Crítica Cinéfila: TRON - Ares

Cuenta la historia de Ares, un programa altamente sofisticado que es enviado desde el mundo digital al mundo real en una misión peligrosa, marcando el primer encuentro de la humanidad con seres de inteligencia artificial.

Las películas de "Tron" cuentan con un legado de excelentes bandas sonoras electrónicas. El clásico de culto original de 1980 contó con la música de la legendaria pionera de la música trans, Wendy Carlos, quien también contribuyó a las inolvidables bandas sonoras de "A Clockwork Orange" y "The Shining" de Stanley Kubrick. La postergada secuela de Disney, "Tron: Legacy", contó con una banda sonora de Daft Punk, quienes pusieron tanto cariño y alma en sus composiciones digitales que, francamente, la banda sonora fue lo único que emocionó a la mayoría.

“Tron: Ares” continúa esta tradición con una nueva banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross, bajo el nombre de su banda, Nine Inch Nails. Es una oleada de sonido que irrumpe en la película de Disney y empapa cada fotograma. Es una maravilla sonora por la que tanto Reznor como Ross merecen grandes elogios. “Tron: Ares” tiene, sin lugar a dudas, una banda sonora genial. La película, por otro lado, es una decepción casi en su totalidad.

“Tron: Ares” es un trabajo despreocupado a nivel narrativo, y de los más molestos, porque se esconde bajo una fina capa de competencia superficial. La película parece aceptable. Tiene grandes estrellas que intentan, sobre todo, ganarse la vida. Todos siempre están corriendo a algún lado, lo que puede confundirse fácilmente con impulso. Y luego, por supuesto, está la banda sonora, que lo une todo. Como una pulsera de diamantes que amarra una bolsa de basura.

“Tron” (1982) y “Tron: Legacy” (2010) fueron ambiciosas epopeyas de ciencia ficción que imaginaban el interior de nuestros ordenadores como brillantes paisajes digitales, poblados por programas antropomórficos que veneraban a sus creadores humanos como si fueran dioses. Eran películas pretenciosas, pero se negaron a conformarse con sus innovadores efectos visuales. Prepararon las revoluciones tecnológicas modernas con la teología clásica y plantearon preguntas significativas sobre nuestras responsabilidades hacia todas nuestras creaciones. Eran, a pesar de sus otros defectos, películas con ideas.

“Tron: Ares” no tiene ideas. En cambio, tiene una trama tediosa y aburrida. Transcurre años después de “Tron: Legacy”, y ahora dos compañías tecnológicas —la piadosa ENCOM y la malvada Dillinger Systems— quieren traer programas informáticos al mundo real, en lugar de enviar personas reales a las computadoras. Han descubierto cómo hacer que los programas sean reales durante 29 minutos, pero después sus creaciones se evaporan. No importa por qué. Dillinger lo usa para hacer tanques, armas y guerreros "invencibles".

Eve Kim (Greta Lee), directora ejecutiva de ENCOM, tiene el secreto para mantener los programas en el mundo real indefinidamente, así que su rival, Julian Dillinger (Evan Peters), envía a sus matones digitales tras ella, liderados por el programa de seguridad Ares (Jared Leto). Resulta que esto es mucho menos efectivo que enviar a gente normal tras ella, ya que sus programas informáticos convierten la ciudad en un espectáculo de luces psicodélico y llaman la atención sobre la organización criminal de Julian, dañando la reputación de la empresa y haciendo que toda la historia principal sea completamente inútil.

Lo que importa, al parecer, es que Ares está evolucionando más allá de su programación, así que se alía con Eva para obtener el secreto de la "permanencia" y quedarse en ese mundo. Esto implica huir de más matones digitales que, de nuevo, mueren instantáneamente tras 29 minutos. Nuestros héroes solo tienen que conducir una hora fuera de la ciudad y toda la trama se disolvería.

Greta Lee (Past Lives) es una actriz excelente, pero se pasa toda la película huyendo de los malos y arreglando computadoras. Eve solo tiene una historia de fondo, e incluso eso le explica un hombre que conoció hace treinta minutos. Él también le dice cómo completar el arco argumental de su personaje, lo cual ella cumple diligentemente. "Tron: Ares" le quita todo lo posible a Greta Lee. Es un papel ingrato para una mujer tan talentosa.

