Crítica Cinéfila: Something Very Bad Is Going to Happen

En la víspera de su boda, una mujer viaja a la casa de la familia de su prometido, donde una serie de sucesos inquietantes comienzan a volverla paranoica.

Según las canciones de amor, encontrar a tu alma gemela debería ser una experiencia cálida, placentera y dichosa. Pero intenta explicarle eso a una novia nerviosa en los días previos a su boda, cuando se da cuenta de cuánto de su futuro ha apostado a que su prometido es realmente el indicado. "Something Very Bad Is Going to Happen" de Netflix, de la creadora Haley Z. Boston y los productores ejecutivos Matt Duffer y Ross Duffer, toma esos nervios preboda y los amplifican hasta extremos sobrenaturales, para finalmente convertirse en una visión sorprendentemente reflexiva y satisfactoriamente sangrienta sobre la imposibilidad de la certeza de un romance absoluto.

A primera vista, Rachel Harkin (Camila Morrone) y Nicky Cunningham (Adam DiMarco) parecen una pareja prometedora. Ella es la melancólica, un manojo de ansiedades envuelto en camisetas negras y rodeado por una omnipresente bocanada de humo de marihuana. Él es el optimista impecable, siempre dispuesto a dar una respuesta tranquilizadora o un comentario ingenioso. A pesar de sus personalidades opuestas, es evidente que se entienden a la perfección, comprenden las necesidades, los deseos y el sentido del humor del otro. Cuando están juntos, incluso una parada en carretera para repostar y tomar un café puede convertirse en una cita improvisada y coqueta, salpicada de chistes picantes sobre sexo oral y reflexiones juguetonas sobre los hijos que tal vez esperan tener algún día.

Sin embargo, Rachel presiente que algo no anda bien. A medida que la pareja se acerca a la gran casa de vacaciones de los Cunningham en el campo, donde planean celebrar su boda dentro de cinco días, parecen abundar los malos presagios: fragmentos de una conversación inquietante que se escuchan por casualidad, un zorro muerto al costado del camino, un auto que pasa con la inscripción "recién casados" escrita con pintura color sangre.

Una vez que llegan a Somerhouse, los malos presagios se convierten en malas señales, incluyendo una bastante literal: una tarjeta dirigida a Rachel que dice: "NO TE CASES CON ÉL". La familia de Nicky, encabezada por su egocéntrica madre Victoria (Jennifer Jason Leigh), alterna entre una distancia hacia Rachel que raya en el desdén y un entusiasmo por la boda que roza la intromisión. Circulan historias de un monstruo asesino de novias que acecha en el bosque, con el que Jules, el hermano mayor de Nicky (Jeff Wilbusch) pudo haberse topado de niño. Incluso teniendo en cuenta la tendencia paranoica que Rachel admite, parece obvio que hay algo más que la típica incomodidad previa a la boda.

Boston y la directora Weronika Tofilska (quien dirigió el primer episodio, entre otros) resaltan los matices macabras de los tópicos nupciales más conocidos con un humor retorcido y pícaro. Los arreglos de los vestidos se realizan en un frenesí de lágrimas violentas y cortes afilados. Un altar de cedro hecho a medida, desde algunos ángulos, algo sacado de un cuento de hadas, y desde otros (para disgusto de la snob hermana menor de Nicky, Portia, interpretada por Gus Birney) algo de "El proyecto de la bruja de Blair". Con suficiente amplificación, el clic de la cámara de un fotógrafo de bodas podría sonar como una pistola descargándose.

"Something Very Bad is Going to Happen" cultiva su aura de terror tanto a través de la violencia gráfica que a través de la sorpresa y la sugerencia, desde cortes abruptos que desorientan nuestra percepción del tiempo, hasta una banda sonora llena de baladas que suenan casi inquietantes en su melancolía amorosa («You Are My Destiny» de Paul Anka es una pista recurrente clave), pasando por ángulos de cámara temblorosos que nos convierten en cómplices involuntarios de alguien o algo invisible. Pero a medida que la trama se vuelve más retorcida y luego se adentra en lo sobrenatural, no necesariamente rehúye mostrarnos algo muy malo: un animal despellejado, una parte del cuerpo cercenada, chorros de sangre.

Morrone demuestra ser una heroína de terror bastante hábil, manteniendo a Rachel con los pies en la tierra, con una simpatía y una cercanía realistas, incluso cuando su estado mental se deteriora en proporción directa al terror que la rodea. Frente a ella, DiMarco interpreta a Nicky como una variación de su tremendo rol en The White Lotus: es innegablemente dulce, pero quizás también demasiado ansioso por ser percibido como tal. Es mérito de los intérpretes que nos resulte casi tan difícil como a Rachel discernir si realmente están enamorados y simplemente tienen miedo en circunstancias tan escalofriantes, o si no lo están y ella solo intenta convencerse a sí misma de que sí lo está porque su vida depende de ello.

Sin embargo, a su alrededor, el elenco tiene más dificultades para destacar. Birney causa una impresión inmediata como la princesa mimada Portia, pero luego no se le ofrece nada más allá de brindar un alivio cómico intermitente; de ​​manera similar, Leigh tiene una entrada impactante como una figura casi fantasmal que deambula por los pasillos, pero luego su personaje está tan poco desarrollado que se requiere un diálogo para explicar que se supone que debemos encontrarla extremadamente narcisista. Por otro lado, personajes como Jules y su esposa Nell (Karla Crome) y el padre de Nicky (Ted Levine) se vuelven más interesantes a medida que los conocemos mejor, pero luego no se les concede suficiente tiempo en pantalla para que vayan más allá de ser meros contrapuntos a la historia de Rachel y Nicky.

La superficialidad de los personajes resulta especialmente extraña, dado que "Something Very Bad is Going to Happen" dispone de demasiado tiempo. En su trama y estructura, a menudo se asemeja más a una película de dos horas que a una serie, estirada para llenar ocho episodios de 45 minutos con la excusa de que sería más fácil obtener luz verde para esta última. Sin embargo, esos minutos adicionales se destinan más a saturar la trama con desvíos innecesarios (como una cacería repleta de metáforas) o a extender los necesarios (como una investigación en la biblioteca) hasta dos o tres veces su duración lógica.

Y, sin embargo, no puedo decir que me aburriera ni un solo momento. La serie sobresale en su capacidad de hechizar mediante detalles extraños, pistas falsas engañosas e indicios inquietantes. Y subyacente a todo ello, se encuentra una exploración inesperadamente sincera de lo que el verdadero amor puede o debería sentirse, justo en el filo de la navaja entre el sentimentalismo y el cinismo. Rachel tiene más motivos que la mayoría para angustiarse por la cuestión de cómo reconocer realmente a un alma gemela: si se trata de una cuestión de destino o simplemente de una decisión, de puro sentimiento o de algún cálculo oscuro y objetivo. Pero la serie funciona porque estas preguntas tampoco son un asunto menor para el resto de nosotros. «Hasta que la muerte nos separe» es una afirmación romántica. También es, como señalaría la serie con gran duda, una especie de amenaza: un recordatorio de que, incluso en el mejor de los casos, todo está destinado a terminar en un mar de sangre y lágrimas.

Crítica Cinéfila: It, Welcome to Derry

Precuela de las películas de 'IT' basadas en las novelas de Stephen King. Comienza en la década de 1960, en la época previa a los acontecimientos de la película de 2017, y cuenta los orígenes del payaso Pennywise. 

Basada en la icónica novela de Stephen King de 1986 y precuela de las películas "It" de 2017 y 2019, "It: Welcome to Derry" de HBO, creada por Andy Muschietti, Barbara Muschietti y Jason Fuchs, es un intrincado horror psicológico que combina historia, lo sobrenatural, relaciones raciales y miedo intenso. La serie es una historia magistralmente tejida y aterradora sobre los orígenes del monstruoso Pennywise el Payaso (interpretado por Bill Skarsgård, como en las películas). La serie estará ambientada en el pasado, pero sus temas nunca han resonado con tanta fuerza como en el ahora.

