Crítica Cinéfila: If Anything Happens, I love You

Unos padres devastados y sin ilusiones se enfrentan a un vacío emocional mientras lloran la trágica muerte de su hija.

If Anything Happens I Love You es un corto de Netflix que está acumulando premios silenciosamente en el circuito de festivales, y parece destinado a una nominación al Oscar. Producida por Laura Dern, y escrita y dirigida por Will McCormack (Toy Story 4) y Michael Govier, esta película escasamente animada aborda el dolor de la pérdida, y contiene toda una vida de emociones en solo 12 minutos, sin una sola palabra de diálogo.

En esencia, se enfoca en dos sombras que discuten, mientras sus figuras físicas se sientan en silencio. El mundo es incoloro, en blanco y negro. El hombre y la mujer cenan en extremos opuestos de una mesa que parece muy, muy larga. Las sombras gritan y gesticulan con rabia. Siguen su día, por separado.

Está claro que para esta pareja hace falta una parte importante de su familia. Él sale y ve una mancha azul en el costado de la casa; pone su rostro entre sus manos. Ella sube una canasta de ropa sucia por las escaleras; el gato corre a sus pies, entra en un dormitorio, golpea un tocadiscos y comienza a sonar la música. Un balón de fútbol rueda por la pantalla. A las sombras de el y ella, y pronto se une una tercera sombra, una niña, y las sombras se vuelven humanas. Hay alegría y unión. La niña se aleja de ellos y las sombras de mamá y papá intentan detenerla, pero nadie la detiene. Ella entra a la escuela y mientras la bandera estadounidense a todo color cuelga silenciosamente en el gimnasio, suenan los disparos.

Este cortometraje es tan evocador y desgarrador como la famosa secuencia sin palabras del clásico Up de Pixar. Es curioso cómo el gato es el catalizador para abrir la narrativa aquí: lo que no habla de manera reconocible en nuestra realidad sabe cómo navegar en este entorno sin palabras. Y a eso hay que destacar ese diálogo no verbal memorable, porque, ¿qué más se necesita decir que no se haya dicho una y otra vez?

Vale la pena reiterarlo: la bandera estadounidense a todo color cuelga silenciosamente en el gimnasio, subrayando el mensaje resuelto y urgente. ¿El gobierno estadounidense tomará alguna medida para ayudar a evitar que esto continúe sucediendo? ¿Para evitar que las familias sean destrozadas por el dolor, la rabia y el anhelo insaciable? If Anything Happens I Love You es una maravilla, un verdadero rompecorazones. Está representado con amor en dibujos de tinta rasposa que fluyen de manera ingeniosa y conmovedora a través de los traicioneros corredores de la memoria, donde una sola cosa simple, un balón de fútbol, ​​una canción, puede desencadenar calidez teñida de melancolía, amor bordeado de terror. 

Es un cortometraje encantador, pero también una película de terror. Estará contigo todo el día y hasta mañana y todavía debería estar allí en semanas, meses, años. Porque ese es exactamente su propósito.

Crítica Cinéfila: Hillbilly Elegy

J.D. Vance (Gabriel Basso), un ex-marine del sur de Ohio y actual estudiante de derecho de Yale, está a punto de conseguir el trabajo de sus sueños cuando una crisis familiar le obliga a volver a la casa que ha intentado olvidar. J.D. debe navegar por las complejas dinámicas de su familia Apalache, incluyendo su inestable relación con su madre Bev (Amy Adams), que está luchando contra la adicción. 

Bev (Amy Adams) es un parásito, una adicta, narcisista y desesperada de los demás, en particular de su propia familia. En una palabra, ella es un desastre. Su hijo, JD (Gabriel Basso), asiste a la Facultad de Derecho de Yale y está en medio de una audición para una pasantía de verano, pero ahora tiene que volver a Middletown, Ohio, de donde proviene, y regatear para ingresar su madre en rehabilitación. Paga la factura de una estadía de una semana con cuatro tarjetas de crédito, solo para descubrir que Bev no tiene interés en ir a rehabilitación. Una ex enfermera que destrozó su carrera, se inyecta heroína y parece estar bajando rápido. Ella no quiere ayuda; ella preferiría drogarse en su jugo tóxico de rabia y autocompasión. Pero no, esto no empezó con ella. 

"Hillbilly Elegy", una adaptación de las memorias de JD Vance de 2016, trata sobre una familia extensa sumida en la disfunción, pero la historia va más allá de la mera disfunción. Bev Vance y su familia provienen del condado de Breathitt, Kentucky, y el libro fue una inmersión profunda en la mística de los Apalaches: los valores de la tradición y la lealtad del interior del país, pero también la pobreza, la violencia y la adicción, el abuso y la desintegración social que han sido aceptados con demasiada facilidad como parte de ese legado. 

"Hillbilly Elegy" - la película - es uno de esos dramas hechos por Ron Howard que se siente atraído, al menos en teoría, por material vanguardista. Beber en exceso, violencia doméstica, suicidio, maldad en todos los sentidos. La película es una telenovela sureña gótica estadounidense, construida para mostrar la extravagancia maldita de personajes como Mamaw (Glenn Close), la abuela malhablada y mezquina, y Bev, quien es su adicta básica de la clase trabajadora y perdedora que se odia a sí misma, una mujer que lleva su desesperación en su rostro pálido e hinchado. Podría decirlo de otra manera pero es la descripción perfecta, sobretodo por el hecho de que Glenn Close y Amy Adams serían facilmente consideradas a nominaciones en los Oscars por estos personajes pues es la escuela de actuación a través de la transformación fisiológica humana. Excepto que las actrices, en este caso, tocan notas verdaderas. Comunican la agonía interior de lo que se siente al ser "ellas".

Ron Howard sabe cómo coquetear con el filo, pero se siente atraído, por su temperamento, a la curación y la gracia, a la urgencia de las personas que tienen buenas intenciones. Adaptada por la guionista Vanessa Taylor, quien coescribió "The Shape of Water", "Hillbilly Elegy" mira a sus personajes jodidos y tontos de afuera hacia adentro, pero es más cómodo viajar junto con JD, quien simplemente aparece como un trozo de buenas intenciones: un joven que tiene el alma de la decencia atrapado en un televisor hecho para la televisión. Quizás si hubiesen revivido el JD del libro con sus traumas psicológicos y emocionales hubiese sido un personaje más completo. Ya al final es que realmente vemos ese ser tridimensional que siempre necesitamos.

