Crítica Cinéfila: TRON - Ares

Cuenta la historia de Ares, un programa altamente sofisticado que es enviado desde el mundo digital al mundo real en una misión peligrosa, marcando el primer encuentro de la humanidad con seres de inteligencia artificial.

Las películas de "Tron" cuentan con un legado de excelentes bandas sonoras electrónicas. El clásico de culto original de 1980 contó con la música de la legendaria pionera de la música trans, Wendy Carlos, quien también contribuyó a las inolvidables bandas sonoras de "A Clockwork Orange" y "The Shining" de Stanley Kubrick. La postergada secuela de Disney, "Tron: Legacy", contó con una banda sonora de Daft Punk, quienes pusieron tanto cariño y alma en sus composiciones digitales que, francamente, la banda sonora fue lo único que emocionó a la mayoría.

“Tron: Ares” continúa esta tradición con una nueva banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross, bajo el nombre de su banda, Nine Inch Nails. Es una oleada de sonido que irrumpe en la película de Disney y empapa cada fotograma. Es una maravilla sonora por la que tanto Reznor como Ross merecen grandes elogios. “Tron: Ares” tiene, sin lugar a dudas, una banda sonora genial. La película, por otro lado, es una decepción casi en su totalidad.

“Tron: Ares” es un trabajo despreocupado a nivel narrativo, y de los más molestos, porque se esconde bajo una fina capa de competencia superficial. La película parece aceptable. Tiene grandes estrellas que intentan, sobre todo, ganarse la vida. Todos siempre están corriendo a algún lado, lo que puede confundirse fácilmente con impulso. Y luego, por supuesto, está la banda sonora, que lo une todo. Como una pulsera de diamantes que amarra una bolsa de basura.

“Tron” (1982) y “Tron: Legacy” (2010) fueron ambiciosas epopeyas de ciencia ficción que imaginaban el interior de nuestros ordenadores como brillantes paisajes digitales, poblados por programas antropomórficos que veneraban a sus creadores humanos como si fueran dioses. Eran películas pretenciosas, pero se negaron a conformarse con sus innovadores efectos visuales. Prepararon las revoluciones tecnológicas modernas con la teología clásica y plantearon preguntas significativas sobre nuestras responsabilidades hacia todas nuestras creaciones. Eran, a pesar de sus otros defectos, películas con ideas.

“Tron: Ares” no tiene ideas. En cambio, tiene una trama tediosa y aburrida. Transcurre años después de “Tron: Legacy”, y ahora dos compañías tecnológicas —la piadosa ENCOM y la malvada Dillinger Systems— quieren traer programas informáticos al mundo real, en lugar de enviar personas reales a las computadoras. Han descubierto cómo hacer que los programas sean reales durante 29 minutos, pero después sus creaciones se evaporan. No importa por qué. Dillinger lo usa para hacer tanques, armas y guerreros "invencibles".

Eve Kim (Greta Lee), directora ejecutiva de ENCOM, tiene el secreto para mantener los programas en el mundo real indefinidamente, así que su rival, Julian Dillinger (Evan Peters), envía a sus matones digitales tras ella, liderados por el programa de seguridad Ares (Jared Leto). Resulta que esto es mucho menos efectivo que enviar a gente normal tras ella, ya que sus programas informáticos convierten la ciudad en un espectáculo de luces psicodélico y llaman la atención sobre la organización criminal de Julian, dañando la reputación de la empresa y haciendo que toda la historia principal sea completamente inútil.

Lo que importa, al parecer, es que Ares está evolucionando más allá de su programación, así que se alía con Eva para obtener el secreto de la "permanencia" y quedarse en ese mundo. Esto implica huir de más matones digitales que, de nuevo, mueren instantáneamente tras 29 minutos. Nuestros héroes solo tienen que conducir una hora fuera de la ciudad y toda la trama se disolvería.

Greta Lee (Past Lives) es una actriz excelente, pero se pasa toda la película huyendo de los malos y arreglando computadoras. Eve solo tiene una historia de fondo, e incluso eso le explica un hombre que conoció hace treinta minutos. Él también le dice cómo completar el arco argumental de su personaje, lo cual ella cumple diligentemente. "Tron: Ares" le quita todo lo posible a Greta Lee. Es un papel ingrato para una mujer tan talentosa.

