de todos modos". 

Sea como fuese, la emotividad sigilosa pero inmensa —y sorprendentemente optimista— de “One Battle After Another” se basa en la determinación liberadora que Anderson extrae del terror de envejecer. De la ira de un conservadurismo cada vez mayor. De la culpa de no poder romper el ciclo y convertir una película circular como esta en una línea recta. 

Bob no logra absolutamente nada durante su frenética búsqueda de Willa, pero al no poder proteger a su hija de los arrepentimientos de su pasado, descubre que ella es la mejor combinación de sus padres, y más que capaz de enfrentarse a los mismos demonios que lo dejaron tan paranoico. Que ella es la respuesta a sus miedos, no la personificación de ellos. Que criar hijos puede ser una revolución en sí misma si se hace bien, una que no necesita ser televisada porque tiene lugar en la relativa comodidad de tu propio hogar. El tiempo no es una excusa, sugiere esta magnífica película, es una guerra de desgaste. Y al unirse a su hija en el presente por primera vez desde que nació, Bob podría llegar a comprender que siempre ha estado del lado ganador. 

Crítica Cinéfila: En el Barro

Cinco presas forjan un vínculo único tras un accidente mortal, pero la corrupción y las luchas de poder de la cárcel amenazan con separarlas. Spin-off de 'El marginal'.

La prisión ha sido un ambiente utilizado con frecuencia para servir de universo de una serie. Pero una de las prisiones más desoladoras está en la serie argentina "En el Barro".

La serie inicia con siete mujeres subiendo a la parte trasera de una camioneta de alta seguridad. Cada una está presa por una razón muy particular, pero todas tienen en común que es su primera vez enfrentándose al sistema de justicia penal argentino. Durante el traslado a la penitenciaría de mujeres de La Quebrada, la camioneta y su convoy de protección sufren una emboscada, adentrándose en un río y hundiéndose rápidamente cuando la parte trasera explota y una de las siete mujeres es rescatada por sus cómplices. Una de las detenidas, Gladys Guerra (Ana Garibaldi), logra encontrar la llave y quitarles las esposas a otras cuatro mujeres, pero una se queda atrás y se ahoga. Las cinco sobrevivientes se arrastran hasta tierra, cubiertas de barro. De ahí va el nombre de la serie, pero se pudiese conectar también a muchas de las acciones internas de la prisión que tendrán que sobrellevar.

Gladys y las otras mujeres —Olga Giuliani (Erika de Sautu Riestra), Marina Delorsi (Valentina Zenere), Yael Rubial (Carolina Ramírez) y Solita Rodríguez (Camila Peralta)— son enviadas a La Quebrada tras recibir el alta médica, pero el incidente ha sido noticia en todos los medios, y las reclusas se enteran al llegar. La directora de la prisión, Cecilia Moranzón (Rita Cortese), también es llamada a trabajar, quien en ese momento, está invitando a cenar a una reclusa embarazada. Las mujeres se integran a la población carcelaria tras el examen médico; Yael va a la sección de Familias, donde hay reclusas embarazadas y niños de otras reclusas correteando. Gladys y Marina son enviadas al pabellón central. Olga y Solita son enviadas al pabellón dirigido por una mujer llamada La Zurda (Lorena Vega); ella está a cargo de un centro de pornografía allí, y cuenta con recursos como teléfonos y wifi. Le pregunta específicamente a Olga, cirujana plástica, si puede realizar cirugías de rejuvenecimiento vaginal a sus "hijas".

Cecilia informa a María (Cecilia Rossetto), una de las reclusas más veteranas y poderosas, que su sobrina fue la prisionera que se ahogó durante la emboscada. Claro que ahora María jura vengarse de las cinco supervivientes que ahora forman parte de la población. También se ha ganado la enemistad de La Zurda, quien se irrita por el acuerdo que María ha cerrado con Cecilia sobre suministros y medicamentos, básicamente porque no reciben una compensación proporcional a lo que aportan al fondo. Mientras tanto, Gladys no se deja intimidar por María ni por nadie más, dada su posición en la familia Borges, la cual niega abiertamente. Cecilia, sin embargo, sabe exactamente quién es.

La idea es que estas cinco mujeres se unan gracias a su experiencia colectiva en el río y descubran cómo operar el sistema, dividido entre varias "tribus" con intereses contrapuestos. Gladys, obviamente, será el centro de atención, dado que es básicamente una de las líderes de la familia Borges, y su poder externo le permitirá ejercerlo internamente. Parte de esa fuerza de voluntad se usará para proteger a las otras cuatro mujeres, pero eso sin duda chocará con otras personas con poder en la prisión, como María y Cecilia.

En su superficie, "En el Barro" me recuerda mucho a "Orange Is The New Black" y "Vis a vis", pero mucho más sombrío. Sin embargo, en la medida que uno se adentra a la cárcel de mujeres, pero más allá de eso y de las escenas de las reclusas en la ducha, no se parece en nada a esas series. En La Quebrada ocurren cosas realmente turbias, y no todas tienen que ver con las reclusas. 

"En el Barro" es una serie bastante oscura, y puede que no sea para todos, pero ha logrado presentar a los personajes principales y cómo se desenvolverán en una de las prisiones más desoladoras que se han visto en televisión en mucho tiempo.

Crítica Cinéfila: El Jardinero, 1ra temporada

La historia de Elmer y de su controladora madre, La China Jurado, gestora de un vivero que hace de tapadera de un próspero negocio clandestino de asesinatos por encargo. Para Elmer, matar es la cosa más fácil del mundo, pues un accidente le privó de sentimientos. Sin embargo, cuando planea el asesinato de la encantadora Violeta, una maestra de guardería, se enamora de ella. Ahora, Elmer debe aprender a amar mientras su madre hace todo lo posible para acabar con la vida de Violeta.

Quien ha conocido el amor sabe que es una de las drogas más adictivas y el arma más poderosa del mundo. Y aunque no crea que le llegará su oportunidad de sentirla, quizás es porque todavía no ha encontrado a la persona correcta. Porque hasta este protagonista, un joven que sufre alexitimia, la incapacidad de sentir emociones desde los seis años, se le cruza la chica de sus sueños un día, y el grado de su enfermedad no solo disminuye sino que le trasforma por dentro. A Elmer, un chico tímido y que aprendió a expresar las emociones gracias a las enseñanzas de su madre, le da un vuelco el corazón al encontrar por primera vez unos sentimientos tan fuertes en su interior. Sentimientos que no llegaba a comprender, y que muchas veces no alcanzaba a expresar verbalmente. Ahora, no solo debe aprender a aceptar ciertos aspectos de su vida sino también decidir sobre su propio futuro. "El Jardinero", la nueva serie española de Netflix protagonizada por Álvaro Rico, Cecilia Suárez y Catalina Sopelana, es una historia de amor imprevisible entre el asesino y su víctima que pretende dar una vuelta al cine negro y noir, yendo de menos a más y conquistando al público de ambos géneros.