¿Cómo se abrió camino JD de Middletown a Yale? No estamos del todo seguros, aunque sabemos que llegó allí, y que tiene una novia india profundamente inteligente, Usha (Freida Pinto), que se dedica a él, por lo que no hay mucho suspenso sobre si descubrió cómo trascender su pasado. La película sigue recordando a JD cuando era un adolescente a mediados de los 90, donde Owen Asztalos lo interpreta como un geek. Pero estas partes de la película tienen un didacticismo de cuaderno de bocetos. Se sugiere que JD se pierde porque su madre revolotea de un hombre a otro; cuando ella se casa por capricho, él termina con un hermanastro delincuente drogadicto. Una escena o dos después, él mismo ha caído en la delincuencia, una transformación que es menos que convincente, aunque enraiza la parte redentora de la película de amigos, cuando JD se muda con Mamaw.

Ella se convierte en su entrenador de vida de amor duro/mentora renegada, y su misión es aclarar al chico. Puede que sea una vieja y desagradable abuelita que se viste con suéteres que la hacen parecer como si estuviera tejida directamente en ellos, pero tiene disciplina. Sin mencionar una línea colorida y desagradable para cada ocasión. El mensaje es que de un corazón tan duro surge un amor lo suficientemente severo como para sanar.

Mientras Close esté actuando como una tormenta digna de premios (su interpretación es en realidad bastante meticulosa), "Hillbilly Elegy" nunca está menos que viva. Adams hace su propia actuación, pero por muy hábil que sea su actuación, nunca consigue que miremos a Bev con lástima y terror. El JD de Gabriel Basso, por otro lado, es tan agradable que el destino de su alma nunca parece estar en juego. Su gente puede ser perseguida por los demonios de sus ancestros emocionales, pero él parece un yoda cuya vida se ha reducido a: ¿Se interpondrán esos demonios en el camino de mi carrera? Si él no los deja, ellos no lo harán. Eso no es un drama, es una terapia para sentirse bien.

Crítica Cinéfila: The Crown, 4ta temporada

Se acerca el final de la década de 1970 y la Reina Elizabeth II y su familia se encuentran preocupados por salvaguardar la línea de sucesión, encontrando una pareja apropiada para el Príncipe Carlos, que sigue soltero a los 30 años.

The Crown de Netflix continúa su reinado triunfal en la temporada 4 con otro lote de 10 episodios creados por el genio Peter Morgan que exploran las complejas relaciones de la familia real entre sí. Los nuevos miembros del elenco Emma Corrin como la princesa Diana y Gillian Anderson como Margaret Thatcher ayudan a reforzar lo que ya es un conjunto de primera categoría con actuaciones propias igualmente cautivadoras. Pero la temporada 4 también es agridulce, sabiendo que esta es la última vez que veremos a este elenco en particular encarnar a sus respectivos personajes. Afortunadamente, las últimas dos temporadas han demostrado que Morgan y su equipo saben cómo manejar una refundición para representar adecuadamente el paso del tiempo para los residentes del Palacio de Buckingham.

Lo primero y más importante (como siempre) es la interpretación dinámica de la reina Isabel II, con la ganadora del Oscar, Olivia Colman, como la inmortal. Hablaremos de todas las cosas jugosas de Charles (Josh O'Connor) y Diana en un momento, pero Morgan continúa anclando cada temporada en torno a la Reina y los eventos notables que afectan al Reino Unido y su imperio global. En la temporada 4, que tiene lugar desde finales de la década de 1970 hasta finales de la de 1980, se enfoca en la complicada relación de la reina con la recién elegida Primera Ministra Thatcher. 

Si bien las dos mujeres formidables no lanzan golpes reales, tienen algunos enfrentamientos memorables en el palacio con sus discursos. Anderson encapsula efectivamente los atributos más conocidos de Thatcher, como su espalda arqueada y su forma de hablar distinta y deliberada. Thatcher parece frágil, pero cuando habla hay una presencia poderosa detrás de cada palabra paciente. En una de sus reuniones programadas regularmente con la Reina, la Primera Ministra llama la atención sobre el hecho de que ella y Elizabeth tienen solo seis meses de diferencia. Cuando la Reina pregunta quién es el mayor, Thatcher (con una leve sonrisa) dice: "yo lo soy". Es un momento sutil de dejar en el aire la idea de que la diferencia de edad intrascendente se usa para socavar la autoridad de su oponente, y la expresión facial perturbada de Colman muestra cuán irritada está por la revelación. 

A medida que la década de 1970 llega a su fin, la reina Isabel (Olivia Colman) y su familia se preocupan por salvaguardar la línea de sucesión asegurando una novia adecuada para el príncipe Carlos (Josh O'Connor), que todavía no está casado a los 30 años. A medida que la nación comienza a sentir el impacto de las políticas divisivas introducidas por la primera primera ministra británica, Margaret Thatcher (Gillian Anderson), surgen tensiones entre ella y la reina que solo empeoran a medida que Thatcher lidera el país, como en la Guerra de las Malvinas, generando conflictos dentro del Commonwealth.  Mientras que el romance de Charles con una joven Lady Diana Spencer (Emma Corrin) proporciona un cuento de hadas muy necesario para unir al pueblo británico, mientras que a puerta cerrada la familia real se divide cada vez más.

Cuando Thatcher y Elizabeth no están peleando en la arena política, The Crown hace un trabajo admirable al comparar y contrastar sus vidas personales. En "Favourites", Morgan examina hábilmente cómo las dos madres tienen un hijo favorito, ya sea que lo sepan o no. No estropearemos los resultados aquí, pero el episodio es especialmente divertido para Elizabeth, quien hace todo lo posible para determinar qué hijo prefiere sobre el otro al pasar un tiempo de calidad con cada uno de ellos. Para un personaje que nunca ha mostrado mucho afecto por ninguno de sus hijos a lo largo de la serie, es incómodamente divertido verla intentar conectarse emocionalmente con sus hijos.

En términos de la historia de Charles y Diana, la temporada 4 cubre más de 10 años en solo 10 episodios; la totalidad de su compromiso se cubre en un episodio. Y aunque eso puede parecer mucha historia que digerir en poco tiempo, Morgan dedica suficiente tiempo de pantalla a la pareja para que podamos conocerlos adecuadamente, y al mismo tiempo que se extiende al resto del conjunto para evitar que la temporada 4 se convierta en "Charles y Diana".

