Crítica Cinéfila: Sirens

Devon sospecha que su hermana Simone tiene una relación muy extraña con su nueva jefa, la enigmática socialité Michaela Kell. La lujosa vida de Michaela es como una droga para Simone. Devon decide que es hora de intervenir, pero no sabe que Michaela es una oponente a la que temer.

“Sirens” es una serie peculiar, una mezcla interesante de ideas pretenciosas, drama familiar y lo que podría llamarse una oscura farsa. Ambientada durante el fin de semana del Día del Trabajo en una isla de Cape Cod habitada por gente adinerada con gustos inclinados hacia los colores pastel y los estampados florales, la serie está protagonizada por Julianne Moore como Michaela, una antigua abogada influyente que ha renunciado a su puesto por casarse con el multimillonario Peter (Kevin Bacon) y dedicarse a rescatar aves rapaces. La reina de todo lo que ve, habla con adagios melancólicos, posa para Vanity Fair y organiza una gala benéfica, entre otros entretenimientos.

Mientras tanto, en Buffalo, conocemos a Devon (Meghann Fahy), un desastre de clase trabajadora, que hace su entrada por la puerta de una estación de policía, con un vestido negro corto y luciendo descuidada. Luchando por cuidar de su padre Bruce (Bill Camp), diagnosticado con demencia, va en busca de su hermana, Simone (Milly Alcock), que ha estado trabajando como asistente personal de Michaela. Después de viajar 17 horas, cargando, por razones de comedia, el arreglo comestible gigante que Simone ha enviado en lugar de una respuesta real a su llamado de ayuda, todavía con su ropa de la noche en la cárcel, Devon descubrirá que su hermana se ha transformado: se ha quitado los tatuajes a juego que se hicieron juntas, se operó la nariz y se presenta como algo así como la versión Disney de Alicia del "País de las Maravillas". Los fanáticos de Ingmar Bergman notarán la cuna que se suponía debía ser notada de "Persona", lo que subraya la observación de Devon de que Simone se pierde en otras personas.

Simone, por su parte, está encantada de poder llamar a Michaela "Kiki", "lo cual es un honor muy especial", y fielmente amplifica las peticiones volubles de Michaela al personal, personificado por José (Félix Solís), que la odia y quien lidera un grupo de mensajes entre los demás empleados para bromear sobre ella. A pesar de su lealtad a Michaela y de considerarla su mejor amiga, ha estado ocultando sus orígenes obreros y el hecho de que se ha acostado con Ethan (Glenn Howerton), el también rico amigo y vecino de Peter.

Aunque a Michaela le preocupa que tenga una aventura, Peter, por su parte, da la impresión de ser un buen tipo, para ser un multimillonario de fondos de cobertura. Es amigo de sus empleados, que trabajan para él desde antes de casarse con Michaela (hay una primera esposa e hijos adultos fuera del escenario), sabe cocinar y se esconde de la gente de color pastel en la torre de la mansión, donde toca la guitarra y fuma un poco de marihuana. Pero hay margen para las sorpresas.

«Sirenas» es el código especial que comparten las hermanas para «SOS», lo cual parece menos práctico que, ya saben, SOS, pero enlaza con las vagas referencias mitológicas griegas con las que se ha adornado la serie —más sugerentes que sustanciales. El sistema Siri de la casa se llama Zeus. Un episodio se titula «Perséfone», en honor a la diosa de los muertos y reina del inframundo; Simone, en efecto, le dice a Michaela: «Eres literalmente una diosa» —y se viste como tal, con vestidos ligeros y vaporoso.