“It: Welcome to Derry” comienza un nevado día de enero de 1962 en Derry, Maine. Tras ser expulsado del cine por entrar sin pagar y negarse a regresar a su hogar abusivo, un niño de 12 años (Miles Ekhardt) chupa con furia su chupete de apoyo emocional mientras intenta hacer autostop para salir de la ciudad. Al poco tiempo, una pareja discreta se detiene a recogerlo. Casi de inmediato, el niño se da cuenta de que algo terriblemente siniestro ocurre. Sin embargo, aterrado, no tiene otra opción que tratar de escapar del vehículo. 

Cuatro meses después, el mayor de la Fuerza Aérea de los EE. UU. Leroy Hanlon (Jovan Adepo) aterriza en Derry, donde está previsto que sea destinado para su última asignación. Está esperando con entusiasmo la llegada de su esposa, Charlotte (Taylour Paige), y su hijo de 12 años, Will (Blake James), para que puedan mudarse a su nuevo hogar en la ciudad. Por ahora, el aviador descansará en el cuartel. Desafortunadamente, algunos de sus camaradas no lo reciben con calidez. El racismo ciertamente no es una experiencia extraña para Leroy, pero lo que sí le llama la atención son las rarezas de esta base de la Fuerza Aérea en particular. Leroy y su amigo Pauly Russo (Rudy Mancuso) notan de inmediato las numerosas áreas restringidas, que parecen interferir con tierras sagradas indígenas. Además, un compañero aviador negro, Dick Hallorann (Chris Chalk), tiene privilegios inexplicables y un acceso sin igual al general de alto rango Shaw (James Remar). 

En otra parte del instituto Derry, Lilly (Clara Stack) ha regresado de una estancia en el manicomio de Juniper Hill. Está casi tan marginada como su compañera negra Ronnie (Amanda Christine), cuyo padre, Hank (Stephen Rider), el proyeccionista del cine, está siendo culpado de la desaparición del niño de hace cuatro meses. Desesperada por un resquicio de normalidad y por volver a la vida que conocía antes de Juniper Hill, Lilly se une a Ronnie, decidida a limpiar el nombre de su padre, así como a sus compañeros de clase, Phil (Jack Molloy) y Teddy (Mikkal Karim-Fidler), en un intento por averiguar qué ocurrió realmente aquella nevada noche de enero. El grupo, que más tarde incluye a Will y Rich (Arian S. Cartaya), se embarca en un viaje de terror y horrores sobrenaturales. 

Es innegable la excepcionalidad del elenco juvenil. La base de "It", desde la novela hasta las películas, y ahora con esta serie, examina cómo el mal se infiltra, se transforma y cambia la vida de los niños para siempre. La profundidad emocional del elenco y sus representaciones del miedo y el pánico realmente elevan "It: Welcome to Derry". Lilly, interpretada por Stack, destaca especialmente como una joven aún aterrorizada por la traumática pérdida de su padre, pero desesperada por salvar a sus amigos de experimentar una angustia similar. 

En medio de la paranoia de la Guerra Fría, la temporada de ocho episodios tiene muchos elementos inquietantes, incluyendo sus paralelismos con la actualidad. Los residentes negros e indígenas de Derry apenas son tolerados, pero los horrores del sur de Jim Crow, donde la Guardia Nacional está reprimiendo a los manifestantes, se reproducen en las pantallas de televisión de fondo. Además, el programa toma el tropo del Negro Mágico, doblándolo y girándolo sobre sí mismo para demostrar que las personas negras no están obligadas a arreglar los sistemas rotos que no crearon. La serie también ilustra la estrechez de miras de los adultos, incapaces de comprender y reconciliar la difícil situación de los niños hasta que se ven obligados a enfrentar las cosas que anteriormente se han negado a ver.  

Aunque el tema de la inocencia infantil sigue siendo central en "It: Welcome to Derry", la serie se expande aún más para abordar los problemas que acechan constantemente la esencia de la experiencia estadounidense. El abuso, el racismo, el trauma psicológico, la violación de las tierras indígenas y la militarización son elementos importantes. En definitiva, "It: Welcome to Derry" es una valiosa serie precuela que no solo detalla el surgimiento de Pennywise, sino que también analiza la sociedad para mostrar lo verdaderamente aterradores que podemos ser como seres humanos.

Crítica Cinéfila: Boots, 1ra temporada

Ambientada en el duro e impredecible mundo del Cuerpo de Marines de Estados Unidos de 1990, cuando el ejército todavía no admitía a personas homosexuales, sigue a Cameron Cope (Miles Heizer), un joven sin rumbo que aún no ha salido del armario, y a su mejor amigo Ray McAffey (Liam Oh), heterosexual e hijo de un marine condecorado. Juntos, tendrán que lidiar con las minas —tanto literales como metafóricas— del campo de entrenamiento, donde forjarán lazos inesperados y descubrirán su verdadero yo en un lugar que les exige más de lo que creían poder dar.

Basada en las memorias del exmarine estadounidense Greg Cope White, "The Pink Marine", con producción ejecutiva del difunto Norman Lear y adaptación televisiva de Andy Parker, la comedia dramática militar de Netflix , "Boots", ofrece una mirada irreverente pero perspicaz a la amistad, la autodeterminación, el coraje y la aceptación en medio de los desafíos y las exigencias del campo de entrenamiento de los Marines de Estados Unidos. Tan hilarante como devastadora, la serie es una historia única sobre la madurez, centrada en un recluta marine improbable que busca desesperadamente encontrarse a sí mismo. 

“Boots” comienza en 1990 en una oficina de reclutamiento en Nueva Orleans. Tras el caos de la preparatoria y el acoso constante, Cameron Cope (un Miles Heizer perfectamente elegido) busca desesperadamente un nuevo capítulo. Decidido a ocultar su sexualidad y agotado por los caprichos de su caótica madre, Barbara (Vera Farmiga), quien ha mudado a su familia diez veces en los últimos doce años, Cameron, amante de Wilson Phillips, decide unirse a la Infantería de Marina junto a su mejor y único amigo, Ray McAffey (Liam Oh), para escapar de la monotonía de su vida y de las travesuras de su madre.

Por desgracia, no es muy consciente de en qué se está metiendo, y sin duda debería haber visto "Full Metal Jacket", como sugirió Ray, en lugar de las repeticiones de "Golden Girls". Cuando él y Ray llegan a Parris Island, Carolina del Sur, para su entrenamiento básico de 13 semanas y son sacados del autobús por un tiránico Sargento Instructor Superior (Cedrick Cooper) y sus ayudantes, enseguida se da cuenta de que ha tomado una decisión pésima. Tampoco ayuda que ser gay sea ilegal en todas las ramas de las fuerzas armadas. 

La serie abarca los tres meses del campamento de entrenamiento, incluyendo carreras de obstáculos y confianza, tiro con rifle y la prueba final de 54 horas, conocida como el Crisol. Cameron, Ray y todo el pelotón se ven sometidos a un duro trabajo físico y emocional. Aunque ya se siente fuera de lugar, la situación cambia aún más para Cameron con la llegada del Sargento Instructor Sullivan (Max Parker), un marine condecorado y despiadado que lo ve como un objetivo. Además, la determinación de Ray por convertirse en el Hombre de Honor de la unidad —el mayor honor para los reclutas— y la lucha de Cameron por integrarse ponen a prueba su amistad.

"Boots" toca todos los ritmos conmovedores por los que se conoce la obra de Lear, pero el creador Parker y la sala de escritores le pusieron su propio sello a la serie. Desde la banda sonora con influencias de los años 90, que incluye canciones de George Michael y Sade, hasta un elenco diverso y robusto con personajes distintivos y memorables, la serie es un retrato convincente, divertido y a veces trágico de la hermandad, el autosacrificio y el costo de servir a la patria. Aunque gran parte de "Boots" es pesada, las partes más ligeras, incluido el monólogo interior de Cameron, que se presenta como una versión más descarada y segura de sí mismo, hasta personajes destacados como su maniaco pero divertido compañero recluta Hicks (Angus O'Brien) y la tardía incorporación del orgullosamente dominicano Santos (Rico Paris) hacen que la narrativa sea memorable. 

Aunque el pelotón en sí mismo es el eje central de la historia, el público también descubre un poco más sobre el funcionamiento interno de los Marines y Parris Island. La Capitana Fajardo (Ana Ayora) es la primera mujer en liderar una compañía dominada por hombres en la base, y la serie ilustra la oposición misógina que recibe en su puesto, no solo de sus superiores, sino también de sus subordinados. Además, Cameron, quien anteriormente se había centrado en lo que percibía como sus propios defectos y en ocultar su sexualidad, comienza a ver las injusticias que también enfrentan sus compañeros reclutas, como la gordofobia y el racismo. 

