sábado, 30 de septiembre de 2017

Crónicas de California: "Live from Hollywood, is Dancing with the Stars"


Tengo aproximadamente 10 años viendo Dancing with the Stars. Los lunes y martes en la noche son sagrados y dedicados exclusivamente a este show. Tengo mis bailarines favoritos y voto por ellos aunque sea a través de las redes sociales. He llorado y me he engranojado con muchas de sus presentaciones. En pocas palabras: "me lo vivo". Ahora... imaginen lo que sentí cuando recibí la entrada para ir al programa en vivo.

Una de las grandes ventajas de vivir en esta ciudad, así como en muchas otras ciudades del mundo, son los diversos shows que se puede visitar como invitados o audiencia. Lo que nunca pensé es que sus entradas son gratuitas, aunque sí sabía que eran difíciles de conseguir. Así que ahí estaba el sábado pasado, viendo una película (como siempre), cuando recibí el email que cambió mi noche.

Tres días después me dirigía en taxi con una amiga de la academia al estudio de CBS, lo cual nos resultó extraño a ambas, porque el programa es transmitido a través de ABC. Pero era una pregunta para mis profesores de clase, no para ese momento. Cuando nos desmontamos del taxi, nuestra primera reacción fue la fila... INTENSAMENTE LARGA. Y eso que fuimos dos horas antes. Pero fanáticas al fin, obedecimos a ella, y nos pasamos las siguientes dos horas discutiendo sobre los mejores bailarines, quién podría ganar y cuáles eran las mejores parejas. Incluso otras personas de la fila se unieron a nuestra discusión.

Entrar al estudio y estar durante el show tiene sus reglas: debe vestirse formal, no teléfonos celulares dentro, nada de "saludar a la cámara", aplaudir mucho y estar parados hasta que pasen a los anuncios. Es fácil si estás yendo porque quieres, como mi amiga y yo que salimos sin voz de ahí, ya ustedes se imaginarán por qué.

La audiencia estaba guiada por un presentador especial para los invitados, quien indicaba cuando debíamos aplaudir, sentarnos, pararnos y animar a los bailarines. También se encargaba de entretenernos mientras ocurrían los anuncios.

Una vez entramos, ubicamos nuestros asientos, le pedimos a una chica de seguridad que nos hiciera una foto (¡desde su celular!), esperamos a que entraran los bailarines (mejor conocidos como los "pros") y las estrellas de la temporada. Resumiendo ese corto lapso de tiempo antes de que anunciaran que estábamos en vivo: Val se nos arrodilló y nos lanzó un beso, pudimos ver el ensayo general del baile de entrada y Sharna nos reclamó porque le dijimos a Cheryl que era nuestra favorita, cuando unos minutos antes le habíamos dicho a ella que era nuestra favorita (que en mi caso, prefiero a Sharna).

Entró la mesa de los jueces, se presenta el baile de entrada y comenzaron los bailes: Latin Night! tema que hizo que me sintiera mucho más entusiasmada con todo el episodio de bailes del que iba a ser testigo. Samba, salsa, rumba, cha-cha y tango fueron los seleccionados de la noche y las parejas simplemente dieron las mejores coreografías que he visto en toda la temporada. Influye mucho el hecho de que estaba en vivo y que mi adrenalina estaba a tope.

Mis preguntas sobre qué sucedía detrás de los anuncios fue respondida mientras iban pasando las presentaciones. Este momento era el indicado para que el equipo técnico saliera, desmontara la escenografía y la adaptara a la siguiente pareja que iba a bailar, todo esto en menos de 4 minutos. Es sorprendente la rapidez con la que instalaban cables y luces, y convertían el salón en una atmósfera totalmente distinta a la anterior.

Mi pareja favorita de la noche fue Lindsey Stirling & Mark Ballas, pero esto no es porque es el momento en que aparezco en cámara (así es, leíste bien), sino porque fue una salsa de salón completa, entretenida y moderna.


Ir a Dancing With The Stars en vivo representa un cambio en la forma en que lo continuaré viendo. Por la educación que he recibido en el área, desde antes sabía lo que significaba producir un programa de televisión. Pero es muy distinto verlo ahí de cerca, los momentos en que el crew también entraba en escena a cumplir con sus funciones y los juegos de cámara que hacen para que uno (desde casa) no se dé cuenta de los detalles que pueden ocurrir en el escenario, que tratan de evitar que sea grabado.

Ya quiero repetir la visita...

jueves, 28 de septiembre de 2017

Logan Lucky

Intentando revertir una maldición familiar, tres hermanos, Jimmy (Channing Tatum), Mellie (Riley Keough) y Clyde Logan (Adam Driver), intentan llevar a cabo un gran atraco durante una importante carrera de coches en Concord, Carolina del Norte. (FILMAFFINITY)



Después de varios años de mala suerte y pérdidas de trabajo por problemas físicos, a los hermanos Logan no se les pudo haber ocurrido una mejor idea de un robo maestro que no fuese con tal estilo: reclutar a Joe Bang (interpretado por Daniel Craig) para que les colabore con su plan, realizarlo un día en que la entrada de dinero a la caja grande seá constante y en billetes mayores, y tomar las medidas necesarias para que sigan pasando desapercibidos por el resto de la sociedad.

Tres brazos, una bomba casera un poco inesperada y el trabajo de un elenco simplemente impresionante hacen de la trama de Logan Lucky un momento divertido y entretenido. Steven Soderbergh (Erin Brockovich, Ocean's Eleven, Contagio, Magic Mike) retoma el papel de director con esta historia que desde un principio toma una tonalidad de humor bien negro, en la que sus protagonistas deciden llegar a la decisión de robar al mismo responsable de algunas de sus desgracias. Para la buena suerte de estos hermanos, cuentan con una habilidad de convencimiento que  harán que muchos de los demás personajes caigan en el juego y se unan a este plan ingeniosamente elaborado para que todos salgan ganando, incluso los que sufrirán el atraco.


El mejor aspecto es la caracterización de los personajes, destacándose los de Channing Tatum, Daniel Craig y Adam Driver. Aquí se nota un increíble trabajo en la preparación y desarrollo de sus roles: desde el acento en que hablaban hasta todo su comportamiento físico y psicológico. Es primera vez que veo a Craig haciendo este tipo de papeles y realmente creo que vale la pena que siga agregándolos a su filmografía, porque ya está muy establecido en el género de acción; sin embargo, aquí lo vemos como una persona mucho más aterrizada a la realidad que le rodea pero con un sentido del humor y una actitud frente a la vida que lo complementa y perfecciona. Lo mismo sucede con Driver, quien me sorprendió mucho, y Tatum a quien finalmente lo veo no como el típico estereotipo de galán de acción y romance, sino como alguien que, del mismo modo, trata simplemente de sobrevivir a los achaques de la vida.