Fue el dulce canto de las sirenas, por supuesto, lo que atrajo a los marineros a la muerte en los antiguos cuentos, y en un momento dado, Michaela contempla el océano y reflexiona sobre los barcos balleneros que se estrellan sangrientamente contra las rocas. De hecho, hay un marinero en la serie, Jordan (Trevor Salter), capitán del yate de Ethan, a quien Devon recoge en el bar de un hotel, pero es quizás el personaje menos propenso a chocar con algo. Michaela está acompañada por un trío de mujeres (Jenn Lyon como Cloe, Erin Neufer como Lisa y Emily Borromeo como Astrid) que, como sugiere el nombre de las criaturas, hablan en armonía y actúan como una sola, pero son más la encarnación de una idea, una broma informal, que participantes activas en la historia. La banda sonora de Michael Abels presenta un coro de voces femeninas y opta por algo que uno bien podría identificar como música griega antigua, incluso sin tener idea de cómo sonaba la música griega antigua.

El núcleo de la serie es la lucha entre Devon y Michaela por el alma de Simone, aunque hay batallas secundarias que ayudarán a decidir el destino de la guerra. Para un espectador, es natural ponerse del lado de Devon, quien, tras un encontronazo con Michaela, se infiltrará en la mansión, vistiéndose según las reglas de la casa mientras ella husmea. Por muy caótica que sea, no es pretenciosa; tiene energía, audacia y constancia, y vive en el mundo que la mayoría de nosotros - lo digo porque supongo que no eres un multimillonario con una mansión en un acantilado, una pajarera llena de aves rapaces y un gran equipo para atender tus necesidades y caprichos, pero si lo eres, ¡gracias por leer!). Eso no quiere decir que Michaela no tenga sus problemas; de hecho, su necesidad, que se expresa en su cuidado, se asemeja a la de Devon. “Me encargo de todo lo que hay en mi orbe”, dice Michaela, “grandes y pequeños, presas y depredadores”.

Con "solo" cinco episodios, se mantiene más centrada que la mayoría de las miniseries, aunque el tono cambia un poco; algunos personajes parecen más profundos y complejos, lo cual es bueno a primera vista, pero también puede resultar un poco artificial. Algunos detalles se plantean simplemente para dar frutos prácticos más adelante. El final me pareció regular: satisfactorio y frustrante a la vez, según el personaje, pero hay actuaciones excelentes y comprometidas a lo largo del camino, y entretiene con creces.

Crítica Cinéfila: The Room next Door

Ingrid y Martha fueron muy amigas en su juventud. Ambas trabajaban en la misma revista, pero Ingrid acabó convertida en novelista de autoficción y Martha en reportera de guerra. Las circunstancias de la vida las separaron y, después de muchos años sin tener contacto, vuelven a encontrarse en una situación extrema, pero extrañamente dulce. 

Todos los días mueren personajes en las películas. Ya sea que estés viendo un thriller violento o un drama sobre el lecho de muerte como “Steel Magnolias” o alguna de las meditaciones más macabras de Ingmar Bergman, podría decirse que las películas, en un sentido colectivo grandioso, no son nada menos que un ensayo sobre la muerte. Sin embargo, todavía es raro encontrar un drama en la pantalla grande que tome a la muerte por los cuernos, la mire a los ojos, y nos pida enfrentarnos a su abrumadora realidad en todos los niveles como lo hace la lírica y conmovedora “The Room next Door” de Pedro Almodóvar.

La película, en su forma, es bastante simple. Trata de dos mujeres, ambas de sesenta y tantos años, que son amigas desde hace mucho tiempo pero que no se han visto desde hace unos años: Ingrid (Julianne Moore), una autora del mundo del arte que vive en la ciudad de Nueva York, y Martha (Tilda Swinton), una ex corresponsal de guerra del New York Times que viaja por el mundo y con la que Ingrid se reencuentra cuando se entera de que Martha está en el hospital luchando contra el cáncer. Su enfermedad es grave: es un cáncer de cuello uterino en etapa tres y se está sometiendo a un tratamiento de inmunoterapia altamente experimental, que es la única posibilidad que tiene.