“Boots” es una serie encantadora y emotiva. Trata sobre un joven que busca la introspección y la madurez en un entorno extraordinariamente desafiante y represivo. En vísperas de la Guerra del Golfo, el público conoce a varios jóvenes (y un par de mujeres) unidos por las circunstancias y llevados al límite mientras, lenta y a menudo dolorosamente, descubren quiénes son y de qué están hechos.

Crítica Cinéfila: Wednesday, 2da temporada (2da parte)

Tras la destrucción involuntaria del manicomio que dejó a Tyler liberado y a Wednesday Addams en coma, ella despierta para encontrarse en medio de un pueblo infestado de monstruos, y con una tensión avispada con su compañera y amiga Enid.

Aunque Jenna Ortega brilla como la gótica violonchelista favorita de todos, es un zombi quien se roba el espectáculo. La segunda temporada de la exitosa serie de Netflix de Tim Burton es un emocionante torbellino de acción trepidante, violencia sobrenatural y un toque de amor verdadero (platónico y familiar). Los primeros cuatro episodios de la segunda temporada de Wednesday fueron un poco caóticos , lo cual es mucho decir para una serie que gira en torno al caos y las travesuras sobrenaturales. Sin embargo, la segunda parte de la segunda temporada de Wednesday cierra el capítulo sobre todas esas subtramas (algunas más innecesarias que otras) y se centra en el meollo del asunto, incluyendo no uno, sino dos asuntos familiares y aumentando la apuesta (y los muertos) por última vez.

Wednesday despierta del coma. Sin embargo, no descansa ni un segundo, pues abre los ojos y se dirige de inmediato a la manifestación espiritual de la recién fallecida Larissa Weems (Gwendoline Christie), exdirectora de la Academia Nevermore. Como Weems es técnicamente la prima decimotercera de Wednesday, y como su "guía espiritual" solo puede ser un pariente, se convierte en el ángel proverbial que la acompaña durante los últimos cuatro episodios, reprendiéndola constantemente por sus decisiones arrogantes y egoístas, pero no sin antes brindarle la guía que tanto necesita. Wednesday cree que solo tiene que matar a Tyler (Hunter Doohan) antes de que él las mate a ella y a Enid (Emma Myer) para revertir la premonición, pero el peligro se vuelve mucho mayor de lo que jamás imaginó. Es un punto interesante de la trama, porque no es la abuela (Joanna Lumley) quien termina ayudando a Wednesday a reparar su relación con Morticia (Catherine Zeta-Jones), sino Weems, quien es la enemiga de Morticia desde hace mucho tiempo y que pasó sus años en Nevermore viviendo a su sombra.

Esta es solo una de las pequeñas sorpresas que se encuentran a lo largo de la segunda parte; algunas subtramas innecesarias y un poco aburridas en la primera parte regresan con fuerza en los últimos cuatro episodios. Aunque Pugsley (Isaac Ordonez) todavía no convence, su decisión de desenterrar la tumba de un estudiante de Nevermore fallecido hace mucho tiempo (de alguna manera) termina siendo lo mejor de la segunda temporada. Slurp (Owen Painter) se convierte en una figura central en la segunda parte, y deja a todos los demás en una posición deslumbrante.

A medida que recupera la consciencia y vuelve lentamente a su forma humana (por su alimentación basada en cerebros humanos), descubrimos que Slurp es mucho más que una simple mascota... y es la actuación de Painter la que lo convierte en uno de los personajes favoritos de la temporada y posiblemente la serie. Es absolutamente aterrador, pero también, de alguna manera, genial y astuto; recuerda un poco al chico malo de una película de terror adolescente de los 80 y 90, o incluso a Dan Stevens en The Guest. Painter le roba protagonismo a Ortega, volviéndose cada vez más cautivador con cada escena. 

Sin embargo, no todas las tramas tienen una gran revelación. Algunas de las más tediosas terminan entretejiéndose en un gran desastre dramático, y dicho desastre no tiene nada que ver con Wednesday ni con el tema principal de la serie. El director sospechoso de Steve Buscemi es un poco inútil; lo mismo ocurre con el profesor de Christopher Lloyd, con una cabeza incorpórea. Sin embargo, fue encantador verlo liderar un grupo de apoyo para otras personas sin cuerpo, un grupo al que Thing asiste con regularidad. En una escena, Agnes (Evie Templeton), la acosadora de Wednesday con sus convenientes poderes de invisibilidad, asiste a la reunión, sintiéndose incompleta tras ser despedida una vez más por Wednesday.

Agnes es una de las mejores partes de la nueva temporada, ya que su inquietante pero entrañable encanto y su devoción por una Wednesday completamente indiferente crean una dinámica sorprendentemente dulce. Sus celos por la amistad entre Wednesday y Enid son adorables y razonables. Su amistad florece maravillosamente a lo largo de la temporada y crea la relación más sólida y creíble de la serie, además de ser uno de los mejores aspectos de la serie en su conjunto.

Aunque esta temporada termina centrándose en la familia Addams, lo cual es emocionante de por sí, sigo sin impresionarme con el Gómez de Luis Guzmán ni, como mencioné, con Pugsley. Hay poca química entre Guzmán y Jones, y prácticamente ninguna química familiar con Ordóñez. Quizás esto se deba simplemente a que estoy acostumbrado a la interpretación romántica y encantadora de Gómez del difunto Raúl Julia, o incluso a la actuación de John Astin en la serie original de los años 60.

En cuanto a otros personajes, el tío Fester de Fred Armisen captura el espíritu del personaje sin perder el ritmo, y en el proceso suelta algunas frases bastante hilarantes. La Rosaline Rotwood de Lady Gaga fue más impactante en su promoción que lo que hizo en escena. Y aunque el desarrollo de los personajes de Gomez y Pugsley estuvo ausente esta temporada, tenemos la esperanza de que la temporada 3 traiga algo diferente y mucho más en línea con el clásico motivo "espeluznante y totalmente extraño" que la familia Addams ha llevado durante décadas. 

A los escritores detrás de Wednesday les encanta una buena red tejida por varios personajes secundarios excéntricos con su moralidad ambigua, y aunque condujimos por algunos caminos que no llevaron a ninguna parte, tengo la sensación de que la próxima temporada verá algunos giros bruscos y pronunciados que se sentirán absolutamente merecidos.

Crítica Cinéfila: Wednesday, 2da temporada (1ra parte)

La segunda temporada de "Wednesday" seguirá a Wednesday Addams mientras regresa a la Academia Nevermore para un nuevo año, enfrentándose a nuevos misterios y desafíos que amenazan tanto a ella como a la escuela. 

Llena de chispa y profundidad, la temporada sigue siendo tan emocionante como la primera. Después de pasar sus vacaciones de verano perfeccionando sus visiones proféticas y participando en un juego de gallina con un asesino en serie, "Wednesday" regresa a Nevermore Academy para el trimestre de otoño. Sin embargo, las cosas no son como antes. Un misterio impactante comienza rápidamente a ocupar el tiempo de Wednesday (Jenna Ortega), lo que la lleva a descubrir algunos secretos inquietantes sobre Jerico y su historia con los marginados. Además, se revela mucho más sobre la tradición de la familia Addams, incluida la raíz de la tensa relación de Wednesday y Morticia (Catherine Zeta-Jones). 

Tras pasar el verano rebuscando en el Libro de las Sombras de Goody, Wednesday está satisfecha de haber dominado sus habilidades psíquicas. Aun así, el torrente de lágrimas negras que le resbala por la cara cuando tiene una visión le preocupa un poco, al menos lo suficiente como para hacerle jurar a Cosa (Victor Dorobantu) que guardará el secreto y se lo ocultará a su madre, cada vez más entrometida. Aunque la emoción no es algo natural en ella, Wednesday sabe que volver a Nevermore le dará al menos la oportunidad de seguir escribiendo y perfeccionar su arte sin Morticia rondando por encima de su hombro. Sin embargo, este año, la escuela, centrada en los marginados, ya no es el refugio que solía ser.