La premisa de la ficción de seis capítulos, creada por Miguel Sáez Carral ("Ni una más") y coescrita junto a Isa Sánchez ("Ni una más"), no recuerda a ninguna otra serie. Álvaro Rico se mete en la piel de Elmer, un joven manipulable al que su madre, La China Jurado (Cecilia Suárez) utiliza como un asesino profesional. Ella es la gestora de un vivero que usa a su vez de tapadera de un próspero negocio clandestino de asesinatos por encargo. A causa de un accidente de coche que tuvo con tan solo seis años, Elmer es incapaz de sentir nada, lo que hace que matar sea fácil para él. Sin embargo, cuando planea el asesinato de la encantadora Violeta (Catalina Sopelana), una maestra de guardería, se enamora de ella. Ahora, Elmer debe aprender a amar mientras su madre hace todo lo posible para acabar con la vida de Violeta. 

Bajo este argumento se desarrolla una historia muy atractiva, compleja e intrigante, cuya narración va por dos vertientes: la principal, cómo su madre le usa como sicario para ganar dinero y así poder regresar juntos a México. Y la paralela, el relato de amor entre ambos jóvenes. Tanto Álvaro Rico como Cecilia Suárez y Catalina Sopelana han hecho un excelente trabajo de interpretación para sacar adelante personajes complejos y enigmáticos. Destaca especialmente la puesta en escena de Rico que para enfocar lo misterioso de su papel, los directores Mikel Rueda (Veneno) y Rafa Montesinos (El Inmortal), se apoyaron de abundantes planos cortos para así acercar al espectador al trauma por el que pasa el protagonista, reflejado en sus ojos, así como en la expresión fría y fija de su cara. Todo ello dice mucho más que cuando habla. Más allá de las peculiaridades del personaje y la versatilidad, el actor manchego vuelve a plantarle cara a nuevo a un personaje con un toque oscuro, incluso criminal. Saltó a la fama con el papel de Polo, el niño pijo y autor del crimen en torno al que giraban las tres primeras temporadas de Élite, y le siguió el de Jacobo en Alba, donde se metió en la piel de un violador.

Por su parte, Suárez, quien pone cara a la controladora madre de Elmer, es otro personaje muy poliédrico, ya que tiene muchas aristas debido a su pasado turbio. Puede llegar a ser muy manipuladora, no solo con su hijo, sino también con sus clientes, con tal de salirse con la suya, para así construir un futuro en México donde pueda vivir en libertad, puesto que el presente no le convence del todo. Si algo tiene en común con su icónica representación de Paulina de la Mora en "La casa de las flores", es que es igual de excéntrica que ella. También se preocupa (demasiado) por Elmer, y a veces antepone la estabilidad del negocio a la propia felicidad de su progenitor. Con su sola presencia en escena es capaz de generar que uno piense automáticamente qué es lo que está maquinando.

Sopelana completa el trío de protagonistas al interpretar a Violeta, una encantadora profesora de guardería que se convierte en el blanco de Elmer, pero que, con el tiempo, comienza a desarrollar sentimientos por ella, lo que le hace incapaz acabar con su vida. Lo interesante de este personaje es que empieza de una manera y va cambiando según avanzan los capítulos. Y es que tiene mucha luz, pero a su vez también oculta mucha oscuridad. Sirve de bisagra no solo de la historia de amor con el personaje de Álvaro Rico, sino también de una paralela en la que la actriz Emma Suárez juega un punto muy interesante. Junto a ellos, también están los gallegos María Vázquez y Francis Lorenzo, que hacen de policías que llevan a cabo la investigación sobre las personas que hace desaparecer misteriosamente Elmer. Ivan Massagué e Isabel Garrido también forman parte del resto del elenco. 

No obstante, a pesar de que el elenco principal lo formen, cómo no, personas reales, cabe hacer mención especial a la ambientación. Rafa García, director de fotografía, ha conseguido que los escenarios tanto de la costa como del interior de Galicia se conviertan en un personaje más de la ficción. En este caso, la naturaleza aporta casi todo lo que necesita la serie para transmitir al espectador esa calma, tenebrosidad, oscuridad y belleza propia de un thriller romántico.

En contraposición del amor romántico se encuentra el amor maternal. Ese que une instintivamente a la madre desde la gestación a través del cordón umbilical. Lo interesante de esta ficción es que a través de sus seis capítulos habla de esa maternidad enfermiza y sobreprotectora, que se mete en los requiebros del alma humana. Si se lleva al extremo se podría asemejar a la relación que tenía el personaje de Norman Bates con su madre en la película Psicosis (Aldred Hitchcock, 1969). La China sería capaz de hacer cualquier cosa para hacer desaparecer a esa joven que tiene atrapado a su hijo y que no solo le ha cambiado la vida, sino que pone en peligro la de ambos.

Por todos estos ingredientes y otros que no se pueden desvelar, esta es una trama con abundantes dosis de drama, suspense y amor que vale la pena y el tiempo de visualización. Un thriller que, por la adecuada duración de sus episodios, se vuelve bastante adictivo y deja con ganas de saber qué va a pasar cuando finaliza un episodio. 

Crítica Cinéfila: American Murder - Gabby Petito

En agosto de 2021, Gabby Petito, de 22 años, fue asesinada por su prometido, Brian Laundrie, mientras la joven pareja realizaba un viaje por carretera de cuatro meses a través de Estados Unidos documentando su "vida en furgoneta" en las redes sociales. Dos meses después, se descubrió que Laundrie había muerto de una herida de bala autoinfligida y se sospechó que sus padres habían ayudado a encubrir el asesinato. ¿Qué pasó en los últimos días de vida de Gabby Petito? En esta serie de crímenes reales, sus allegados cuentan la historia inédita de su trágico asesinato.

A veces, las personas más felices en las redes sociales tienen el pasado más oscuro. Todos hemos visto a parejas publicando en Internet lo maravillosas que son las cosas entre ellos, cuando sus seres más queridos saben que probablemente no sea así. Estas historias no son aisladas; las identidades digitales suelen ser una versión idílica de lo mejor que nuestras vidas tienen para ofrecer, en lugar de un reflejo crudo e íntimo de la realidad.

Quizás en ningún otro lugar se ejemplifique mejor eso que con la muerte de Gabby Petito. Gabby, una aspirante a vlogger, termina en un romance vertiginoso con su prometido Brian Christopher Laundrie. A pesar de que las redes sociales muestran que todo está bien entre la pareja, en realidad es todo lo contrario. La nueva serie documental de tres partes de Netflix examina el caso de Gabby Petito de principio a fin, con una edición elegante y muchas entrevistas reveladoras a lo largo del camino. 

Después de algunas imágenes escalofriantes de las cámaras corporales de la policía, el documental da un salto atrás, detallando la vida de Gabby y pintando un retrato escalofriante de la relación de Gabby con Brian. Una vez aislada de sus amigos y familiares, las imágenes se centran más en los mensajes de texto que Gabby envía, todo mientras muestra más a la familia Laundrie y el posterior viaje por carretera que resultaría ser el último viaje de Gabby.

Para quienes no conocen el caso, la relación entre Gabby y Brian no era para nada idílica. La pareja terminó teniendo muchas discusiones, especialmente a medida que avanzamos hacia 2021, donde Brian muestra algunas grandes señales de alerta. Hay una imagen particularmente impactantes del ojo de Gabby hinchado y amoratado, y también vemos mensajes de texto que huelen a ansiedad e inseguridad de Brian con respecto a la creciente independencia de Gabby.