Uno de mis episodios favoritos de Charles y Diana es el tercero, llamado "Fairytale", donde el guión de Morgan posee alguno de los arquetipos románticos de cuentos de hadas, como una joven encantadora que se enamora del apuesto príncipe y elige qué piedra ridículamente enorme llevar en el dedo. Pero también juega con las expectativas, mostrando que hay un lado más oscuro en su compromiso, incluyendo el hacerse la vista gorda ante el afecto continuo de Charles por su amante de toda la vida, Camilla Parker-Bowles (Emerald Fennell), y los sentimientos de aislamiento de Diana mientras se adapta a las intrincadas y a veces extrañas costumbres de la vida real. Ella es un pez fuera del agua y eso le pasa factura. Sin embargo, incluso cuando la pareja está en desacuerdo, la química en pantalla de O'Connor y Corrin es excelente. Corrin clava la exuberancia juvenil, adorable y juguetona de Diana, rasgos que a menudo chocan con la conducta menos afectuosa de Charles. O'Connor, por su parte, parece sentirse como en casa en la piel de Charles después de haber interpretado al personaje durante una temporada completa antes de entrar por completo en el centro de atención de la historia.

Asumí que Charles y Camilla serían pintados como los villanos en este conocido cuento, pero el recuento de The Crown no es blanco y negro, y crea simpatía alrededor de su historia. En una versión inesperada pero también bienvenida de su fatídico romance, Morgan destaca tanto los aspectos buenos como los malos de Diana y Charles como individuos. Cuando aparecieron los créditos en el final de la temporada 4, entendí de dónde venían ambos lados y los vi como humanos defectuosos en lugar de antagonistas.

No hay nada negativo que criticar sobre la cuarta temporada de The Crown, aunque hubiera sido bueno que la princesa Margaret de Helena Bonham Carter tuviera un papel más significativo. Carter fue muy bueno en la temporada 3, especialmente en "Margaretology" y "Cri de Coeur". En la cuarta temporada, Margaret sigue siendo tan atrevida como siempre, y Carter parece haber nacido para interpretar su actitud despreocupada y su ingenioso encanto. En esta ocasión, sin embargo, Margaret recibe un solo episodio, "The Hereditary Principle", en el que brilla mientras asume el papel de detective y descubre un oscuro secreto en el pasado de su familia. Si bien es lo suficientemente entretenido, si tuviera que elegir un episodio como el menos significativo de la temporada, este sería el indicado. Eso no es un desprecio hacia el desempeño de Carter, pero cuando tienes personajes dinámicos como Thatcher, Diana y la misma reina, el episodio se siente más como un desahogo el drama político y social, y más una oportunidad ligera de rescatar a Margaret de la crisis emocional que vivía en ese episodio de su vida.

Pero incluso cuando The Crown no está en su mejor momento desde la perspectiva de la historia, la serie sigue siendo uno de los programas más atractivos que existen, desde un punto de vista técnico. Morgan utiliza un equipo de directores y directores de fotografía para trabajar en varios episodios, pero hay muy poca diferenciación entre cada capítulo en lo que respecta a la alta fidelidad del rodaje, los diseños de escenarios y el vestuario. El equipo que dio vida a la Thatcher de Anderson y la Diana de Corrin definitivamente deberían ser nominados por hacerlas lucir tan convincentes sin exagerar. Los decorados en el lugar, desde las pintorescas Tierras Altas de Escocia hasta las bulliciosas calles de Londres, parecen genuinos, lo que da una sensación de autenticidad a todo en el marco.

The Crown de Netflix continúa demostrando por qué es uno de los mejores programas de televisión más destacados aún en la temporada 4, con increíbles actuaciones de su conjunto de personajes y excelente escritura del showrunner Peter Morgan y su equipo. Estos 10 episodios mantienen con éxito un enfoque equilibrado tanto en la complicada relación de la reina Isabel con Margaret Thatcher como en la exploración de lo que hace que la relación entre Carlos y Diana siempre ande en desbalance. La temporada 4 es otro logro culminante de la serie, aunque es agridulce decir adiós a un grupo tan talentoso, ya que Netflix reformulará sus roles con actores mayores durante las últimas dos temporadas.

Crónica Cinéfila: ¿por qué dejé de ver trailers?

Hace unos años, un amigo comentó que a él no le gustaba ver trailers de películas. Me lo encontré muy extraño porque uno de los mejores elementos de mercadeo de una película es el mismísimo trailer, pero él explicaba que simplemente ya no le llamaba la atención verlos porque siempre delataban la película.

De repente me encontré en una situación similar, donde yo saqué un twist muy específico del final debido a lo que el trailer mostró. Para sorpresa de muchos tenía razón: el personaje estaba muerto y la chica alucinaba con él (no diré el título por si hay personas que no la han visto). Tres de mis amigas no entendían cómo llegué ahí con solo mirar el trailer, hasta que les hice un breakdown de este y se dieron cuenta también. Quizás es porque lo vi tanto que me di cuenta o simplemente estaba ahí mismo y no había que deducir mucho. Pero simplemente llegué a la misma conclusión que mi amigo: dejé de ver trailers. 

Mis razones son más puntuales, aunque creo que todo cinéfilo que llega a esta decisión lo hace casi por lo mismo. 

Lo primero es el hecho de que un trailer ahora le quita el elemento sorpresa de la temática o el conflicto de la historia. Antes las películas de terror se abstenían de mostrar aspectos del antagonista que atacará en pantalla, por el mismo hecho de que al revelarlo ya están avisándole a la audiencia que eso es lo que deben encontrar. Pero no solo ocurre con este género; hasta los dramas más indies en los que su temática es su elemento más fuerte son víctimas de la exposición en un trailer mal estructurado.

Después está el tema de contar la historia completa en 2 minutos. Se supone que un trailer es la recopilación de un límite de escenas con el fin de venderle visualmente el producto a una audiencia meta. Pero vender el trailer no debe ser vender la película en 2 minutos (o más... porque ahora también está la popularidad de tener trailers larguísimos lo cual NO debería ser así). Hay algunos que una vez los ves no solo sabes lo que ocurrirá al final, sino que también sabes todo lo que ocurrirá en el centro. Uno de los mejores trailers que he visto es el de la película Roma por la sencilla razón de que nunca se llega a tocar el enfoque de la película. Pero eso se debe a que Alfonso Cuarón es un genio y cuida mucho su material.

Con esto no digo que los trailers deben ser completamente abstractos, pero la prudencia de elegir escenas específicas y que con esto no se sienta que se delata los momentos más esenciales es muy importante. Recordemos que también se quieren vender taquillas del cine o que se subscriban a la página de streaming a verlo.