Por otro lado, Jared Leto solo tenía que interpretar a un personaje con alma. No resulta muy convincente. Ares es una entidad monótona que necesitaba desesperadamente un actor con brillo en los ojos, alguien que pudiera transmitir vida sutilmente a una forma de vida artificial que, técnicamente, no la tiene. Leto se queda con la mirada perdida durante la mayor parte de la película y dice sus diálogos con la intensidad de un robot sin corteza. El único otro programa con el que hablamos es Athena (Jodie Turner-Smith), que también carece de personalidad, y todo esto contradice las reglas de "Tron". Los programas de estas películas suelen estar inspirados en sus programadores y suelen ser individuos apasionados. Lo que significa que los creadores de "Tron: Ares" —dirigida por Joachim Rønning con guion de Jesse Wigutow y argumento de Wigutow y David Digilio— cambiaron las reglas de todo este universo solo para empeorar la historia.

Y luego, por supuesto, está la Red, donde viven todos estos programas de computadora. Es un lugar que todos en la audiencia pueden mirar con asombro porque siempre se ha visto increíble. La Red también siempre está codificada por colores, así que el azul es igual al bien y el rojo al mal. "Tron: Ares" pasa la mayor parte de su tiempo en la Red en la sección roja, lo que nos hace sentir como si estuviéramos atrapados en el fallido Nintendo Virtual Boy. Es simplemente una receta para dolores de cabeza. Tal vez por eso la mayor parte de la película se desarrolla fuera de la Red, en el comparativamente aburrido mundo real. Porque alguien detrás de escena pensó que el problema con "Tron" y "Tron: Legacy" era que eran hermosas. No se preocupen. Esa era de "Tron" ha terminado.

Disney lleva casi medio siglo intentando convertir "Tron" en algo. Las películas anteriores tienen fans. Quizás no lo suficiente como para justificar sus presupuestos, pero están ahí. Es difícil imaginar que alguno de esos fans se entusiasme con la "Tron" más genérica hasta la fecha, y es difícil imaginar que todo el público que antes no estaba interesado se entusiasme ahora que es aburrida. En la vida real, finalmente llegamos a una etapa en la que los problemas planteados por "Tron" cobran relevancia en el mundo real, donde mantenemos debates difíciles sobre la ilusión de la inteligencia artificial y lo que su implementación podría significar para el futuro de la humanidad. Es precisamente el peor momento para estrenar un "Tron" sin nada que decir al respecto. 

No tienes que ver esta película. Quizás puedas tolerar las antiguas. Pero siempre es recomendable escuchar todas las bandas sonoras.

Crítica Cinéfila: Without Remorse

Un comando SEAL de élite descubre una conspiración internacional mientras busca hacer justicia por el asesinato de su mujer en Sin remordimientos, de Tom Clancy. 

No puedes matar a un hombre de Tom Clancy. El famoso imperio de espionaje del difunto autor ha mantenido a estrellas desde Harrison Ford hasta John Krasinki empleadas durante décadas en las diversas propiedades de cine y televisión de su propiedad.

Varios talentos, incluidos Willem Dafoe y Liev Schreiber, ya ha representado al personaje de John T. Clark en la pantalla, aunque Michael B. Jordan se convierte en el primer actor de color en interpretarlo en Without Remorse dirigido por Stefano Sollima. Lamentablemente, y por más que siga a este reconocido actor, la película total decepciona. Pero lo que hace que sea mucho más decepcionante que la trama, y sea tan contundente y ridícula como lo logra ser es la letanía sangrienta y demasiado familiar de intrigas de la Guerra Fría y cliché occidental.

El guion está coescrito por el guionista nominado al Oscar Taylor Sheridan (Sicario, Hell or High Water ) con Will Staples, mejor conocido por su trabajo en el videojuego Call of Duty: Modern Warfare 3, pero es el videojuego en primera persona de este último.modo de tirador que domina; para cuando aparecen los créditos iniciales, el recuento de cadáveres ya ha pasado de 10. Aunque para ser justos, es una redada: Clark de Jordan, un SEAL de la Marina, que lidera a su equipo para rescatar a un secuestrado de la CIA en Siria de los insurgentes rusos bajo la dirección de un imperioso oficial de la agencia llamado Robert Ritter (Jamie Bell).