Por otro lado, Jared Leto solo tenía que interpretar a un personaje con alma. No resulta muy convincente. Ares es una entidad monótona que necesitaba desesperadamente un actor con brillo en los ojos, alguien que pudiera transmitir vida sutilmente a una forma de vida artificial que, técnicamente, no la tiene. Leto se queda con la mirada perdida durante la mayor parte de la película y dice sus diálogos con la intensidad de un robot sin corteza. El único otro programa con el que hablamos es Athena (Jodie Turner-Smith), que también carece de personalidad, y todo esto contradice las reglas de "Tron". Los programas de estas películas suelen estar inspirados en sus programadores y suelen ser individuos apasionados. Lo que significa que los creadores de "Tron: Ares" —dirigida por Joachim Rønning con guion de Jesse Wigutow y argumento de Wigutow y David Digilio— cambiaron las reglas de todo este universo solo para empeorar la historia.

Y luego, por supuesto, está la Red, donde viven todos estos programas de computadora. Es un lugar que todos en la audiencia pueden mirar con asombro porque siempre se ha visto increíble. La Red también siempre está codificada por colores, así que el azul es igual al bien y el rojo al mal. "Tron: Ares" pasa la mayor parte de su tiempo en la Red en la sección roja, lo que nos hace sentir como si estuviéramos atrapados en el fallido Nintendo Virtual Boy. Es simplemente una receta para dolores de cabeza. Tal vez por eso la mayor parte de la película se desarrolla fuera de la Red, en el comparativamente aburrido mundo real. Porque alguien detrás de escena pensó que el problema con "Tron" y "Tron: Legacy" era que eran hermosas. No se preocupen. Esa era de "Tron" ha terminado.

Disney lleva casi medio siglo intentando convertir "Tron" en algo. Las películas anteriores tienen fans. Quizás no lo suficiente como para justificar sus presupuestos, pero están ahí. Es difícil imaginar que alguno de esos fans se entusiasme con la "Tron" más genérica hasta la fecha, y es difícil imaginar que todo el público que antes no estaba interesado se entusiasme ahora que es aburrida. En la vida real, finalmente llegamos a una etapa en la que los problemas planteados por "Tron" cobran relevancia en el mundo real, donde mantenemos debates difíciles sobre la ilusión de la inteligencia artificial y lo que su implementación podría significar para el futuro de la humanidad. Es precisamente el peor momento para estrenar un "Tron" sin nada que decir al respecto. 

No tienes que ver esta película. Quizás puedas tolerar las antiguas. Pero siempre es recomendable escuchar todas las bandas sonoras.

Crítica Cinéfila: Morbius

El Doctor Michael Morbius (Jared Leto) es un bioquímico que sufre una extraña enfermedad en la sangre. Al intentar curarse y dar una respuesta a su trastorno se infecta sin darse cuenta con una forma de vampirismo. Tras la cura, Michael se siente más vivo que nunca y adquiere varios dones como fuerza y velocidad, además de una necesidad irresistible de consumir sangre. Trágicamente convertido en un imperfecto antihéroe, el Doctor Morbius tendrá una última oportunidad, pero sin saber a qué precio.

Después de su giro extrañamente caricaturesco en House of Gucci, es un alivio ver a Jared Leto canalizar su deseo por personajes transformadores en una película en la que literalmente hace eso, interpretando a la figura del título en Morbius, conocido como "The Living Vampire" en los cómics de Marvel. Leto se convierte en el brillante Dr. Michael Morbius, que ha pasado su vida buscando una cura para la rara enfermedad mortal de la sangre que lo aqueja, con el monstruo chupasangre en el que se convierte, lo que llena su alma de horror. Después de un comienzo prometedor, la película largamente postergada de Daniel Espinosa solo iguala de forma intermitente la intensidad de la actuación principal, pues el guión de Matt Sazama y Burk Sharpless se vuelve escaso en la historia, inhalando entrecortadamente arrebatos caóticos y enfrentamientos de acción que se construyen en una trama que minuciosamente presagiaba el enfrentamiento entre "hermanos". Lo peor es que esta película trata forzosamente de parecerse a una entrega repetitiva de Venom, pero sin el humor.