Mi última razón es muy crítica y personal. Se trata de vender la idea erronea a la audiencia. No se imaginan la cantidad de veces que veía un trailer y decía "esta película de terror estará buenísima", y resultaba que no era terror, o que me indicaba que la historia se enfocaría más en un personaje o un tipo de historia, y al final no era así. La decepción era tan grande que en más de una ocasión sentí la necesidad de salir de la sala de cine. Quiero creer que los publicistas utilizan esta técnica para llamar a más personas de otro tipo de público a ver la película; pero y ¿qué nos dejan a quienes somos de ese público, que somos engañados y después acribillamos la película con palabras crueles por la gran decepción que nos han dejado? No piensen que seré bondadosa porque ustedes inocentemente quisieron vendérmela con lo que a mi me gusta ver para luego no ser así. No lo seré.

Ver trailers es uno de los trabajos más importantes de todo cinéfilo. Se hace para poder predecir qué tan interesante o desastrosa será una película o serie. Pero definitivamente se ha salido de mi sistema de trabajo. Con la simple lectura de una sinopsis o el poster, ya es suficiente para mí. Y con esto no les digo que no vean trailers, pero tengan cuidado con ellos. No vaya a ser que un día por una simple mala estructura, les digan el twist del final.

Pero si ya los dejaste de ver, ¿por qué lo hiciste?

Crítica Cinéfila: The SpongeBob Movie, Sponge on the Run

Los amigos son lo más importante para Bob Esponja, por lo que no dudará en salir de la comodidad de su hogar en Bikini Bottom, junto con Patrick, para adentrarse en un mundo desconocido, arriesgando sus vidas, para salvar a su amigo de la infancia, Gary, de las garras del rey Poseidón que le ha secuestrado en la Ciudad Perdida de Atlantic City. ¿Serán capaces de lograrlo?

La película Bob Esponja se inclina hacia la aleatoriedad. Eso siempre ha sido parte del encanto cuando se trata de la serie y la franquicia de películas que inspiró. Las aventuras de Bob Esponja son extrañas, alucinantes y vaporosas. Es la materia de la que están hechos los sueños de los adultos y es igual de olvidable. Pero también es lo suficientemente lindo y educado para los niños.

El personaje principal, con la voz de Tom Kenny, hace hamburguesas en el restaurante Krusty Krab en un pueblo submarino llamado Bikini Bottom. Es la respuesta de la animación a Steve Urkel, de alguna manera a la vez molesto y afable, con una risa maníaca. No puedes evitar disfrutar de pasar el rato perezosamente con él y sus peculiares amigos o enemigos como Plankton (Mr. Lawrence) y Sandy Cheeks (Carolyn Lawrence). 

Dedicado al creador Stephen Hillenburg, quien murió en 2018, la primera película de Bob Esponja animada por CGI aparentemente trata sobre una misión de rescate. En esta ocasión, su mejor amigo y mascota Gary se ha extraviado, llegando a manos del gran poderoso Poseidón. La baba del caracol mantiene joven la piel de Poseidón. Bob Esponja abandona sus deberes en el Krusty Krab para recuperar a Gary en compañía de Patrick para recuperar a su caracol mientras que el Krusty Krab se sale de control pues sin Bob Esponja, nada es igual, y ahora también Sandy, Mr. Crab y Squidward salen a encontrarlo.

Pero hay una delgada línea entre disfrutar perezosamente de la aleatoriedad y que la aleatoriedad termine siendo perezosa. Y la nueva película de Bob Esponja, a pesar de todos sus placeres, entra en la última categoría.

En el camino, Bob Esponja se encuentra con zombis bailarines presididos por Snoop Dogg; Keanu Reeves aparece como un sabio alucinatorio que parece ser un mentor para Bob Esponja. Awkwafina está en la mezcla dando voz a un robot fuera de control. Cada una de estas cosas es agradable. Pero no suman mucho a la historia.

Al final del juego, la película cambia de tema a una historia de origen de Bob Esponja, revelando cómo el personaje principal conoció a cada uno de sus amigos y se deleitó con lo que significa para ellos. Pero como todo lo demás, estas partes se sienten como una ocurrencia tardía.

Lo que era una historia de rescate, se convierte en una reflexión de apreciación hacia la figura de Bob Esponja, pero ya es un tema que se ha requete quemado en la serie y por tanto no sorprenden las palabras de alago. No deja de impresionar cómo siempre se salen con la suya, pero al igual queda muy poca lógica para realmente creérselo.

Sin embargo, no todo es irrescatable. Hay que valorar la creatividad con el uso de los universos de Bob Esponja, al igual que la manera en que introdujeron a Atlantic City como la versión que muchos conocemos en New Jersey. Estas animaciones siempre han sido muy particulares para hacer sentir el fondo del mar como una versión de la superficie, y una vez más no decepcionan en ese aspecto.

Ese tipo de irreverencia es admirable, y quizás la nueva generación de niños se la disfrute tanto como la generación que creció con esos cartoons. Sin embargo, el diálogo, la poca creatividad en la historia y el poco (para no decir nulo) crecimiento de los personajes es un poco retrasado para los más mayores. Quizás ya es tiempo de superar a Bob Esponja.

Crítica Cinéfila: The New Mutants

Cinco jóvenes mutantes que acaban de descubrir sus habilidades, son encerrados en unas instalaciones secretas contra su voluntad y luchan por escapar de su pasado y salvarse a sí mismos.

Si nunca has visto una película para adolescentes, una película de superhéroes, un thriller psicológico ambientado en un asilo, the Nightmare on Elm Street o un solo episodio de Buffy the Vampire Slayer, entonces quizás The New Mutants sea ​​una experiencia reveladora para tí. Pero para la mayor parte del planeta y el público objetivo de la película, New Mutants proporcionará 0% de novedad.

Genérica y, en el mejor de los casos, esforzándose por ser sincera, la adaptación del director Josh Boone de la serie de cómics derivados de Marvel hace vagas referencias a la franquicia de X-Men, pero intenta mantenerse por sí misma. Desafortunadamente, rara vez lo hace, incluso si el trío de protagonistas femeninas de la película se las arregla para darle a su género típicamente dominado por hombres algo de un toque femenino.

Filmada en 2017 y sometida a un largo período de postproducción que incluyó planes para nuevas grabaciones, la venta del estudio 20th Century Fox a Disney, varias fechas de lanzamiento pospuestas, incluida una en abril pasado debido a la pandemia de coronavirus y un lanzamiento nacional finalmente programado en un país que todavía se debate si ir al cine es seguro, no se puede decir que The New Mutants haya tenido una carrera fácil hasta ahora.