Para empezar, el hermano menor de Wednesday, Pugsley (Isaac Ordonez), quien apenas empieza a dominar su habilidad para generar electricidad estática, ya está matriculado. Por desgracia, no es el tío Fester (Fred Armisen), y Wednesday no se molesta en cuidar sus desventuras. Además, tras salvar la escuela de Tyler (Hunter Doohan), quien era un Hyde secreto controlado por la diabólica Marilyn Thornhill (Christina Ricci), Wednesday se ha convertido en una especie de celebridad en el campus. Lamentablemente, su recién descubierta fama, su acosadora empedernido y una visión escalofriante sobre su mejor amiga y compañera de piso, Enid (Emma Myers), no auguran nada bueno para su misantropía. Además, cuando el recién nombrado director de Nevermore, Barry Dort (Steve Buscemi), recluta a Morticia para ayudarlo a recaudar fondos para la próxima gala, Wednesday se da cuenta rápidamente de que Nevermore no es la institución que era bajo el liderazgo de la difunta directora Weems (Gwendoline Christie). 

Al igual que su primera temporada, la primera parte de la segunda temporada de "Wednesday" es espeluznante, alocada y misteriosa. Mientras Wednesday lucha contrarreloj para desentrañar su sorprendente visión de Enid y evitar que se haga realidad, comprende que hay ciertos aspectos más oscuros de sus premoniciones que aún no ha comprendido. Esta visión en particular causa fricción entre Wednesday y Enid, quien está confundida por la distancia que su ya distante mejor amiga está poniendo entre ellas. Además, tropezar con un secreto de la familia Addams, oculto durante mucho tiempo, en medio de su investigación y la llegada de su abuela Frump (Joanna Lumley), exacerba aún más la ya tensa relación que tiene con su madre. 

"Wednesday" ha sido criticada por ser una versión muy al estilo Netflix del clásico de Charles Addams, con Nevermore como una institución tipo Hogwarts. Y si bien eso puede ser cierto, no disminuye los exquisitos detalles incrustados en la serie, su misteriosa oscuridad ni el control imponente de Ortega sobre su personaje. Si las películas de "Harry Potter" se toman como ejemplo, y con estos cuatro episodios en la primera mitad de la temporada 2, la serie solo se volverá cada vez más siniestra y con más textura. Los temas presentados aquí pueden estar "centrados en adolescentes", pero eso no detiene la universalidad de los mensajes de la serie. Las relaciones madre/hija pueden ser difíciles de manejar durante la adolescencia; sentirse marginado es algo que muchos espectadores a nivel mundial sin duda han experimentado y los altibajos de las amistades, de hecho, continúan a lo largo de nuestras vidas. 

Una crítica importante a esta temporada es que no hubo necesidad de dividir los episodios. Aunque el final de la primera parte, "Si estos problemas pudieran hablar", revela mucho, el público podría haber disfrutado fácilmente de cuatro horas más junto a la adolescente impasible en lugar de esperar un mes a que Netflix presentara el final de la segunda temporada. 

En general, la primera parte de la segunda temporada de "Wednesday" ofrece las mismas delicias visuales que han hecho tan fascinantes los mundos de Burton. Con la familia Addams aumentando su presencia en pantalla, varios enigmas complejos y Ortega a la cabeza, la serie sigue siendo tan retorcida, cautivadora y cautivadora como cuando se estrenó hace tres años.

Crítica Cinéfila: Sirens

Devon sospecha que su hermana Simone tiene una relación muy extraña con su nueva jefa, la enigmática socialité Michaela Kell. La lujosa vida de Michaela es como una droga para Simone. Devon decide que es hora de intervenir, pero no sabe que Michaela es una oponente a la que temer.

“Sirens” es una serie peculiar, una mezcla interesante de ideas pretenciosas, drama familiar y lo que podría llamarse una oscura farsa. Ambientada durante el fin de semana del Día del Trabajo en una isla de Cape Cod habitada por gente adinerada con gustos inclinados hacia los colores pastel y los estampados florales, la serie está protagonizada por Julianne Moore como Michaela, una antigua abogada influyente que ha renunciado a su puesto por casarse con el multimillonario Peter (Kevin Bacon) y dedicarse a rescatar aves rapaces. La reina de todo lo que ve, habla con adagios melancólicos, posa para Vanity Fair y organiza una gala benéfica, entre otros entretenimientos.

Mientras tanto, en Buffalo, conocemos a Devon (Meghann Fahy), un desastre de clase trabajadora, que hace su entrada por la puerta de una estación de policía, con un vestido negro corto y luciendo descuidada. Luchando por cuidar de su padre Bruce (Bill Camp), diagnosticado con demencia, va en busca de su hermana, Simone (Milly Alcock), que ha estado trabajando como asistente personal de Michaela. Después de viajar 17 horas, cargando, por razones de comedia, el arreglo comestible gigante que Simone ha enviado en lugar de una respuesta real a su llamado de ayuda, todavía con su ropa de la noche en la cárcel, Devon descubrirá que su hermana se ha transformado: se ha quitado los tatuajes a juego que se hicieron juntas, se operó la nariz y se presenta como algo así como la versión Disney de Alicia del "País de las Maravillas". Los fanáticos de Ingmar Bergman notarán la cuna que se suponía debía ser notada de "Persona", lo que subraya la observación de Devon de que Simone se pierde en otras personas.

Simone, por su parte, está encantada de poder llamar a Michaela "Kiki", "lo cual es un honor muy especial", y fielmente amplifica las peticiones volubles de Michaela al personal, personificado por José (Félix Solís), que la odia y quien lidera un grupo de mensajes entre los demás empleados para bromear sobre ella. A pesar de su lealtad a Michaela y de considerarla su mejor amiga, ha estado ocultando sus orígenes obreros y el hecho de que se ha acostado con Ethan (Glenn Howerton), el también rico amigo y vecino de Peter.

Aunque a Michaela le preocupa que tenga una aventura, Peter, por su parte, da la impresión de ser un buen tipo, para ser un multimillonario de fondos de cobertura. Es amigo de sus empleados, que trabajan para él desde antes de casarse con Michaela (hay una primera esposa e hijos adultos fuera del escenario), sabe cocinar y se esconde de la gente de color pastel en la torre de la mansión, donde toca la guitarra y fuma un poco de marihuana. Pero hay margen para las sorpresas.

«Sirenas» es el código especial que comparten las hermanas para «SOS», lo cual parece menos práctico que, ya saben, SOS, pero enlaza con las vagas referencias mitológicas griegas con las que se ha adornado la serie —más sugerentes que sustanciales. El sistema Siri de la casa se llama Zeus. Un episodio se titula «Perséfone», en honor a la diosa de los muertos y reina del inframundo; Simone, en efecto, le dice a Michaela: «Eres literalmente una diosa» —y se viste como tal, con vestidos ligeros y vaporoso.

Fue el dulce canto de las sirenas, por supuesto, lo que atrajo a los marineros a la muerte en los antiguos cuentos, y en un momento dado, Michaela contempla el océano y reflexiona sobre los barcos balleneros que se estrellan sangrientamente contra las rocas. De hecho, hay un marinero en la serie, Jordan (Trevor Salter), capitán del yate de Ethan, a quien Devon recoge en el bar de un hotel, pero es quizás el personaje menos propenso a chocar con algo. Michaela está acompañada por un trío de mujeres (Jenn Lyon como Cloe, Erin Neufer como Lisa y Emily Borromeo como Astrid) que, como sugiere el nombre de las criaturas, hablan en armonía y actúan como una sola, pero son más la encarnación de una idea, una broma informal, que participantes activas en la historia. La banda sonora de Michael Abels presenta un coro de voces femeninas y opta por algo que uno bien podría identificar como música griega antigua, incluso sin tener idea de cómo sonaba la música griega antigua.