Un tenso prólogo tiene lugar en el Cerro de la Muerte, en las brumosas montañas de Costa Rica (¿por qué será que siempre lo sacan de un país latinoamericano?), donde Michael, frágil y demacrado, sale cojeando de un helicóptero con muletas hacia la boca de una cueva que alberga a miles de murciélagos vampiros. Mientras el piloto del helicóptero se preocupa por salir de allí antes de que oscurezca, Michael ve el cadáver de un animal medio devorado y observa con admiración que, aunque los murciélagos no pesan casi nada, pueden dominar a una criatura casi diez veces más grande que ellos. Sin previo aviso, se abre la mano para que sirva de cebo.

Corte a 25 años antes en Grecia, donde el joven Michael (Charlie Shotwell) está en una clínica bajo el cuidado del Dr. Nicholas (Jared Harris) cuando conoce al nuevo paciente Lucien (Joseph Esson), un niño británico de aproximadamente la misma edad y con el mismo trastorno de la sangre. Se unen instantáneamente, Michael le da a su nuevo amigo el apodo de Milo y se comparan con los espartanos: "Somos pocos contra muchos", frase que se convierte en la única razón semidiscernible para que esta parte tenga lugar en Grecia... eso e introducir brevemente a los personajes.

De vuelta en el presente de la historia en Nueva York, Michael se ha convertido en un médico de renombre, que sorprende a su colega de confianza, la Dra. Martine Bancroft (Adria Arjona), cuando rechaza el Premio Nobel por su desarrollo de sangre artificial. Ese es solo el comienzo de su trabajo, explica Michael, que es donde entra en juego el "acuario", en realidad una enorme cámara de vidrio cilíndrica vertical, llena de murciélagos traídos a casa desde Costa Rica.

Tanto Michael como Milo (Matt Smith) continúan siendo tratados por la figura del mentor extrañamente eterno del Dr. Nicholas. Mientras tanto, Milo ha heredado una fortuna, por lo que está financiando la experimentación de laboratorio de Michael mientras absorbe con avidez toda la vida que puede en su penthouse y su cuerpo continúa deteriorándose.

Dado que el procedimiento de mezclar ADN humano y de murciélago se considera poco ético e ilegal, la primera prueba debe realizarse en aguas internacionales frente a la costa este, en un barco de carga tripulado por mercenarios sospechosos. Martine inyecta el suero en la columna vertebral de Michael, y aunque no somos testigos de la transformación real, definitivamente vemos que el resultado final entra en acción, lo cual es una mala noticia para el equipo.

La ventaja es que le da a Michael destreza atlética, fuerza sobrehumana y un radar sonoro excepcional. Ah... y habilidades de trampolín que pronto se transforman en el poder de volar. La desventaja son los espeluznantes ojos de murciélago, una manicura retorcida, colmillos y una sed de sangre humana que debe saciarse cada vez que el suero desaparece, cada seis horas.

A partir de ahí, la película es básicamente Michael luchando con su conciencia, prometiendo que lo que sucedió en el barco nunca volverá a suceder, mientras que los agentes del FBI Stroud (Tyrese Gibson) y Ramírez (Al Madrigal) investigan la serie de muertes violentas que comienzan allí con cadáveres misteriosamente desangrados y se van extendiendo a la ciudad.

El recuento de cadáveres estaba destinado a seguir subiendo cuando Milo puso sus manos en el suero y revela sus sentimientos menos escrúpulos sobre su nueva bebida favorita. “Todas nuestras vidas hemos vivido con la muerte colgando sobre nosotros”, le dice a Michael. "¿Por qué no deberían saber lo que se siente para variar?" Además, la transformación de la cara de murciélago de Milo hace maravillas para los pómulos de cristal tallado de Smith. Pero las diferentes opiniones de Michael y Milo enfrentarán a hermano contra hermano, con Martine en riesgo en el medio.

Mientras que el director de fotografía Oliver Wood filma la mayor parte de la acción con la lúgubre paleta que se ha convertido en estándar para este extremo del espectro de Marvel, hace un uso atmosférico de los subterráneos y espacios subterráneos de Nueva York en varias escenas. La partitura atronadora de Jon Ekstrand, con sus elementos de percusión palpitantes, también aumentan la energía, incluso cuando la trama se desliza hacia ritmos repetitivos.

El aspecto recibe un impulso gracias a la visualización del equipo de efectos visuales con las ondas de sonido recibidas por Michael y Milo cada vez que están en modo vampírico, rebotando en personas, objetos y edificios en su camino. Sus rápidos movimientos también son seguidos por una capa de color; eso nunca se explica realmente, aunque admito que se ve genial. Sus transformaciones faciales son completamente digitales, realizadas sin prótesis, entre el fotorrealismo y los cómics. Lo cual, le suma puntos a la parte técnica.