Muchas veces, en el caso de la violencia doméstica y el abuso, la víctima va desgastándose muy lentamente. Los comentarios indirectos sobre lo inútil que eres se convierten en algo habitual, una bofetada o un puñetazo pronto se convierten en un patrón de abuso y, durante todo ese tiempo, se hace creer a la víctima que, de alguna manera, se lo merece o que fue su culpa.  Quizás en ningún otro lugar se hace más evidente esto que en las escalofriantes imágenes de Gabby sollozando en su camioneta después de una discusión con Brian. La policía lo atribuye a violencia doméstica, pero la clasifica como la agresora, a pesar de que está visiblemente angustiada y Brian bromea con la policía. Quizás esto, más que cualquier otra cosa, marca el tono del caso que sigue. Y probablemente explica por qué esto se muestra varias veces a lo largo de la serie.

Si alguna vez hubo dudas sobre las motivaciones y la psique de Brian, el segundo episodio se centra en examinar más a la familia de Brian y un poco de su pasado, antes de pasar al último viaje que hacen los dos. Los detalles sobre la vida de Brian son bastante imprecisos, principalmente porque su familia se ha negado a participar en este documental después de contratar a un abogado. En cambio, se ven imágenes en bruto que no se han subido al canal de YouTube de Gabby, junto con el material de investigación posterior, que sirve para averiguar qué sucedió.

A diferencia de la película de Peacock que se estrenó hace tres años, "El asesinato de Gabby Petito", el aspecto de las redes sociales que incluía a detectives en ciernes en línea no recibe tanta atención. En cambio, se ven pequeños videos de TikTok o fragmentos de Instagram, reforzados por entrevistas de quienes tienen evidencia crucial, solo para confirmar su papel en este caso. Además de todo esto, la serie también incluye una gran cantidad de información de pings de teléfonos celulares, diagramas y mapas, junto con una inmersión profunda en el aspecto tecnológico del caso, incluidas imágenes de CCTV.

En cuanto a los detalles, si has visto otros documentales de American Murder en Netflix, como el excelente análisis del asesinato de Laci Peterson del año pasado, este es igual de impactante y profundo. De hecho, esta es quizás la mejor versión del caso de Gabby Petito que se podría pedir. Si busca un documental convincente sobre crímenes reales, no puede equivocarse con la selección de Netflix, y "American Murder: Gabby Petito" es otra sólida propuesta en esa categoría.

Crítica Cinéfila: La Máquina

Después de una pérdida devastadora, Esteban “La Máquina” Osuna atraviesa un mal momento en su carrera de boxeador. Por suerte para él, su manager y mejor amigo Andy Luján está decidido a que recupere su gloria pasada. Pero cuando una perversa organización aparece en escena, la pelea de revancha se vuelve mortalmente peligrosa. Mientras lucha por relanzar su carrera, Esteban debe al mismo tiempo lidiar con sus propios demonios personales y proteger a su familia, que incluye a su exesposa Irasema, una periodista que se encuentra a punto de colisionar con el lado oscuro del mundo del boxeo.

En varios aspectos narrativos, "La Máquina" se siente como una serie mexicana que es adaptada de una versión original gringa o europea. Pero la conspiración deportiva/thriller con tono cómico melodramático que desafía el género podría encontrar una audiencia más grande con su ritmo mayormente rápido y su variedad de giros razonablemente inesperados, así como con su siempre bienvenida reunión de viejos amigos, colaboradores y socios de producción Gael García Bernal y Diego Luna , cuyo poder estelar lleva fácilmente esta miniserie de seis partes.

Bernal interpreta a Esteban “La Máquina” Osuna, una leyenda del boxeo mexicano que se acerca al final de una carrera condecorada después de un abrupto nocaut en el primer asalto. Esteban, un drogadicto en recuperación que sufre el efecto de más de 70 peleas profesionales, está ansioso por recomponer su vida después de divorciarse de la despampanante periodista Irasema (Eiza González).

Pero Andy (Luna), el amigo y manager de Esteban obsesionado con el Botox, está decidido a traer a La Máquina de regreso al ring para una revancha, una repetición que podría lanzarlo a un nuevo nivel de fama, o bien envolverlo en un complot de largo alcance que pone su vida y las vidas de todos sus seres queridos en peligro.

Las cosas se complican aún más cuando Irasema comienza a investigar un caso que involucra a algunas de las instituciones más poderosas del México loco por el boxeo, y cuando las décadas de trauma neurológico acumulado en Esteban lo dejan luchando por distinguir entre la realidad, la fantasía y los oscuros secretos de su pasado.

"La Máquina" no es una telenovela en cuanto a estilo y estructura, aunque la legendaria del formato Lucía Méndez ofrece una actuación agradablemente pícara y que se come el escenario como la madre controladora de Andy. Pero guiada por el creador Marco Ramírez ("Daredevil" de Netflix ), hace algo que las mejores telenovelas hacen: tirar por la ventana las reglas de clasificación tradicional. Es una comedia de amigos y es un drama problemático y realista sobre la explotación y la corrupción en la industria del boxeo mexicano. Tiene rastros de romance, aunque Dariam Coco como la nueva novia de Esteban es quizás el activo menos servido de la serie, y tiene momentos de tensión y violencia elevadas.

El director Gabriel Ripstein ("Narcos") es el encargado de controlar el tono y, en general, lo hace bien. El estreno, que mete al menos tres o cuatro horas de acción en 52 minutos, es el menos exitoso de los seis episodios. Incluye dos combates de boxeo cruciales (uno de ellos se muestra ampliamente en pantalla, mientras que el resultado del otro se revela solo en un corte abrupto) y sus montajes de entrenamiento que lo acompañan, al tiempo que nos presenta a la mayoría del elenco y siembra la mayoría de los hilos serializados en curso. Es entretenido, pero de una manera entrecortada y apresurada. 

A partir de ahí, sin embargo, "La Máquina" hace algo muy inusual para las series de streaming y cable: sigue expandiendo su mundo a medida que desarrolla su historia, y aun así los episodios se vuelven más cortos, más centrados y más seguros. Los personajes que comienzan siendo tontos y caricaturescos se vuelven conmovedores. Las decisiones adquieren consecuencias viscerales y rápidamente recompensadas. Los misterios se vuelven demasiado misteriosos. Una vez uno llega al quinto episodio, es difícil predecir cómo se resolverían las tramas más importantes de la temporada en el final, incluso después de un capítulo que ata muy bien algunos conflictos cruciales basados ​​en los personajes.

Igualmente importantes para reconciliar los elementos dispares de la serie son Bernal y, especialmente, Luna. En manos de la mayoría de los actores, Andy sería un personaje tonto, en particular dadas las capas de maquillaje y prótesis que se utilizan para capturar su vanidad en pos de la juventud. Y Luna no tiene miedo de hacerlo ridículo, en particular en una escena de creciente humillación ambientada en un evento por lo demás sombrío. Sin embargo, incluso mientras acepta los labios inflados de Andy, el peluquín despeinado y el bronceado de maniquí, Luna encuentra constantemente lo que es trágico en este hombre que quiere ser un buen gerente, amigo, esposo y madera de padre, pero se encuentra fracasando en cada una de ellas.