Por otro lado, y a pesar de que la temática de "asalto de banco" ha sido bien utilizada en estos últimos años, el objetivo de la trama nos llevó a un escenario en que la audiencia no se imagina cómo transcurrirá la situación y que segundo a segundo uno piensa que simplemente caerán, cuando en realidad todo estuvo completamente coordinado para que hasta los fallos fuesen a propósito. 

Logan Lucky sabe guiar a su espectador exactamente dónde quiere: entretiene pero a la vez da una poderosa reflexión sobre las grandes discriminaciones que ocurren en nuestra sociedad y que muy pocas personas se atreven a defender.



The Big Sick

Cuenta la historia real de Kumail y Emily, una pareja que se conoce en un espectáculo de comedia. Cuando parecía que todo iba a quedarse en un encuentro de una noche, su relación empieza a avanzar a pesar de las diferencias culturales, complicando las vidas de todos por las expectativas que tenían los padres de Kumail, musulmanes estrictos. (FILMAFFINITY)



En estos tiempos, ya nadie espera una buena película romántica, porque la estructura se parece en casi todas: el chico conoce a la chica, los obstáculos, la separación por un tiempo, la reconciliación y el final feliz. Por eso quizás a muchos les sorprenderá cómo The Big Sick arranca con la idea de enganchar a la audiencia en el verdadero detalle que complica la historia y que a partir de este, la trama los envolverá hasta dejarlos sin escapatoria.

Kumail es pakistaní, Emily es americana. Son dos culturas totalmente diferentes; sin embargo, y como lo plantea Kumail en una escena de la película, sus padres lo han llevado a otro país para seguir manteniendo las tradiciones de su nación y su familia. Por lo que debe ceder a hacer oraciones diarias a su Dios y a un matrimonio arreglado por su madre. Así que, de un modo u otro su relación no funcionó. Pero en realidad eso no es lo único que complica la historia (y no les puedo decir que es porque les arruinaría la película).


Lo que sí puedo decirles es que es una trama que se ha realizado para crear una mezcla de sentimientos encontrados: reirán, llorarán, se sentirán incómodos o identificados, creerán que ya lo han visto todo y justo en la última escena se darán cuenta que es una verdadera historia de amor imposible. Lo mejor es que es basada en hechos reales, escrita por quienes la vivieron y que uno de los actores principales es en realidad el verdadero Kumail de la historia. Esto (que solo es delatado en el final, durante los créditos) le da un valor narrativo y sentimental, pues hace de Kumail más creíble. Así mismo, la historia es narrada en un buen ritmo y con una serie de situaciones que, hayan sido reales o no, simplemente hacen que el espectador se sienta cómodo con la trama completa. 

Por otro lado, la fotografía fue un aspecto que especifica los cambios en la vida del protagonista. Las primeras escenas se muestran lineales y con planos generales para mostrar la monotoneidad de sus vidas, hace un cambio de estilo cuando Kumail y Emily se conocen y comienzan a salir, y vuelve a haber un cambio en el momento en que se presentan los obstáculos. Esto determina cuáles son las distintas etapas de la vida de los personajes y cómo son afectadas.

En resumen, es una película muy entretenida y con un mensaje maravilloso, capaz de retratar el tema de las diferencias culturales y cómo afectan las relaciones amorosas, con una fuerza tan honesta e interesante que hará que se queden hasta el final, incluso cuando este no sea el que querían ver.


sábado, 23 de septiembre de 2017

Crónicas de California: Carreras relacionadas a cine, ¿cuáles deben estudiarse?



Aún me sorprendo de la cantidad de personas que me preguntaron: ¿para qué voy a estudiar guión? Y esto fue en República Dominicana, aquí están muy conscientes de lo importante que es la educación en cualquier área de trabajo. Pero esta pregunta sigue sonando en mis pensamientos, no cuestionando mis motivos de estar aquí, pero sí cuestionando la importancia que se le da a estas carreras en sus distintos espacios laborales.

Imaginemos que quisiera ser profesora (lo cual nunca he descartado), simplemente voy a un colegio o universidad y doy mi CV para que me permitan dar clases: ¿ustedes creen que me darían el trabajo con una licenciatura en Comunicación y un Master en guión de cine? Probablemente sí, pero es más probable que no, ¡porque yo no sé educar! Y las academias están para enseñar.

Sucede lo mismo con el cine. Aunque hayan muchos autodidactas que hayan tenido mucha suerte, que se hayan lanzado en esta carrera y lograron éxito con sus proyectos, eso no descarta que muchos de esos mismos hayan cursado un taller, aunquesea, para tener una idea de cómo se hace. Sí se estudia, y creanme que vale la pena, pues además de un título, te graduas con un portafolio para mostrar, un equipo con el que posiblemente trabajarás muchas producciones y la garantía de que lo harás un poquito mejor.

Pero hay un dato, no todas las áreas del cine se estudian de la misma manera. No todas requieren de una licenciatura o una maestría para adquirir conocimiento. ¿Cuáles sí y cuáles no? Aquí se las organicé de menor a mayor.

Actuación


Conozco jóvenes actores que nunca han ido a una escuela de actuación, pues esto es un área más de talento y asistencia a los castings que de educación. ¿Cómo se estudia? Están las opciones de carreras técnicas (AFA), talleres o una licenciatura, pero esto será más para ajustar destrezas y aprender nuevos métodos.

Dirección


Al igual que la actuación, es un área que requerirá más dedicación que una formación académica; sin embargo, para poder llegar a ser director es mucho más difícil, pues no todos los productores le abren sus puertas a jóvenes que, aunque hayan trabajado en muchos cortometrajes, nunca han puesto sus manos en un largometraje. Así que esto sí requerirá un poco más de trabajo. ¿Cómo se estudia? Puede ser con talleres también; pero si, además de adquirir técnicas, quieres aprender a venderte, pues recomiendo que se haga un AFA, licenciatura, cursos de dirección y continuismo (para ser continuista), y optar por pasantías en estudios o trabajos cortos en producciones, en el área de asistencia de dirección. No es muy largo el trecho de asistente de director a director, nunca sabes.

Vestuario y maquillaje


Normalmente, las personas que se dedican a la creación de los vestuarios o al maquillaje de un actor o actriz en el cine, han realizado cursos de diseño de moda, peluquería, maquillaje para televisión, entre otras áreas. ¿Cómo se estudia? Como es un espacio muy vocacional, se complementa con cursos especiales que sean dedicados a la cinematografía, como caracterización (en el caso de maquillaje), vestuario para cine y peluquería de plató para cine.