Algunas personas en esta situación podrían no optar por expresar sus sentimientos, pero Martha no es así. Sabe que puede morir y es franca, abierta y filosófica al respecto. Pero eso no significa que sea fácil. Ella e Ingrid, alguna vez, fueron cercanas, y después de algunos encuentros, todavía lo son. La película, si bien tiene algunos personajes más (como el hombre con el que ambas salieron, un pesimista del cambio climático interpretado por John Turturro), es esencialmente una película de dos personajes, una serie de conversaciones entre las dos mujeres que casi podrían estar sucediendo en un escenario.

Al adaptar la novela estadounidense de 2020 de Sigrid Núñez, “What Are You Going Through?”, en su primer largometraje en inglés, Almodóvar ha hecho una película llena de diálogos con un fervor expositivo maduro. “The Room next Door” no es una parodia de la telenovela de Almodóvar, pero sí muestra su amor por la comunicación elocuaz, y por los sentimientos extravagantes. Los personajes explican quiénes son y se exponen por completo. Al principio, Martha cuenta la historia de cómo terminó distanciada de su hija, Michelle, a quien había criado como una joven madre soltera, y este desgarrador flashback (ambientado en la era de Vietnam) es como una minipelícula en sí misma. 

La trama está filmada de forma vibrante (por Eduard Grau), en particular cuando los personajes se mudan a una lujosa casa de vacaciones de estilo modernista en alquiler, cerca de Woodstock, Nueva York. Sin embargo, en su mayor parte es una película en la que Martha e Ingrid hablan sobre la muerte, y Martha finalmente descubre qué va a hacer al respecto. No ha dejado de querer vivir, pero se ha cansado de luchar contra el miedo a morir.

Tilda Swinton siempre ha tenido un rostro tan característico que sentimos como si conociéramos ese rostro como si fuera el nuestro. En “The Room Next Door”, el rostro de Swinton, junto con sus palabras, se convierte en un asombroso instrumento de indagación. Ofrece una actuación monumental, una que en su emoción cruda, su poder reflexivo, es digna de comparación con el espíritu y el virtuosismo de Vanessa Redgrave. Hace de Martha una mujer con los pies en la tierra que se conoce a sí misma y sabe lo que quiere, pero que ha aterrizado en un territorio desconocido. No está preparada para esto. ¿Quién lo está, en realidad? Pero emprenderá el viaje y nos llevará con ella.

En un momento dado, Martha decide que ya ha tenido suficiente y que va a tomar el control de su destino. Va a decidir cuándo morir. “The Room Next Door” no es una película “temática” (aunque se inclina mucho por la eutanasia). Es un viaje engañosamente sencillo pero ingenioso al río de emociones que acompaña al impulso de terminar con la propia vida. Martha tiene un plan, y es relativamente simple, aunque implica una pastilla que tuvo que obtener, con cierta dificultad, en el dark-web. Y el desafío no termina allí. Mientras ella e Ingrid se mudan a la casa en el norte del estado, surge un cronograma que infunde a la película un suspenso basado en la realidad. ¿Ingrid se despertará y encontrará la puerta del dormitorio de Martha cerrada? Ese es el código que acordaron para el día del ajuste de cuentas de Martha. La Ingrid de Moore, cálida y empática, hará lo que sea necesario para apoyar a su amiga, lo que la convierte en parte de una ecuación espiritual-ética. Está allí para proteger a Martha, aunque ella también necesita protección (de la ley).

Pedro Almodóvar, a sus 74 años, no es un fatalista español, pero sus películas están cada vez más obsesionadas por la muerte. Por eso, en su mayoría, la comedia ha desaparecido. Sin embargo, esto no lo ha convertido en un artista pesimista. “The Room Next Door”, impulsada por la humanidad abrasadora de la interpretación de Swinton, te eleva y te ofrece una catarsis. La película trata sobre la muerte, pero en la honestidad sin pestañear con la que enfrenta ese tema, se posiciona poderosamente del lado de la vida.

