sábado, 29 de diciembre de 2018

Mis 10 películas favoritas del 2018


2018 fue un buen año para el cine. A pesar de la cantidad de clichés y algunas cuantas analogías con mensajes bien entrebuscados, hubo muy buenas películas. Y se me había hecho muy difícil escoger tan solo 10, pero después de semanas dándole mente, estas fueron las que terminaron en mi Top del año. Estas son mis diez películas favoritas del 2018:

10. A Quiet Place
Dirección: John Krasinski
Género: Terror.

Para ser la primera película dirigida por John Krasinski, ¡hace tremendo debut en lo alto! Sigue la historia de una familia que vive en una casa en el bosque cuidándose de no emitir ningún sonido. Sino, deberán enfrentarse a criaturas extraterrestres que asesinan cualquier ser que produzca hasta el más tímido sonido.


9. BlackKklansman
Dirección: Spike Lee
Género: Comedia negra

Como todos los años, las películas sobre diferencias raciales entra en mi lista, y una de ellas fue BlackKklansman. A principios de los años setenta, una época de gran agitación social con la encarnizada lucha por los derechos civiles como telón de fondo, Ron Stallworth se convierte en el primer agente negro del departamento de policía de Colorado Springs. Pero es recibido con escepticismo y hostilidad por los mandos y algunos de los agentes. Sin amedrentarse, decide seguir adelante y hacer algo por su comunidad llevando a cabo una misión muy peligrosa: infiltrarse en el Ku Klux Klan y exponerlo ante la ciudad.


8. Searching
Dirección: Aneesh Chaganty
Género: Thriller

Es un estilo distinto para presentar thriller, pero la manera en que el suspenso y la tensión se fueron desarrollando demostró que vale toda la pena del mundo. Después de que la hija de 16 años de David Kim desaparece, se abre una investigación policial. Pero 37 horas más tarde y sin una sola pista, David decide buscar en el único lugar donde nadie ha buscado todavía y donde se guardan todos los secretos hoy en día: el ordenador portátil de su hija. David debe rastrear las huellas digitales de su hija antes de que desaparezca para siempre. Un thriller que se desarrolla en la pantalla del ordenador.


7. Eighth Grade
Dirección: Bo Burnham
Género: Dramedia

Sin duda alguna, una de las más sencillas y de las más completas de este año. Kayla, una niña de 13 años, tiene que lidiar con las inseguridades y terremotos del inicio de la adolescencia en la última semana de colegio, tras un año desastroso, antes de empezar el instituto.


6. Tully
Dirección: Jason Reitman
Género: Dramedia

No soy madre, pero esta película me preparó aún más mentalmente para esta etapa, sobretodo por las diferentes emociones que una mujer puede experimentar. Marlo (Charlize Theron) es una madre con tres hijos, el último recién nacido, que recibe un inesperado regalo de parte de su hermano (Mark Duplass): una niñera para que le ayude por las noches. Al principio le parece una extravagancia, pero Marlo acaba teniendo una relación única con Tully (Mackenzie Davis), una joven niñera amable, sorprendente y, en ocasiones, difícil.


5. Bumblebee
Dirección: Travis Knight
Género: Acción, ciencia ficción

Por primera vez, me atrevo a incluir una película de la saga de Transformers entre mis favoritas, y es que demuestra ser totalmente diferente a sus antecesoras. Esta vez centrada en el "hermano pequeño" de los Autobots, Bumblebee, quien está tratando de escapar de los Decepticons, en el año 1987. Encuentra refugio en un depósito de chatarra en una pequeña ciudad en la costa Californiana. Charlie (Hailee Steinfeld), a punto de cumplir 18 años y tratando de encontrar su lugar en el mundo, descubre a Bumblebee, dañado y descompuesto. Cuando Charlie lo revive, aprende rápidamente que éste no es un VolksWagen amarillo normal.


4. Capernaum
Dirección: Nadine Labaki
Género: Drama

El tema con esta película es la realidad humana que retrata tras sus imágenes. Nadine Labaki vuelve a no decepcionar su audiencia con una película sobre las injusticias humanas que muchos niños viven en Líbano y otros países del mundo. El filme está ambientado en el pueblo pesquero de Cafarnaúm (Capernaum) en Líbano. Ahí se desarrolla una fábula contemporánea de carácter político sobre un niño que se rebela contra la vida que le han impuesto vivir y lanza una demanda.



3. A Star is Born
Dirección: Bradley Cooper
Género: Drama

Solamente le diré siete palabras: la vi 7 veces en los cines. Con eso resumo la obsesión que tengo con esta historia y sobretodo con el romance de estos personajes. Jackson Maine (Bradley Cooper) es una estrella consagrada de la música que una noche conoce y se enamora de Ally (Lady Gaga), una joven artista que lucha por salir adelante en el mundo del espectáculo. Justo cuando Ally está a punto de abandonar su sueño de convertirse en cantante, Jack decide ayudarla en su carrera hacia la fama. Pero el camino será más duro de lo que imagina.


2. Green Book
Dirección: Peter Farrelly
Género Dramedia

Esta entra en mi lista por el simple hecho de que la química entre Viggo Mortensen y Mahershala Ali en pantalla es excepcional. Simplemente imperdible.

Años 60. Cuando Tony Lip (Viggo Mortensen), un rudo italoamericano del Bronx, es contratado como chófer del virtuoso pianista negro Don Shirley (Mahershala Ali), durante una gira de conciertos por el Sur de Estados Unidos, deberá confiar en "El libro verde", una guía de los pocos establecimientos seguros para los afroamericanos, para encontrar alojamiento. Son dos personas que tendrán que hacer frente al racismo y los prejuicios, pero a las que la bondad y el sentido del humor unirán, obligándoles a dejar de lado las diferencias para sobrevivir y prosperar en el viaje de su vida.


1. Roma
Dirección: Alfonso Cuarón
Género: Drama

El tema con Roma, y nunca me cansaré de decirlo, es que es una película perfecta. Además de la increíble narrativa y las actuaciones excepcionales, Roma es arte en pantalla, con la sensación de que la audiencia está paseando por una galería de arte o fotográfica.

Cleo (Yalitza Aparicio) es la joven sirvienta de una familia que vive en la colonia Roma, barrio de clase media-alta de Ciudad de México. En esta carta de amor a las mujeres que lo criaron, Cuarón se inspira en su propia infancia para pintar un retrato realista y emotivo de los conflictos domésticos y las jerarquías sociales durante la agitación política de la década de los 70.



NOTA: Una película favorita no significa que sea la mejor del año; no obstante, muchas de estas se merecen estar en la lista de las mejores. Si gustas saber cuales son las mejores películas del 2018, te comparto este video de WatchMojo donde dan su Top 10 del año:



jueves, 27 de diciembre de 2018

The Mule

 Earl Stone (Eastwood), un octogenario que está en quiebra, solo, y que se enfrenta a la ejecución hipotecaria de su negocio, se le ofrece un trabajo aparentemente facil: sólo requiere conducir. Pero, sin saberlo, Earl se convirte en traficante de drogas para un cártel mexicano, y pasa a estar bajo el radar del agente de la DEA Colin Bates (Cooper).



A sus 88 años, Clint Eastwood demuestra una vez más su talento en pantalla y detrás de cámara, trayendo a la vida a The Mule. Este hilo basado en una historia real acerca de un veterano todavía casi indigente que comienza a transportar drogas para un cartel mexicano, es atractivo, humorístico y, al parecer, bastante personal en la forma en que retrata a un hombre que hace un intento para mejorar como esposo y padre. El veterano de Eastwood, que busca buenos momentos, es un contraste temperamental con el insultante que jugó en el gran éxito de Gran Torino una década atrás.

Visto por primera vez con un sombrero para el sol y cuidando algunas flores en un invernadero, Eastwood se ve notablemente más viejo que cuando estuvo la última vez en la pantalla grande; camina lentamente, se ve un poco frágil y por primera vez carece de toda la impresionante estructura que ha tenido desde el principio de su carrera. Verlo participar en algo llamado la Liga Nacional de Daylily parece una broma.