Desde que se hizo hace tres años, The New Mutants ya se siente como si perteneciera a otra época. Más específicamente, parece que se hizo en algún momento de los años 80 o 90 y que se inspiró de The Breakfast Club, claro está si este se desarrollara en un asilo semi-moderno donde cinco mutantes adolescentes de una variedad de orígenes se someten a psicoterapia grupal mientras intentan dominar sus nuevos poderes.

Contada a través del punto de vista de Dani Moonstar (Blu Hunt), una nativa americano que sobrevivió a un desastre traumático y luego se despierta atada a su cama en una remota institución psiquiátrica dirigida por la misteriosa Dra. Reyes (Alice Braga), quien le dice que ella es una mutante. Pero Dani no está sola en este extraño experimento escolar.

Entre sus compañeros de prisión se encuentran Illyana Rasputin (Anya Taylor-Joy), una rusa con habilidades de teletransportación y mala actitud; Rahne Sinclair (Maisie Williams), una chica escocesa con instintos animales feroces pero de buen corazón; el brasileño Roberto da Costa (Henry Zaga), quien se enciende en llamas con facilidad; y Sam Guthrie (Charlie Heaton), un buen chico de Kentucky que tiene el poder de proyectarse a la velocidad del rayo.

Todos estos personajes provienen de la primera novela gráfica The New Mutants (creada por Chris Claremont y Bob McLeod) publicada en 1982, y Boone, junto con el coguionista Knate Lee, nos permite presenciar sus historias de origen como pesadillas recurrentes que ocurren dentro del hospital, pesadillas que, como Freddy Krueger, pueden volverse realidad.

También nos da una gran dosis de angustia adolescente, y la Dra. Reyes nos recuerda con demasiada claridad que "la mutación ocurre con mayor frecuencia en la pubertad". Pero la mayoría de las veces, su angustia adquiere el sabor suave de una película de Disney, incluida una escena en la que la pandilla droga a su médico para que se duerma y luego organiza una fiesta de baile con el tipo de música rock. Queda mucho sin explicar como por qué los niños están allí y para quién trabaja exactamente la Dra. Reyes, pero hay algo tan genérico sobre la configuración y las situaciones que la intriga solo nos lleva hasta ahora. Incluso el puñado de giros destinados a ser vagamente nuevos, como una historia de amor entre dos de las heroínas, terminan sintiéndose familiares, por lo que quizás Boone inserta un clip de un episodio de Buffy que muestra lo mismo.

La película ni siquiera es tan aterradora como planteaban, un hecho que podría explicarse por la necesidad de mantener una calificación de PG-13, pero al final solo nos recuerdan los conjuntos recientes de terror adolescente como It que funcionaron mucho mejor en aquella época. Una secuencia potencialmente aterradora en la que los adolescentes son perseguidos por una horda de monstruos con colmillos se ve alterada por el hecho de que todos los monstruos parecen haberse salido del universo de Hill House o Slenderman.

En el mejor de los casos, Boone consigue buenas actuaciones de su elenco, especialmente de Blu, Taylor-Joy y Williams, quienes agregan capas de emoción a sus personajes mientras patean traseros al mismo tiempo. The New Mutants estaba destinado a ser la última entrada en la serie X-Men; pero fácilmente se pueden ver estas tres mujeres que se unen a la creciente gama de superheroínas de Marvel Studio siendo representadas nueva vez en otras entregas. Es una lástima que la película que las lanzó no tenga el mismo impacto. En lo que respecta a la franquicia mutante, nunca llega a su última resistencia.

Crítica Cinéfila: The Craft, Legacy

Un grupo de estudiantes de instituto deciden formar un aquelarre de brujas. 

Ha pasado casi un cuarto de siglo desde que el clásico de terror de culto "The Craft" aprovechó la fascinación por las brujas de Harry Potter, lo que le dio al público adolescente una sensación de lo empoderador que podría sentirse para cuatro mujeres jóvenes, perseguidas por una violación en una cita y reinas de baile abiertamente racistas, para invocar un poco de magia negra en su deseo de vengarse. Ese éxito sorpresa fue chirriante incluso para los estándares de 1996, pero su actitud gótica era muy vanguardista en comparación con "Clueless" y otras ofertas de la época, y uno esperaría que se hiciera un seguimiento.

En cambio, "The Craft: Legacy" de Blumhouse aparece como "The Craft: Lite", un reinicio de PG-13 diluido en el que los forasteros ya no son tratados como monstruos, y su misión equivale a esclarecer a los compañeros de clase neandertal y otros machistas sobre los riesgos de subestimar a las mujeres jóvenes. Hacerlo podría hacer que te maten en "The Craft", mientras que en la versión de la escritora y directora Zoe Lister-Jones, lo peor que puede pasar es despertar, expresando tu nuevo aprecio por el feminismo y admitiendo que eres bisexual.

Aún así, con un cuarteto completamente nuevo de entusiastas de la hechicería adolescentes, una de los cuales es trans, este es un thriller sobrenatural sin mucho poder narrativo apreciable. Como en la película anterior, un trío de brujas aficionadas busca una cuarta recluta cuando conocen a una recién llegada inconsciente de sus dones "naturales"; Lily (Cailee Spaeny), que tiene la desgracia de que le llegue su periodo durante su primer día en una escuela desconocida, lo que puede parecer traumático para cualquiera que no haya visto a "Carrie".

En lugar de burlarse de ella, Frankie (Gideon Adlon), Tabby (Lovie Simone) y Lourdes (Zoey Luna) hacen que Lily se sienta como si los otros estudiantes fueran los raros por reaccionar exageradamente. Lily ha llegado a la ciudad con su madre soltera, Helen (Michelle Monaghan), quienes se mudaron con el orador motivacional Adam (David Duchovny) y sus tres hijos en lo que podría ser un giro retorcido de "The Brady Bunch". Lamentablemente, la película realmente no sabe qué hacer con sus nuevos hermanos por lo que sus roles son muy innecesarios para la historia.

Lily no tenía amigas en su escuela anterior y está agradecida de ser abrazada por las tres chicas de su clase, sin importar que sus nuevas compañeras la presionen para que participe en un encantamiento en el que logran congelar el tiempo al primer intento. En 1996, "The Craft" fue criticado por exagerar los efectos visuales, pero esta vez, en un momento en el que casi la mitad de las películas son fantasías mejoradas por CGI de algún tipo, es como si Lister-Jones se estuviera conteniendo, pues sin contar el montaje en el que las chicas practican levitación y otros hechizos variados, por lo demás mantiene los poderes bajo control.