El núcleo de la serie es la lucha entre Devon y Michaela por el alma de Simone, aunque hay batallas secundarias que ayudarán a decidir el destino de la guerra. Para un espectador, es natural ponerse del lado de Devon, quien, tras un encontronazo con Michaela, se infiltrará en la mansión, vistiéndose según las reglas de la casa mientras ella husmea. Por muy caótica que sea, no es pretenciosa; tiene energía, audacia y constancia, y vive en el mundo que la mayoría de nosotros - lo digo porque supongo que no eres un multimillonario con una mansión en un acantilado, una pajarera llena de aves rapaces y un gran equipo para atender tus necesidades y caprichos, pero si lo eres, ¡gracias por leer!). Eso no quiere decir que Michaela no tenga sus problemas; de hecho, su necesidad, que se expresa en su cuidado, se asemeja a la de Devon. “Me encargo de todo lo que hay en mi orbe”, dice Michaela, “grandes y pequeños, presas y depredadores”.

Con "solo" cinco episodios, se mantiene más centrada que la mayoría de las miniseries, aunque el tono cambia un poco; algunos personajes parecen más profundos y complejos, lo cual es bueno a primera vista, pero también puede resultar un poco artificial. Algunos detalles se plantean simplemente para dar frutos prácticos más adelante. El final me pareció regular: satisfactorio y frustrante a la vez, según el personaje, pero hay actuaciones excelentes y comprometidas a lo largo del camino, y entretiene con creces.

Crítica Cinéfila: You, 5ta temporada

Joe Goldberg regresa a la ciudad de Nueva York para vivir en paz, pero su peligroso pasado y sus deseos amenazan su nueva vida.

"You" no es un referente cinematográfico, pero me mantuvo entretenido e inmerso en el desenlace final. Creada por Sera Gamble y Greg Berlanti y llevada a un sangriento final por los showrunners Michael Foley y Justin W. Lo. Si has seguido la serie hasta ahora, te habrás apuntado a giros escandalosos, personajes caricaturescos y una cantidad exorbitante de asesinatos, todo ello unido por la cautivadora actuación de Penn Badgley. No es televisión de prestigio, pero es entretenida sin complejos, y la quinta temporada cumple con todo lo que obsesionó al público con esta serie.

Ambientada tres años después de que Joe resucitara en Londres, ahora está casado con Kate (Charlotte Ritchie) y regresa a su antiguo hogar en Manhattan. Kate y Joe son adorados por su historia de amor contra todo pronóstico y su intensa filantropía, pero cuando alguien amenaza su nuevo statu quo, Joe lo gestiona a su antiguo método y enciende la mecha para destruir su vida.

También hay una nueva desventaja: Bronte (Madeline Brewer), una chica "de ensueño", maníaca, con aires de duendecillo literario, perfectamente calibrada para desentrañar a Joe con solo una mirada. Está escrita como una ingenua fastidiosa, lo cual debe ser deliberado, resaltando la falta de imaginación con la que Joe percibe a las mujeres y lo poco que se necesita para alejarlo de la vida que supuestamente aprecia tanto.

De hecho, las interacciones entre Joe y Bronte dan lugar a algunas de las mejores comedias de la temporada, todo a expensas de nuestra asesina pseudofeminista. Badgley es, sin duda, divertidísimo, ya que su personaje reacciona a los más mínimos indicios de coqueteo, cayendo en sus patrones habituales con una previsibilidad propia de una comedia de situación, lo que refuerza su constante incapacidad para cambiar. Badgley sigue estando magnífico en un papel oscuro, exigente e inquietante, convirtiendo a Joe en una obra maestra de interioridad que nunca suaviza su naturaleza siniestra. Ha sido una actuación magistral, de principio a fin, y sin duda la razón por la que la serie ha alcanzado tanto popularidad como permanencia.

No es el único que se divierte en este último encuentro; un punto culminante del reparto es Anna Camp como las hermanastras gemelas de Kate, ambas igual de exageradas y encantadoras. La estrella de "Pitch Perfect" se luce en los papeles dobles que roban cada escena en la que aparece, hundiéndose en el tono desenfrenado de la serie como si hubiera estado ahí desde el principio. Griffin Matthews equilibra esto hábilmente como su hermano Teddy, y claro, aparecen y desaparecen más personajes a lo largo de los diez episodios.

Al igual que las temporadas anteriores, la quinta temporada comienza con lentitud antes de tomar impulso, pero Netflix tomó la inteligente decisión de estrenarla completa de una vez, a diferencia del desafortunado lanzamiento en dos partes de la cuarta temporada. El giro a mitad de la temporada abre el camino a un territorio narrativo inexplorado, desde las relaciones cercanas de Joe hasta su imagen pública y las preguntas sin respuesta de su pasado. Sabíamos que no puede escapar de su destino para siempre, pero... ha sido divertido verlo intentándolo.

Crítica Cinéfila: Zero Day

Tras un ciberataque devastador, encomiendan a George Mullen, aclamado expresidente de los Estados Unidos, la misión de encabezar un comité para intentar descubrir a los autores y sacar la verdad a la luz antes de que ataquen de nuevo, pero, entonces, surge la duda: ¿La amenaza proviene de una potencia extranjera o de un enemigo interno?

Después de décadas de ser un actor de cine, Robert De Niro se ha abierto camino en el mundo de las series por primera vez con "Zero Day" de Netflix, que lamentablemente desperdicia el trabajo sólido del dos veces ganador del Oscar y su impresionante elenco de reparto. En los últimos años, De Niro se ha abierto gradualmente a proyectos de pantalla chica, comenzando con la película de HBO centrada en Bernie Madoff, "The Wizard of Lies", y el drama argentino "Nada", aunque el thriller político es su primer papel protagónico en una serie.

Dado su odio hacia Donald Trump, no sorprenderá saber que el personaje de De Niro, George Mullen, no es un presidente al estilo de Trump. Mullen es un veterano de Vietnam, firme como una roca. Reconocido por todos como un buen tipo, que regresa a la política a regañadientes como jefe de una comisión que investiga un ciberataque que ha dejado miles de estadounidenses muertos. Todas las señales apuntan a Moscú, pero Mullen recomienda cautela: “¿queremos a alguien a quien culpar o queremos la verdad?”, pregunta.

El thriller está coescrito por Michael S. Schmidt, un periodista político del New York Times, y explora temas de seguridad nacional versus libertad individual. La comisión de Mullen ha recibido poderes extraordinarios de vigilancia, búsqueda e incautación, y la suspensión del habeas corpus si es necesario. Mientras tanto, los teóricos de la conspiración están haciendo de las suyas, un magnate tecnológico multimillonario se entromete en asuntos y un fanfarrón influencer en línea incita a sus seguidores a la rebelión. Todo parece dolorosamente actual.

Por desgracia, tiene un guión pésimo. “George, si nos equivocamos, el mundo entero se irá al infierno”, gruñe un personaje. Cuando Mullen reprende a los manifestantes por creer en “tonterías conspirativas, no se están comportando como estadounidenses ni como patriotas”, inmediatamente se callan. Bassett, que tiene dos nominaciones al Oscar en su haber, dice sus líneas de una forma vergonzosamente cursi. Tras ver los seis episodios, uno solo llega a la conclusión que el planteamiento es mucho mejor que el desenlace. La razón principal para seguir viéndolo es De Niro, cuyo poder estelar impulsa la serie.

Si bien un mayor enfoque en el efecto de los ataques ciberterroristas sobre los personajes podría haber ayudado a diferenciar la serie de un género abarrotado, los personajes de Zero Day conforman sus aspectos más decepcionantes. Al tener dos de sus creadores y escritores que son ex periodistas políticos, a menudo se esfuerza por lograr una sensación de realismo con sus personajes, ya sea el comentarista político abrasivo de Dan Stevens o el multimillonario tecnológico de Gaby Hoffman que intenta abrirse camino a codazos para involucrarse en el gobierno.

Está claro que Newman, Oppenheim y Schmidt están desatando cierta rabia relacionada con el panorama político actual a través de los personajes de Zero Day y, en cierto sentido, es un enfoque que debería funcionar. Hay infinitas oportunidades para explotar estas personalidades para la narración ficticia y, sin embargo, muchas series como esta se conforman con las representaciones más simplistas de ellas.

El Evan Green de Stevens recibe una pizca de dimensión extra con un breve vistazo a su familia y a su personalidad fuera de cámara con su equipo, todo lo cual es mucho más reflexivo de lo que su personaje en pantalla sumamente crítico esconde. De manera similar, Monica Kidder de Hoffman es ciertamente mucho más reservada que el infame gigante tecnológico en el que claramente está basada, y sin embargo, ya sea que intente promocionar frases históricas para impulsar su agenda o alardear de su riqueza y de que sus diversas empresas supervisan la vida de las personas, Kidder nunca se siente tan lejos de su inspiración del mundo real.