Bernal, que se entregó por completo a un tipo diferente de lucha física en la película biográfica de lucha libre "Cassandro", no es tan convincente con el lado boxístico de "La Máquina". Pero si los guantes se ven demasiado grandes y su juego de pies se siente demasiado lento, eso simplemente subraya lo pasado del mejor momento de Esteban. Es en las sienes canosas y los ojos fugaces e inseguros donde Bernal ubica la tristeza y la decencia inestable de su personaje.

Si juntamos a Bernal y Luna, son dinamita como siempre. Además, elevan a todos los que los rodean, especialmente a González, que exhibe una ferocidad herida que sus actuaciones en inglés rara vez han explotado. El hecho de que Irasema sea periodista y parte proactiva del desenlace de la conspiración, en lugar de solo una ex que sufre desde hace mucho tiempo, también es una elección inteligente, aunque esa es la historia que parece tener menos probabilidades de dar sus frutos en un final presumiblemente apresurado.

Además de esas tres estrellas principales, La Máquina cuenta con un sólido trabajo de reparto por parte de Andrés Delgado como el extraño cuñado de Andy, Saúl; Karina Gidi como la esposa de Andy, Carlota, en otra parte del espectáculo que se mueve entre el humor y el patetismo; y Jorge Perugorría, que de manera divertida rompe las expectativas como Sixto, el entrenador de Esteban.

Algunos que se encariñen con la historia querrán que "La Máquina" tuviese más de seis episodios para contarse. Intenta hacer tantas cosas, y supongo que algunas de sus facetas más desafiantes (los efectos de la encefalopatía traumática crónica en los boxeadores, la lucha de clases que forma parte del romance de un siglo de México con la dulce ciencia, las subtramas románticas y periodísticas antes mencionadas) podrían perderse en diversos grados. Pero seis episodios son suficientes para ver cómo esta narrativa se iba concretizando, para convertirse en una serie con mucha química y poca predicción.

Crítica Cinéfila: Ni Una Más

Unos días antes de la semana de exámenes finales de segundo de bachillerato, Alma, una adolescente de 17 años, conflictiva, mala estudiante y con baja autoestima, extiende frente a la fachada de su instituto una tela blanca donde la noche anterior ha escrito en grandes letras de color rojo: 'Cuidado. Ahí dentro se esconde un violador'. ¿Cómo y cuándo ha sucedido esa agresión sexual? ¿Quién es ese violador? ¿Quién es la víctima? ¿Es verdad lo que denuncia Alma o es mentira?

“¡Cuidado, ahí dentro se esconde un violador!”. Con esta advertencia arranca sus tramas "Ni una Más", la serie española protagonizada por Nicole Wallace y Clara Galle. Con una potente premisa que coloca al espectador frente a un plan de justicia, la motivación se irá descubriendo a lo largo de los ocho episodios que conforman esta ficción basada en la novela homónima de Miguel Sáez Carral.

El guionista es el responsable también de la adaptación televisiva, que ha escrito en compañía de Isa Sánchez, con un reparto que funciona con solvencia al reunir el talento joven de perfiles más comerciales con otros actores de trayectoria reconocida. Entre ellos, destacan nombres como los de Aïcha Villaverde, Teresa de Mera o Gabriel Guevara en el grupo más joven; y los veteranos Eloy Azorín, Ruth Díaz, Carolina Lapausa o Iván Massagué, entre los adultos. Juntos componen el elenco de la serie, dando vida a padres, alumnos y profesores de un colegio privado de Madrid en el que se desarrolla mayoritariamente la acción. Dos generaciones diferentes para poner el foco en una problemática común: la violencia machista, desde múltiples prismas y a través de diferentes conflictos con los que se examina de algún modo el avance de la sociedad en materia de igualdad. El principal, un posible caso de agresión sexual que llevará al personaje de Alma a dar un paso al frente y colgar una pancarta a las puertas del centro educativo, con el contundente aviso. Un hecho que lo cambiará todo en su entorno.

La joven de 17 años interpretada por Wallace decide alzar la voz en los primeros minutos de la serie, desatándose en ella, y en nosotros al verla, multitud de preguntas a las que se enfrentan cada día las mujeres que se atreven a denunciar cualquier tipo de agresión sexual. ¿Me creerán? ¿Me tomarán en serio? ¿Qué precio tendré que pagar por ello ante una sociedad que todavía hoy demuestra no estar preparada para tomar acción frente a la revictimización? ¿Quién pierde realmente cuando se decide denunciar a un violador? ¿Estaré respaldada social e institucionalmente en un sistema que sigue fallando en el acompañamiento a las víctimas? Y, sobre todo, ¿merecerá la pena?

Probablemente, "Ni una Más" no dé respuestas a muchas de estas cuestiones y, seguramente, ni siquiera lo pretende. Lo que sí deja claro, y es de agradecer, es que en los últimos años se ha venido produciendo un antes y un después en la lucha contra el machismo. En la serie, sorprende ver cómo Alma y sus amigas tienen otro punto de partida, que saben identificar actitudes machistas y opresivas de una forma mucho más inmediata, que hay una serie de comportamientos y acciones que ya no están dispuestas a tolerar. Así, vemos a las protagonistas hablar abiertamente de temas como la sexualización en el mundo de la moda, la toxicidad dentro de las relaciones, o las aspiraciones vitales que les impone el heteropatriarcado. 

Es la combinación de todos estos factores el principal punto fuerte de la serie, condensando en un reducido grupo de personajes, de episodios y de aspectos relacionados con las violencias machistas, la influencia de la pornografía en los jóvenes, la sexualización de los cuerpos femeninos desde muy temprana edad, los peligros de la exposición de los mismos en redes sociales, y a los abusos de poder de hombres a mujeres a la cuestión sobre el consentimiento sexual. Las violencias machistas diseccionadas en tramas que pueden servir de ejemplo para los espectadores y cuyo visionado podría abrir debates necesarios ya en colegios e institutos. 

La sorpresa narrativa llega al ver que hay un enfoque adecuado en las situaciones que plantea la serie, con algún 'pero', primero en la normalización que se hace, sin debate al respecto y más en este exigente contexto de la relación amorosa entre un personaje masculino con con un personaje femenino menor de edad; y después en la falta absoluta de interseccionalidad en los arquetipos de las personas representadas en esta trama.

A nivel formal, "Ni una Más" corre un riesgo debido a su estructura, con múltiples flashbacks y flashforwards que van desentrañando las motivaciones reales de los personajes. El componente de thriller que se le introduce puede hacer tambalear la experiencia que el espectador tenga durante los primeros episodios, exigiéndoles llegar hasta el final, hasta sus últimos dos capítulos, para entender por qué las cosas se han contado como se han contado, por qué los protagonistas han actuado como han actuado. Mientras tanto, esa incomprensión podría agotar a los más impacientes.