Al darle vida a Earl Stone, muestra como este es despreciado por su familia inmediata, incluida su ex esposa Mary (Dianne Wiest) y su hija Iris (Alison Eastwood), a quien dejó plantada en su propia boda y todavía no puede perdonarlo. Parece que el hombre nunca estuvo allí cuando necesitaba estar y ahora está pagando el precio.

Pero lo peor está por venir para el viejo Earl cuando se queda sin dinero y lo echan de su vivienda. Sin embargo, Chance lo rescata cuando es contratado, en parte debido a su perfecto historial de manejo, para "simplemente conducir" a El Paso para hacer una entrega. Es el comienzo de un hermoso arreglo, por no mencionar lucrativo, y durante un buen rato se demuestra que es mutuamente beneficioso para el cartel (Earl es tan confiable en el trabajo como no estaba disponible para su familia) y para el mismo Earl, quien puede utilizar bien el dinero y eventualmente regresar a su casa.


Al mismo tiempo, los agentes federales en Chicago, liderados por un agente especial de la DEA a cargo (Laurence Fishburne), están tratando de atrapar a algunos narcotraficantes del cártel en el oeste, pero están sufriendo un período largo y seco. Puede tomar un tiempo, pero sabes que eventualmente los hombres de la unidad se cruzarán con el no sospechoso Earl, especialmente después de que un nuevo agente, Colin Bates (Bradley Cooper), suba a bordo.

Durante algún tiempo, el arreglo funciona maravillosamente bien: los narcotraficantes obtienen lo que quieren sin problemas, mientras que Earl recupera su equilibrio financiero y sobra lo suficiente para las damas que quiere en su vida. Aunque no es nada en comparación con los arrebatos del anciano hacia las minorías en Gran Torino, la nueva película presenta deliberadamente algunas de las anticuadas nomenclaturas de Earl, incluso hasta caer en momentos racistas y estereotipados.

El viejo Earl de repente lo está llevando bien, en la medida en que ayudar a su nieta con los gastos de la boda y puede financiar la reapertura de un bar de amigos; el éxito del acuerdo finalmente llega a la atención del jefe del cartel Laton (Andy Garcia), quien lleva a cabo reuniones de negocios en su finca mientras dispara con un rifle de oro macizo. A Laton le gusta tanto el viejo gringo que lo invita a una de sus grandes fiestas y le regala dos amigas para la noche (todo lo que pase está implícito pero, felizmente, no se ve). Pero, de repente, las cosas se van al sur, con nuevos supervisores desagradables que hacen que la vida sea miserable para Earl y la DEA cada vez más frustrada siente la necesidad de obtener resultados rápidos.


También hay malas noticias en el frente doméstico, ya que Mary se enferma. Cuando Earl, a modo de explicación y disculpa por no estar allí para ella cuando ella y la familia lo necesitaban, dice: "Pensé que era más importante ser alguien allá afuera", la sensación es ineludible de que Eastwood se esté dirigiendo a su propia persona, una inmersión constante en su carrera cinematográfica, incluso cuando dice que modelaba algunos de los hábitos del anciano según su propio abuelo.

La dirección de Eastwood despierta cierto suspenso a finales de los años; no hay garantía de que Earl salga de este lío con vida, ya que el director ha matado a su propio personaje más de una vez en el pasado. El clímax de la historia toma algunos giros y giros que son a la vez melodramáticos e inesperados, y el Earl generalmente prosaico finalmente concluye: "Pude comprar cualquier cosa, menos tiempo".

Pocos hombres importantes en la historia del cine han estado activos durante tanto tiempo (Eastwood hizo su debut en la pantalla hace 63 años), y probablemente ninguno haya tenido a la estrella por encima del título durante tanto tiempo. ¿Y cuántos directores modernos han hecho tantas películas como él? (Spielberg ha dirigido 31 durante un período similar). Eastwood ha hecho algunas películas flojas y demasiado largas a lo largo de los años, pero esta no es una de ellas, y aquí hay vitalidad visual como resultado de la primera colaboración entre el director y el director de fotografía canadiense Yves Belanger. También es fresca y bienvenida la discreta partitura del gran músico de jazz cubano Arturo Sandoval.

Menos molesto e incitante que Gran Torino, pero persuasivamente expresivo al mostrar los lamentos de un anciano junto con su deseo de superarse incluso a una edad avanzada, The Mule muestra que Eastwood todavía lo tiene, tanto como director como actor.


On the Basis of Sex

Ruth Bader Ginsburg, junto a su esposo Martin Ginsburg, cambió el curso de la historia con un singular caso sobre discriminación de género que abrió el camino para la igualdad en los Tribunales.



La humanidad cambia a la humanidad. Es parte del ritmo de la historia. Pero aún más impresionante es cuando un grupo considerado minoritario se encarga de lograr esos cambios, independientemente de quien esté al lado de ellos apoyándoles. Ruth Bader fue una de esas que se animó a gritar por un cambio, no a beneficio de ella, pero a beneficio de quienes reclamaban sus derechos. Para muchos estadounidenses, esta película biográfica jugará más como un cuento de origen de superhéroes a nivel judicial que un drama. A los 85 años, Ruth sigue siendo una de las pocas esperanzas progresivas para evitar que la corte suprema sea consumida por el actual jefe de estado.

On the Basis of Sex es un biopic sobre la vida de la jueza del Tribunal Supremo de los EE. UU., muchos años antes de que pudiese a conocer, e incluso mucho antes de que las mujeres fueran verdaderamente consideradas para posiciones de trabajo como abogadas. Ruth, quien se inscribió en la escuela de derecho de Harvard para entender el trabajo de su esposo, pero se terminó enamorando de la carrera. Después de ser discriminada clase tras clase por el hecho de ser mujer, Ruth resaltó para demostrar de que no solo era capaz de ser abogada, sino también que podía ser una luchadora por los derechos humanos. Esto fue aún más obvio cuando su esposo le presentó el caso de un hombre que se le estaba denegando la deducción de impuestos de enfermería por el hecho de que este beneficio solo lo recibían las mujeres. Aquí no solo tuvo que finalmente pararse en una corte por primera vez sino también enfrentarse a muchos hombres que hasta ese día la habían tratado de denigrar en diferentes formas por su género.

La estrella de cine que interpreta a Kiki de 1956 a 1975 es la actriz británica y siempre valiente Felicity Jones, cuyo acento de Brooklyn no puede competir con el de Justin Theroux, criado en DC, que aporta cierta aspereza a la caracterización de Brusque y Director Legal de ACLU Mel Wulf. El coprotagonista principal de Jones es el batido reinante de la pantalla, Armie Hammer, quien interpreta a su esposo Marty Ginsburg como compañero de ayuda, ensueño, santo a tiempo parcial y abogado de impuestos del crackerjack.

La directora Mimi Leder y el guionista Daniel Stiepleman (sobrino de Ginsburg) encierran todos los incidentes cubiertos por la película en una plantilla familiar de Hollywood, simplificando y glamorizando todo el camino. Esta es una película para personas que piensan que lo peor de "Kiki" Ginsburg, como la llamaban sus amigos y familiares, es que no se parece a una estrella de cine.


El trailer casi convence a la audiencia de que esta película iba a ser un desastre narrativo, casi cayendo en la categoría de los peores trailers producidos en este año; no obstante, la película terminó siendo una sorpresa agraciada. El guion esta bien elaborado, desarrollándose a un ritmo que delata los altos y bajos del personaje y retratando crímenes morales que se vivían en esta época. No obstante, demuestra ser el debut de un escritor.