A pesar de que el guión no es del todo convincente, durante la mayor parte de la serie, De Niro hace lo que mejor sabe hacer: hacer muecas frente a la cámara y fruncir el ceño a los demás personajes. Sin embargo, hay momentos en los que infunde una sensación de empatía y vulnerabilidad en Mullen, ya sea en medio de su estado mental en deterioro o de sus dolorosas reflexiones sobre la muerte de su hijo.

Mientras tanto, Caplan demuestra ser una especie de comodín interesante a lo largo de la serie "Zero Day". En el papel de Alexandra Mullen, su personaje es otra figura desafortunadamente rutinaria, interpretando a la hija distanciada de su prominente padre que entierra la nariz en su trabajo y otras cosas para evitar hablar con él. Y, sin embargo, incluso antes de que avance la serie y podamos ver nuevos aspectos intrigantes de ella, Caplan desbloquea capas más profundas de Alex que nos mantienen interesados ​​en su evolución, incluso si termina sintiéndose desafortunadamente apresurada en los sobrecargados dos episodios finales.

Pero a pesar de los mejores esfuerzos de De Niro, Caplan y el resto del elenco sorprendentemente completo, "Zero Day" nunca puede escapar del hecho de que no es lo suficientemente completa como para justificar la duración de la serie. Los dos episodios intermedios optan por reducir su enfoque en el misterio principal de la serie para introducir uno secundario y centrarse en sus personajes, dos decisiones que son malas. Para cuando volvemos al detonante, de repente estamos en el final y nos quedamos con la mayoría de nuestras preguntas sin respuesta y con la sensación de tiempo desperdiciado.

Crítica Cinéfila: Monsters - The Lyle and Erik Menendez Story

En agosto de 1989, los hermanos Lyle y Erik Menéndez, asesinaron a tiros a sus padres, José y Mary Louise 'Kitty' Menéndez. Mientras que la acusación alegó que buscaban heredar la fortuna familiar, los hermanos afirmaron -y siguen afirmándolo hoy en día, mientras cumplen cadena perpetua sin posibilidad de libertad condicional- que sus actos se debieron al miedo que sentían tras toda una vida de abusos físicos, emocionales y sexuales a manos de sus padres.

Estamos en 1989. Los hermanos se dirigen al funeral de sus padres, José y Kitty Menéndez. La policía sigue investigando sus asesinatos y la prensa especula que podrían ser un asesinato de la mafia. Erik empieza a desmoronarse en la parte trasera de la limusina, pero su hermano mayor, Lyle, habla de abrir una cadena de restaurantes de alitas de pollo y quiere que el conductor de la limusina apague el jazz suave. Atraviesan la puerta a pesar de la multitud de periodistas, porque Lyle quiere reiterar la teoría de la mafia. Luego, durante el funeral, Lyle hace sonar una canción de Milli Vanilli sobre una presentación de diapositivas de sus padres.

Dos meses después, la policía sigue investigando los asesinatos y Erik no puede escapar de las pesadillas que sigue teniendo sobre la noche en que asesinaron a sus padres. Entra en el estudio, donde estaban sus cuerpos ensangrentados, y comienzan las visiones. Al final de todas las pesadillas, Erik se pone una escopeta en la barbilla y aprieta el gatillo. Está tan atormentado que llama a su psicólogo, el Dr. Jerome Oziel (Dallas Roberts), y quiere su última cita del día. 

Aunque Oziel le asegura que no lo está grabando, Erik le pide que salga a caminar. Fue allí donde Erik admite que él y Lyle mataron a sus padres. Oziel regresa a la oficina a toda prisa y le dice a Erik que repase todo el proceso de los acontecimientos, empezando por el momento en que se le ocurrió la idea mientras veía la película "Billionaire Boys Club". Cuando Oziel pregunta por qué se le ocurrió la idea de matar a sus padres, Erik habla de lo "dominante" que era su padre y de lo permisiva que era su madre. Como ella era "adicta" a su padre, sentían que su vida estaba vacía y decidieron que ella también necesitaba morir. Oziel se pone en contacto con Lyle y le dice que vaya a la oficina; también llama a su ex amante, Judalon Smyth (Leslie Grossman), para que vaya como "testigo" en caso de que ellos intenten matarlo. Lyle está furioso cuando llega y niega que lo que Erik dijo sea cierto.

El primer episodio muestra el momento en que los hermanos cometiendo el crimen, incluso cuando Lyle volvió a entrar para acabar con su madre después de recargar su arma. Luego intentan construir una coartada. Pero cuando regresan a la casa, se sorprenden al no ver a nadie allí; pensaron que los disparos de escopeta harían que alguien llamara al 911. Esta escena de muerte es quizás una de las más sangrientas que se han hecho en mucho tiempo.

Es interesante que Murphy y Brennan hayan decidido dramatizar el caso de Menéndez, dado que ya se había dramatizado de forma tan destacada hace siete años y se han hecho numerosos documentales y docuseries sobre el caso. En otras palabras, ¿hay algo más que decir sobre el caso? Aparentemente sí, porque la pareja, junto con Carl Franklin, el director del primer episodio, consiguen que un caso conocido vuelva a resultar fascinante.

Aunque el primer episodio no lo muestra, parece que el objetivo de Murphy y Brennan es centrar la narración en la vida familiar de los hermanos y en cómo José y Kitty hicieron que la vida de sus hijos fuera miserable. Cuando los chicos eran mayores, la mayor parte del abuso se produjo en forma de sermones verbales por parte de José y de algún tipo de permisividad por parte de Kitty bajo el efecto de las drogas; el incidente que llevó a Erik a urdir su plan implica que Kitty le arrancó la peluca secreta de la cabeza a Lyle.

En esta saga, todos son monstruos. Cooper Koch y Nicholas Alexander Chavez interpretan los papeles de Lyle, un personaje fácilmente alterable, y su hermano angustiado Erik, mientras que Javier Bardem y Chloë Sevigny interpretan a José y Kitty, dos personajes volátiles y desequilibrados. La serie muestra a la familia Menéndez a merced de un padre controlador, al tiempo que denigra a los hermanos. Nadie sale ileso, ya que Monster coloca los infames juicios bajo el microscopio para la diversión y el análisis de la audiencia de Netflix.

Pero también hubo acusaciones de abuso sexual por parte de José cuando los hermanos eran más jóvenes, algo que no muestran a detalles en flashbacks pero en una serie de narraciones que, gracias a las actuaciones de Koch y Chavez, logran trasladar a su público a las emociones que le provocaron esos hechos. De hecho, la estructura de la serie, donde los incidentes de abuso y negligencia emocional por parte de José y Kitty surjen durante el interrogatorio y el juicio de los hermanos, hace un buen trabajo al ir desgranando las capas del caso sin saltar de una a otra indiscriminadamente, y aunque por momentos se tornan repetitivas, esto se debe a que quieren que el discurso de tatue en la mente del espectador, con la idea de que "detrás de un crimen, hay causas que lo llevaron a ocurrir".

Koch y Chavez hacen un excelente trabajo como Erik y Lyle, mostrando las dos formas muy diferentes en que reaccionaron después de matar a sus padres. Por supuesto, también se tiene al impresionante de Bardem (uno de los productores ejecutivos del programa) y Sevingy como José y Kitty. En la medida que la serie avanza, se conoce a Nathan Lane como el periodista Dominick Dunne quien había sido víctima de un juicio que favoreció al asesino de su hija y por lo tanto estaba en contra de que los hermanos salieran libres, y a Ari Graynor como Leslie Abramson, la abogada de los hermanos quien ya había sido la defensa de otros casos de asesinatos y por lo tanto se sentía capaz de lograr la libertad de Erik y Lyle. 

El año pasado, tanto Evan Peters como Niecy Nash deslumbraron en "Monster: The Jeffrey Dahmer Story", la primera entrega de la serie del asesino en serie que ganó elogios para los actores ya que ahondaba no solo en la vida del depravado Dahmer, sino en su sospechosa vecina, sus víctimas inocentes y la inepta aplicación de la ley que mantenía al maníaco en las calles. "Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story" ofrece una mirada similar a las sombrías vidas de los hermanos, ya que la serie explora la dinámica de la familia disfuncional, así como de los amigos, asociados y sus círculos sociales. Casi cuatro décadas después de los asesinatos, la serie de Netflix explora las afirmaciones de defensa propia de los hermanos Menéndez según lo declarado por su equipo de defensa, quienes afirmaron que sus padres abusaron verbal, física y sexualmente de ellos. 