Pero es de recibo recalcar que, sobre todo con el trabajo de cinematografía y diseño de producción, "Ni una Más" funciona bien en el género del drama juvenil, al que se le añade además una temática actual y  necesaria en la conversación social. Una ficción que pretende condenar la soledad a la que se enfrentan las denunciantes de violencia machista. Alma, Greta, Nata y Teresa combaten batallas individuales en las que el sistema les hace no plantearse de inicio otra opción que no sea el silencio, ya sea frente al acoso sexual recibido a través de las nuevas tecnologías, ante un novio tóxico que pretende alejarlas de sus amigas, o ante una agresión sexual reiterada sobre la cual nadie lo creería.

La serie decide aprovechar también la oportunidad para reivindicar un conocido caso real, muy similar al que se narra en la ficción: el de Daisy Coleman, una joven estadounidense de 23 años que acabó suicidándose en agosto de 2020, marcada por el acoso social que sufrió durante mucho tiempo tras denunciar que fue violada en una fiesta cuando tenía solo 14 años. Su testimonio, recogido años antes de su muerte en el documental de 2016 "Audrey & Daisy", concluye con una necesaria reflexión de la propia Daisy Coleman: “Quiero que la gente defienda a las víctimas de agresiones sexuales. Las palabras de nuestros enemigos no son tan horribles como el silencio de nuestros amigos”. Es decir, escuchar, comprender, acompañar y, sobre todo, alzar la voz para gritar: Ni una más.

Crítica Cinéfila: Eric

Nueva York años 80. Narra la búsqueda desesperada que emprende un padre cuando Edgar, su hijo de nueve años, desaparece por la mañana de camino al colegio. A Vincent, uno de los marionetistas más destacados de Nueva York y creador de una popularísima serie televisiva infantil, le cuesta horrores lidiar con la pérdida de Edgar y está cada vez más angustiado e inestable. Se odia a sí mismo y se culpa de la desaparición. En ese estado, se aferra a los dibujos que hacía su hijo de un monstruo azul, una marioneta llamada Eric, convencido de que si logra que Eric salga por la tele, Edgar volverá a casa. 

En la serie limitada de Netflix "Eric", del guionista Abi Morgan ("Shame", "The Hour"), el famoso titiritero Vincent Anderson (Benedict Cumberbatch) y su esposa, Cassie (Gaby Hoffmann), se ven obligados a lidiar con lo que puede ser la pesadilla de cualquier padre: la desaparición de su hijo de 9 años, Edgar (Ivan Morris Howe). Mientras Cassie se apoya en el detective de la policía de Nueva York encargado del Equipo de Personas Desaparecidas, Michael Ledroit (McKinley Belcher III), Vincent comienza a desmoronarse. Desesperado por encontrar a Edgar, se vuelve cada vez más volátil a medida que se obsesiona con los dibujos realizados por su hijo, inspirándole a crear un monstruo títere llamado Eric. Aunque en primera instancia la serie visibiliza cómo Vincent está convencido de que Edgar regresará a casa si logra darle vida a Eric, va más allá proyectando la angustia de los casos de personas desaparecidas. “Eric” obliga a su audiencia a mirarse en el espejo y enfrentar la intolerancia y los prejuicios que utilizamos como armas unos contra otros.

“Eric” comienza en 1985, 48 horas después de la desaparición de Edgar. Los Anderson se sientan en una mesa frente a la prensa, suplicando al público el regreso de su hijo. A instancias de un detective, Vincent se inclina hacia el micrófono y dice: "Edgar, si estás viendo esto... lo siento, amigo". Este inquietante mensaje permanece en el aire mientras la serie retrocede en el tiempo hasta dos días antes. Edgar deambula detrás del escenario del popular programa infantil de Vincent, "Good Day Sunshine". La personalidad de Vincent, sin embargo, no podría estar más reñida con su profesión. Cruel, insensible y desdeñoso, es lo opuesto a alegre. A medida que el primer episodio avanza hacia la mañana de la desaparición de Edgar, la audiencia descubre que el temperamento de Vincent se extiende más allá del lugar de trabajo y se filtra en la casa que comparte con Cassie y Edgar.

Cuando Edgar no llega a la escuela, Ledroit se encarga del caso. Aún atormentado por un adolescente negro desaparecido, Ledroit se ve impulsado a lograr que los Anderson obtengan un resultado diferente. Esto no es tarea fácil en una ciudad decidida a descartar lo que se considera desagradable, y todos los involucrados en el caso ocultan algo. Mientras Ledroit persigue pistas, frenado por la tecnología inadecuada, la burocracia y su propio dolor, los horrores de las políticas gubernamentales de Nueva York salen a la luz. Queda claro que la mala conducta y la violencia en los niveles más altos son cómplices de dañar a los ciudadanos más jóvenes y vulnerables de la ciudad.

Aunque es extremadamente difícil de ver, “Eric” es excepcional. Hoffmann, en particular, es apasionante en su descripción de una madre que se quiebra bajo el peso de lo que ha perdido y un marido que se niega a conectarse con ella. A lo largo de seis episodios, la serie desentraña los peligros de la adicción y el autodesprecio mientras se centra en los resultados injustos nacidos del racismo, la homofobia y la codicia capitalista. 

Pero hay una cuestión evidente. A medida que Vincent se desquicia, comienza a visualizar a un Eric de la vida real que se burla de él y lo sigue a todas partes. Aunque el peludo monstruo azul es una manifestación del tormento interior del titiritero, es una distracción. El tono de “Eric” es tan áspero y oscuro como su ambientación de la ciudad de Nueva York de los años 80. Por tanto, una versión visualizada del títere socava la tristeza de la serie. Además, Cumberbatch, que regresa a la televisión después de una temporada en películas taquilleras, es capaz de representar la autodestrucción de Vincent sin imponer algo tan literal a la audiencia.

En última instancia, “Eric” es mucho más que un niño desaparecido. La serie gira en torno a la corrupción y la inhumanidad, temas que resonarán en la mente del espectador mucho después del episodio final. Inquietante pero profundo, la serie cuestiona por qué solo a ciertas personas se les permiten finales felices y qué significa eso para aquellos que nunca verán justicia.

Crítica Cinéfila: Bodkin

Un grupo de podcasters se propone investigar la misteriosa desaparición de tres desconocidos en un idílico pueblo irlandés. Pero cuando empiezan a mover los hilos, se encuentran con una historia mucho más grande y extraña de lo que podrían haber imaginado. 

"Bodkin", la nueva serie de misterio y comedia oscura de Netflix sobre podcasts sobre crímenes reales, es una grabación que no debe confundirse con "Slow Burn", el podcast sobre crímenes reales adaptado brevemente como una serie de Epix. Creado por Jez Scharf, que cuenta con "Higher Ground" de Obama entre sus productores y presenta a Will Forte como su estrella más destacada, "Bodkin" es una serie en el que sentí una inversión razonable al final. Pero el efecto acumulativo contradice el hecho de que es una serie que hace un montón de pequeñas cosas bien de manera discreta, en lugar de hacer algo espectacularmente bien a nivel general.