La película estaba programada para protagonizar a Natalie Portman bajo la dirección de Marielle Heller, una combinación tentadora que, desafortunadamente, no logró ser. Aparte de Portman o quizás de Debra Winger, hace 30 años, es difícil pensar en otras actrices ideales para el papel y, lamentablemente, no es Felicity Jones. El hecho de que se le haya permitido dejar pasar algunas inflexiones vocales notablemente británicas es un punto menor en comparación con su actitud seria y persistente que varía poco. Por supuesto, estos son rasgos que la mujer real tiene en abundancia, pero cualquiera que haya visto el maravilloso documental RBG, estrenado en este año, sabe que hay mucho más para ella que eso, incluido, para empezar, un encantador sentido del humor y una manera astuta y poco convencional que sugiere que siempre tiene algo bajo sus mangas judiciales.

Presumiblemente conociendo a su tía toda su vida, el guionista Daniel Stiepleman comienza su relato en 1956, cuando, ya casada y con una hija pequeña, Ginsburg se convirtió en una de las nueve mujeres de una clase de más de 500 hombres que ingresaron en la Escuela de Derecho de Harvard. ese año. Este es solo el primero de muchos de los momentos más emocionantes que el guión ha logrado obtener, y lo que sorprenderá a las audiencias más jóvenes que no conocen las normas de hace medio siglo.


La película, naturalmente, está estructurada sobre los obstáculos enfrentados y saltados; no obstante, no es más astuta y menos común. Las escenas en sí mismas son perfectamente presentables y los casos en cuestión apenas pueden ser más claros, pero el sentimiento persiste en los puntos marcados, tanto para dar a Ginsburg su A+, como para asegurar que el público recibe una gratificación constante con respecto a su visión de derecha.

Jones se aplica con seriedad y energía para cubrir las bases de la seriedad de propósito de Ginsburg, la frustración inicial de la carrera y la claridad final de la visión de cómo puede hacerse cargo de una identidad importante y un papel público para ella. Pero incluso la exposición moderada a la personalidad de la mujer real revela un lado malicioso, humorístico y juguetón latente que solo se vislumbra momentáneamente en la película, y que solo es presentado por su esposo, quien, a pesar de la infinita simpatía de Hammer, se queda con lo que solía hacer, ser el papel de "esposa" unidimensional.

Kathy Bates es una presencia bienvenida en un excelente cameo como la pionera feminista y líder de los derechos civiles Dorothy Kenyon, mientras que Cailee Spaeny trae una fuerte rebelión a la precoz hija adolescente de los Ginsburg.

El enfoque dramático aquí es claro, eficiente y totalmente sensacional, con poco tiempo para cualquier cosa que pueda distraer el esfuerzo hagiográfico en juego. Su único propósito es ennoblecer y proclamar a una heroína. Pero lo hace otorgando un drama notablemente simplificado.


Welcome to Marwen

Film inspirado en el documental "Marwencol" (2010), que narraba la historia real de Mark Hogancamp, un hombre que tras sufrir un terrible asalto estuvo en coma nueve días, tras el cual se despertó con una amnesia completa. Su única terapia fue construir en su jardín unas maquetas con figuras de soldados de la 2da Guerra Mundial.



Los fanáticos del documental Marwencol (2010) de Jeff Malmberg podrían confirmar comprensiblemente que el relato de la vida real que Robert Zemeckis ha construido ha llamado la atención de manera considerable. ¿Los antecedentes? Abril de 2000, Mark Hogancamp, residente en el estado de Nueva York, quien fue golpeado y dejado a su muerte después de que borracho le contó a algunos clientes del bar donde trabajaba que disfrutaba usar zapatos de mujer. Pasó nueve días en coma y más de un mes en recuperación. El ataque borró efectivamente todos los recuerdos de su pasado y erradicó su adicción al alcohol.

Hogancamp siempre había sido un reconocido ilustrador de la segunda Guerra Mundial, pero desde aquel encuentro que lo dejó con manos temblorosas, se dedicó a la fotografía y así fue que construyó un modelo a escala de una aldea belga ficticia durante la Segunda Guerra Mundial en el patio trasero de su casa y lo llenó de muñecas y figuras de acción restauradas, muchas de las cuales tenían análogos de la vida real. Él bautizó a la aldea como "Marwencol", una combinación de su nombre y dos personas de las cuales estuvo enamorado y le ayudaron a salir adelante de sus problemas físicos e inseguridades: Wendy y Colleen. Luego actuó y fotografió una serie de melodramas imaginados dentro de sus fronteras con un soldado estadounidense, un ejército de mujeres y villanos nazis. Esto lo ayudó a lidiar con su asalto y sus ausentes recuerdos, hasta que un encuentro casual con otro fotógrafo, David Naugle, le dio la oportunidad de mostrar su trabajo en una galería de arte de Nueva York, algo que la película no cuenta con especificidad. Pero todo lo anterior es retratado con mucha altura y sensibilidad sobre el tema.

La publicidad de "Welcome to Marwen" sin duda intenta vender una película genérica y dramática a la vez. Sin embargo, Zemeckis y la co-guionista Caroline Thompson logran equilibrar las demandas de una producción que satisface a la multitud, manteniendo la idiosincrasia de Hogancamp (su afición por los zapatos de mujer es parte integral de su personaje; lo define como una "esencia" en lugar de un "fetiche") así como sus tendencias introvertidas totalmente intactas.

Ayuda que el mismo Zemeckis sea un cineasta muy particular de su estilo, especialmente cuando se trata de asuntos técnicos. La escena inicial de Welcome to Marwen visualiza uno de los elegantes vuelos de Hogancamp cuando su alter ego en miniatura, el capitán de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, Hoagie, se estrella en un avión justo fuera de la ficticia aldea belga. Hoagie fue creado a través de la captura de movimiento, por lo que su rostro tiene ese aspecto de "valle extraño" (Steve Carell, pero suavizado y de plastilina) por el cual muchos críticos y espectadores han golpeado a Zemeckis repetidamente desde sus primeros experimentos de mo-cap en The Polar Express (2004) y Beowulf (2007). No obstante, este resulta ser el mayor atractivo de esta película, creando dos historias paralelas: las aventuras de Hoagie y como él logra ser feliz junto a una mujer durante sus enfrentamientos con los nazis, y un fracturado (física y emocionalmente) Mark que trata de dar la cara en el juicio contra sus agresores y a la vez poder ser protagonista de su propia exhibición sobre Marwen.


El efecto de los muñecos es muy apropiado aquí, como lo fue en su adaptación subestimada de A Christmas Carol (2009), ya que la inmoralidad encaja perfectamente en la fantasía autocreada de Hogancamp, y porque Zemeckis contrasta el sueño terapéutico de su protagonista con su sueño menos complejo: la realidad ideal. Hogancamp es demasiado humano y rápidamente se hace evidente que está utilizando este universo que ha creado sus fotografías de la misma, para ahogar una realidad triste y dolorosa.

Steve Carell y Diane Kruger son los rostros principales que se encargan de que los mensajes de esperanza y aceptación sean bien aceptados por los seguidores de la trama. Zemeckis y Thompson condensan la verdadera historia para lograr un efecto dramático. La muestra de arte de Hogancamp, sus cálculos en la cancha con sus atacantes y su nueva amistad con Nicol (Leslie Mann) ocurren en el mismo lapso de tiempo. Esto refleja la frenética acción en Marwen, donde Hoagie, con su alto nivel de tacones, cuenta con un batallón de mujeres interpretado por Mann, Eiza González, Merritt Wever, Gwendoline Christie, Janelle Monae y Leslie Zemeckis, la esposa del director.

El grupo se enfrenta a una pandilla de oficiales de las SS, que son alteregos de los atacantes de Hogancamp y el abusivo ex novio de Nicol, Kurt (Neil Jackson). Estos nazis nunca quedan muertos, algo que parece ser el trabajo de bruja de Deja Thoris (Diane Kruger), una psicópata que acosa a Mark en su fantasía y realidad.