Pero al igual que muchas películas basadas en cómics, gran parte de Morbius parece ser la base para una narración más compleja por venir, y especialmente para los capítulos cruzados, uno de los cuales se desarrolla en dos secuencias de crédito medio que involucran a un personaje (y estrella) visto anteriormente en Spider-Man: De regreso a casa.

Es una pena que esta película se tome a sí misma demasiado en serio para divertirse un poco más con el caos como lo logró Venom, a pesar del potencial del giro diabólico de Smith para una interacción divertida entre los antagonistas. Arjona se comporta con confianza, pero su personaje también se pierde en la carnicería; quizás el romance de última hora entre Martine y Michael adquiera más fuerza en la próxima ronda. Leto sin duda genera una tormenta detrás de su velo de cabello de estrella de rock, sin embargo, la película ofrece muy poco para distinguirla del paquete de Marvel de segundo nivel (¿o vamos por el tercero?), convirtiéndose en más de lo mismo.

Crítica Cinéfila: House of Gucci

Drama criminal en torno al asesinato en 1995 de Maurizio Gucci, nieto del fundador del imperio de la moda Gucci, que apareció asesinado por orden de su exmujer Patrizia Reggiani, conocida como la "viuda negra de Italia".

La película de Ridley Scott es un filme defectuoso que aún así no me habría perdido por nada con toda la anticipación que generó. Lamentablemente, no logra establecerse en un tono constante: demasiado largo e narrativamente indisciplinado mientras se desplaza entre el gran drama y la ópera bufona. Los intercambios ágiles de diálogos recuerdan algunas historias de los 80, cuando las emociones eran tan grandes como las hombreras y el cabello, y los sucesos de mal gusto detrás de la riqueza y la ambición de un imperio empresarial familiar proporcionaban una escandalosa capa para historias de primera plana. La diferencia aquí es que la sórdida saga del amor, la traición y el asesinato se basa en hechos se pierde en una ejecución descuidada. Scott regresa a un territorio similar de riqueza dinástica, crimen y un entorno italiano solo cuatro años después de All the Money in the World, que fue impasible pero al menos competente. Esta vez parece estar dirigiendo episodios de una miniserie con múltiples géneros.

Scott parece extrañamente inseguro de sí mismo aquí, no ayudado por el torpe diálogo del guión peatonal de Becky Johnston y Roberto Bentivegna. Pero no se puede justificar que sea por los desafíos de filmar un drama de conjunto trotamundos que abarca décadas durante una pandemia, y menos aún para un elenco de un calibre impresionante sin escasez de escenografías. Junto con el inevitable y fabuloso diseño de vestuario y producción de época, el punto culminante es la actuación de Gaga.

En una actuación que la mayoría de las veces se marca hasta 110, Gaga ofrece un espectáculo fascinante, que aporta un carisma y un impulso feroz a Patrizia, una contadora de la compañía de camiones de su familia que se casó con Maurizio Gucci en 1972 y ordenó su asesinato en 1995. Incluso cuando está encendiendo un cigarrillo o revolviendo un espresso, Gaga se lanza al personaje con un entusiasmo salvaje. Siempre que está en la pantalla, la película está llena de electricidad. Por el contrario, Driver, en su segundo proyecto consecutivo para Scott después de The Last Duel, está bastante moderado, creando un personaje complejo por medios más matizados. Eso coloca a los dos protagonistas prácticamente en películas diferentes.

Luego están los actores secundarios, liderados por Jeremy Irons como el padre narcisista de Maurizio, el ex actor Rodolfo, con un acento que se desplaza entre el italiano y británico. En otro nivel está el enfrentamiento cómico entre Al Pacino y Jared Leto como el exuberante tío Aldo de Maurizio y su hijo sonso Paolo, respectivamente. Leto gana ese concurso por una milla con una actuación ridiculizada con traje de gordo y prótesis que es simplemente asombrosa, y no en el buen sentido de la palabra. 

Supongo que Gaga y Pacino pueden jugar la carta italoamericana, pero en realidad, House of Gucci no tienen ningún italiano involucrado en la actuación de esta película. Es un infierno de acentos tambaleantes.