Tres meses después, esos mismos miembros del equipo comienzan a aparecer muertos en suelo estadounidense, y cuando la joven familia de John se convierte en el objetivo, nace una historia de venganza. A partir de allí, John se balancea entre una serie de escenarios internacionales que funcionan mejor cuando pasan del zumbido de las balas a algo más análogo de mano a mano (una escena de hombre contra SWAT absurda pero entretenida en una celda de prisión, zambullida de agua en algún lugar sobre el mar de Bering).

El director Stefano Sollima tiene como objetivo convertir a John en un héroe de primer orden: mata porque le importa. Jordan, una presencia naturalmente magnética, hace todo lo posible para invertir eso con algún (o cualquier) tipo de significado, pero es un largo camino para poder creerlo. Mientras tanto, Guy Pearce aparece para representar al Gran Gobierno y pone en marcha varias misiones de "esto es altamente clasificado"; la actriz de Queen & Slim, Jodie Turner-Smith, como una compañera de Seal, lucha para entregar líneas de madera sobre la precaución y la lealtad; y el talentoso Bell, encargado de interpretar al antagonista de John, está mayormente cargado de travesuras de nivel Bravo y exposición de historias, un personaje naturalmente odiado.

A medida que se desarrolla una vasta conspiración al estilo Clancy que logra ser a la vez vaga y casi cómicamente explícita, las cosas se disparan con una regularidad paralizante y varios combatientes sin rostro mueren; los planes mejor trazados salen mal. La venganza se realiza sin remordimiento y con menos sentido aún. Lo único seguro, a juzgar por la promesa de una escena posterior a los créditos, es una secuela sin ser solicitada por la audiencia.

Crítica Cinéfila: Queen & Slim

Durante la primera cita de una pareja de afroamericanos, sin motivo aparente, ambos son detenidos por la policía. Tras asesinar al agente en defensa propia, juntos se darán a la fuga, propiciando así una huida desesperada de las autoridades.

Es difícil imaginar otra película estadounidense de 2019 que irradie tanta furia y frustración como lo hace "Queen & Slim" en sus primeros minutos. Escrita por Lena Waithe (The Chi) y con un brillo lírico llamativo de la directora Melina Matsoukas en su debut cinematográfico, esta sombría meditación sobre la violencia policial contra las personas de color es una acusación perfecta y poderosa.  Siempre hace clic y cruje con un propósito, remodelando el estilo de los amantes de las películas con lamento emocional de las vidas negras, como yo.

Algunos han querido establecer que esta historia es como un "Bonnie y Clyde negro", mencionado hasta en el guión mismo. Sin embargo, la saga de forajidos de Arthur Penn fue más una declaración cultural sobre sexo y violencia en los medios de comunicación, mientras que "Queen & Slim" utiliza un marco narrativo similar para explorar preocupaciones más sinceras encarnadas por un conjunto muy diferente de protagonistas.

Cuando nos encontramos por primera vez con Queen (Jodie Turner-Smith) y Slim (Daniel Kaluuya), se ven envueltos en una amigable primera cita en un restaurante de Ohio. Está yendo bien: la pareja coquetea a través de una conversación inofensiva sobre otros clientes y la mala comida del restaurante antes de llamarla una noche; mientras que él conduce a casa, ella le dice que no se haga ilusiones. Pero la trama no se demora en su romance caprichoso por mucho tiempo antes de que la oscuridad se apodere del cuadro.

Cuando un oficial de policía lo detiene por una luz trasera rota, la tensión se activa y aumenta cuando una linterna ilumina dos rostros oscuros desconcertados. Conocemos los conceptos básicos de esta triste saga incluso antes de que se vaya al sur, pero los momentos siguientes explotan con una desgarradora acumulación de altercados: el hombre blanco uniformado le pide al hombre negro que salga del vehículo, lo obliga a abrir su baúl y saca su arma después de que él le lanza al policía un comentario inofensivo; ella sale del auto, citando sus antecedentes como abogada y saltando en defensa de él; el oficial se vuelve hacia ella disparándole en la pierna, cuando él se lanza sobre el policía y dispara por accidente, el policía terminando muerto. Ahí es cuando por fin el título sale.