Como era de esperar, Zemeckis está en casa en las escenas de Marwen, que se deleitan en los anacronismos y en un aura de adolescentes detenidos. La decoración puede ser la Segunda Guerra Mundial, pero eso no impide que las heroínas armadas de Hoagie se pasean por la plaza de la ciudad con "Adicto al amor" de Robert Palmer. Abundan los toques ingeniosos: cada vez que una muñeca muere, se rompe en las articulaciones con un chasquido demasiado suave  o se colapsa en un rigor mortis hilarantemente exagerado. Zemeckis también saquea hábilmente varias filmografías, incluida la suya. La secuencia de batalla climática implica un campanario directamente del vértigo de Hitchcock, una película que el crítico estimable y defensor de Zemeckis, Dave Kehr, ha comparado temáticamente con Marwen. Así mismo, hay una máquina de tiempo improvisada que se asemeja a un cierto DeLorean alimentado con 1.21 gigavatios.


Sin embargo, el VFX no existe en el vacío, pero comenta y se mezcla de manera provocativa con la existencia inadaptada de Hogancamp. Zemeckis no trata las escenas de acción en vivo como respiro o relleno; los usa para iluminar las muchas formas en que la vida de ensueño de su protagonista invade sus terrores y temores verosímiles.

En su abortiva primera visita a la corte, un Hogancamp petrificado imagina a sus atacantes transformándose en los antagonistas nazis de plástico, disparando a jueces y abogados, causando estragos hasta que Hoagie aparece y lo lleva a la seguridad. No menos angustiosas son las escenas en las que la fantasía no se entromete, como cuando Hogancamp confiesa su amor por Nicol y la cámara se mantiene firme mientras se produce un encuentro extremadamente incómodo. Ambas secuencias demuestran la inclinación de Zemeckis y su excelente director de fotografía C. Kim Miles por tomas largas y expresivas que delinean a los personajes.

El único eslabón débil en la producción es Carell como el Hogancamp del mundo real. A menudo exagera los tics de sabio de su personaje y, en el peor de los casos, se acerca a la parodia. Por otro lado, como un juguete plástico macho y sexualmente simultáneo, es perfecto.

El hecho de que esta mitad de la falla no altere completamente la película es una prueba de cómo Zemeckis y sus colaboradores generan los mundos duales de Hogancamp: realidad y arte, siempre en colisión, siempre en combinación. Los aspectos nudosos de la historia reverberan bajo su superficie sentimental y inspiradora. Con el pretexto de un entretenimiento brillante, Welcome to Marwen descubre algunas verdades inquietantemente irresolubles sobre la humanidad.



Bird Box

Cuando algo misterioso diezma la población mundial, solo se sabe una cosa: si lo ves, te suicidas. Malorie (Sandra Bullock) deberá huir junto a sus dos hijos por un caudaloso y traicionero río, rumbo al único sitio que parece ofrecer refugio. Pero para sobrevivir, deberán completar el peligroso viaje de dos días con los ojos vendados.



¿Qué tú harías en un apocalipsis extraterrestre: Sobrevivir o simplemente morir? Al parecer esas son las dos únicas opciones que siempre le dan a los personajes en Bird Box. En esta ocasión, todo es desde la perspectiva de una madre quien debe llevar a dos niños al único refugio que le está abriendo las puertas, pero el camino significa 2 días en bote, con los ojos vendados y teniendo que enfrentarse a las criaturas y los demás afectados que, al igual que ellos, solo quieren sobrevivir.

Previo al apocalipsis, Mallorie era una artista solitaria embarazada después de un "one night stand" con un chico. Debido al embarazo no deseado, todo lo relacionado al bebé le irrita, al punto que la doctora le propone que lo dé en adopción, pero esta opción queda en el olvido cuando las personas a su alrededor comienzan a suicidarse. Ella lo atestigua aún más cuando su propia hermana se suicida frente a ella. Mallorie encuentra refugio junto a otros quienes, al igual que ella, aún no han visto la criatura pero han presenciado como otros reaccionan cuando las ven.

Con el tiempo comienzan a entender que las criaturas son monstruos que se transforman en algo que vuelve loca de tristeza a las personas, que las personas con problemas mentales no tienen actos suicidas pero sí obligan a los más cuerdos a ver a los monstruos, que los monstruos no son visibles para la cámara pero sí para la persona que lo vea, y que la única solución es evitar verlos (y escucharlos).

Personalmente (y habiendo leído el libro Bird Box de Josh Malerman), esta es la película del año que se acerca más a su obra original. Mantiene la esencia, los conflictos y los objetivos que los personajes originales fueron decidiendo a lo largo del tiempo. Por Dios, mantiene hasta los nombres originales, incluyendo a Boy y Girl. Es por eso que, PARA MI, esta película funciona. 


A pesar que muchas personas han querido comparar esta película con A Quiet Place, Bird Box es un thriller apocalíptico, un estilo muy pocas veces utilizado, donde lo más importante no es ser atacado por la criatura o el terror que acecha a las personas, sino la importancia de sobrevivir. Los monstruos, los cuales son invisibles para la audiencia, se comportan como un sentimiento de tristeza, que más que terror, le dan motivos a los personajes de querer suicidarse. A pesar de no tener una forma en específica (para alejarse del género de terror y, por supuesto, mantenerse con la idea que el libro estableció), el simple hecho de que las hojas caídas se muevan en sincronía y cómo las aves se alteran va indicando que el peligro está cerca. Pero aún más importante del género, la película se enfoca en el conflicto interno de los personajes y cómo estos son forzados a cambiar cuando un apocalipsis le toca las puertas. Todos los personajes son relevantes en la historia; los que no, se van eliminando con facilidad, ya sean porque son un obstáculo, o porque no aportan al grupo.

El personaje de Sandra Bullock, Mallorie, es una mujer que ve sus planes a futuro tronchados cuando queda embarazada por accidente. Ella no quería ser madre, y el hecho de estar embarazada no es un impedimento para ella durante la película. Quiere seguir con su vida, aun esto signifique enfrentarse a multitudes corriendo y empujándola, tener que lidiar con sobrevivientes en pánico, dormir en condiciones precarias y buscar comida para el grupo. 


Cuando da a luz (spoiler: no es que ella tiene dos hijos en el apocalipsis, sino que otra mujer embarazada lo tiene al mismo tiempo que ella, pero muere segundos después y Mallorie termina adoptando la pobre criatura), ahora debe jugar no al rol de madre, pero de superiora que los niños deben respetar y seguir en todo momento. No les llama hijos, y ellos no le llaman madre, pero aún más drástico, no les enseña amor maternal y les habla directamente sobre la muerte y los peligros en el mundo (y no tiene nada de malo, en estas circunstancias). Bullock se encarna en un rol en que su frustración de no querer ser madre se han convertido en un escudo que la protege a sí misma y a los niños, pero que para salvarlos al final del día tendrá que demostrarles cuanto los ama y que no desea que nada malo les pase.

Por otro lado, la estructura de la historia está adaptada tal cual se presenta en el libro, haciendo saltos en el tiempo para presentar lo que ocurría al principio, y lo que sucede en el presente. A pesar de que hay cambios narrativos importantes, esto no afecta para que la historia tenga su conflicto claro, los demás obstáculos, el punto medio y los desenlaces dolorosos. Es una estructura muy particular que se había visto anteriormente en el cine, pero que para este tipo de historia representa la respuesta para muchas cuestionantes que va generando la trama.

Desde colores dramáticos, una banda sonora que engranoja, y una fotografía que busca crear tensión y conflicto, Bird Box le hace honor a su género y otorga un melodrama apasionante e intenso, centrado más en sus personajes que en los peligros, y comparando los terrores exteriores a los miedos internos que muchos tratan de ocultar en lo más profundo de sí. 

sábado, 22 de diciembre de 2018

Crónicas de California: Escribir comics


Si creciste en Santo Domingo entre los años 90 e inicios del 2000, tu niñez se basó en novelas para niños, muñequitos de ciencia ficción y Al Compás. Este último era parte importante de mis sábados: una revista para niños con contenido educativo que incluía strips de comics en sus últimas páginas. Yo siempre iba directamente a los comics, que normalmente eran aventuras de Batman, Spiderman o Superman. Esta fue mi primera experiencia con los comics de acción.