Producción


Llegar a ser productor (y ser uno exitoso) puede ser un reto mayor, pues esto ya no es talento ni vocación, se trata de saber cómo hacerlo. Y para eso, debes conocer sobre la industria, la administración, las necesidades y las distintas áreas de producción. De modo que sí irás a la escuela. ¿Cómo se estudia? Los talleres de producción no darán abasto para lo que realmente necesitarás saber. Así que necesitarás una licenciatura en estudios cinematográficos y producción de cine, y cursos adicionales de administración de empresas o economía. 

Guión


Como guionista en proceso, les aseguro que esta es un área que sí necesita estudiarse. Aunque en el proceso de construcción de la historia, cada escritor tiene su estilo de cómo narrarla, para desarrollar un guión se debe aprender a cómo hacerlo. ¿Cómo se estudia? En este caso se puede incursionar por licenciaturas como Letras, Periodismo, Literatura, Comunicación y Estudios Cinematográficos, complementados con cursos de guión de cine y una maestría de guión. Puntos adicionales si decides también hacer un doctorado en crítica cinematográfica.

Dirección de arte


Sí, necesitarás instruirte muy bien si quieres dedicarte a esta área, pues para esto debes saber sobre medidas de espacio, diseño, estructuras y demás aspectos. ¿Cómo se estudia? Las licenciaturas en dirección de arte, arquitectura, diseño de interior o diseño a nivel general son ideales para poder tener dominio de las necesidades de este oficio.

Dirección de fotografía

Aunque tengas tus estilos de rodaje, no naces sabiendo cuáles son los botones de una cámara, las luces o los colores adecuados, o incluso cómo moverte dentro de una filmación. ¿Cómo se estudia? Esta es un área sumamente técnica y evolutiva, así que su educación es constante. Se necesita licenciatura en fotografía, cinematografía, iluminación y dirección. Pero, además se deben realizar cursos técnicos de rodaje (manejo de la cámara), colorización, gaffer, electricidad y grip (armado, manejo y control de todo tipo de grúas, maquinarias y accesorios especiales para montar la cámara).

Sonido


Ya sea efectos de sonido, mezcla de sonidos, banda sonora, música o sonido, esta es otra área que además de evolucionar, se aprende por procesos y con sistemas tecnológicos y artísticos. ¿Cómo se estudia? Además de todos los cursos presenciales y online que hay (YouTube es uno de ellos), es casi obligatorio tener un título en las carreras técnicas (AFA) o las licenciaturas en sonido, Ingeniería en audio, tecnología acústica, producción musical y música digital.

Montaje y animación


Ambos pasan por el mismo proceso educativo: aunque muchas personas inician estos oficios como un hobbie y de manera experimental, para perfeccionar y pulir las técnicas se necesita hacer muchos cursos. Y cuando digo muchos, es que para poder llegar a entregar una edición o una animación presentable, deberás haber hecho:

En el caso de la edición, deberás hacer cursos o carreras técnicas (AFA) en montaje digital, producción de video digital, efectos visuales, after effects, colorización, iluminación digital, 3D, entre otros.
En el caso de la animación, te tocarán cursos y carreras técnicas de diseño gráfico, diseño digital, dibujo, animación digital, multimedia, diseño 3D y 2D, Stop motion, montaje digital, entre otros.

Para mostrar un portafolio interesante en estos oficios, debes tener un poco más de experiencia y profesionalidad, y cada curso se dedica a dar tácticas de cómo desarrollarse exitosamente.


¿Sigues pensando que lo puedes hacer sin estudiar?

Las escuelas de cine se crearon para formar mejores profesionales en los diferentes espacios de trabajo que tiene una producción cinematográfica. Por más uso que se le de a YouTube o por más suerte que tengas, que hayas logrado trabajar en películas o que te hayan contratado en una productora, estas áreas necesitan adiestramiento. Sí, estudiar cine es costoso, pero como dije más arriba, al final te graduas con mucho más que un título de grado.

jueves, 21 de septiembre de 2017

Se lo llevaron (First they killed my father)

Adaptación de las memorias de Loung Ung, activista por los Derechos Humanos nacida en Camboya, de donde huyó en 1975, tras la Guerra Civil que llevó al poder a los Jemeres rojos comunistas. La historia se relata a través de los propios ojos de Ung durante el mortal régimen de Pol Pot, desde que tenía 5 años cuando los Jemeres Rojos tomaron el poder, hasta los 9 años. Durante todo ese tiempo su familia luchó por mantenerse unida. (FILMAFFINITY)



Angelina Jolie (directora de Unbroken, In the land of blood and honey) ha encontrado su zona de confort como directora en los dramas bélicos; pero en esta ocasión, el desarrollo narrativo de la historia está contado desde los ojos de una niña camboyana que fue víctima de los horrores de la guerra.

La trama es vista desde la perspectiva de Loung, quien a sus cinco años tuvo que abandonar su hogar junto a su familia (sus padres y sus seis hermanos y hermanas), cuando el régimen de los Jemeres Rojos Comunistas se apoderó del país. El padre de Loung había sido un oficial del Estado, por lo que toda su familia corría el riesgo de que se descubriera su identidad y fuesen asesinados, de modo que tuvieron que eliminar toda información que dijera quién había sido su padre y cumplir con los trabajos forzosos que les obligaba hacer el nuevo gobierno.


La historia nos muestra cómo fue el proceso de llegar al campo de trabajo y ser separada de su familia. En principio de sus hermanos mayores, quienes eran obligados a trabajos más forzosos, y después de su padre, quien se cree que fue asesinado por los soldados. Su madre la obliga junto a sus otros hermanos a escapar y hacerse pasar por huerfanos para así sobrevivir. 

La fotografía de esta trama sigue la misma línea narrativa y en ocasiones es vista como si Loung fuese la misma cámara, mostrando los horrores que tuvo que vivir: el despojo de sus pertenencias, la violencia que promulgaban los comunistas, obligando a todas las personas -desde el más joven hasta el más viejo- a todo tipo de trabajos, ya sea en plantaciones, ganado o pesca; cómo algunos niños eran obligados a ser pequeños soldados, crear bombas caseras y aprender a pelear. 


La tensión de la película se vive en casi todo momento de la historia, pero es opacada por la inocencia de un personaje que es muy joven para entender qué es lo que realmente pasa a su alrededor. Sareum Srey Moch, quien interpreta a Loung, es la encargada de llevar los sentimientos del público a la dirección que tiene como objetivo. 

El montaje juega otro papel importante en la perspectiva de cómo se narra la película, pues mezcla la imaginación de Loung con lo que va viendo a su alrededor y cómo esto va afectando la mentalidad del personaje frente a estos sucesos.