Por un lado, lo que dio miedo a "The Craft" fue la idea de que la magia realmente podría existir, y que incursionar en ella podría despertar fuerzas ocultas mucho más fuertes de las que las brujas principiantes están listas para enfrentar. Pero la verdadera fuerza de la película provino de reconocer cómo los varones de la escuela podían desempoderarlos, ignorando sus límites en una cita (como lo hizo el personaje de Skeet Ulrich) o avergonzándolos frente a sus compañeros y dándoles a las brujas los medios para obtener lo que sea que les plazque.

“The Craft: Legacy” cambia las tornas, pero no de la manera que sugiere algún tipo de diseño consciente por parte de sus creadores. Si estas cuatro jóvenes son tan ilustradas políticamente como la película las muestra, ¿por qué "Legacy" no toma una posición cuando una de ellas usa un hechizo de amor para anular las defensas del tipo rudo Timmy (Nicholas Galitzine)? ¿Embrujarlo para que se bese contigo (especialmente cuando está enamorado de tu hermanastro...) equivale a violar su consentimiento?

Más escenas como esa, donde los personajes cruzan la línea, podrían haberle dado mejores conflictos que esta secuela pudo aprovechar, pero carece de la forma segura de una película. De vez en cuando, Lily tiene visiones impactantes, que consisten en serpientes, una espada y sangre, todo lo cual sugiere algún tipo de ritual satánico. Pero "Legacy" es esa rara película en la que tales premoniciones no dan resultado. Lily tiene derecho a ser escéptica sobre los motivos de Adam, pero el final en el que Duchovny interpreta al villano no es nada sorprendente ni difícil de descifrar, sobretodo por toda la actitud del personaje durante toda la película.

La sabiduría convencional sostiene que contratar a mujeres cineastas para que cuenten tales historias debería aportar algo nuevo a la ecuación, pero “The Craft: Legacy” parece un paso atrás, incluso si el original fue escrito y dirigido por hombres. A diferencia del remake de "Black Christmas" del año pasado, donde las alumnas tomaron la delantera, en las películas de "Craft", los personajes femeninos ya tenían el control de esta franquicia. Aproximadamente una hora después, la película indica que (alerta de spoiler) Lily fue adoptada, lo que sugiere que la parte de "Legado" en el título de la película puede ser literal: es más que probable que sea el engendro de una de las brujas originales de "Craft". ¿Pero esa revelación agrega algo? Ejem... no.

En teoría, les da a los fanáticos de la película anterior algo sobre lo que adivinar, pero no hay mucho más con lo que esa generación se conecte. En todo caso, esta secuela de décadas después se siente como el tipo de programación obsoleta al estilo de “Party of Five” contra la que reaccionó la película relativamente punk de 1996. Y no hay nada aquí que pueda compararse con la locura de ojos ardientes de la actuación de Faruza Balk en esa película. El original “The Craft” puede ser un desastre, pero sí tienen un legado, y esta no lo es ni lo será.

Crítica Cinéfila: Mis 500 Locos

Después de que un grupo de pacientes mentales escapan del Hospital Psiquiátrico de Nigüa, el Dr. Antonio Zaglul es nombrado nuevo director de la institución con el propósito de calmar la prensa negativa que la falta de control del lugar estaba generando. Una vez allí será difícil distinguir si la locura vive dentro o fuera de las paredes del hospital.

En 1955, a la edad de 35 años, Antonio Zaglul fue nombrado como el primer director del Hospital Psiquiátrico Padre Billini, cargo que desempeñó hasta 1960, debido a su desacuerdo con el régimen Trujillista. A raíz de la muerte del doctor Manuel Tejada Florentino y de las hermanas Mirabal, se exilió en Puerto Rico. Y seguro mientras estuvo por ahí, escribió Mis 500 Locos, obra que Leticia Tonos junto a Lenin Compres y Waddys Jaquez traen a la gran pantalla como la primera película dominicana que se estrena después del cierre masivo de los cines por la pandemia. Pero a diferencia de muchas otras historias dominicanas que tienen como ambientación la tiranía Trujillista, esta es la que menos aborda el tema enfocándose en un universo muy particular, y aún así, el guión no funciona.

La historia inicia con Antonio (Luis José Germán) llegando al manicomio guíado por Gonzáles (Pavel Marcano), un oficial del gobierno quien lo introduce a los demás empleados. Es recibido con un regalo de bienvenida en su oficina: el cuerpo de uno de los locos siendo velado mientras esperan el padre para darle una última bendición, diciéndole de entrada al doctor que su trabajo en este hospital no será fácil. Pero no es tanto por los locos que se agrupan entre las esquinas del reducido espacio, sino por los mismos empleados renuentes a atender a los residentes.

Dentro del hospital, Antonio se encuentra con una serie de situaciones que debe confrontar, como un mercado de los domingos que corrompe la privacidad de los enfermos; la misteriosa violación y embarazo de la muda (Camila Santana); la posible relación entre el Tuerto (Ico Abreu), quien había recién salido de la 40, y Aurora, a quien no se le conoce ningún familiar; la insistencia del Venezolano (Rick Montero) de que puede ayudar a Trujillo a vencer a los comunistas; y la falta de respeto que tienen los doctores y enfermeros hacia los internos. 

Pero al mezclar estos y más conflictos en una película hace que la historia se vuelva episódica, y en vez de lidiar con una trama principal para todo el filme, da la sensación de estar viendo una serie de televisión sobre el manicomio. Es un problema muy común en el cine dominicano, pero es muy extraño que Leticia Tonos lo haya dejado pasar cuando previamente hemos visto cómo en su filmografía ella ha cuidado de la estética de sus guiones. Esto quizás haya tenido que ver porque aquí cede la responsabilidad narrativa a Compres y Jaquez quienes no tenían una experiencia previa en largometrajes, y que al parecer les hizo falta cierta asesoría a la hora de escribir un guión de película.

A pesar del aplausible talento del departamento de arte, sobretodo el trabajo de ambientar las escenografías a la época dominicana de los 50 y vestir a los talentos con una particularidad de esos años, esto no hace que se ignoren los aspectos de cada personaje y cómo algunos de ellos parecen completamente innecesarios para la historia. Los más cuerdos tienen una actitud de profesores o estudiantes de secundaria, mientras que los locos caen en el estereotipo de su locura (la que es muda, es únicamente muda; el transexual solo habla sobre la transexualidad; la coja solo cojea); la mayor inquietud dentro de estos personajes es que en vez de mostrar una razón coherente por la que han caído ahí simplemente lo justifican a esta característica particular o al hecho de que sobrevivieron a la 40 y por eso están ahí.