Crítica Cinéfila: May December

Veinte años después de que el mediático romance entre Gracie Atherton-Yu y su joven marido Joe escandalizara al país, con sus hijos a punto de graduarse en el instituto, se va a rodar una película sobre su historia. La actriz Elizabeth Berry pasará un tiempo con la familia para intentar entender mejor a Gracie, a la que va a interpretar, provocando que la dinámica familiar se deshaga bajo la presión de la mirada exterior.

En el montaje experimental que abre “Persona”, un adolescente con el torso desnudo acaricia una pantalla en la que los rostros de dos mujeres se transforman lentamente de un lado a otro. Es fácil imaginar que Todd Haynes se sienta tentado a comenzar su drama de esta manera, pero es que "May December" es más profundo de lo que cualquiera pudiese imaginarse, ya que esta película infinitamente fascinante se centra en la confusión de las líneas entre una estrella de Hollywood (Natalie Portman) y la persona de un crimen real que ella interpretaría, quien fue sorprendida en una relación sexual con un estudiante de séptimo grado a la edad de 36 años. La película quiere saber: ¿Puede interpretar a esta Mary Kay Letourneau?

Haynes, un director embriagador cuya obra entera parece madura para disertaciones sobre estudios cinematográficos, hace películas no sólo para ser vistas, sino para ser analizadas y deconstruidas después de verlas. Desde el remake de Douglas Sirkian de “Far From Heaven” hasta el extraño giro de las clásicas “imágenes de mujeres” proporcionadas por “Carol”, su estilo puede ser frío y distanciador. Pero en "May December" esto no es así. Tan estratificada e infinitamente abierta a la interpretación como cualquiera de sus películas, también es la más generosa y directa, comenzando no con referencias a Ingmar Bergman (aunque vienen más adelante), sino con imágenes maduras de invernadero de mariposas monarcas, subrayadas por una exuberante reelaboración del tema en piano de Michel Legrand de “El intermediario”. El potencial de pasión, transformación y subversión flota en el aire.

Como Gracie Atherton-Yoo, Moore interpreta a una mujer con una conciencia de teflón que, incluso después de más de dos décadas, sigue desviando las críticas públicas. No ayudó que se hiciera una mala película para televisión sobre el escándalo en ese momento, que Haynes muestra de manera divertida en un momento. Ahora abuela (por su primer matrimonio), Gracie espera que una nueva película independiente aporte algunos matices a su historia, lo que no parece especialmente probable, si se consideran “The Staircase” de Netflix y otros ejemplos. Pero no es la primera vez que acepta con optimismo una oferta así.

Gracie le da la bienvenida a Elizabeth Berry (Portman), estrella de una popular serie de televisión llamada “Norah’s Ark”, a la casa de Savannah que comparte con Joe Yoo (Charles Melton), el mucho más joven esposo de Gracie. Joe tenía sólo 13 años cuando se enamoraron. Fueron sorprendidos en el almacén de la tienda de mascotas de Georgia donde trabajaban Gracie y Joe. Siguió un circo mediático y su bebé “nació tras las rejas”, como dijeron los periódicos del corazón.

Haynes y el guionista Samy Burch presentan esa historia de fondo en pedazos, lo que permite al público formarse sus primeras impresiones de Gracie antes de descubrir su crimen. El tono lo es todo en películas como esta, y Haynes hace todo lo posible para evitar el sensacionalismo que hizo que “To Die For” o “Cry-Baby” fueran tan deliciosamente cursis. Una de las estrategias de supervivencia de Gracie y Joe es insistir en que todavía están enamorados, aunque en escenas privadas lo vemos enviando mensajes de texto a otra persona. Claramente hay más en esta relación de lo que parece, y Elizabeth solo puede descubrir una parte de ello en los pocos días que ha organizado para observar a la familia Yoo.