Es una sátira sin grandes risas, un rompecabezas sin muchos giros impactantes y un estudio de personajes, pero de un tipo muy sobrio. Si buscas grandes reacciones ante cualquier cosa, te decepcionarás. Si buscas algunas ideas menores sobre nuestro amor instintivo por la narración voyeurista, algunos escenarios irlandeses inteligentemente interpretados y algunas actuaciones fabulosas (Siobhán Cullen, en particular, debe estar en todo), "Bodkin" lo convierte en un tiro fácil de siete episodios. Mi aprecio por la serie es discreto y apropiado, ya que "Bodkin" tiene una trama con un grupo de narradores que buscan algo llamativo y comercial, solo para encontrar algo más triste y más humano. Se trata de hacer las paces cuando la verdad no cumple con las expectativas y aprender que no todo tiene que ser endulzado con engaños narrativos y sensacionalismo.

Cullen interpreta a Dove, una periodista de investigación de "The Guardian". Su última historia, que involucraba a un denunciante que revelaba secretos sobre el NHS, salió terriblemente mal y ahora ella misma está bajo investigación. Para evitar distracciones, el editor de Dove la envía a la Irlanda rural con una nueva tarea: debe prestar asistencia en un nuevo podcast en el que "The Guardian" se está asociando con un respetado autor de podcasts, Gilbert Power (Forte). Dove odia los podcasts y no respeta especialmente lo que hace Gilbert.

Gilbert es semifamoso, pero no necesariamente es bueno en su trabajo. Tuvo una exitosa temporada de podcasts, una casualidad que cambió su vida, seguida de varios fracasos, pero hay una historia en el pequeño Bodkin que cree que podría rejuvenecer su carrera. 25 años antes, tres personas desaparecieron en medio del festival anual conocido como Samhain. Gilbert cree que la combinación de un misterio sin resolver, algún color local peculiar y posiblemente algunos elementos personales mientras se reconecta con sus raíces irlandesas podría ser un éxito. Él, al igual que Dove, está huyendo de algo en su vida.

El trío periodístico lo completa Emmy (Robyn Cara), una entusiasta investigadora que idolatra tanto a Dove como a Gilbert sin comprender del todo la cruda realidad de sus trabajos. 

Llegan a Bodkin y, después de una breve apreciación de la peculiaridad por excelencia de la ciudad, comienzan a recibir señales de que la historia que Gilbert está dispuesto a contar no es la verdadera historia. Casi todos los episodios de Bodkin comienzan con la voz en off de Gilbert, una serie de tópicos generales: “los cuentos populares son más que simples historias; son una advertencia”; eso resultará familiar para los oyentes habituales de podcasts. Gilbert ha contado y juzgado previamente lo que sucedió en Bodkin en su mente, y está tratando de dirigir la realidad para que coincida con su idea preconcebida.

Los espectadores están atravesando un viaje similar, porque creemos que reconocemos el tipo de comedia negra de pez fuera del agua que Bodkin quiere ser. Al menos durante uno o dos episodios, la serie nos ofrece algo parecido. En este sentido, Forte es una especie de caballo de Troya. Nada en la forma en que interpreta a Gilbert es abiertamente cómico, pero nuestra familiaridad con las versiones del acto de hombre-niño de Forte sugiere que se supone que sí lo es. Por un tiempo, Bodkin pone a Gilbert en el centro y coloca varios personajes secundarios excéntricos y chistosos a su alrededor, en su mayoría reprendiendo suavemente a los podcasts y a las personas que los aman. Pero no es esa historia y no es su historia.

La serie prepara a los espectadores para crescendos de humor y misterio, incluyendo algunos detalles del mundo real: el Acuerdo del Viernes Santo de 1998, pistas relacionadas con los asilos de la Magdalena en Irlanda. La eliminación real de las capas es generalmente menos salvaje, menos divertido, menos provocativo y menos emocionante, pero quizás más emocionalmente fundamentado.

Varias actuaciones, empezando por la de Cullen, mantienen el espectáculo anclado. Ya sea que hayas visto o no a la actriz irlandesa en trabajos televisivos anteriores, ella llama inmediatamente la atención como la parte más divertida de los primeros episodios, y la parte más cruda y dramática de la progresión de la serie. Más que cualquier otro personaje, tiene un arco apreciable. Ya sea que esté usando las innumerables obscenidades de los guiones como arma o ahondando más silenciosamente en el pasado traumático de Dove, Cullen hace que los ritmos respaldados se sientan ganados. Tanto Cullen como Cara pueden jugar en un rango más amplio que Forte, quien se mantiene sincero y efectivamente en todo momento, ingenuo sin ser caricaturesco.

La serie, que cuenta con Nash Edgerton y Bronwen Hughes entre sus principales directores, en general se siente bien gracias a sus bellamente fotografiadas ubicaciones en West Cork y a un profundo elenco de apoyo, encabezado por David Wilmot como un local con una cantidad desproporcionada de secretos, y Fionnula Flanagan como una monja con un número desproporcionado de secretos. Sí, todo el mundo en Bodkin tiene una cantidad desproporcionada de secretos, pero es bastante fácil mantenerlos claros.

"Bodkin" te toma la mano para revelar su misterio, pero no para explicar su mensaje, lo cual también aprecio. Esas voces en off de apertura de Gilbert satirizan la forma en que los podcasts a veces pueden intentar tranquilizar a los fanáticos de que hay lecciones fáciles que extraer del recuento y disfrute de historias trágicas. A veces las hay y a veces no. En "Bodkin", las respuestas son más confusas tanto para el narrador como para el oyente, y para cada personaje, ya que aquí nadie es un héroe o un villano claro. 

Crítica Cinéfila: El Caso Asunta

El 21 de septiembre de 2013 Rosario Porto y Alfonso Basterra denuncian la desaparición de su hija Asunta, cuyo cuerpo es encontrado horas después junto a una carretera a las afueras de Santiago de Compostela. La investigación policial pronto desvela indicios que apuntan a Rosario y Alfonso como posibles autores del crimen. La noticia conmociona a toda la ciudad e incluso al país. ¿Qué puede llevar a unos padres a acabar con la vida de su hija? ¿Qué se esconde detrás de esa fachada de familia perfecta?

Con apenas una semana que llegó a Netflix, "El caso Asunta", la nueva serie de ficción basada en el asesinato de Asunta Basterra en el año 2013, determinó la justicia española que sus padres adoptivos, Rosario Porto y Alfonso Basterra, eran culpables de su asesinato (ambos condenados a 18 años de prisión por un delito de asesinato con la concurrencia del agravante del parentesco). Tras la producción del documental "Lo que la verdad esconde: El caso Asunta", también disponible en Netflix, la serie limitada acerca al público de forma única y profunda a uno de los casos más sobrecogedores y mediáticos de la historia judicial moderna de España. 

"El caso Asunta" fue un episodio muy doloroso y muy reciente para algunos volver a revivir, pero la forma tan elegante en la que se muestra la historia y el cuidado con el que han tratado las cuestiones más escabrosas hacen que sea una serie de calidad cuya máxima, por encima del entretenimiento y el show business, sea el respeto por lo sucedido y los afectados, plasmando la realidad. Se nota que detrás está Ramón Campos, que no solo es el productor ejecutivo y creador de la serie, es una de las personas que probablemente más sabe del caso y más ha investigado al respecto a lo largo de los años.