Ni siquiera la cinematografía de Luis Carrión (Juanita, María Montez) se salva, con un estilo de balanceo que crea una confusión visual hacia donde uno debe prestarle atención y que si no fuese por la misma longitud de la historia, parecería más un video musical que una película. Así mismo la música no hace una reflexión a la época en cuestión; no traslada a su audiencia y por lo tanto no refleja la inquietud, que por momentos parece ser una total oposición a los sentimientos que una determinada escena quiere presentar. 

Los altos esfuerzos de Luis José Germán por mantener su compostura como Antonio Zaglul son quizás el elemento más resaltable de la historia, pero esto no le quita la pobreza y el inequilibrado ritmo de crecimiento del personaje al que es sometido. Los demás actores, muchos de ellos tan talentosos como Germán pasan por el mismo suplicio, arrastrándose de un lado a otro en líneas clichés y momentos completamente eliminables.

Esta será la primera película dominicana que se estrena durante la pandemia, pero no es un fuerte regreso a los cines. La mediocridad de la historia solo nos recuerda constantemente que mientras sí se intenta hacer drama u otros géneros para salir un poco de lo que ya se ha establecido como lo tradicional, aún así le falta mucho a la narrativa para que coja suficiente fuerza y así ser tomada en serio. Mientras tanto, seguirá siendo un manicomio visual.

Crítica Cinéfila: The Queen's Gambit

En plena Guerra Fría, la joven Beth Harmon (Anya Taylor-Joy) es una huérfana con una aptitud prodigiosa para el ajedrez que lucha contra la adicción mientras trata de convertirse en la mejor jugadora del mundo.

Para ser un gran jugador de ajedrez, no solo uno bueno, sino uno de los grandes, debes poseer una astuta combinación de concentración, agudeza y nervio. Lo que parece un simple tablero de 64 casillas se convierte rápidamente en un campo de batalla; la clave para ganar la partida es poder analizar y anticipar los movimientos de un oponente sin que tu rostro traicione un solo cálculo. El ajedrez es un juego esotérico y mentalmente castigador, lo que hace que sea extremadamente difícil de representar en pantalla con la mitad de la emoción que podría tener en la realidad, especialmente si el espectador no conoce todas las reglas (y es probable que usted no las conozca). Pero "The Queen's Gambit" se las arregla para personalizar el juego y sus jugadores gracias a una narración inteligente y, en Anya Taylor-Joy, una actriz principal tan magnética que cuando mira por el lente de la cámara, su mirada de piedra amenaza con atravesarla. Lo más importante es que la serie utiliza el ajedrez como motor para una narrativa más complicada sobre el genio femenino, el encanto de la adicción y el don de la autonomía. 

Del escritor y director Scott Frank ("Logan"), y basada en la novela de Walter Tevis de 1983, "The Queen's Gambit" cuenta la historia de una huérfana cuyo comportamiento inquebrantable y cerebro analítico la revelan como una letal prodigio del ajedrez. Cuando conocimos a Beth (Isla Johnston) de 9 años en Kentucky, a principios de los años 60, se está adaptando a la vida en un orfanato de Kentucky mientras lamenta en silencio la muerte repentina de su madre (Chloe Pirrie). Luego, un encuentro casual con el conserje (Bill Camp), este la introduce al ajedrez y es como si el juego abriera una habitación secreta dentro de su propia mente matemática donde todo tiene sentido, un lugar donde ella puede estar segura y en control. Pero mientras Beth descubre esto sobre sí misma, el orfanato le da un tranquilizante diario que solo intensifica su obsesión. Se pasa años despierta por la noche mirando el techo donde aparecen un tablero de ajedrez fantasmagórico que le permite jugar tantas partidas como quiera. En estos momentos, "The Queen's Gambit" casi se convierte en una historia de "Alicia en el país de las maravillas", solo que la niña no quiere volver a la realidad y la reina está siempre de su lado.

La serie, escrita y dirigida en su totalidad por Frank, a veces amenaza con verse abrumada por estas rupturas en la realidad y el formato, y las piezas de ajedrez CGI son solo ocasionalmente tan siniestras como se supone que deben ser. En los momentos más directos, el tiempo de Beth en el orfanato y los flashbacks de la primera infancia a menudo se sienten como si fuesen de una serie completamente diferente. Pero a medida que Beth crece (y posteriormente es interpretada por Taylor-Joy), "The Queen's Gambit" se vuelve muy astuta sobre sus elecciones y mantiene la narrativa a un ritmo impresionantemente rápido, lo que lo convierte en un contraste nítido y bienvenido con los aletargados dramas de transmisión. 

Con siete episodios, la serie limitada sigue el ascenso de Beth a la cima del mundo del ajedrez competitivo, todo el trabajo que hace y el sufrimiento que soporta para llegar allí. Al crecer, su aliado más cercano es el conserje (que se convierte en un fanático secreto de ella) y su compañera del orfanato Jolene (Moses Ingram); una vez que deja el orfanato, su confidente se convierte en su madre adoptiva Alma ( Marielle Heller), una mujer solitaria que necesita compañía fuera de su rencoroso marido. Ingram aprovecha al máximo los diálogos a veces torpes (Jolene es el único personaje importante no blanco de la serie, y se nota). Y aunque Heller es conocida principalmente por su paciente y empática dirección de películas como "A Beautiful Day in the Neighborhood", ella aporta las mismas cualidades a su actuación aquí, profundizando la caracterización de Alma en algo tan dolorosamente tierno que bien podría ser un moretón andante. Ambas desarrollan personajes que muestran los límites de Frank como escritor, dándoles una profundidad bienvenida más allá de la página.

Mientras que Jolene y Alma están más cerca de romper el corazón de Beth, por lo demás está constantemente rodeada de hombres. Le molesta que le señalen ese hecho con cada partida de ajedrez que borra, pero con su melena roja brillante y su vestuario cada vez más glamoroso (cortesía de la diseñadora de vestuario Gabriele Binder), Beth también se complace en llamar la atención de todos. En el camino hacia la cima, recoge los corazones de hombres igualmente frustrados y cautivados por ella: un chico local sincero (Henry Melling), un compañero prodigio arrogante (Thomas Brodie-Sangster), y un escritor de ojos bondadosos (Jacob Fortune-Lloyd) que está más cerca de robarle el corazón. Incluso el férreo campeón ruso (Marcin Dorocinski), cuyo rostro rara vez se mueve un centímetro, se siente atraído por esta extraña chica y su asombrosa mente. Innumerables partidas de ajedrez comienzan y terminan en el rostro de Beth mientras mira fríamente a su oponente a través del tablero, esperando el momento en que pueda derribarlo. En manos de la mayoría de los actores, estas escenas se volverían demasiado aburridas para las palabras. En Taylor-Joy son fascinantes.