Al igual que su predecesora, Monsters trata sobre la creación de los monstruos urbanos y los estragos que causan. Pero Monsters también examina cómo estos personajes fueron moldeados no solo por sus circunstancias, sino por la era en la que vivieron. Más que una serie de época, Monsters se ve impulsada tanto por las actuaciones como por las referencias a los años 80 en la que habita, desde las canciones de Milli Vanilli hasta cada cuello levantado meticulosamente.

Pero más allá de los detalles meticulosos, la historia en sí es desigual a su predecesora. Si bien Monsters es directa con sus villanos, hay una clara falta de protagonistas, ya que la serie crea un mundo poblado por personas que carecen incluso de una pizca de empatía. En consecuencia, "Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story" crea una dramatización fascinante gracias a las actuaciones exageradas de su elenco, pero no logra alcanzar el nivel establecido por Dahmer. 

Crítica Cinéfila: Simone Biles Rising

Simone Biles tiene una asignatura pendiente. En los Juegos Olímpicos de Tokio 2020 fue una de las grandes historias de la competición. Pero en el deporte, como en la vida, las competiciones no siempre salen como se planean. En el caso de Simone, el mundo fue testigo en primera fila de cómo su lucha privada contra la salud mental estallaba en la escena internacional y la obligaba a retirarse de la competición. Desde entonces, Simone ha trabajado duro: afrontando los difíciles traumas de su pasado, aprendiendo a gestionar su salud mental, abrazando su viaje y, en el proceso, reconstruyendo su gimnasia desde los cimientos. Su coraje para volar no tiene límites, ya que este verano planea volver al escenario olímpico una vez más para hacer lo que siempre ha hecho: ser la mejor Simone que pueda ser. Porque, a pesar de todo, Simone sigue levantándose.

Si viste "Simone Biles Rising" y te maravillaste de lo que puede hacer la gimnasta más condecorada de la historia de la gimnasia, habrás bien invertido un par de horas. Es asombroso verla moverse por el aire, contorsionando rápidamente su cuerpo con un movimiento tan asombroso que la gimnasia todavía tiene que ajustar sus parámetros para adaptarse a sus habilidades. Hay movimientos que llevan el nombre de Biles, algunos de los cuales solo ella ha realizado. Pero la historia de Biles es mucho más dramática que su legendaria destreza física. Esta serie documental de cuatro partes, cuya primera mitad llega justo antes de su regreso al escenario olímpico en París, tiene más giros que sus rutinas más intrincadas.

Han pasado casi cuatro años desde que Biles sorprendió al mundo del deporte al retirarse de los Juegos Olímpicos de Tokio 2020, a mitad de la competición. Había sido la cara de los Juegos, se esperaba que batiera récords, se llevara múltiples medallas de oros y consolidara su condición de la mejor de todos los tiempos. Pero Tokio, que se celebró en medio de las restricciones y el aislamiento de la pandemia de Covid, no salió como estaba previsto. “El cuerpo sólo puede funcionar durante un tiempo determinado antes de que se le escapen los fusibles”, afirma Biles, que sufrió un grave caso de “twisties”, en el que las gimnastas pierden el sentido de la posición y se desorientan en el aire. “La mayoría de las veces, no tiene relación con la gimnasia, sino con la salud mental”, señala secamente uno de sus entrenadores, Laurent Landi.

"Simone Biles Rising" equilibra un retrato más general de su vida y carrera con preguntas sobre las demandas del deporte de élite, particularmente en un mundo de constante escrutinio inexperto a través de las redes sociales. Los cineastas han tenido un acceso extraordinario a la gimnasta, a su familia y a su vida familiar. Conocemos a todos, desde su esposo, el jugador de la NFL Jonathan Owens, hasta su madre, Nellie. Vemos a su familia reunida frente al televisor para verla en los Juegos Olímpicos de 2020 y vemos el momento en que se dan cuenta de que todo se está desmoronando. Inmediatamente después de Tokio, Biles se filma a sí misma hablando de su vergüenza y confusión. Admite que "quiso dejarlo, como, 500,000 veces". No estaba segura de volver alguna vez.

Existe la sensación de que, cuando se trata de figuras públicas, podemos hablar de la preocupación por la salud mental y al mismo tiempo seguir irritados por los “inconvenientes” percibidos de los problemas de salud no visibles. En este sentido, hay un cierto ajuste de cuentas. Los expertos que la criticaron por “abandonar” y “decepcionar a su equipo” se muestran en toda su insensibilidad. Biles lee tweets acusatorios sobre ella y la cámara se detiene en su rostro mientras reacciona. Ella escucha los comentarios maliciosos mucho más fuerte que los de apoyo, admite. Un periodista de L'Equipe lo resume con un encogimiento de hombros: “¿Cómo es posible tratar con gente tan tonta?”. Al igual que el documental de Netflix de 2021 sobre la tenista Naomi Osaka, este humaniza a la atleta y suplica gentilmente compasión.

El primer episodio es bastante amplio. Da la impresión de un compromiso entre todo ese acceso íntimo y la verdadera franqueza, pero, en el segundo episodio, la serie se ha asentado cómodamente. Después de centrarse inicialmente en la fricción entre las presiones públicas y privadas, el segundo episodio desarrolla de manera efectiva esta indignación naciente sobre el entrenamiento de élite que lleva a las jóvenes a sus límites, y más allá, al tiempo que amplía la historia de la vida de Biles más allá de la información biográfica básica.

La serie retoma el tema cuando se prepara para volver a competir en gimnasia internacional y vuelve a explorar el sistema “muy militar” que fomentó su talento. Habla de su educación traumática, su tiempo en hogares de acogida y de cómo fue adoptada por sus abuelos. Habla del exmédico del equipo de gimnasia de Estados Unidos, Larry Nassar, que está encarcelado, y de las complejidades de ser una sobreviviente pública de abuso sexual y una defensora de las víctimas. Habla de ser una mujer negra en un deporte con estándares visuales construidos en torno a las niñas y mujeres blancas. Cuando habla de Tokio como una especie de respuesta al trauma, uno empieza a preguntarse cómo funcionó y cómo lo hizo durante tanto tiempo.

La Biles que habla hoy ante la cámara parece mucho más feliz y relajada que la pensativa figura de Tokio. Habla de hacer espacio en su vida para algo más que la gimnasia y de cómo eso le ha permitido volver a disfrutar de lo que hace. Este documental plantea un regreso al escenario olímpico de forma hermosa: sin presión, pero sin duda va a París como la atleta a vencer. Mucho más que eso, esto insinúa una sensación de que, aunque sea lentamente, el deporte está evolucionando. Tal vez se esté volviendo más amable y más humano.

Crítica Cinéfila: El Caso Asunta

El 21 de septiembre de 2013 Rosario Porto y Alfonso Basterra denuncian la desaparición de su hija Asunta, cuyo cuerpo es encontrado horas después junto a una carretera a las afueras de Santiago de Compostela. La investigación policial pronto desvela indicios que apuntan a Rosario y Alfonso como posibles autores del crimen. La noticia conmociona a toda la ciudad e incluso al país. ¿Qué puede llevar a unos padres a acabar con la vida de su hija? ¿Qué se esconde detrás de esa fachada de familia perfecta?

Con apenas una semana que llegó a Netflix, "El caso Asunta", la nueva serie de ficción basada en el asesinato de Asunta Basterra en el año 2013, determinó la justicia española que sus padres adoptivos, Rosario Porto y Alfonso Basterra, eran culpables de su asesinato (ambos condenados a 18 años de prisión por un delito de asesinato con la concurrencia del agravante del parentesco). Tras la producción del documental "Lo que la verdad esconde: El caso Asunta", también disponible en Netflix, la serie limitada acerca al público de forma única y profunda a uno de los casos más sobrecogedores y mediáticos de la historia judicial moderna de España. 