Nunca he sido una gran fanática de las películas de Marvel o de DC, debido a que he leído los comics y siempre he reconocido que la experiencia nunca será igual, independientemente de que las adaptaciones siempre tienen cambios o que no es el mismo formato. Simplemente no será lo mismo para mi: siempre voy a preferir los comics. Pero a medida que pasan los años y leo más comics, me he alejado de los de acción y he encontrado cierto comfort en otros: fantasía, drama, comedia e incluso terror. Entre los libros y los comics han sido muchas las lágrimas que he derramado. 

Cuando comencé esta maestría, lo que menos esperaba es que mi niñez se convertiría en una de mis áreas de trabajo. ¡Los guionistas son también productores de comics! Y mucho campo que hay para este tipo de trabajo debido a que es bien "freelance". Pero lo que más me ha sorprendido es la cantidad de personas que siguen pensando que los comics son solo para niños... ¡Pues déjenme decirles que no! Están para todo público, desde los más infantiles hasta aquellos con gráficas de contenido para adultos. 

Los comics son un mercado seguro de producción porque siempre tendrá audiencia. Pero aún más importante, siempre tendrá escritores. Y aquí les comparto por qué:

1. No necesitas un programa en específico para escribir comics: Si tienes word, Pages e incluso las notas, puedes hacer un guion para comics. Sí tiene una estructura y estilo en específico, pero esto no es impedimento de programas, sino más un estilo preferencial por muchos guionistas. Lo más complicado siempre será encontrar un artista o ilustrador.

2. La gran variedad de géneros: Al igual que las series de televisión, las películas y hasta los videojuegos, los comics tienen toda una variedad de géneros y estilos. Los más populares son los de superhéroes, pero también están los dramas y romances, como Local y Play Ball; de terror, como The Walking Dead; de fantasía, como The Hunt; de thriller, como Collin Hill; manga, como Spirited Away y Blue Exorcist; los strips como Mafalda, Garfield y Peanuts; y así continúa la lista. Un dato importante es que los comics se clasifican en miniseries, novelas gráficas, manga, strips y series continuas. Yo he encontrado cierta comodidad escribiendo el mismo estilo que escribo en guiones para cine y TV: thrillers, dramas o comedias negras. 

3. El lenguaje se adapta a la audiencia: Sí, hay muchos comics para niños, pero así también hay muchos para adultos. Ninguno de los comics que yo leo los podría leer un niño, por el contenido adulto y los gráficos que posee. Uno de mis favoritos se llama Sex Criminals, sobre una pareja que cada vez que están teniendo relaciones sexuales, el tiempo se detiene... exacto.

4. Su publicación es mucho más fácil: Debido a que los comics tienen un mercado muy específico, hay publicistas que son exclusivamente para cómics. Además de Marvel y DC, también están IMAGE, Dark Horse y Top Shelf. Y si no lo puedes imprimir, también está la opción de venderlos online con Amazon Publishing, Tumblr y Liberty Hill Publishing.

5. El guionista controla todo: Los guionistas hemos sido excluidos de todas las áreas donde entregamos un guión... con excepción de los comics. Este es el único espacio donde verdaderamente controlamos todos los aspectos de la producción del comic, desde cómo se verán los dibujos/paneles, el arte de los personajes, los diálogos finales y hasta los colores.

Actualmente estoy escribiendo mi primera miniserie de cómics, la cual se estará publicando el próximo año. Lo que más me emociona es que es un trabajo que estoy haciendo en conjunto con mi hermana y ¡que parte de mi primera franquicia! Pero eso es una conversación para otro día.

jueves, 20 de diciembre de 2018

Mary Poppins Returns

Mary Poppins vuelve para ayudar a la siguiente generación de la familia Banks a encontrar la alegría y la magia que faltan en sus vidas después de una trágica pérdida. La niñera viene acompañada de su amigo Jack (Lin-Manuel Miranda), un optimista farolero que ayuda a llevar la luz -y la vida- a las calles de Londres.



Es verdad que Julie Andrews siempre será la niñera favorita de la generación de jóvenes de los 60 y los 70, pero deja en buenas manos el papel de Mary Poppins a Emily Blunt, una actriz que no solo sabe llenar muy bien los zapatos y el sombrero, pero también que le permite a los demás personajes tener su momento de protagonismo, aunque muchos sabemos que Mary Poppins pudo haber resuelto todo con los ojos cerrados.

En esta secuela, la familia Banks está enfrentando la demanda del banco de abandonar la casa en cinco días. Mientras Michael y Jane tratan de encontrar los títulos de propiedada que les asegurarían salvar la casa, los niños de Michael son descuidados a pesar de su madurez casi paternal entre ellos mismos. Ahí es donde entra Mary Poppins, quien regresa no solo con el plan de cuidar a los niños pero a la vez recordarles la felicidad que su niñez necesita. Esto significa baños con delfines, visitas a decoraciones de cerámica pintadas, y bailes callejeros con los faroleros.

Manteniéndose cerca de la plantilla del clásico perdurable a la vez que inyecta un montón de frescura para darle al seguimiento su propia vitalidad de reprobación, esta producción cuidadosamente elaborada ofrece nostalgia y novedad. Idealmente lanzados de principio a fin, y adornados por las melodiosas canciones de Marc Shaiman y Scott Wittman que genuflexionan las valiosas contribuciones de Sherman Brothers en Mary Poppins , este es un encantador que solo los cínicos podrían resistir.


El director Rob Marshall ha estado mejorando su pantalla musical de buena fe durante la mayor parte de las dos décadas, anotando éxitos populares como Chicago e Into the Woods. Ese rango de experiencia, más el historial de Marshall como artista teatral, coreógrafo y director, da sus frutos en su primer musical original concebido para la pantalla, lo que podría decirse que es su película más lograda hasta la fecha.

Ya sea que esté explotando en números de producción a gran escala o acercándose a escenas íntimas de una familia en crisis, la continuación cautivadora al adoptar una fórmula de Disney consagrada por el tiempo que combina la alegría y la imaginación de la niñez con una capa subyacente de la melancolía. Su antiguo y honesto sentimentalismo te hará sonnreir y llorar a la vez, todo lo que debería hacer que esta sea una entrada familiar ganadora para los días festivos y un favorito de repetición de visitas en los próximos años.

Con un toque de clase que proporciona una evidencia temprana de cuán seriamente el equipo creativo toma la herencia de su material original, los títulos iniciales sobre pinturas al óleo de Londres están inspirados en la obra del célebre artista de Disney Peter Ellenshaw. Pero hay tanto aquí para atraer a las audiencias jóvenes que no están familiarizadas con la historia de la propiedad como a los veteranos para quienes ocupa un lugar especial entre los recuerdos de la infancia.


Marshall se vuelve a reunir con el director de fotografía Dion Beebe para darle a Mary Poppins Return un espléndido brillo de pantalla ancha, pero las contribuciones artesanales más indispensables son de parte del diseñador de producción John Myhre y la diseñadora de vestuario Sandy Powell. La elegante integración de las ubicaciones físicas de Londres con conjuntos de estudio y elementos de CGI permite mercados bulliciosos y calles empedradas envueltas en niebla; el escenario es la década de 1930, previo a la guerra, durante el período en que los británicos se refirieron a "La Gran Depresión". Y, naturalmente, hay desvíos de fantasía vibrante como una travesía en el mar o una excursión a un parque de acuarela, una de las muchas secuencias que reflejan directamente la película anterior, en la que los personajes de carne y hueso están inmersos en los hermosos pasteles de un Dibujado a mano, mundo animado en 2D con animales que hablan.

El uso audaz de una caja de colores continúa en los disfraces de Powell para mejorar el carácter. Su referencia más cercana a la Mary Poppins original es el abrigo azul brillante y el sombrero de viaje en el que la enigmática y temporal niñera desciende del cielo, enganchada de su paraguas a una cometa fugitiva familiar y se posa en Cherry Tree Lane como si simplemente estuviera saliendo de un autobús.