Que Candela Peña sea la protagonista de "El caso Asunta" es seguramente el aliciente principal para asomarse a ella. La primera imagen encarnando a Rosario Porto nos dejó a todos con la boca abierta y con tan solo el primer episodio ya descubres que es una de las mejores actrices que tenemos en nuestro país. Cuando ves que una personalidad y una presencia como la suya (con su mirada, gestos, voz), tan particular, potente, enérgica, única y embaucadora, desaparecen desde el primer fotograma, logrando de una forma que parece hasta fácil y natural, todo lo contrario, sabes que nadie mejor que ella podría haber encarnado este papel. Cómo consigue que el personaje sea misterioso, pequeño, para dentro, desprendiendo desconfianza y muchas dudas, es de sobresaliente. Se ha dejado la piel y el alma y eso traspasa la pantalla. Sin olvidarnos del perfecto acento gallego que logra. Peña va a callar muchas bocas y demostrar que no hay proyecto que se le resista por el talento innato que posee.

Aplaudiendo también el brillante trabajo de Tristán Ulloa en la piel de Alfonso Basterra (en los dos últimos episodios se sale), destaca lo conseguido con los secundarios. Las figuras externas a los padres, como su señoría, los policías y los abogados, cuyas vidas personales han sido completamente inventadas, hacen que nos encontremos ante una producción que indaga en los diversos tipos de maternidad y paternidad como pocas. Más allá de la labor profesional de estos personajes, se deja al descubierto posibilidades no tan explotadas de la siempre compleja relación materno y paternofilial. Un complemento perfecto que se entiende según avanza y se cae en la cuenta de que todo está relacionado.

Los seis episodios que tiene consiguen una narrativa equilibrada e inmejorable ante un tema tan delicado. El ritmo que mantiene, angustioso en no pocas ocasiones, mantiene en vilo, haciendo que solo se quiera ver más para descubrir, aunque ya se sepa cómo acaba el juicio. Gracias a los flashbacks y el hecho de ofrecer las dos grandes teorías sobre el asesinato, sin paños calientes, se consigue un producto completo y más que satisfactorio.

Con este formato de ficción se consigue indagar y profundizar en un caso que la mayoría se sabe de memoria, pero adquiriendo una dimensión muy diferente. Se logra de principio a fin un aura envolvente y adictiva que va desde la pena a la rabia. Desde el asombro a la incomprensión. Del rechazo a la intriga. Un pequeño placer culpable. Pero no debemos olvidar que estamos hablando de arte, de un grupo de creativos, de actores metódico muy involucrados, de un equipo técnico que ha estudiado cada mínimo detalle para dotar a la serie de la máxima realidad posible. Y juicios de valor aparte, valorando su naturaleza, la ejecución y el resultado, estamos ante una obra magistral.

Crítica Cinéfila: Griselda

Griselda narra la vida real de la inteligente y ambiciosa mujer de negocios colombiana Griselda Blanco, quien creó uno de los cárteles de drogas más rentables de la historia. Una madre devota, en el Miami de los años 70 y 80 la mezcla letal de encanto e insospechado salvajismo la ayudó a navegar de manera experta entre la familia y los negocios, lo que la llevó a ser ampliamente conocida como la "Viuda Negra" o ‘la Madrina de la cocaína’.

“Griselda” es una historia de venganza. Sí, es un relato del ascenso de la narcotraficante Griselda Blanco (una fascinante Sofía Vergara) hasta adquirir el título de "La Madrina del Cartel de Medellín". Pero esta historia no es el relato de una damisela angustiada que es arrastrada al inframundo. En cambio, lo que ofrece el creador Eric Newman es una ventana a la mente de una mujer muy meticulosa e inteligente, decidida a recuperar todo lo que le robaron, incluso si se destruye a sí misma en el proceso. De ritmo rápido y bien interpretado, la serie está brutal, fascinante y llena de gran dramatismo. Todo comienza con una escapada audaz.

Producida por el equipo detrás de “Narcos”, la serie limitada inicia a finales de la década de 1970 en Medellín, Colombia. Una Griselda obviamente angustiada y herida entra corriendo por la puerta principal de su bien cuidada casa. Hace una llamada telefónica frenética a una amiga, Carmen (Paulina Dávila), antes de hacer la maleta y despertar a sus hijos, Ozzy (Martín Fajardo), Uber (José Velázquez) y Dixon (Orlando Pineda). Mientras saca a los niños de la casa, con las maletas en la mano, les informa que se va a divorciar de su padrastro y que se mudarán a Miami.

Griselda deja las cosas sin resolver en Medellín, lo que le acosa más adelante, pero cuando ella y sus hijos aterrizan en Miami en 1978, abraza con entusiasmo la energía frenética de la ciudad. A pesar de los ritmos predecibles de la serie, lo fascinante de “Griselda” es que el público la encuentra exactamente en la mitad de su vida; este no es el comienzo de su historia. Queda inmediatamente claro que la reinvención es algo que Griselda domina.

Apretada en la pequeña casa de Carmen con sus tres hijos, Griselda no se contenta con trabajar en la recepción de la agencia de viajes de su amiga. Sin inmutarse por las promesas que le hizo a Carmen sobre salir del círculo de las drogas, comienza a trabajar de inmediato para vender el kilo de coca que ha introducido de contrabando en el país. Decidida a reconstruir una vida para ella y sus hijos, la serie muestra a la jefa del crimen elaborando minuciosamente un plan para obtener el poder total. Cambia y cambia de táctica a medida que se topa con la misoginia, el machismo, la violencia y la intimidación. Para Vergara, quien se desempeña como productora ejecutiva de la serie, y ha construido su carrera en el espacio de la comedia, verla transformarse en una mujer cada vez más agitada y viciosa es algo digno de contemplar, incluidas las prótesis y su figura en la moda de los años 70.

Si bien “Griselda” comprime los tres años de la estancia de La Madrina en el sur de Florida en capítulos de sólo seis horas de duración, no se desperdicia ni un momento ni una línea de diálogo. Ningún personaje o elección es insignificante. Las escenas están tan bien cortadas que la serie tiene un ritmo perfecto. Tan cuidadosamente, describe el ascenso de Griselda como salvadora de los oprimidos que avanza hasta 1981; está claro que esta vida de derramamiento de sangre, vigilancia policial e intensa paranoia ha transformado a Griselda en alguien completamente diferente. Haciendo alarde de un corte de pelo más corto, piel desgastada y dientes amarillentos, se ha convertido en un monstruo parecido a Scarface alimentado por crack y cocaína en un lujoso castillo. Un episodio delirante que muestra tropos de telenovelas, es casi inquietante de ver, pero la narrativa caótica revela cuán rápido el poder y la codicia pueden deformar el espíritu humano.