Mientras Elizabeth continúa su investigación para poder interpretar a Gracie en pantalla, tratando de meterse en la piel de Gracie entrevistando a su ex-marido y a quienes mejor la conocen, lo que sigue no es simplemente una deconstrucción cautivadora del proceso de un actor. Es una inmersión profunda en la psicología de todos los involucrados, especialmente de aquellos que se sentirían atraídos por desempeñar ese papel. "Es la complejidad, las áreas morales grises, lo que lo hace muy interesante", dice Elizabeth en una clase de actuación en una escuela secundaria. Dejando pistas que darán sus frutos más adelante, discute de manera inapropiada los matices de filmar escenas de sexo con estos adolescentes. La misma diferencia de edad separa a Gracie de Elizabeth que existía entre la mujer y su víctima. ¿Podrá esta actriz realmente hacer justicia a su historia?

“May December” opera en muchos niveles a la vez, lo cual permite al público especular sobre las motivaciones de Gracie (la razón por la que nos atraen películas como la que se hace sobre ella) incluso mientras vemos a Elizabeth “convertirse” en su personaje. Por la noche, regresa a la casa local que alquila y ve audiciones en vídeo con los actores menores de edad que podrían ser sus coprotagonistas, comentando que «no son lo suficientemente sexy». Sus interacciones con el Joe de la vida real se vuelven cada vez más coquetas, hasta el punto que uno no puede evitar preguntarse si Elizabeth siente que necesita seducirlo para poder comprender a Gracie.

Todos aquí están actuando en todo momento. En un metanivel, Moore también es una actriz que interpreta a una mujer declarada culpable de corromper a un menor, lo que plantea preguntas intrigantes sobre la realidad y la representación (al estilo de “Kate interpreta a Christine”). Reteniendo el juicio moral lo mejor que puede, Haynes mantiene las cosas más emocionales que intelectuales, confiando en que el público lo desempaquetará por sí solo. Aunque Portman tiene aquí el papel más conceptual, Moore debe establecer un punto de referencia para la credibilidad de la Gracie “real”: una mujer que se describe a sí misma como “ingenua”, pero que está muy interesada en cómo será retratada eventualmente, y astutamente manipuladora para conseguirlo a su manera (un gran ejemplo es cómo influye en la elección del vestido de graduación de su hija, o la forma en que le recuerda a Joe: “tú me sedujiste”).

“May December” sugiere una versión ficticia del documental “Subject” del año pasado sobre dónde están ahora y sobre cómo la atención del público puede cambiar las vidas de quienes aparecen en las películas, no siempre para mejor. La transformación más interesante aquí ocurre dentro de Elizabeth, mientras la actriz intenta encontrar su Gracie interior. En un momento, Haynes coloca a Portman y Moore frente a un espejo mientras Gracie realiza los movimientos de aplicarse su propio maquillaje. A mitad de la escena, pasan de mirar directamente al público a verse reflejados en los ojos del otro. Cualquiera que sea la intimidad que establezcan estas dos mujeres, Elizabeth está más interesada en llegar a la verdad de las motivaciones de Gracie; mucho más que en proteger su imagen en pantalla. Ese es el ideal inefable del arte, y que está inevitablemente limitado por la distancia entre una actriz y su punto de inspiración.

Crítica Cinéfila: The Woman in the Window

La Dra. Anna Fox, que sufre de agorafobia, pasa sus días encerrada en su casa de Nueva York, bebiendo vino mientras ve viejas películas y espía a sus vecinos. Un día, mientras mira por la ventana, ve algo que sucede enfrente de su casa, en el hogar de los Russell, una familia que acaba de llegar al barrio.

Como todo actual ser humano en medio de la pandemia, el personaje de Amy Adams en The Woman in the Window pasa casi todas sus horas de vigilia en bata y pijama, con vino en mano y siguiéndole los pasos a todos sus vecinos (nivel Rear Window the Hitchcock). El thriller, una diversión neogótica con una fuerte actuación central, no tiene nada que ver con el coronavirus, pero en el largo y retorcido año y medio desde su fecha de lanzamiento original, la protagonista confinada en casa se ha vuelto mucho más comprensible para el público. La historia que la rodea es otro asunto.