Esa entrada establece a Emily Blunt desde el principio como una digna sucesora de Julie Andrews. Con su dicción nítida, su postura recta y su aire sensato, rápidamente descarta las miradas boquiabiertas y las preguntas desconcertadas de sus cargos anteriores, los ahora adultos Michael (Ben Whishaw) y Jane (Emily Mortimer). Hay vanidad acicalada debajo de la autoridad de Blunt, pero también un calor inconfundible cuando ella califica recientemente a los tres hijos de Michael: los gemelos precoces John y Annabel (Nathanael Saleh, Pixie Davies) y su más impresionable hermano menor, Georgie (Joel Dawson).

El riesgo de que una familia sea expulsada de su querido hogar tiene el potencial de tornar una historia sombría, pero hay un toque de ligereza cuando las aventuras de Mary Poppins y los niños convergen gradualmente con los esfuerzos de Michael y Jane para encontrar una prueba contratiempo. El ingrediente clave que lo hace tan desarmado es la forma discreta en que Mary Poppins usa las alas de su ángel. Al guiarlos sutilmente en la dirección correcta, ella ayuda a los Banks a rescatarse a sí mismos. Blunt logra que la mezcla muy inglesa del personaje sea exactamente la correcta, junto con el equilibrio de dulzura y la superioridad de lengua ácida. Su actuación es una delicia.


Mary Poppins es asistida en cada paso por su viejo amigo Jack (Lin-Manuel Miranda), un tipo que enciende y apaga las farolas al comienzo y al final de cada día, y una vez fue aprendiz de barredora de chimeneas. El rol de Jack como el heredero espiritual de ese personaje de Dick Van Dyke (con un acento de Cockney un poco más convincente) se desprende de su número de apertura, "Underneath the Lovely London Sky", que establece la escena con un vívido sentido del lugar y una pizca de magia cotidiana. Miranda fue el comodín aquí, pero el creador de Hamilton encaja a la perfección, con un estilo agradable y un brillo en sus ojos que lo hacen tan fascinado por las locas habilidades de Mary Poppins como los niños.

Miranda encabeza el atractivo número central de la película, una contraparte directa de "Step in Time" en la azotea de Bert, llamada "Trip a Little Light Fantastic", que se realiza con un gran coro de compañeros de Jack en bicicletas, empuñando las escaleras que usan en el trabajo. 

Meryl Streep saca el máximo provecho de su gran momento musical, como Cousin Topsy, una mujer arregladora de cabello flamígero de origen indeterminado de Europa del Este, que es una combinación perfecta para el tío Albert de la primera película. Cuando la risa incontrolable lo hizo flotar hasta el techo, los problemas de gravedad de Topsy están determinados por una peculiaridad de su taller de reparaciones. Eso da lugar a "Turning Turtle", una polka de sabor ruso que proporciona el hilarante espectáculo de Streep brillando alrededor de una araña invertida.

Y a pesar de que muchos están esperando canciones del clásico de los 60, como el estridente "Supercalifragilisticexpialidocious", estas nuevas canciones están tan llenas de personalidad y humor, y reverenciales sin ser serviles en su adhesión a los patrones musicales de la primera película. Desde "The Royal Doulton Bowl", lleno de juegos de palabras "maravillosos, místicos, bastante sofisticados" hasta las memorables "Feed the Birds" y "The Place Where Lost Things Go".

Junto con Blunt y Miranda, quienes llevan la película con carisma, Whishaw merece una mención especial por una actuación tremendamente conmovedora cuando un hombre roto que aprende a vivir de nuevo lentamente. Mortimer tiene menos que hacer, pero aporta una suavidad atractiva, que proporciona tejido conectivo con su madre sufragista tardía a través de su participación en sindicatos y comedores populares. También hay un romance incipiente entre Jane y Jack. 


Julie Walters es divertida como la ama de llaves de larga data de los Bancos. Del mismo modo, David Warner y Jim Norton como oficial naval retirado y su primer compañero, los excéntricos vecinos de Cherry Tree Lane, continuaron con la primera película. Firth es adecuadamente malvado, flanqueado por secuaces legales de policía bueno / policía malo interpretados por Kobna Holdbrook-Smith y Jeremy Swift.

Finalmente, los fanáticos de la película original se entusiasmarán con un cameo extenso de Van Dyke al final de la acción, con solo dos pasos, nada menos, mientras que la insustituible Angela Lansbury aporta su singular gracia, sabiduría y compasión con un pequeño pero significativo papel como la vendedora de globos. Ella lidera un número de conjunto completo llamado "Nowhere to Go but Up", un canto a las maravillas de la infancia a cualquier edad, y una nota de cierre apta para esta delicia completamente entretenida de una película.

Sin dudas, esta es una de las mejores producciones de Disney de este año. Es nostálgica, divertida y sobretodo colorida, recordándonos esos buenos momentos que Mary Poppins siempre logró, dejando a un lado la realidad y dándole alas a la imaginación. Ahora... ¿qué pasó con el tazón que Meryl Streep estaba reparando?

Spider-Man: Into the Spider-Verse

En un universo paralelo donde Peter Parker ha muerto, un joven de secundaria llamado Miles Morales es el nuevo Spider-Man. Sin embargo, cuando el líder mafioso Wilson Fisk (aka Kingpin) construye el "Super Colisionador" trae a una versión alternativa de Peter Parker que tratará de enseñarle a Miles como ser un mejor Spider-Man. Pero no será el único Spider Man en entrar a este universo, 4 versiones alternas de Spidey aparecerán y buscarán regresar a su universo antes de que toda la realidad colapse.



Justo cuando pensaba que ya Marvel había superado la idea de estrenar nuevos "Spider-Mans", aparece una película con la idea de decirnos que no es suficiente. No importa si eres team Andrew, team Toby o team Tom, esta nueva película del superhéroe arácnido te hará valorar más los comics. De cualquier manera, el brillo de la nueva y animada película de Sony "Spider-Man: Into the Spider-Verse" se muestra en la capacidad del proyecto para reiniciar y expandir todo lo que ha llegado antes, creando un mundo inclusivo donde casi cualquier persona puede ser el superhéroe.

Para hablar de esta película, uno debe utilizar el lenguaje técnico: con una dirección a cargo de Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman, Spider-man into the Spider-Verse aplica el aspecto revista comic con detalles de impresión en cuatro colores a sus personajes animados en 3D. El efecto es fresco, como un arte callejero con textura intrincada en puntos de semitono y acentos dibujados a mano para categorizarlo como un cómic clásico que ha cobrado vida. Contra esta audaz estética visual, combinada con una vibrante puntuación de hip-hop, Phil Lord y Rodney Rothman dejan a un lado a Peter Parker y se enfocan en su sucesor: Miles Morales.

Hijo adolescente de un policía afroamericano y una enfermera puertorriqueña, el personaje de Miles Morales apareció por primera vez en 2011 como una forma de diversificar el universo Marvel. Mirando a la mosca en un traje Spidey negro y rojo modificado, Miles cuenta con todos los mismos poderes: súper fuerza, velocidad aumentada, sentidos intensos, tela arácnida y rastreo de la pared, además de algunas habilidades adicionales, incluido el "ataque del veneno" (la capacidad de sorprender a sus adversarios) e invisibilidad (mediante la cual puede camuflarse bajo presión). Pero a diferencia de la "pantera negra" más abiertamente politizada de este año, que trató a la identidad wakandana como una especie de súper empoderamiento, "Spider-Verse" considera que los antecedentes de Miles no son un problema. Una vez más, lo mejor es que cualquiera puede ser Spider-Man, y esa es una idea revolucionaria para una generación de niños ansiosos por identificarse con el superhéroe más popular de Marvel.