"El caso Asunta" fue un episodio muy doloroso y muy reciente para algunos volver a revivir, pero la forma tan elegante en la que se muestra la historia y el cuidado con el que han tratado las cuestiones más escabrosas hacen que sea una serie de calidad cuya máxima, por encima del entretenimiento y el show business, sea el respeto por lo sucedido y los afectados, plasmando la realidad. Se nota que detrás está Ramón Campos, que no solo es el productor ejecutivo y creador de la serie, es una de las personas que probablemente más sabe del caso y más ha investigado al respecto a lo largo de los años.

Que Candela Peña sea la protagonista de "El caso Asunta" es seguramente el aliciente principal para asomarse a ella. La primera imagen encarnando a Rosario Porto nos dejó a todos con la boca abierta y con tan solo el primer episodio ya descubres que es una de las mejores actrices que tenemos en nuestro país. Cuando ves que una personalidad y una presencia como la suya (con su mirada, gestos, voz), tan particular, potente, enérgica, única y embaucadora, desaparecen desde el primer fotograma, logrando de una forma que parece hasta fácil y natural, todo lo contrario, sabes que nadie mejor que ella podría haber encarnado este papel. Cómo consigue que el personaje sea misterioso, pequeño, para dentro, desprendiendo desconfianza y muchas dudas, es de sobresaliente. Se ha dejado la piel y el alma y eso traspasa la pantalla. Sin olvidarnos del perfecto acento gallego que logra. Peña va a callar muchas bocas y demostrar que no hay proyecto que se le resista por el talento innato que posee.

Aplaudiendo también el brillante trabajo de Tristán Ulloa en la piel de Alfonso Basterra (en los dos últimos episodios se sale), destaca lo conseguido con los secundarios. Las figuras externas a los padres, como su señoría, los policías y los abogados, cuyas vidas personales han sido completamente inventadas, hacen que nos encontremos ante una producción que indaga en los diversos tipos de maternidad y paternidad como pocas. Más allá de la labor profesional de estos personajes, se deja al descubierto posibilidades no tan explotadas de la siempre compleja relación materno y paternofilial. Un complemento perfecto que se entiende según avanza y se cae en la cuenta de que todo está relacionado.

Los seis episodios que tiene consiguen una narrativa equilibrada e inmejorable ante un tema tan delicado. El ritmo que mantiene, angustioso en no pocas ocasiones, mantiene en vilo, haciendo que solo se quiera ver más para descubrir, aunque ya se sepa cómo acaba el juicio. Gracias a los flashbacks y el hecho de ofrecer las dos grandes teorías sobre el asesinato, sin paños calientes, se consigue un producto completo y más que satisfactorio.

Con este formato de ficción se consigue indagar y profundizar en un caso que la mayoría se sabe de memoria, pero adquiriendo una dimensión muy diferente. Se logra de principio a fin un aura envolvente y adictiva que va desde la pena a la rabia. Desde el asombro a la incomprensión. Del rechazo a la intriga. Un pequeño placer culpable. Pero no debemos olvidar que estamos hablando de arte, de un grupo de creativos, de actores metódico muy involucrados, de un equipo técnico que ha estudiado cada mínimo detalle para dotar a la serie de la máxima realidad posible. Y juicios de valor aparte, valorando su naturaleza, la ejecución y el resultado, estamos ante una obra magistral.

Crítica Cinéfila: Baby Reindeer

Cuando un cómico en apuros tiene un gesto amable con una mujer vulnerable, desencadena una obsesión enfermiza que amenaza con destrozar la vida de ambos.

Nunca pensé que las palabras “enviado desde mi iPhone” serían tan escalofriantes. "Baby Reindeer" es una adaptación de la aclamada obra unipersonal de Richard Gadd, que desarrolla la horrible historia de su experiencia al ser acosado por una mujer de mediana edad llamada Martha, a quien conoce en el pub donde trabaja. Ella consigue su dirección de correo electrónico y comienza a enviarle mensajes, incesantemente, a veces de manera coherente, a veces no, durante toda la noche, cada noche. Y la manera en que siempre terminan son "enviado desde mi iPhone", cuando la mujer ni siquiera tiene uno. Al principio, Baby Reindeer es escalofriante en casos pequeños como este. Pero a medida que el comportamiento de Martha se vuelve más obsesivo y el de Donny más autodestructivo, los dos quedan atrapados en una terrible espiral descendente. Este es un thriller de autodesprecio que es implacablemente sombrío y a la vez mórbidamente gracioso.

Es una historia real, nos cuenta al principio, muy a lo Netflix. Gadd llevó por primera vez a Baby Reindeer a la periferia de Edimburgo en 2019 como una obra de una hora, resumiendo la historia hasta sus desgarradores elementos esenciales. Martha existía sólo como un taburete de bar vacío, y Gadd utilizó multimedia y grabaciones de mensajes que ella le había dejado a él y a personas cercanas a él para darle cuerpo. El final fue devastador. Solo puedes sentir lástima por las personas que quizás hayan oído hablar de Gadd como un stand-up y hayan aparecido para ver si los haría reír.

Sin embargo, la televisión no es teatro y este no es Gadd dirigiéndose a un taburete de bar vacío. A lo largo de siete episodios, tiene que hacer más. Gadd toma fragmentos de su trabajo anterior para permitir que la historia se extienda en espacios más grandes y ambiciosos. No está interpretando a sí mismo: Donny es un comediante y escritor en apuros, desesperado por el éxito, que participa en competencias con comedia surrealista con utilería que es más un fracaso que un éxito. Martha se vuelve real, con una actuación espectacular de Jessica Gunning, quien logra transmitir de todo, desde lástima hasta desamor, malicia viciosa y violenta, a menudo con un ajuste apenas perceptible de su expresión. No es un papel fácil y ella es realmente fantástica en él.

Cuando Martha entra un día al pub de Donny, llorando, él le ofrece una taza de té. Es la primera de muchas decisiones terribles que lo llevan a un mundo de sufrimiento, aunque por razones que luego quedarán claras, la cuestión de la vulnerabilidad es incómoda y tiene múltiples capas. Donny se siente halagado de que Martha se interese por él y, a cambio, él le presta cierta atención. Pero Martha resulta ser una acosadora en serie que, como le dirá más tarde la policía, es una persona "seria", y una vez que se fija en el hombre al que apoda su "bebé reno", se abre camino en todos los rincones de su vida.

Baby Reindeer recibe una fotografía extraordinariamente bien. Parece una película de terror. Hay primeros planos incómodos; ángulos inquietantes y apenas inclinados; un escalofrío desorientador incorporado a su estética. A veces es aterrador y otras no. La presión aumenta con cada encuadre. Gadd no ha suavizado la complejidad moral de la obra para televisión. En todo caso, se ha adentrado más en las zonas grises. De sus muchos temas desafiantes, trata de la vergüenza, la crueldad, el odio a uno mismo, las bromas, el ego, la lástima, las enfermedades mentales, la culpabilidad, la soledad, la vigilancia del acecho, el deseo, las drogas duras, la esperanza y la desesperación. Gadd hace preguntas imposibles y desconcertantes y las vincula al mástil del trauma. ¿Se relaciona con Martha cuando sabe que no debería hacerlo porque siente lástima por ella, o lo hace porque ve la situación como material potencial? Cuando Martha aparece por primera vez en uno de sus conciertos de comedia, discuten y el público lo disfruta. La próxima vez, su interacción no será tan amigable para el público. ¿Quién es, en esta situación, el cruel?

Inevitablemente, "Baby Reindeer" resulta una visualización estresante y, a menudo, angustiosa; al describirlo como “todavía tremendamente divertido”, los responsables de marketing de Netflix son los únicos que se ríen. A lo largo de la serie, la pura embestida de dolor es difícil de soportar. “Seguramente las cosas no podrían empeorar a partir de aquí”, dice Donny en un momento dado. Lector, así es. Al final, esto hace que la visualización sea frustrante. Pero al mismo tiempo es original, convincente e inolvidable. El episodio cuatro, en el que descubrimos más sobre el estado mental de Donny, es uno de los episodios de televisión más inquietantes y perturbadores que he visto en mucho tiempo. Sospecho que también es extremadamente importante que lo que representa sea representado, examinado y explorado en la pantalla. Venga prevenido y espere que le pongan nervioso.