¿Quién sabía que a mediados de los años 70, Camboya vivía una de las guerras civiles más desgarradoras del país? Es difícil saber de este lado del mundo lo que los países orientales han sufrido a lo largo del tiempo. Pero el cine sigue siendo un canal básico para conocer esos relatos, solidarizarse con esos países y darnos una nueva visión de la realidad de aquel entonces. El resultado termina siendo envolvente y con una voz sutil e inocente que nos dice "esta es mi historia".


Mother!

A una mujer (Jennifer Lawrence) le pilla por sorpresa que su marido (Javier Bardem) deje entrar en casa a unas personas a las que no había invitado (Ed Harris, Michelle Pfeiffer). Poco a poco el comportamiento de su marido va siendo más extraño y ella empieza a estresarse y a intentar echar a todo el mundo. (FILMAFFINITY)



El cine es un arte con distintas perspectivas. Mientras que algunas son muy líneales y se explican desde el primer momento que las ves, otras retan la mente y su nivel de atención, y te generan preguntas para responderse solo al final, cuando todo ha terminado. Si piensan ir a ver Mother! porque les gustan los actores, porque el trailer se ve "curioso" o porque el título les llamó (que el título solo se entiende al final, también), les diré algo que deben entender antes: esta película les dejará con inquietudes, dolores de cabeza y razonamientos que solo ustedes mismos podrán entender.

Aronofsky (director de Black Swan, Requiem for a Dream) vuelve a hacer un thriller extremadamente psicológico y nos presenta una pareja, que por alguna razón extraña, viven en una casa alejada de la sociedad. Mientras ella (Jennifer Lawrence) reconstruye la casa, él (Javier Bardem) trata de escribir su nueva novela, y de repente aparece un extraño, que dice ser doctor, pero que también es un fanático del escritor. Después llega su esposa, sin avisar, y comienzan a hacerle la vida imposible al personaje de Lawrence. 


Mientras más personas llegan a la casa, la realidad se va complicando y haciéndose inexplicable. La situación se vuelve una especie de Guerra Civil (similar a escenas de Men of Children) y sucede algo muy poco común en las películas actuales: el principio es el mismo que el final, y da uno de los tantos mensajes que tiene la historia, "cuando la corrupción y los desastres de la humanidad destruyen lo que el hogar ha formado, la madre tiene la tarea de volver a empezar y salvar los daños" (eso fue lo que yo entendí).

Esta historia es muy cambiante. Cuando crees que Mother ya ha resuelto un conflicto, la situación se complica más y más, sin poder darle alternativas lógicas a los personajes. A su vez, tiene giros que provocan cambios en el ritmo de la trama y en el carácter de sus personajes. Las interpretaciones de Lawrence, Bardem y Pfeiffer son simplemente emblemáticas e inesperadas. Cada uno tiene una psicología muy característica de sí mismo y que te señala exactamente cómo van a responder a cada momento.


Los detalles de la trama son claves importantes para poder entenderla y si no se percatan a tiempo, pues saldrán pensando que han visto una película sin sentido, cuando en realidad todo se ha dicho de esa manera por razones que el director quiere que uno descubra.

La película es una recreación al primer capítulo de la biblia (Genesis 1). El personaje de Jennifer Lawrence representa a Madre Tierra; el personaje de Javier Bardem representa a Dios; Ed Harris y Michelle Pfeiffer representan a Adam y Eva, y sus hijos a Cain y Abel. Todo el caos ocurrido en la casa representa la sociedad, lo dañada que está y lo confusa que es, segmentada por grupos y clases sociales que se atacan y se matan entre sí. Al final Madre Tierra ataca en respuesta al daño que le ha hecho la humanidad.

Otro detalle importante es la fotografía, pues muestra las diferentes perspectivas en las que el ser humano ve la vida. Cada quien sacará su propio análisis de la trama de acuerdo a lo que entendió de este aspecto, que por igual no mantiene un ritmo líneal, sino que se va haciendo cada vez más confuso y variante en su estilo. Mientras comienza con unos movimientos de cámara suaves que muestran la atmósfera del escenario donde viven los personajes principales, luego se agita como cámara en mano en medio de la acción.


Un aspecto que me parece muy interesante de la trama es el sonido: la musicalización, los efectos de sonido y la mezcla de sonido dejan en claro cuando sucede un cambio dentro de la historia. El momento que haya una variación de ritmo en alguno de estos detalles es cuando habrá una variación en el ritmo de la trama.

A pesar de que el cine de Aronofsky siempre se ha caracterizado por dejar al público con la pregunta de "¿qué es lo que acabo de ver?", este también hace una referencia importante a cómo la sociedad es responsable de las actitudes de una persona, y cómo la sociedad misma provoca el caos que obliga a que una persona responda de una manera violenta y molesta.

Mother! es "algo" para sentarse a analizarlo por varios días, y para poder hablar de esta película es cuestión de interpretación personal.


domingo, 17 de septiembre de 2017

Ganadores de la 69va edición de los Premios Emmy

La ceremonia de la 69º edición de los premios a lo mejor de la televisión arrancó con mucha política. “The Handmaid’s Tale”, fue coronada como la mejor serie dramática.



El domingo 17 de septiembre se celebró la 69º edición de los premios Emmy, la Academia que galardona lo mejor de la televisión. La ceremonia se celebró en el teatro Microsoft de Los Ángeles y contó con el comediante Stephen Colbert como anfitrión.

El evento arrancó con mucha política y el exsecretario de prensa de la Casa Blanca, Sean Spicer, haciendo una aparición sorpresa que dejó boquiabiertos a todo.

“Esta es la mayor audiencia de la que ustedes serán testigos. Punto”, dijo Spicer atrás de un podio similar al de sus conferencias de prensa. El comentario hace referencia a su primera aparición en la que dijo que la ceremonia de juramentación del presidente Donald Trump tuvo la mayor audiencia.

Era Spicer de verdad y no la parodia con la que Melissa McCarthy se ganó un Emmy creativo la semana pasada.

Colbert dedicó varios de sus afilados chistes al mandatario –“seguro está viendo”- y dijo que si Trump hubiera ganado un Emmy, al que fue varias veces nominado por El Aprendiz, no se hubiera lanzado a presidente. “Pero el Emmy se gana con el voto popular”.

Colbert abrió el espectáculo con un musical dedicado a los grandes programas de televisión nominados y luego recomendó a los ganadores que en su discurso agradezcan a Game of Thrones por no competir. Recordemos que la serie estrella de HBO, Game of Thrones, que posee el récord histórico de galardones, con un total de 38, no compite este año, ya que el retraso en el estreno de su séptima temporada hizo que se quedara fuera del plazo de inscripción.