Dicho esto, nunca es más divertido que cuando Patrizia de Gaga está tramando con su amiga Pina (Salma Hayek), una psíquica de televisión de bajo costo y una dama de los gatos, para recuperar su cada vez menor influencia dentro de la familia Gucci y, eventualmente, para congelar a Maurizio. Desde su primera aparición, está claro que la película pertenece a Gaga cuando Patrizia atraviesa el depósito de camiones de su padre hacia la oficina, vistiendo un vestido ajustado y tacones, empapándose de los silbidos de lobo y los comentarios lascivos de los conductores con evidente placer. Conoce a Maurizio en una fiesta lujosa en la era disco de Milán y tiene estrellas en sus ojos en el momento en que escucha su apellido.

Ella se interpone en su camino con tanta frecuencia que se ve obligado a invitarla a salir; en poco tiempo le presentará a papá, Rodolfo, hijo del fundador de la casa de moda Guccio Gucci. Ella no puede distinguir un Klimt de un Picasso, pero Rodolfo encuentra a Patrizia encantadora hasta que Maurizio comienza a hablar de matrimonio, momento en el que lo repudia de inmediato. Rodolfo encuentra a Patrizia aceptable como un juguete para su hijo, pero inmediatamente la juzga como una cazafortunas cuando Maurizio la introduce en la familia. Eso sucede en un descarado corte de los dos jorobando locamente en el escritorio de la oficina de Patrizia hasta que ella camina por el pasillo con un elaborado vestido de novia.

En la actuación moderada de Driver, ya sea elegantemente reservada o cautelosa, dependiendo de cómo lo vean, obtenemos un acceso psicológico íntimo a Maurizio a medida que la pasión de los primeros años disminuye y la vulgaridad de Patrizia comienza a irritarse. Esto es notable en la escena de una estación de esquí en St. Moritz con sus amigos ricos, incluida la mujer que reemplazaría a Patrizia, Paola Franchi (Camille Cottin). La bofetada definitiva llega cuando le da a Patrizia una tarjeta de regalo de Bloomingdale's para Navidad. Más de ese tipo de humor astuto podría haberle dado a la película un toque satírico.

Mucho antes de que las fisuras en su matrimonio se vuelvan irreparables, Patrizia empuja a Maurizio a superar su ambivalencia sobre unirse a la empresa familiar, reparando la brecha con su padre justo a tiempo para apoderarse de la participación mayoritaria del anciano en la empresa, aunque con algunos movimientos furtivos. Al principio, encuentra un aliado en el presidente de la compañía, el tío Aldo, mientras van y vienen entre Milán y Nueva York; y se las arregla para trabajar con Paolo, quien tiene la ilusión de ser un diseñador visionario.

No se puede dejar de mencionar al abogado de la familia Domenico De Sole, un papel asegurado en el que Jack Huston apenas se registra, excepto en la medida en que se parece a Tom Ford mucho más que Reeve Carney, quien se convierte brevemente en ese papel.

En la escena de St. Moritz antes mencionada, Patrizia responde a una pregunta sobre los macarrones de merengue que ha traído con un monólogo incoherente sobre un viaje a París con Maurizio. "Estás llenando la historia de detalles innecesarios", le dice en una despectiva cortante. "Solo quieren saber de dónde sacaste los macarrones, cariño". En cierto sentido, eso es lo que hace el guión de Johnson y Bentivegna. Dado que esta es una película y no una miniserie de los 80, está demasiado abarrotada de tramas tan ocupadas que nos siguen alejando del macarrón de la relación que se desmorona de Patrizia y Maurizio. O tal vez es solo que la energía de la película se desploma cada vez que Gaga está fuera de cámara.

Claro, es moderadamente interesante conocer las tribulaciones de Aldo por evasión de impuestos y las artimañas corporativas que lo empujan a él y a Paolo a salir de la compañía cuando Maurizio se asocia con el grupo financiero de Bahrein Investcorp. Pero Scott no puede sacarle mucho jugo a estos desarrollos. Lo mismo ocurre con el cambio de imagen después de que Gucci se haya asociado al prodigio de Texas, Ford (Carney), traído para revolucionar el estilo de la casa, con una aparición misericordiosamente breve de una mala imitadora de Anna Wintour.