Basada en una novela súper popular de 2018, la película dirigida por Joe Wright se vio envuelta en la adquisición del estudio por parte de Disney y se sometió a reescrituras y nuevas filmaciones después de decepcionantes proyecciones de prueba. El cierre de COVID-19 causó más retrasos y, en el ínterin, las revelaciones han dañado la influencia del productor Scott Rudin.

La producción final de Fox 2000 llega a Netflix como una película atractiva y ligeramente complicada con un elenco de primera y suficientes pistas falsas para abastecer a la audiencia. No hay duda de que es rico en atmósfera, gracias a las astutas elecciones de Wright, el excelente trabajo del director de fotografía Bruno Delbonnel y las destacadas contribuciones del equipo de diseño de Kevin Thompson; la espaciosa casa de piedra rojiza de varios pisos donde se desarrolla la acción es el segundo personaje central.

La mujer que está dando vueltas por esa casa vieja y sutilmente bruñida es Anna Fox (Amy Adams), que ha estado afectada por el trastorno de ansiedad extrema de la agorafobia durante casi un año. Comparte la casa con su gato educado y recientemente comenzó a alquilar el apartamento del sótano. Le entregan los alimentos y los medicamentos, y su psiquiatra hace visitas a domicilio. Hay una ventaja beligerante en sus intercambios médico-paciente, una combatividad profesional: Anna es psicóloga infantil y conoce las formas de manipulación y ruleta psicofarmacológica. Hay notas más cálidas de contención en sus conversaciones diarias con Ed (Anthony Mackie), el esposo del que está separada mientras que su hija de 8 años (Mariah Bozeman) está con él.

Por lo menos, la fricción entre Anna y su psiquiatra establece el tono para que toda la ira y el disgusto fuera de lo común pronto surgen como una nube tóxica de otras figuras en su órbita. Es una órbita fuera de lugar, sin duda, como se señaló en los primeros segundos de la película: su inquilino, David (Wyatt Russell), parece que no puede pronunciar una palabra que no suene amenazante; los Russell, los nuevos vecinos de la casa directamente al otro lado de la calle, y el tema de mucho interés a través de las cortinas de Anna, demuestran un espectro de trastornos de la personalidad.

El hijo adolescente de la familia, Ethan (Fred Hechinger), es el primero en presentarse, portando la ofrenda de una vela perfumada y los llorosos e incómodos signos de fragilidad emocional. Esto desencadena un sentido de propósito en la terapeuta desempleada, quien después de un par de encuentros con el temperamental padre de Ethan, Alistair (Gary Oldman), está seguro de que el joven de 15 años es un niño abusado.

El encuentro más largo de Anna con cualquiera de los Russell es una noche improvisada de vino y conversación semi-confesional con la madre de Ethan, Jane (Julianne Moore). Hay una fascinante mezcla de calidez y cautela en la secuencia nerviosa, y Adams y Moore navegan magistralmente por las finas líneas entre lo que se divulga y lo que estas dos extrañas retienen.

Pronto, Anna está canalizando a Jimmy Stewart en Rear Window, instalada en la sombra y apuntando el lente de su cámara a la casa de los Russell. Ella vislumbra el conflicto familiar, cada ventana enmarca un fragmento de drama doméstico. La película, al igual que la novela en la que se basa, abunda en referencias a Hitchcock y otros viejos misterios y noirs que Anna mira incesantemente. En algunos de los elementos visuales más fuertes, Wright y Delbonnel colocan a Anna dormida, desmayada por el vino y la receta, en una perspectiva sesgada contra la pantalla en blanco y negro de su televisor, como si ella y los personajes de décadas de antigüedad, con diversos objetivos, sufrimiento, luz de gas - están entrando en los sueños del otro.