Mejor actor de reparto en serie de drama: John Lithgow por The Crown
Mejor actriz de reparto en serie comedia: Kate McKinnon por Saturday Night Live
Mejor Actriz de Reparto en Miniserie/Película para TV: Laura Dern por Big Little Lies
Mejor dirección de comedia: Donald Glover por Atlanta
Mejor programa de variedad: Saturday Night Live
Mejor guión de drama: Bruce Miller por The Handmaid’s Tale
Mejor actor de reparto de comedia: Alec Baldwin por Saturday Night Live
Mejor director de miniserie o Tv: Jean Marc-Vallée por Big Little lies
Mejor Actor de reparto en Miniserie: Alexander Skarsgård por Big Little Lies
Mejor guión para programa de variedad: Last Week Tonight with John Oliver
Mejor actriz de reparto en drama: Ann Dowd por The Handmaid’s Tale
Mejor guión en serie de comedia: Aziz Ansari y Lena Waithe por Master of None
Mejor Reality: The Voice
Mejor dirección en serie de drama: Reed Morano por The Handmaid’s Tale
Mejor guion para miniserie o película para TV: Charlie Brooker por BLack Mirror: San Junipero
Mejor director en programa de variedades: Don Roy King por Saturday Night Live
Mejor Talk Show: Last Week Tonight with John Oliver
Mejor actor en serie de comedia: Donald Glover por Atlanta
Mejor actriz en serie de comedia: Julia Louis-Dreyfus por Veep
Mejor serie de comedia: Veep
Mejor actor de miniserie o película para TV: Riz Ahmed por The Night of
Mejor actriz se miniserie o película para TV: Nicole Kidman por Big little lies
Mejor miniserie: Big Little Lies
Mejor actor principal en serie de drama: Sterling K. Brown por This Is Us
Mejor actriz principal en serie de drama: Elisabeth Moss por The Handmaid’s Tale

Oprah presentó el Emmy a la mejor serie de drama, que fue para: The Handmaid’s Tale, la oscura historia de una dictadura misógina que tiene lugar en Nueva Inglaterra.


Fuente: Exitoina

sábado, 16 de septiembre de 2017

Crónicas de California: 5 ventajas de ser guionista


"¿Y qué es lo que vas a estudiar?"
"Master en Guión de cine 😊"
"Oh... y qué es eso?"
😱 

No, no es una escena de mi nueva historia. Es lo que me ha estado pasando últimamente. Tanto personas que he conocido aquí como personas de República Dominicana me han dicho que no saben lo que es un guión de cine. Y si tampoco sabes lo que es... felicidades, eres parte de la población mundial que va al cine y no sabe de donde salen las películas.

Me dieron en la misma llaga, y por eso, hoy todos mis lectores tendrán que saber que es un guión de cine, y aprender que ser guionista de cine tiene sus ventajas, porque aunque no lo crean, muchas personas aquí en Los Ángeles y en gran parte del mundo viven de escribir las historias que vemos en la gran pantalla. ¿O creen que simplemente los actores llegan al set y comienzan a hacer lo primero que les llega a la mente?

"El guión es una de las piezas fundamentales para la producción cinematográfica, pues en él se establece el contenido narrativo y el conjunto de indicaciones requeridas para el desarrollo o montaje de una película". -Fuente: Análisis crítico del guión cinematográfico dominicano (mi tesis)
El guionista tiene la ardua tarea de crear una historia que sea lo suficientemente novedosa, interesante y completa para que una productora se interese por esta. En otras ocasiones sucede que es contratado por un productor, quien le da una idea de lo que quiere y él (guionista) debe investigar y hacer una trama en base al tema que le plantearon.

No es un trabajo fácil. Hay que leer, investigar, hacer entrevistas y escribir MUCHO. Un oficio casi parecido al de un periodista, solo que el resultado se verá meses y hasta años después de que ese proyecto inició. Pero al final (y aunque no muchas personas lo valoren), es una de las labores más evaluadas por la crítica y por los cinéfilos. Ustedes dirán "bueno, es quien hace la historia, pero su trabajo queda ahí..." ¿¡Oh si!? Por supuesto que no. Debe estar hasta el día que se presente en las salas de cine y dar la cara por su obra. Y tiene razones suficientes que lo convierten en una de las mejores tareas dentro de una producción.

¿Cuáles son sus ventajas?



Es la primera persona que sabe cual es la historia


Imagínate que tienes una muy buena idea y comienzas a "tirar líneas" para ver que surge de esto. Al principio no será la historia del siglo, pero después de varias reescrituras, la puedes imaginar en la pantalla grande. El guionista es la primera persona que sabe de qué va a tratar todo y las sorpresas que traerá. No importa si es para cine, televisión, obra de teatro o programa de radio, es la que en principio sabrá explicarla y conocerá cada minúsculo detalle de sí. Luego el productor, el director, los actores y todas las personas involucradas en la película querrán agregarle algún punto que la complemente. Pero no te preocupes, sigue teniendo tu nombre en la primera página y al principio de los créditos.

Conoce casi todas las demás áreas de producción


Al hacer un guión, el escritor debe ver cada palabra en imágenes; es decir, debe hacerlo posible de grabar y editar. Por esa razón, está consciente de los demás oficios dentro de una producción. Está claro de los tipos de tomas, movimientos, colores y velocidades que se puedan emplear en la fotografía; entiende cómo un actor va a encarnar a su personaje; sabe los detalles que dentro de una toma serán incluidos y que deben aprovecharse para complementar la escena. En muchas ocasiones y en casi todas partes del mundo, el guionista es también el director y el productor de la película, y esto se debe a que puede cumplir más de un rol dentro de la producción.

El salario


En Hollywood, un guionista puede recibir hasta un millón de dólares por su guión acabado. En algunos casos, el precio de un guión ha alcanzado los tres millones. En el caso de la televisión, los escritores reciben algo más de 37,000 dólares por una temporada de episodios de una hora, y casi 25,500 si los episodios tienen una duración de media hora. También el pago puede traducirse en pagos semanales por episodio de entre 7,000 y 15,000 dólares. Si la producción renueva temporadas, aumenta también el salario para los guionistas.

Hay muchas oportunidades


Si no estás trabajando fijo para una productora o un estudio de televisión, y eres un guionista independiente o freelance, siempre están las opciones de los concursos. En República Dominicana, la Dirección General de Cine realiza anualmente el concurso FONPROCINE donde los guionistas tienen la oportunidad de presentar sus guiones y recibir dinero para que puedan ser producidos (o simplemente te quedas con el dinero, pero creo que lo importante es que el guión se convierta en película...). En otros países, hay concursos similares en donde las productoras aprovechan para negociar con los ganadores y comprar su historia. También está la opción de presentar la idea a los estudios directamente.