A pesar de los fragmentos frenéticos de la trama lanzados entre las pistas musicales de los 80 por Eurythmics, David Bowie, Donna Summer, Blondie, y otros, el ritmo de la película se cuela de una manera increíblemente lenta, incluso cuando debería generar suspenso como el filme anticipado y anticlimático que prometieron. Scott, que se incorporó al proyecto por primera vez en 2006, parece convencido de que está haciendo algo parecido a The Godfather. Pero, en cambio, la acción sigue deslizándose hacia un carácter inadvertido.

El director de fotografía Dariusz Wolski mezcla el brillo con una apariencia de época descolorida para lograr un efecto decepcionante de los 80, pero el diseño de producción de Arthur Max y el vestuario de Janty Yates le agregan muchos de esos detalles lujosos que se esperan cuando uno escucha "Gucci". Al igual que Gaga, que llama la atención en un vehículo que depende mucho más exclusivamente de ella que A Star Is Born, donde el centro de atención se comparte por igual con Bradley Cooper. Su trabajo aquí puede ser masticable, pero está fascinantemente viva en el papel, lo que calienta el hambre de Patrizia y aumenta la desesperación en una película confusa que rara vez se enciende.

Crítica Cinéfila: The Little Things

Un sheriff y un detective de homicidios han de colaborar juntos para intentar dar caza a un astuto asesino en serie.

Cuando en una película se tiene un psicópata de ojos saltones, especialmente cuando es interpretado por un actor experto, siempre es bueno para reír, estremecerse o algo intermedio. Pero también, para restar importancia a la exageración. Cuando se tiene a alguien como Jared Leto en ese tipo de rol, quien sin duda ha tenido mucha práctica, sabes que dará una actuación de vanguardia como el tipo de sordidez diabólica y suelta que te encanta odiar logrando la mejor secuencia en “The Little Things", aunque otra forma de decirlo es que la escena eleva el listón a un lugar que el resto de la película no puede igualar.

Leto interpreta a Albert Sparma, un indecente de Los Ángeles que parece estar a medio camino entre una persona sin hogar y Jesús. En la escena clave, es llevado a la estación para ser interrogado por dos policías que se han convertido en socios poco probables: Joe "Deke" Deacon (Denzel Washington), un adjunto visitante del norte del estado (aunque una vez trabajó en Los Ángeles, donde era un maestro perfilador de asesinos en serie) y Jimmy Baxter (Rami Malek), un detective de LAPD bien vestido que aparece en las noticias locales con tanta frecuencia que se ha convertido en una celebridad. Se han unido para resolver una serie de asesinatos brutales y creen que tienen a su hombre en Sparma, que ciertamente parece el papel.

Es espeluznante y de forma extraña, con ojos negros vidriosos, cabello largo grasiento, barba hippie, una sonrisa geek, una camisa de trabajo abotonada hasta la nuez de Adán y un tono alegre y hablador de sí mismo. Sparma es un trabajador que camina arrastrando los pies y que tomará un autobús urbano hasta un club de striptease. Pero en el interrogatorio, aparece como la versión de un genio malvado de Lecter, tres pasos por delante de todas las preguntas que le hacen. Le ha dado fotos horribles de las víctimas del asesinato, que mira con suficiente entusiasmo inexpresivo para burlarse de la policía sin incriminarse a sí mismo.

Leto, basándose en su perversidad de mente vivaz, comunica una gran cantidad de placer enfermizo. Sparma, un solitario, adora ser el centro de atención, y también Jared Leto. Naturalmente, se burla de la policía, pero todo apunta a Sparma como el asesino: su lúgubre apartamento, el hecho de que confesó un asesinato hace 8 años, la calidad que transmite ser una mente maestra de mala vida.

Leto, a su manera, quema un pequeño agujero en la pantalla. Dicho esto, hemos visto este tipo de actuación antes. Y hemos realmente visto el resto de la película antes, ya que “The Little Things”, escrita y dirigida por John Lee Hancock, es una película que quisiera ser "Se7en", con muchos toques extraídos de "Manhunter", pero se parece más a un episodio no muy especial de "CSI".

Eso es una gran decepción, ya que este es el primer thriller de múltiples estrellas y lujosamente escalado que hemos tenido la oportunidad de ver en bastante tiempo. Ambientada en 1990, “The Little Things” pertenece al espeluznante género forense, con episodios que se desarrollan en lugares de asesinatos salpicados de sangre vistos a través de la luz ultravioleta, así como uno o dos enredos narrativos agradables. Sin embargo, este tipo de película de detectives clínicos depende de crear un sentimiento de revelación, una especie de asombro saturado de horror. “The Little Things” es solo una serie de clichés de thriller de asesinos en serie, como fotos de la escena del crimen que hemos visto antes. Y algo de eso no rastrea tan bien.