El genio de "Spider-Verse" no se detiene allí. Presentada en un divertido paquete cómico de la cultura pop, la película expande efectivamente el control de Sony sobre el personaje de Spider-Man para incluir un número potencialmente ilimitado de proyectos derivados, el primero de los cuales - una entrega centrada en la feminidad con todas las mujeres de El mundo de Spidey, ya ha sido anunciado, con innumerables permutaciones por venir. A partir de aquí, Sony puede dividir y cortar el llamado Spider-Verse (un concepto de cómics en el que Marvel intentó unir las muchas versiones diferentes del personaje de Spider-Man) para la diversión infinita de los espectadores y la remuneración infinita del estudio.

Cuando Miles sigue a su tío renegado Aaron por un túnel sombreado del metro, es picado por una extraña araña. Al día siguiente en la escuela, está lidiando con los mismos síntomas que tuvo Peter Parker después de su aracno-encuentro, haciendo que las cosas fueran incómodas con Gwen Stacy, la nueva niña en la escuela y la primera de varias Spideys de dimensión alternativa, que también incluyen a un viejo Peter Parker, un Spider-Man Noir, al estilo de anime Peni Parker y Spider-Ham.


Aventurándose de regreso al sitio de la mordedura, Miles espía al "real" Spider-man tratando de salvar al mundo de Kingpin quien está tratando de abrir las puertas a universos paralelos. Se queda el tiempo suficiente como para presenciar a su héroe de cómic, no solo enmascarado sino también asesinado, allanando el camino para que este tímido adolescente se ponga el traje de su héroe, que, convenientemente, está disponible por docena en una tienda de disfraces operada por un tipo que se parece mucho al difunto Stan Lee.

Aquí, los villanos son más o menos familiares, pero se ven muy diferentes de las representaciones que los fanáticos probablemente tengan en mente. Kingpin, un gran goliat calvo con un motivo personal para abrir un portal a otras dimensiones. Kathryn Hahn pone su propio giro loco en un tipo de científico loco con un alter ego inesperado. Prowler aparece como una silueta púrpura encapuchada con brillantes garras de metal, mientras que las interpretaciones turbo-cargadas de Tombstone y Scorpion completan la galería de los malvados.

Las películas de superhéroes tienden a sentirse abarrotadas cuando están llenas de demasiados villanos, aunque "Spider-Verse" esencialmente lo requiere, ya que la película tiene suficientes Spider-seres para formar su propio equipo de fútbol. Es perfectamente divertido observar a estos excéntricos héroes alternos bromeando entre ellos acerca de su origen, de dónde vienen y cómo llegaron allí. 


Todo esto es para decir que la escritura de la pantalla es más fuerte cuando proporciona detalles de personajes vivos, pero las marcas de ejecución siempre que se supone que esas personas maravillosamente desarrolladas luchan. A excepción de una persecución escénica de alta velocidad a través de las copas de los árboles fuera del laboratorio de Kingpin, que se ha trasladado desde el conjunto subterráneo anterior al estado de Nueva York, variando efectivamente la visión de Spidey pasando por los rascacielos que sirven como su hábitat natural, la acción tiende a sentirse torpe y sobre estilizado.

Puede parecer atrevido matar a Peter Parker, pero en un escenario en el que el continuo espacio-tiempo está en constante cambio (lo que provoca un efecto de "falla" salvaje que combina los muchos estilos de la película a la vez), se supone que todas las muertes son reversibles. Irónicamente, el sentido del humor posmoderno del guión es tan hábil con las fórmulas de cómics que uno no puede evitar sentirse decepcionado cuando la trama recurre posteriormente a los mismos clichés.

Por ejemplo, puede ser entretenido llamar "goober" al dispositivo USB que desactiva el supercolector de Kingpin, pero eso no borra el hecho de que la película opta por reciclar este dispositivo cansado. Y demasiadas veces, a mitad de la pelea, algo grande y pesado cae de la nada para golpear a estos malos en la cabeza. Al final, mientras que el ingenio de la película es su punto de venta más satisfactorio, "Spider-Verse" resulta demasiado inteligente por su propio bien. Pero en este universo, donde las audiencias sufren el fenómeno muy real de la sobrecarga de superhéroes, se debe alentar la ambición y la originalidad, especialmente cuando amplía la mitología para incluir a mujeres, personas de color, e incluso animales.


Bumblebee

Tratando de escapar, en el año 1987, Bumblebee encuentra refugio en un depósito de chatarra en una pequeña ciudad en la costa Californiana. Charlie (Hailee Steinfeld), a punto de cumplir 18 años y tratando de encontrar su lugar en el mundo, descubre a Bumblebee, dañado durante una batalla y descompuesto. Cuando Charlie lo revive, aprende rápidamente que éste no es un VolksWagen amarillo normal.



Cuando se discutió por primera vez la noción de un spin-off de Bumblebee, seguro que los fanáticos asumieron que sería más de lo mismo. Pero después del estreno del primer trailer, las expectativas cambiaron. La idea de una película sobre los Transformers en la década de los 80 que mostraba breves visiones de los diseños de la 1ra Generación y el conmovedor trabajo de los personajes, comenzó a generar la esperanza de que la película finalmente podría ser la que los fanáticos siempre han estado esperando.

Así que es un alivio increíble decir que Bumblebee supera todas las expectativas y ofrece una película fantástica y emocionante que se ubica como la mejor película de Transformers de live action hasta la fecha.

Bumblebee toma lugar 30 años antes de los eventos de la primera película de Transformers, cuando Bumblebee llega al planeta Tierra refugiándose de los Decepticons. Allí termina en la forma de un carro Beetle. Unos meses después, termina en el garage de Charlie una chica que vive desconectada de su familia debido a los nuevos integrantes, y que con el tiempo sufre el tormento de la pandilla habitual de niñas malas en la escuela, pero lo que agrega tanta conmoción es que está sufriendo todas estas cosas debido al fallecimiento de su padre. Cuando Charlie descubre la verdadera forma de Bumblebee, la amistad que forman entre ellos se ve en peligro cuando los Decepticons le siguen el rastro y llegan a la tierra con planes de una posible invasión extraterrestre.

Si creciste con Transformers, los primeros cinco minutos te harán querer saltar del asiento y saltar con alegría. El director Travis Knight esencialmente levanta las imágenes desde el inicio del piloto de dibujos animados para mostrar la guerra en Cybertron, y de inmediato elimina cualquier temor. Es una declaración que deja en claro el amor de Knight por la tradición, pero también que está poniendo su propio sello en la película desde un punto de vista visual y en la forma en que se dispara la acción.


Se acabaron los diseños borrosos e indiscriminados de Bay y, en cambio, tenemos los colores atrevidos y las caras reconocibles al instante de esos personajes tan queridos desde la infancia. Vemos que Soundwave y Shockwave lideran la carga de Decepticon como se ve en el tráiler, por lo que revelar más podría arruinar la sorpresa. Sin embargo, un momento destacado es poder ver a Optimus Prime en acción.

Los eventos pronto se desploman en la tierra, donde nos presentan los Burns de John Cena, cuyo ejercicio de entrenamiento se ve interrumpido bruscamente por un rumor robótico, dejándolo marcado de más maneras que uno. Agrega un poco más de profundidad al estereotipo militarista habitual y Cena (quien construyó una carrera de actuación con papeles de apoyo sólidos) interpreta bien los matices y la ira del personaje, generando simpatía en lugar de ser simplemente "el chico malo" a la raíz.

Sin embargo, el corazón de la película se centra en la relación entre Bumblebee y Charlie (Hailee Steinfeld), y es aquí donde sobresale la película. Poner la película en los años 80 le da más espacio para respirar en términos de la narrativa y el desarrollo del personaje. La acción tiene lugar en un suburbio de una ciudad pequeña, un escenario básico para algunas de las mejores películas de esa década, y la película tiene sus numerosas influencias con orgullo en la manga, siendo ET el más destacado.