Las premiaciones


Como mencioné anteriormente, aunque algunos de ustedes no sepan qué es un guión y sus funciones, siempre estarán los premiaciones y los festivales de cine que lo recordarán, lo valorarán y premiarán por su trabajo. Dos de sus categorías más famosas son Mejor Guión Original y Mejor Guión Adaptado. También están los Premios al Sindicato de Guionistas, donde se galardona exclusivamente los mejores guiones de la temporada.


Creanme...
Una película sin guión sería considerada el disparate del siglo, y el rol del guionista siempre será importante, desde el momento en que encuentre una idea para desarrollar hasta el día de su estreno en las salas de cine. ¿Por qué elegí ser guionista? Descubrí que me apasionaba tanto después de haber escrito varios guiones y haberme pasado días completos escribiendo. Cuando se pone tanta pasión en algo, es a eso que siempre debes dedicarte.

Así que sí, soy guionista de cine. Aún no he hecho un largometraje, pero denme unos meses y hablamos del proyecto. También acepto ideas 😊

jueves, 14 de septiembre de 2017

Rememory

Gordon Dunn, un famoso pionero científico, es encontrado muerto justo después de la presentación de su obra más reciente, un dispositivo innovador capaz de extraer, grabar y reproducir los recuerdos sin filtrar de una persona. Después de su fallecimiento, la esposa solitaria de Gordon, Carolyn, profundiza en su propio mundo privado cuando un hombre misterioso aparece alegando ser del pasado de Gordon. Posteriormente, decide utilizar la máquina para tratar de resolver el misterio, comenzando así una investigación de recuerdos que lo llevan por un camino de culpa, dolor y traición.



La mente es la parte del cuerpo más interesante y curiosa: varía acorde a cada persona, pero tiene las mismas capacidades, y una de ellas es la memoria, pero con el tiempo se va perdiendo en el subconsciente y se termina convirtiendo en lagunas vacías debido a la vejez, enfermedades neurodegenerativas o accidentes cerebrales. Esto ha sido razón suficiente para que Gordon Dunn (Martin Donovan) decida crear un instrumento que te permita recuperar los recuerdos de la memoria y guardarlos de manera que puedas volver a verlos una y otra vez como si fuesen una película. Tan solo piensas en algo que esté relacionado al recuerdo y podrá ser guardado completamente. Pero esta idea ambiciosa es lo que le traerá la misma muerte a Dunn.

Por otro lado, Sam Bloom (Peter Dinklage), un arquitecto que conoció a Gordon y desde hace días quería hablar con él (al principio se asume que es para recuperar el recuerdo de la muerte de su hermano), decide iniciar una investigación para descubrir que fue lo que en realidad mató a Dunn, si fue un asesinato y quien lo provocó, teniendo como pruebas los recuerdos que Gordon tenía almacenado junto a la máquina que creó.


Esta película me recuerda a más de un episodio de Black Mirror, donde los recuerdos pueden ser almacenados y administrados por sus propietarios, solo que Rememory no es una idea tan futurística y tiene aspectos más cercanos de la realidad que aún vivimos. De modo que los demás elementos narrativos de la historia mantendrán igualmente la lógica del presente siglo XXI y le dará al público una trama cargada de emociones encontradas y un suspenso que se desnivela en más de una ocasión.

La incógnita de quién es el asesino de uno de los protagonistas de la historia es el hilo que mantendrá la verdadera tensión durante toda la película, creando situaciones que se conectarán entre sí y que le darán sentido a cada minúsculo detalle de la trama. Su protagonista, interpretado por Peter Dinklage, nos oculta desde el inicio la verdadera razón por la que deseaba acercarse a Gordon, creando una cadena confusa que no permiten entender si sus intenciones eran verdaderamente descubrir el asesino o solamente obtener la máquina de los recuerdos para recuperar uno en particular que enseña la muerte de su hermano. La actuación de Dinklage no decepciona y demuestra la versatilidad del actor, dando un personaje totalmente distinto al que conocemos de otras historias, principalmente su más icónico papel en Game of Thrones.


La clave cinematográfica de esta película es su fotografía, caracterizada por una secuencia de planos a detalles que quizás no serán parte fundamental del suspenso que se supone debería crear la trama, pero que sí le da un toque artísticamente apreciable. Por otro lado, la banda sonora representa un elemento fundamental para el hilo de la historia y es la que, en algunas ocasiones, trata de recordarnos el género narrativo al que pertenece esta película.

A pesar de que quedan algunos cabos sueltos en la trama, como los secretos que ciertos personajes ocultaban, Rememory es una película que, gracias a los detalles creados por el guion y compensados por la fotografía, la musicalización y las actuaciones, logra entretener y captar al público en uno de sus puntos más sensibles: como la tecnología puede ser parte fundamental para darle sentido a nuestras vidas.


It

Cuando empiezan a desparecer niños en el pueblo de Derry (Maine), un pandilla de amigos lidia con sus mayores miedos al enfrentarse a un malvado payaso llamado Pennywise, cuya historia de asesinatos y violencia data de siglos. Adaptación cinematográfica de la conocida novela de Stephen King "It". (FILMAFFINITY)


En 1990, el director Tommy Lee Wallace le da vida a uno de los personajes más icónicos de las novelas de Stephen King: Pennywise, quien quizás es una de las razones principales por las que muchas personas odian los payasos. Sin embargo, y a pesar de que Tim Curry hizo una de las mejores interpretaciones de su carrera, la película para televisión no llenó las expectativas que ameritaba el libro, y terminó siendo un clásico de terror que no era tan terrorífico. 27 años después, Andrés Muschietti, director de Mama (2013), se arriesga y decide readaptar esta historia, retomando un subgénero del terror que no es para todos los fanáticos de este género: una trama que se divide entre las peores pesadillas de la niñez y un conjunto de momentos sarcásticamente cómicos.


La película respeta la historia original creada por Stephen King, pero adaptada en los años 80, donde un grupo de niños, conocidos como el Club de los Perdedores, están siendo constantemente acosados por una criatura que toma la forma de su mayor miedo. Esa misma cosa, llamada Pennywise y apodada como It, es la responsable de todas las desapariciones de niños en la ciudad, que de repente los adultos no notan como sospechosa e ignoran cada una de las señales que los niños reciben del payaso endemoniado. Esta criatura aparece cada 27 años y cuando retorna, asesina a la mayor cantidad de niños que puede para volver a invernar y atacar a la siguiente época. Solo que esta vez, sus presas no se victimizan y deciden acabar con It, aunque esto arriesgue sus vidas.