Su pesadilla se profundiza: ella escucha un grito desde la casa de los Russell. Más tarde, ve a Jane apuñalada y tropezando, pero no puede convencer a nadie de que fue testigo de un asesinato, o incluso de que alguna vez conoció a la mujer. Anna es una borracha, después de todo, y las alucinaciones se encuentran entre los posibles efectos secundarios de sus muchos medicamentos. Además de eso, le presentan a la "real" Jane (Jennifer Jason Leigh), que podría ser la mujer casada más infeliz del mundo, pero en cualquier caso es una figura tan sospechosamente rígida, todo lo contrario al personaje de Moore.

Al comprimir el material original, el guión (con reescrituras supuestamente manejadas por Tony Gilroy) solo acentúa una delgadez de la historia. Una obra de legibilidad de bocadillos pero de poca sustancia, la novela está sazonada con una desorientación hábil que no puede ocultar cuán ultrabásico es su psicología central. La película, que aumenta un poco la violencia, termina con una nota ligeramente diferente pero no menos deseosa, y nunca coincide con el matiz e intensidad de la actuación de Adams, con su cautela, prevaricación y emoción desnuda totalmente viva e impredecible.

Wright presenta la primera de dos grandes revelaciones de una manera teatral y muy estilizada. Como medio de transmitir la perspectiva de Anna, este enfoque funciona, pero no trasciende el factor de locura que plaga el drama. A lo largo de la narrativa, Anna está rodeada por una colección de personajes tan desagradables, y en el momento en que se ve obligada a enfrentar una verdad no deseada, está literalmente rodeada de ellos. Se siente como una pandilla. La única excepción es el detective de la policía de Nueva York de ojos tristes de Brian Tyree Henry, quizás la única persona "normal" en la historia, y ciertamente el único adulto con una pizca de compasión. Como su compañera, Jeanine Serralles no arroja más que acusaciones contra Anna.

La idea de una mujer aparentemente desquiciada que lucha por ser creída sigue siendo un arquetipo dramático viable, por razones dolorosamente obvias: las realidades persistentes de la condescendencia y la demonización, para empezar. Rosemary's Baby, una película más reciente que los clásicos amados de Anna, es otra piedra de toque obvia para su historia. También gira en torno a una mujer que lucha por ser tomada en serio mientras vive en una fabulosa propiedad centenaria de Manhattan. La casa de piedra rojiza de Anna es, en cierto sentido, una variación vertical de la amplia extensión del apartamento de Rosemary. Pero esa historia de terror de 1968 se basó en algo más que pisos de madera finamente elaborados y cambios de dispositivo de trama. Eficazmente temperamental pero ofreciendo frustraciones más profundas, The Woman in the Window subestima a su heroína en más de un sentido.

Wonderstruck

Ben y Rose son niños de dos épocas distintas, que desean en secreto que sus vidas sean diferentes. Ben sueña con el padre que nunca conoció, mientras Rose lo hace con una misteriosa actriz cuya vida narra en un libro de recuerdos. Cuando Ben descubre una pista en casa y Rose lee un tentador titular en el periódico, ambos comienzan una búsqueda que se desarrollará con una fascinante simetría. (FILMAFFINITY)

Wonderstruck no es una película para verse una sola vez. Incluso, me atrevería a verla dos veces en una noche. 

Se enfoca en la historia de dos personajes, Rose está en el 1927 y Ben en el 1977. Sin embargo, tienen mucho en común: son niños con grandes deseos de una mejor vida, pero extraños para el resto del mundo por la condición física que tienen. Ella nació sordomuda; él quedó sordo cuando un rayo cayó en su casa. Los dos tienen la misma misión de encontrar a las personas que representan el origen de sus vidas en un New York muy alocado para sus cortas edades; y a pesar de estar en tiempos distintos, New York parece ser el mismo en términos de adrenalina. 