Tomemos el personaje de Denzel Washington. Al principio, la película parece lanzarnos una bola curva, presentando a Deke como una especie de jinete de escritorio modesto y con la cabeza hacia abajo, un oficial del condado de Kern en uniforme que es enviado a Los Ángeles para recuperar una pieza clave de evidencia: un par de botas ensangrentadas. Pero cuando llega al laboratorio forense y luego a la comisaría, resulta que la mayoría de los agentes lo conocen. Deke, al parecer, fue una vez una leyenda, el tipo de policía que podía meterse en la mente de un asesino. Pero quedó tan inmerso en un caso que sufrió un triple bypass, un divorcio y una suspensión, todo en seis meses.

En otras palabras, es una descripción del agente del FBI dañado de William Petersen, Will Graham, en "Manhunter". Pero cuando Graham tuvo su colapso, no fue condenado al ostracismo. La historia de fondo de Deke, su caída en desgracia, no se analiza por completo, y la actuación de Washington es tan serena en la superficie que nunca adquiere la calidad de obsesión que el guión sigue insinuando. Deke, todavía tratando de resolver ese viejo caso, es absorbido por el nuevo, y se muda a un hotel de basura donde pega fotos de las víctimas en la pared para poder meditarlas con su mirada de mil metros. Pero mientras “Manhunter” fue una película singular sobre la obsesión, este, que llegará 35 años después, parece una copia.

Se supone que Jimmy, de Rami Malek, es el número opuesto de Deke, un hombre de familia que es un profesional suave y unido, con tonos asesinos. Malek lo interpreta con una manera que es estudiadamente brusca. Su actuación no es mala, pero es difícil escapar de la sensación de que, en cierto nivel, se siente forzada.

“The Little Things” no encaja completamente en el modo que “Se7en” logró, ni siquiera en la secuencia culminante, en la que Sparma invita a Jimmy a dar un paseo nocturno al desierto con él. Tan pronto como llegan allí, la película anterior, comienza a flotar sobre la acción. Sin embargo, es difícil no darse cuenta de que en este caso la “poética” del suspenso de un enfrentamiento entre policía y sospechoso deja atrás el sentido común. Sparma le pide a Jimmy que cavara un hoyo en el desierto con una pala. No hay forma de que un policía experimentado de Los Ángeles cavara ese agujero. Deke, en un momento, le dice a Jimmy que son “las pequeñas cosas” a las que un detective debe prestar atención; son las cosas que atrapan a un asesino. Sin embargo, aquí fueron tan pequeñas que no se aprecian.

Blade Runner 2049

Treinta años después de los eventos del primer film, un nuevo blade runner, K (Ryan Gosling) descubre un secreto largamente oculto que podría acabar con el caos que impera en la sociedad. El descubrimiento de K le lleva a iniciar la búsqueda de Rick Deckard (Harrison Ford), un blade runner al que se le perdió la pista hace 30 años. (FILMAFFINITY)

Una de mis mayores preocupaciones con el cine moderno son las secuelas, porque en su gran mayoría están precediendo a clásicos o películas taquilleras extremadamente exitosas, y en otras ocasiones están buscando alcanzar el éxito que sus antecesoras no lograron conseguir. Ambas situaciones son retantes, porque el camino para llegar a la meta de las taquillas y buena crítica no sólo dependerá en qué tanto varíe la imagen para impresionar al público.

Para mi gran decepción, Blade Runner 2049 no cumplió con las expectativas que el trailer y los comentarios de otras personas habían generado en mí. Y mi desencanto no tiene nada que ver con los aspectos técnicos que son los únicos atractivos de la película, para mi. Sino de toda la parte narrativa que la compone.

La historia se desarrolla 30 años después de que Rick Deckard desapareciera junto a Rachael, en una ciudad de Los Angeles devastada por la destrucción medioambiental, envuelta en el desequilibrio químico y consumida por las avanzadas tecnologías. El protagonista, conocido como K o Joe, es un replicante que trabaja y obedece los oficios de la policía local, ubicando y eliminando modelos de replicantes clandestinos más viejos. Después de acabar con uno de sus casos, encuentra por accidente una caja con huesos de una antigua replicante y un descubrimiento que podría "cambiar la sociedad humana y de replicantes como ya es conocida": esta mujer/replicante tuvo un bebé, lo cual era considerado imposible para ese grupo de seres. A partir de ese momento, Joe debe investigar quién fue, dónde está esa criatura, quién fue su padre y cómo esto cambiará al resto del mundo, si es que logra cambiarlo antes de que la película se acabe.