Lo mejor de esta producción es su elenco, compuesto por un grupo de niños que no se alejan de la edad que nos narra la versión original y mantienen la esencia de cada personaje creado por King. De igual forma, Bill Skarsgård, quien le da vida al payaso Pennywise, logra lo inimaginable que era competir con la interpretación de Tim Curry y pone a cualquiera con los pelos de punta con su sonrisa aterradora, sus chistes bien pesados y sus apariciones inesperadas; no obstante, el payaso no le roba el protagonismo a los niños y se limita a aparecer en las mejores secuencias de toda la trama (obviamente).

Por otro lado, esta película consigue dar en lo que no logró su antecesora y otorga efectos especiales entretenidos, caracterizados por las escenas donde cada niño enfrentaba su mayor miedo y los ataques de Pennywise, y complementados por una fotografía bastante completa en función de las perspectivas que quería dar la trama. 


Este no es un filme típico de terror, pues aunque se cree ser así, su criatura es poco común y la forma en que se acerca a sus víctimas puede llegar a ser tan aterradora como divertida a la vez. El fin de su trama no es únicamente pegarnos al asiento del miedo, sino también traernos algunos recuerdos de nuestra niñez: las verdaderas amistades, el amor de pubertad y las peores pesadillas que cualquier niño podría tener.

It es una película sobre niños para adultos que resulta ser terroríficamente divertida.


viernes, 8 de septiembre de 2017

Crónicas de California: Warner Bros Studio vs Universal Studio


Los lugares que todo turista (y residente) debe visitar en Los Ángeles son los estudios. Son lo más importante de esta ciudad, por ser la base de su economía, su popularidad y su existencia. Pero más importante aún son los tours de los estudios.

Ya tuve la oportunidad de hacer dos: Warner Bros Studio y Universal Studio Hollywood, y debo admitir que cada uno tiene su estilo. No solo por las películas que cada cual ha realizado, la división de sus escenarios y por la fama que ya se ha ganado, sino que el tour de cada estudio tiene propósitos diferentes. Aquí están sus diferencias. 

Warner Bros Studio Tour



Lo primero que te avisan es que andes cómodo porque caminarás mucho y no mienten: Warner es un mundo paralelo tras las puertas que lo protegen de la audiencia externa. Con más de 100 acres de espacio, el estudio está dividido en distintos escenarios donde se producen series de televisión y películas. 


Está compuesto por una torre de agua, las calles Hennesy, New York y Midwest, el Warner Village, una jungla y el Rose Garden, a parte de los más de 40 stages caracterizados por una placa de bronce donde se detalla que película o serie fue (o continua siendo) producida en este espacio. Además, tiene su propio taller de carpintería, un departamento de utilería, vestuario, construcción de escenografías, sonido, banda sonora, animación, efectos especiales y post-producción, y un cine particular donde exhiben sus películas para los empleados de Warner.


Entre las paradas más famosas del tour, está el Picture Car Vault, donde se exhiben los vehículos más emblemáticos de las películas de Warner; ahora mismo está en exhibición toda la carrocería de las películas de Batman que se hayan producido en este estudio. Otra parada es el Warner Bros Archive, donde se almacenan los vestuarios y utilerías de las películas de temporada; en estos momentos, se exhiben los props de Wonder Woman, Batman, Superman, Fantastic Beasts and Where to find them y la saga de Harry Potter. También se hace una parada en algunos escenarios donde se graban sitcoms y series dramáticas; pude entrar a la de The Big Bang Theory (sin cámara, lo siento).


Un lugar al que deben siempre visitar cuando hacen el tour en Warner Bros Studio es el stage 48: Script to Screen, donde se hace una breve descripción de cada proceso que se realiza para poder hacer una película. Desde el guión hasta la realización del casting, producción de escenografía, vestuario, maquillaje, montaje y creación de banda sonora, y el proceso creativo que conlleva producir una película animada (ya sea en stop-motion o dibujada). Además, tiene diversas atracciones como el área del Central Perk, el famoso café de la serie Friends, donde te dejan hacerte fotos en el sillón, y un espacio de efectos especiales, donde te dejan montarte en la escoba mágica de Harry Potter. También está el área de los trofeos de Warner, donde se exhiben los galardones que ha recibido este estudio: ha recibido 10 Oscars a Mejor película y 5 Emmys a Mejor Serie Dramática o de Comedia.


Recomendación: compra la guía oficial que tienen en la entrada, pues te explicará cada esquina del estudio a detalle. 

Universal Studios Hollywood



A diferencia de Warner, Universal es un parque temático, en el que una de sus atracciones es un tour a través de los escenarios de algunas de sus películas más populares. No obstante, cada área del parque es parte de la escenografía o el montaje de una producción importante de este estudio.

Entre los escenarios más importantes están las atracciones de los Simpsons, Transformers, Jurassic Park, La Momia, el hospital de la primera temporada de The Walking Dead, el Fun Land de Despicable Me y Hogwarts, que en realidad le pertenece a Warner Bros Studio. 


Mi favorito (obviamente, como fiel fanática) fue el castillo de Hogwarts, donde te permite andar por los pasillos de la escuela y entrar a la atracción "Harry Potter and the Forbidden Journey", además de andar por las calles de Hogsmeade, disfrutar de una cerveza de calabaza y del coro de sapos que entretienen a los turistas.


El Studio Tour consiste en una guía a través de los escenarios de películas como Jaws, Fast and Furious (y algunos carros incluídos), King Kong y el cruce a través de calles de New York o el lejano Oeste que han sido reutilizados para múltiples producciones. También te permite ver los stages donde se han producido series de televisión y shows en vivo con audiencia invitada.


Otro punto importante de este estudio es el Universal City, que tiene su propio cine AMC theatre y diversas tiendas y restaurantes personalizados por películas, series de televisión y dibujos animados.


Recomendación: Vayan cómodos y con traje de baño, porque algunas atracciones son de agua.

En conclusión...


Ambos estudios se venden diferente: mientras que Warner Bros Studio se vende como un tour dentro del estudio, Universal Studios se vende como un parque de atracciones, en la que una de ellas es el tour. Consejo personal: vayan a ambos, valen cada centavo de la entrada. Y no anden prejuiciados a cual hizo la mejor película. Tanto Warner Bros como Universal son estudios que han hecho historia y se han ganado el corazón de la audiencia por ser los creadores del entretenimiento que tanto amamos.