Esta configuración dinámica prácticamente funciona como un cortometraje magistral en sus propios términos. Sin embargo, de ese enfrentamiento explosivo, "Queen & Slim" toma un respiro y se relaja en una película mucho más tranquila. Al darse cuenta de que sus opciones son limitadas, Queen los guía a un escondite en la monótona casa de su tío Earl (Bokeem Woodbine), donde permanecen bajos mientras los informes de los medios se acumulan. La historia de la ley adolece de una calidad estridente y de una sola nota que contrasta de inmediato con los delincuentes medidos en su puerta. 

La narración se equilibra con una corriente subterránea de indignación cultural. El guión de Waithe se mete en el dilema que deja a los personajes de Queen y Slim en un estado desarrollado a medida que avanza a través de una serie de nuevos desarrollos, dejando que sus personalidades florezcan y evolucionen a medida que avanza la historia. 

La cobertura noticiosa de la cámara del asesinato revela la inocencia de la pareja, si no su exoneración, y pronto su estrellato adquiere una dimensión paradójica: asesinos de policías en la prensa, víctimas de comunidades enfadadas en todo el país y héroes en un creciente número de personas que ven su escape en términos simbólicos: Queen y Slim significan algo para todos. Los actores trabajan horas extras para que los eventos improbables se mantengan unidos. Kaluuya, cuya exasperación y su sonrisa irónica siempre hacen que valga la pena verlo, encarna el choque de la ambivalencia y la celebridad involuntaria en el centro de la película, pero es Turner-Smith quien se destaca como una verdadera revelación, exhibiendo instintos de supervivencia feroz en conjunto con convicciones sobre su derecho a seguir adelante.

La película está en su mejor momento cuando explora la forma en que el ultraje reprimido puede encontrar la catarsis en la fantasía de arremetimiento. En una secuencia maravillosa que encuentra a la pareja buscando ayuda de un mecánico negro, esperan su trabajo mientras deambulan por el agua con el hijo del mecánico, que admira el legado naciente del a pareja. El diálogo deriva en la voz en off de Malickian a medida que las imágenes líricas del cinematógrafo Tat Radcliffe transforman el intercambio en una meditación hipnótica sobre los sueños negros socavados por un sistema que no les brinda ninguna esperanza más allá del potencial de idealizar su lucha. Pasa lo mismo cuando se encuentran en un club nocturno completamente negro, donde los clientes les permiten pasar un buen rato.

El sueño solo puede durar tanto tiempo, pero se logra mantener un balance, así como una escena de sexo hirviente cruzada con disturbios contra la policía puede ser suficiente ironía y hasta contraste para comparar cómo, aún cuando pueden ser ellos sin preocuparse por los demás, su situación acosa a otros. Un gran giro, un nuevo acto de violencia diseñado para provocar un mayor debate, pone a prueba la credibilidad y parece estar en desacuerdo con las circunstancias que lo conducen, al igual que una traición trágica final. Sin embargo, la emoción se mantiene fuerte. "Queen & Slim" ha sido diseñada para provocar reacciones que atraigan a los espectadores a su discurso espinoso sobre el enloquecedor estado de la vida negra en Estados Unidos y lo que se necesita para encontrar una salida adecuada en todo el país.

Con ese fin, es una secuela espiritual de las citas de duelo de Malcolm X y Martin Luther King Jr., caracterizando el camino a seguir en una protesta violenta, y la otra llamando a la paz, "Queen & Slim" no encuentra nuevas respuestas, ya que se encuentra en el centro de ese mismo problema con una vívida fijación por la solidaridad, una demostración a cualquiera que pueda relacionarse con sus preocupaciones de que no está solo en esta lucha.

A pesar de que la película hace preguntas difíciles, lucha por fusionarlas en un todo singular. Ciertamente se une a un estilo narrativo robusto al enfrentarse a una división en curso que la sociedad estadounidense aún tiene que resolver. Desde "Fruitvale" hasta "Monsters and Men" y "Blindspotting", esta década ha visto muchos intentos potentes de convertir la persecución de personas de color en un nuevo tipo de ira cinematográfica. "Queen & Slim" encarna un momento histórico inquietante, por ellos. No importa los adornos disponibles, hemos visto esta historia antes, y es vergonzoso que así realmente sea en la vida real.