Todo el elenco, incluido Vergara, es estelar en esta muestra de ambición y represalia. Sin embargo, el papel de Martín Rodríguez como Jorge “Rivi” Ayala-Rivera, un gran bateador de Miami, es una de las actuaciones más fascinantes de un cerebro criminal en la televisión recientemente. Resbaladizo, errático y sensual, tiene una presencia inquietante que ancla a la audiencia en una época y un mundo súper específico. Las actuaciones y el escenario compensan algunos elementos que no combinan del todo en “Griselda”, incluido un movimiento de la mano que Griselda hace mientras sostiene un cigarrillo a lo largo de la serie.

Aún así, incluso con sus pequeños errores, “Griselda” se eleva y muestra a una mujer que se transforma en una depredadora después de ser presa durante tanto tiempo. Aunque ciertamente no es una aspiración, hay mucho que decir acerca de tomar el control de la propia narrativa. Después de todo, si somos honestos con nosotros mismos, algunas de las cosas que hacemos son para sobrevivir. Pero otros son para alimentar nuestro orgullo y egos.

Crítica Cinéfila: Till Murder Do Us Part - Soering Vs. Haysom

¿Jens Soering asesinó a los padres de su novia en 1985 o fue un parricidio? Esta serie documental ahonda en las preguntas en torno al caso que siguen aguardando respuesta.

Después de que una pareja adinerada fuera asesinada en un pequeño pueblo de Virginia en 1985, su hija y su novio se convirtieron en los principales sospechosos, entrando en una batalla tanto hacia la corte como entre ellos dos. Esta nueva serie documental de cuatro capítulos de Netflix, "Till Murder Do Us Part - Soering Vs. Haysom", analiza los asesinatos de Derek y Nancy Haysom, y lo que sucedió cuando su hija Elizabeth y su novio Jens Soering cambiaron sus historias y se enfrentaron entre sí durante el posterior juicio por asesinato. 

Las imágenes de archivo de programas de noticias antiguos revelan que una pareja, Derek y Nancy Haysom, fueron asesinados en su casa. Se muestran fotografías sangrientas de la espantosa escena del crimen, y un locutor de noticias afirma que quien haya cometido este acto violento lo hizo con mucho odio. Derek Haysom era un ejecutivo adinerado que trabajaba para una empresa siderúrgica. Nacido en Sudáfrica, él y su segunda esposa, Nancy, vivían en el condado de Bedford, Virginia, donde tenían una casa extensa y llevaban un estilo de vida algo extravagante. Cada pareja tuvo hijos de matrimonios anteriores, pero también compartieron una hija biológica, Elizabeth. En abril de 1985, Derek y Nancy fueron brutalmente asesinados, degollados y cada uno de sus cuerpos brutalmente apuñalados docenas de veces. A mediados de los años 80, el pánico satánico estaba en pleno apogeo y cada aspecto de la escena del crimen fue examinado con temor de que hubiera matices ocultistas en los asesinatos.

Cuando se le preguntó a Elizabeth sobre su paradero cuando mataron a sus padres, ella afirmó que ella y su novio Jens Soering estaban en Washington DC, pero el kilometraje de su auto alquilado reveló que se desviaron cientos de millas de su camino en ese viaje, lo que despertó sospechas. Una vez que Elizabeth y Jens se dieron cuenta de que estaban siendo investigados y eran los principales sospechosos, huyeron del país y vivieron en el extranjero durante varios años, cometiendo delitos menores en el camino para financiar sus vidas. Cuando fueron atrapados por estafar a tiendas locales en Inglaterra, las fuerzas del orden los encarcelaron y una vez que la policía inglesa investigó su historia, se dio cuenta de que podrían estar tratando con un par de asesinos buscados en los EE. UU.

Elizabeth fue extraditada de Inglaterra más de dos años después de la muerte de sus padres y confesó ser cómplice de asesinato, mientras que Jens confesó haber llevado a cabo los asesinatos, pero la pregunta que permanece a lo largo de la serie es ¿por qué lo hicieron? Si bien gran parte de la serie se centra en su relación disfuncional y codependiente de la pareja, eventualmente surge una nueva pregunta: si fue Elizabeth, y no Jens, quien realmente cometió el asesinato.

Siempre he sido fanática de los documentales y series sobre crímenes reales en los que los propios criminales hablan oficialmente. Incluso si no estás seguro de poder confiar en ellos, es fascinante que estén dispuestos a repetir los crímenes de los que se les acusa, especialmente si se trata de asesinatos de miembros de su familia. En ese sentido, "Till Murder Do Us Part" me recuerda a The Menendez Murders: Erik Tells All de Hulu y American Murder: The Family Next Door de Netflix, donde los mismos asesinos se sentaron en el banquillo de las entrevistas.

Jens Soering pasó más de treinta años en prisión por los asesinatos de Haysom. Ahora un hombre libre, aparece en la serie documental para ofrecer su versión de lo que sucedió antes y después de los asesinatos, y ahora sostiene que, a pesar de su confesión, Elizabeth siempre fue la verdadera autora intelectual de los crímenes. Pero a lo largo de estos cuatro episodios, nos hacen creer que tanto él como Elizabeth eran manipuladores inteligentes y ambos propensos a la ira, y que nuestras lealtades y opiniones sobre ellos deben alternar de un lado a otro. Cada vez que creemos entender algún aspecto del caso, la serie cambia de rumbo. Al principio, Jens actuó solo. Luego Elizabeth lo obligó a hacerlo y luego rompió con él después de que él confesó y consideró que ya no le era útil. Luego está la sugerencia de que mató a sus padres en un ataque de ira provocado por las drogas.

Si bien Jens habla abiertamente durante todo la serie, uno no descarta la idea de que aparezca Elizabeth, aunque es una pena que no lo hace. Tiene sentido que no lo hiciera considerando que Jens ahora la considera completamente responsable de los asesinatos, pero también podría haberle ofrecido la oportunidad de defenderse. El “elenco secundario” de la serie, por así decirlo, todos los oficiales, periodistas y detectives que trabajaron y vivieron el caso, son cruciales para la forma en que se cuenta la historia y contribuyen a la narración efectiva una visión más objetiva y sin tomar bandos exclusivos. Todas estas personas estuvieron increíblemente cerca del caso durante muchos años, y aclarar los hechos es tanto un reflejo de ellos como de nuestro disfrute de la serie. Como ocurre con muchos documentales sobre crímenes reales, hay giros que nunca uno ve venir y una sensación inquietante de que nunca sabremos todos los hechos. A pesar de la falta de un cierre real, "Till Murder Do Us Part" es fascinante y trágica al mismo tiempo.

En un video granulado del juicio de Elizabeth, se le pregunta: "¿Por qué murieron tus padres?", algo que cada uno de los detectives involucrados en el caso, en la actualidad, todavía se pregunta, y nos quedamos en ese suspenso. Sabemos que cometió estos crímenes, ahora sólo necesitamos entender el motivo detrás de ellos.

Si eres fanático de las series criminales de secretos familiares, debes verla ya. La historia detrás de "Till Murder Do Us Part" ha tardado casi 40 años en contarse, y en ese tiempo ha sido revisada y editada (principalmente por Soering). A pesar de que nunca estaremos seguros de lo que realmente sucedió entre Soering, Elizabeth y sus padres, la serie es una auténtica locura de crímenes reales.