La situación que más me preocupa con esta trama es que sus personajes son apáticos. Y es injustificable que digan que lo son porque no son humanos reales y naturales, cuando en la historia del 1982 nos mostraron que tienen sentimientos y son capaces de sufrir.

Aún con que la película cuenta con actores de fuerte calibre, estos no lograron llenar las interpretaciones como debían: Joe o K (Ryan Gosling) fue un objeto sin sentimientos ni una muestra de interés, ni siquiera cuando creyó que él era ese bebé de replicante y humano; hay otros personajes que se ven muy sobreactuados y otros poco coordinados; el personaje de Jared Leto no le sacaron el provecho y el máximo de lo que sé que hubiese dado y lo convirtieron en un villano pasivo, otorgándole importancia a Luv (Sylvia Hoeks), quién es el único personaje que sí tiene un desarrollo, aun cuando su cambio no es tan notorio. La entrada de Harrison Ford le dio un poco de fuerza a los demás, pero su aparición no es hasta la segunda parte de la película, cuando el ritmo duerme a la mitad de la audiencia con un paso extremadamente lento para lo que en realidad prometía la historia.

La trama no deja de ser interesante, pero está narrada en un tono flojo, falto de carisma y de la intensidad que solamente fueron logradas en las escasas escenas de acción que tuvo. Incluso algunas de ellas no tuvieron la fuerza que ameritaban.

Si le otorgo puntos a favor de esa fotografía colorida que me da la sensación de un tiempo distópico aparentemente creíble, pues da esa tensión en su atmósfera nublada y dañada. A su vez, los efectos especiales de los vehículos, las armas y las tecnologías futuristas fueron otra novedad que lograron lo que quizás la primera Blade Runner intentó hacer (y que en cierta forma, también lo hizo de una manera increíble, en comparación a la fecha en que fue desarrollada). Otro aspecto que me compró fue la musicalización, compuesta por una banda sonora de violines que complementaban el suspenso que trataban de crear en cada escena de la película.

Blade Runner 2049 no es una secuela terrible, pero no es (para mi) una obra de arte, porque aunque haya cumplido con dar una impresionante cinematografía y un elenco envidiable, se queda corta en términos narrativos y de personajes, y tiene la decepcionante capacidad de dormir a su público, si no logra enbobarlo con los aspectos técnicos que sé que muchos les aplaudirán y no le darán importancia a lo que verdaderamente es importante cuando se hace una continuación de una película: darle sentido coherente y entretenido a su historia.

Top 10 de los Camaleones de Hollywood

Cada año, la lista de actores de Hollywood crece, mucho más de lo que quizás se hubiesen imaginado sus precursores. Pero mientras más hay, menos calidad encontramos entre ellos, con interpretaciones incípidas y estancadas con otros papeles. Sin embargo, siempre nos encontraremos con grandes talentos de la interpretación: "pura raza" (como decían por otro blog vecino), con la capacidad de interpretar cualquier papel de una manera increíble y única.

La siguiente lista la he realizado en base a todas las películas que he visto de cada uno de estos actores. 

En este top, lo importante no es si el actor lucía irreconocible en la película, sino la variedad de roles interpretados y la calidad de cada uno de esos papeles.

Christian Bale

Mi película favorita: The Big Short

Charlize Theron

Mi película favorita: Monster

Sean Penn

Mi película favorita: My name is Sam

Jared Leto

Mi película favorita: Dallas Buyers Club

Julianne Moore

Mi película favorita: Still Alice

Daniel Day-Lewis

Mi película favorita: Gangs of New York

Meryl Streep

Mi película favorita (en esta sí fue difícil decidir): Sophie's Choice

Brad Pitt

Mi película favorita: El Curioso caso de Benjamin Button

Johnny Depp

Mi película favorita (otro difícil de elegir): Edward Scissorhands

Gary Oldman

Mi película favorita: Harry Potter and the Prisoner of Azkaban

Aún me faltan otras personas, pero se quedarán para la próxima lista (so stay tunned).

¿Cuál es tu favorito de estos?