Estudios pendientes a visitar: 20th Century Fox, Sony Pictures y Paramount Pictures.

jueves, 7 de septiembre de 2017

Lady Macbeth

La Inglaterra rural de 1865. Katherine (Florence Pugh) vive angustiada por culpa de su matrimonio con un hombre amargado al que no quiere y que le dobla la edad, y de su fría y despiadada familia. Cuando se embarca en un apasionado idilio con un joven trabajador de la finca de su marido, en su interior se desata una fuerza tan poderosa que nada le impedirá intentar conseguir lo que desea. (FILMAFFINITY)



No se confundan con el título: no se trata de la novela de Shakespeare; sin embargo, Lady Macbeth, o Katherine, como es en verdad el nombre que encarna Florence Pugh, tiene algunos rasgos psicológicos y acciones que no la alejan del clásico personaje de Shakespeare.

Lady Macbeth es una adaptación de la novela literaria homónima de Nikolai Leskov que nos presenta a Katherine Lester, una joven quien ha sido vendida por su padre a la familia Lester. Obligada a casarse con uno de los hombres de la familia y maltratada verbalmente por su nuevo esposo (quien no la toca en ningún momento de su matrimonio) y su suegro, ve un pequeño escape cuando ambos salen de negocios. En ese momento conoce a Sebastian, uno de los trabajadores de la familia, con quien inicia un romance apasionado y oscuro. Todo cambia cuando, con tal de mantenerse junto a Sebastian, Katherine asesina a todo aquel que intente interponerse en su nueva relación adúltera.


El personaje de Lady Macbeth tiene un desarrollo interesante, de ama de casa encerrada en las paredes que su nueva familia la obliga a permanecer, a una asesina sin escrúpulos ni temor a ser delatada, por el hecho de que siempre encuentra la manera de limpiarse las manos y echarle la toalla sucia a gente inocente. Siendo prisionera de su casa, ignorada por su esposo y maltratada por su suegro, encuentra la libertad en unos pocos minutos de la película y se aferra totalmente a ella, capaz de hacer cualquier cosa, con tal de no volver a la misma vida aburrida y monótona que tenía desde mucho antes de sentir la brisa fresca del campo.


Todo el ambiente de la película, incluyendo el constante sonido del reloj y el silencio rotundo entre el tic tac, envuelven cada escena con una sensación claustrofóbica y tensa, que grita los abusos humanos que se daban en esa época (Inglaterra, siglo XIX) relacionados exclusivamente al género, las clases socioeconómicas y la raza, aspectos que aún son tema popular, dos siglos después. Los planos lineales y simétricos del cinematógrafo Ari Wegner otorgaron ese aire de desesperación y suspenso en cada una de las acciones de sus personajes principales. La idea de mantener una misma secuencia de planos da la sensación de ansiedad a lo largo de cada una de las acciones repetitivas de sus personajes. El único que demostró buscar su propio escape fue el de Lady Macbeth/Katherine.


La actuación de Florence Pugh como esta joven es para dejar a cualquiera con la boca abierta, por tener el cuidado de no delatar ninguna de sus intenciones en sus acciones. La naturaleza con la que interpretó el personaje y la gesticulación que le otorgó la convierten en una actriz comparable con otras que tienen el mismo talento y con un poco más de experiencia.

Esta no es una película sobre empoderamiento femenino. Más bien diría que es una historia sobre cómo una mujer decide ser contraria a todo lo que la sociedad ha establecido y cambia las reglas a su manera, al punto de afectar a todo aquel que la rodee, con tal de conseguir lo que ella desea.


Crítica Cinéfila: The Book of Henry

Una madre soltera, Susan, cría a dos niños, uno de ellos, Henry, es un genio. Susan descubre que la familia de al lado, donde vive Christina, una de las amigas de Henry, tiene secretos y que su hijo ha elaborado un plan para ayudar a Christina (FILMAFFINITY)



Henry es un chico superdotado, y eso lo sabemos desde el principio de la historia; justo en el momento en que comienza a hablar de cómo ve la vida. ¿Qué niño de 11 años tiene pensamientos tan analíticos? Pero aunque no lo parezca, estos niños sí existen en la vida real, y viven una realidad muy distinta al resto de los jóvenes de esa edad. En el caso de Henry, es quien se encarga de las finanzas de la casa, los cálculos de las cuentas por pagar, las deudas y los ahorros. Pero a parte, debe tratar de ser un niño común, defender a su hermano de los bullyers de la escuela y vigilar que el padrastro de su vecina no la maltrate.


Sin embargo, esta película tiene ciertas discordancias que provocan un caos dentro de la historia: no mantiene el género, el estilo ni el ritmo que plantea al principio de la trama, lo cual causa que sea confusa. Al inicio parece una comedia sobre un niño superdotado y su familia, después pasa a ser una trama de suspenso, una vez descubre el abuso intrafamiliar que vive la niña que le gusta/su vecina, y comienza a crear un plan de cómo ayudarla, que lo va registrando en su diario rojo. Después se convierte en drama, cuando se da a conocer que Henry tiene un tumor cerebral, matándolo a mitad de la historia (eso fue una movida bastante arriesgada). Va a thriller cuando la mamá y el hermano de Henry descubren su diario y el plan que tenía para salvar a Cristina, lo cual implicaba matar a su padrastro.


Tantos estilos implicados hacen que la historia tenga muchos cambios de tiempo, ritmo y secuencias, y crea un desorden que, por más que te guste la trama y sus actores, da la sensación de que se está viendo más de una película a la vez.

Por otro lado, y a pesar del buen elenco que pudo haber sido explotado en esta historia, los diálogos aniquilan la esencia de cada uno de sus personajes, llevándolos a lo convencional en términos de carácter. Ni siquiera Jacob Tremblay (que es el tipo de actor que sabe llevarse al público en el bolsillo) logra evitar caer en el cliché de su personaje, obligándolo a caer en el olvido total durante muchos momentos de la película. El papel protagónico, que en principios era Henry (Jaeden Lieberher), cambia a mitad del filme cuando su personaje muere, y pasa a Susan (Naomi Watts) cuando encuentra el diario y comienza a poner el plan en ejecución. Este cambio quizás no afecte tanto, porque no es la primera película que mata al protagonista mucho antes de que esta concluya... pero en este caso, no fue nada divertido verlo morir y que su madre sea la que asuma el verdadero objetivo de esta trama.


Aunque también confunda, la historia trata sobre el abuso infantil y cómo los niños también se dan cuenta de cuándo esto sucede a su alrededor. No importa si es bullying escolar o violencia intrafamiliar, es un tema que los afecta y que ellos tratan de buscarle solución. Aunque de una manera un poco arriesgada, Colin Trevorrow trató de buscarle la vuelta a la trama y darle al público la moraleja de "todo tiene solución, porque si no, no fuese un problema".

No obstante, creo que pudo haber sido mejor. Si hubiese mantenido un solo ritmo, menos diálogos para los personajes y más acciones como las que implementa Henry a principio de la historia, esta película hubiese tenido un final más agradable.