Sería fácil para la serie complacer demasiado el encanto de Beth, y no siempre resiste la tentación de caer ahí. Pero la mayoría de las veces, se sumerge lo suficiente en su psique y revela suficientes debilidades como para que nunca sea totalmente invencible. Ella es una mente maestra, pero también una obsesiva enojada con un ego saludable y un amor por destruirse a sí misma antes de que nadie más pueda hacerlo con ella. Quiere ganar, pero más que eso, quiere un lugar y alguien, a quienes pueda llamar hogar. Cuando “The Queen's Gambit” les da a Beth y Taylor-Joy el espacio para aprovechar las venas gemelas de su furia y anhelo, es el mejor tipo de comunión. Lo que podría haber sido un espectáculo inteligente se convierte rápidamente en el retrato de una persona especial e imperfecta que venera tanto su fuego como su brillantez.

Crítica Cinéfila: The Witches

Un niño y su abuela tienen extraños encuentros con algunas brujas aparentemente glamurosas pero absolutamente diabólicas, así que ella decide quitarse de en medio y llevarse al chico a un hotel de lujo en la costa. Por desgracia, llegan exactamente al mismo tiempo que la Gran Bruja, que ha reunido a sus compinches de todo el planeta para llevar a cabo sus horribles planes.

Ciertamente no necesitábamos otra versión de la novela de Roald Dahl de 1983 "The Witches" después de la interesante adaptación cinematográfica de 1990 del director Nicolas Roeg y el guionista Allan Scott, pero si la versión del 2020 de Robert Zemeckis no arroja un hechizo tan poderoso como su predecesor, tampoco es extremadamente terrible.

Colaborando con Kenya Barris en un guión escrito originalmente por Guillermo del Toro, Zemeckis arroja más ideas buenas que malas, lo cual es un alivio, considerando sus recientes fallos como "Welcome to Marwen" y extraños vistazos de CGI como "A Christmas Carol". Sin embargo, de la misma manera que Angelica Huston gobernó grandiosamente la pandilla maldita en la película de Roeg, Anne Hathaway asume perversamente el trono como reina de su propio aquelarre aquí.

La acción se desarrolla en el sur de Estados Unidos en la década de 1960, con Jahzir Bruno como nuestro héroe anónimo, que se va a vivir con la abuela (Octavia Spencer) después de la muerte de sus padres. Ella trata de sacarlo de su dolor, pero el niño comienza a abrirse después de que ella le da un ratón como mascota para que lo cuide.

Un día, en una tienda, una mujer extraña le ofrece dulces mientras una serpiente se desenrolla de su manga; cuando se lo cuenta a la abuela, ella le explica que el mundo está lleno de brujas, que desprecian a los niños (un niño o una niña limpios les huele “a caca de perro”) y quieren acabar con todos. Esta información también se comparte con nosotros a través de Chris Rock, como un narrador fuera de la pantalla que nos cuenta toda la película como un flashback.

Para eludir a la bruja local, la abuela y el niño visitan uno de los mejores complejos turísticos del sur, solo para descubrir una convención completa de brujas, dirigida por la propia Gran Bruja (Hathaway). Ella ha reunido a su rebaño para desatar un plan diabólico de convertir a los niños de todo el mundo en ratones a través de una poción entregada por las barras de chocolate más deliciosas. ¿Podrán este niño ingenioso y su abuela infatigable detener su malvado plan?

"The Witches" cobra mucha fuerza una vez que la película llega a la parte compleja, ya que permite que Hathaway se vuelva loca, vistiendo trajes de época increíblemente elegantes (diseñados por Joanna Johnston), desatando una boca terriblemente ancha llena de dientes puntiagudos (la perspicacia de Zemeckis y su equipo para los efectos visuales está a la vista), y hablando con un acento hilarante y sin sentido que parece desviarse del europeo del este al escandinavo, con lo que parece un poco de escocés incluido en buena medida.

Esas escenas de resort también nos dan a Stanley Tucci como un gerente de hotel engreído e insolente, proporcionando una inyección de tontería para los espectadores jóvenes que encuentran las cosas aterradoras un poco más de lo que pueden manejar. Ojalá la película hubiera encontrado algunos momentos divertidos para Spencer, capaz de crear comedia pero no lo suficientemente explotada por dejarla arrinconada como un ser protector feroz proporcionando algunas desviaciones del arma de Chejov sobre la salud de la abuela, y para todos los personajes principales que no son interpretados por Hathaway.

El material entre corchetes y la narración de Rock se sienten extraños y, de hecho, plantean preguntas sobre la trama y el paso del tiempo que no cuadran del todo. Los puristas de Dahl se alegrarán de saber que, dejando de lado el período y la geografía, esta es una adaptación más fiel que la película de 1990, pero a veces esa fidelidad parece excesiva: ¿por qué el joven glotón Bruno Jenkins (Codie-Lei Eastick) es el caso de prueba para el chocolate contaminado de las brujas? ¿Cómo es que van a exterminar a los niños sin imaginarse que los padres podrían tener más? ¿Cómo es posible que los ratones hablen pero la gallina no? Hay demasiada exposición en el diálogo en detalles que no necesitan ser expuestos, y algunos personajes se sienten un poco innecesarios y hasta olvidables.

Depende de cada niño, y de sus padres, se decide la línea divisoria entre "demasiado aterrador" y lo suficientemente aterrador", y este último "The Witches" atraviesa esa zona gris con algunas sacudidas divertidas y efectos visuales espeluznantes. Pero también lo hace la anterior, y en general, es una película mejor: las sensibilidades de Roeg y su colaborador Jim Henson se encontraron en el medio para capturar la misantropía y la perversidad de Dahl sobre el comportamiento humano de una manera que esta versión no puede manejar.

Pero aún así, dado lo mal concebidos que pueden ser los remakes en general y los remakes de las propiedades de Roald Dahl en particular, aún sintiendo escalofríos, y no del tipo bueno, esta comedia de terror para niños traerá una dosis vigorizante para una noche en familia.