Ambas historias se narran de manera simétrica, en casi los mismos escenarios y conflictos similares, lo cual hace que uno no se sienta perdido mientras se van contando de manera simultánea. La audiencia se sentirá cautivada por los dos, deseará saber hacia dónde llegarán y si lograrán cumplir sus objetivos antes del final, momento en que de manera inesperada, ambos protagonistas se encuentran uno frente a otro e interactúan en un solo tiempo. Me gusta la idea de que las historias se conecten pues crea empatía con el público y un sentimiento más profundo con los personajes.

Esta producción tiene el lujo de contar con Julianne Moore y Michelle Williams, pero sus verdaderas estrellas son los más jóvenes en escena: Oakes Fegley, Millicent Simmonds y Jaden Michael, que le dan una tonalidad de inocencia, juventud y deseo de saber cuál será su próxima aventura. Son quienes le dan el verdadero conflicto a la trama y los que provocarán que uno se sienta motivado por la película a nivel general.

El guión y la forma en la que está desarrollado es muy interesante, pues tiene muy claro hacia donde quiere llegar con la historia, sus personajes y las situaciones que están viviendo, pero deja algunas interrogantes: ¿qué pasa con la tía de Ben: nunca vuelve a encontrarlo? ¿qué pasa con el papá y la mamá de Rose, después de que ella se encuentra con su hermano? ¿el papá de Jaime nunca se preocupa por él después de dos días andando por su cuenta? ¿Ben recuperará la audición? ¿Por qué Rose nunca intentó contactar a Ben antes? ¿por qué la mamá de Ben nunca le habló de su padre? Quizás para algunos no sean prioritarias para que la película siga su curso, pero es importante no dejar ninguna duda sobre la trama o quienes están en ella. 

Las ambientaciones de ambas épocas son uno de los puntos más fuertes de la trama, pues se enfocan en que la audiencia tenga bien claro que son de tiempos distintos. Por eso, cuando nos encontramos con Rose, la vemos en blanco y negro, sin audio en los diálogos, con movimientos sutiles de cámara, similar a las películas del cine mudo, por el hecho de está desarrollado a finales de los años 20, cuando el cine hacía su transición a sonoro. Mientras que a Ben lo conocemos en los años 70, con imágenes colorizadas en los tonos más brillantes, movimientos acelerados y musicalización más ruidosa. 

Todd Haynes (Carol, Far from Heaven, Velvet Goldmine) logra a través de Wonderstruck una historia llena de magia e inocencia, que logrará ablandar más de un corazón en una sola noche. El final es simplemente hermoso e inesperado.

Top 10 de los Camaleones de Hollywood

Cada año, la lista de actores de Hollywood crece, mucho más de lo que quizás se hubiesen imaginado sus precursores. Pero mientras más hay, menos calidad encontramos entre ellos, con interpretaciones incípidas y estancadas con otros papeles. Sin embargo, siempre nos encontraremos con grandes talentos de la interpretación: "pura raza" (como decían por otro blog vecino), con la capacidad de interpretar cualquier papel de una manera increíble y única.

La siguiente lista la he realizado en base a todas las películas que he visto de cada uno de estos actores. 

En este top, lo importante no es si el actor lucía irreconocible en la película, sino la variedad de roles interpretados y la calidad de cada uno de esos papeles.

Christian Bale

Mi película favorita: The Big Short

Charlize Theron

Mi película favorita: Monster

Sean Penn

Mi película favorita: My name is Sam

Jared Leto

Mi película favorita: Dallas Buyers Club

Julianne Moore

Mi película favorita: Still Alice

Daniel Day-Lewis

Mi película favorita: Gangs of New York

Meryl Streep

Mi película favorita (en esta sí fue difícil decidir): Sophie's Choice

Brad Pitt

Mi película favorita: El Curioso caso de Benjamin Button

Johnny Depp

Mi película favorita (otro difícil de elegir): Edward Scissorhands

Gary Oldman

Mi película favorita: Harry Potter and the Prisoner of Azkaban

Aún me faltan otras personas, pero se quedarán para la próxima lista (so stay tunned).

¿Cuál es tu favorito de estos?