Al igual que Travis Knight hizo con su hermoso trabajo de animación en Kubo And The Two Strings, aquí deconstruye y reconstruye la idea de familia y las relaciones con un poder desgarrador. El vínculo que Charlie forma con 'Bee' se vuelve tan fuerte que es casi imposible no derramar una lágrima (o varias), incluso por la forma en que ella toca su cara puede hacerle a cualquiera un nudo en la garganta. Es un testimonio tanto de la actuación de Steinfeld como de la dirección de Knight que pueden darle nueva vida al adorable bot amarillo.

Por su parte, Bumblebee es uno de los personajes más comletos de esta pelicula. No solo responde a muchas cuestionantes de su participación en las películas de Transformers (como la razón por la que termina en la forma de un Camaro, y por qué no habla), también cautiva a la audiencia con su personalidad y sus intenciones de proteger a los suyos sin importar si esto significa su propia muerte.


Por supuesto, también hay mucha acción y espectáculo, pero la decisión de mantener el número de Transformers y personajes humanos en un puñado agrega esa inversión tan necesaria a las emociones de la película. Y, como se mencionó anteriormente, los flashbacks a Cybertron, que ocurren en un lienzo mucho más grande de lo que hemos visto antes, son impulsados ​​por la alegría de ver (y escuchar) a los robots originales como siempre han querido los fanáticos.

Por razones narrativas, hay dos nuevos Decepticons añadidos a la refriega, que pasan la duración de la película a la altura de ese mismo nombre. La pareja representa una amenaza real para la búsqueda del gato y el ratón de Bee, sin caer en algunos de los estereotipos anteriores (y desafortunados) que han obstaculizado las películas anteriores de Transformers. Ayuda que su introducción vea un encuentro bastante brutal con un Autobot icónico, un guiño al trauma de fuerza contundente que la película de 1986 infligió a muchos de nosotros cuando éramos niños, cuando la mayor parte de la alineación original fue aniquilada para dejar espacio a nuevos juguetes. 

Sin embargo, los huevos de Pascua no se detienen allí, ya que la película está repleta de referencias, pero dado que todos han terminado con afecto, no se sienten forzados o discordantes. También hay una calidad muy real dada a la configuración de los años 80, que es casi subestimada en Bumblebee en comparación con la mayoría de las representaciones.

Por supuesto, la banda sonora es un regalo de la época, pero todavía hay adolescentes en todo el mundo que encuentran consuelo al escuchar a The Smiths para lidiar con la angustia y la soledad, y es genial pensar que toda una nueva generación podría encontrar su camino con gran parte del playlist de esta película. Mientras tanto, el puntaje de Dario Marianelli agrega una pequeña fusión del sintetizador de estilo John Carpenter a los procedimientos, lo que se suma a la riqueza de la película de una manera sutil.

Bumblebee es un éxito en muchos niveles, con contenido que pueden disfrutar las audiencias jóvenes, aquellos que han crecido con las películas de Michael Bay, así como los fanáticos originales. Es sin duda un alto empuje para la franquicia, equilibrando la acción con el drama con gran efecto. Y mientras que algunas de las comedias no llegan a aterrizar, lo más probable es que estés demasiado ocupado con las escenas de acción para preocuparte por un par de chistes.



Aquaman

Cuando Arthur Curry descubre los planes de su medio hermano con atacar la superficie, emprenderá el viaje de su vida en esta aventura que no sólo le obligará a enfrentarse a quién es en realidad, sino también a descubrir si es digno de cumplir con su destino: ser rey, y convertirse en Aquaman.



Si la decepción de las anteriores películas sobre el universo de DC te están convenciendo de no ver Aquaman, te recomiendo a que dejes a un lado la negatividad, porque aunque sea difícil de creer, podría sorprendente. Y mucho.

Basada en el personaje creado por Kurt Busiek y Jackson Guice, narra la historia de Arthur Curry, hijo de un humano y una atlante (ser proveniente de Atlantis). A su joven edad, fue criado por su padre después de que su madre fuese obligada a regresar a su tierra. Pero esto no fue el fin de los poderes que Arthur recibió de nacimiento, desde comunicarse con los animales y seres acuáticos, su fuerza sobrenatural, su velocidad al nadar, sus técnicas de supervivencia bajo el agua, y aún más importante, el hecho de que es el verdadero heredero en el trono.

Mientras fue creciendo, se fue enfrentando a los peligros que sus poderes le fueron agregando, hasta el punto de que su medio-hermano decidiese enfrentar la superficie terrestre con el plan de devolverle a Atlantis lo que realmente merece. Arthur por su parte deberá encontrar el tridente de Atlan (el primer rey de Atlantis) y enfrentarse a su hermano, para poder ser coronado como rey. A pesar de su renuencia a ser parte de esta guerra submarina que su medio-hermano está desarrollando, Arthur decide encontrar el tridente solo para realmente saber la verdad de lo que le ocurrió a su hermano y los peligros que se esconden en el fondo del mar.


Aquaman se comporta como una versión más pequeña de Wonder Woman. Arthur es todo lo opuesto a Diana: está negado a ser parte de su destino y a involucrarse en los problemas que su medio-hermano ha provocado; no es hasta su primera batalla que se da cuenta que es la última alternativa que le queda para poder salvar a su padre y quienes verdaderamente le importan. Jason Momoa le otorga a la audiencia un personaje un tanto diferente al que se vio en Justice League, demostrando sus complejos, sus verdaderos talentos y, aún más importante, su personalidad. Momoa no solo le da a la audiencia una razón para asistir al cine solo entre amigas, sino también un entretenimiento sin ataduras y un personaje que presenta un arco necesario para ganarse el trono de Atlantis. Es divertido, es honesto y es acomplejado.

Sin embargo, Arthur fue el único personaje interesante de toda la película, pues los villanos fueron muy débiles. Por un lado, Black Manta (quien por un momento pensé que había dicho Black Panther) sí tiene una "razón" por la que odiar a Arthur; sin embargo su actitud y sobretodo su poca fuerza lo hacen un enemigo fácil de eliminar. A pesar de la batalla que le dio en las escenas en Italia, era obvio que algunos de esos tantos equipos que recibió por parte del rey de Atlantis no serían suficiente para derrotar a Arthur. Por otro lado está Orm (o mejor conocido como Ocean Master...), quien se comportó el resto de la película como un niño quejumbroso que quería demostrar ser el mejor pero nunca lo podrá ser por el simple hecho de su actitud frente a todo el mundo; no solo será odiado por los reinos del mar, sino también por la audiencia, y no en el sentido de "wow, que villano más cruel", sino será visto como el niño mimado que hace demasiada bulla pero no podrá llegar a ningún lado.

Otra queja de la que no se escapará esta película es la relación forzada de Aquaman y Mera, pero esto se debe a que la historia se enfocó tanto enn el objetivo de aquaman que cuando trataba de volver a enfocarse en estos dos personajes, no se sentía natural, y no se debe a que Aquaman y Mera no deberían estar juntos 


A pesar del empobrecido fondo para recrear el mar, las escenografías de fueron el verdadero atractivo de la historia (más Aquaman). Desde las calles de Sicilia (Italia) hasta los interiores de las pirámides  en el desierto de Sahara y el universo avanzado en Atlantis y los demás reinos en el fondo del mar. A esto también se le suma el diseño de vestuario y maquillaje, sobretodo en las distintas criaturas y seres acuáticos, y no se puede dejar de mencionar el vestuario final de Aquaman, inspirado en el personaje principal de los comics que muchas personas adoran. Y por supuesto los efectos visuales en las batallas, en especial por las referencias visuales que hicieron. Por ejemplo, el set piece de la pelea en Sicilia hace referencia a una de las carreras en Tintin; la introducción de Atlantis en la superficie hace referencia a la película animada de Disney Atlantis. Tampoco se puede dejar de mencionar algunos detalles casi minúsculos agregados a la película, como el cameo de la muñeca Anabelle en el fondo del mar, y la presentación del famoso Kraken.

En pocas palabras, Aquaman es una película entretenida. A pesar de los múltiples hoyos narrativos y lógicos que tiene la historia, es una mejor presentación de las antecesoras de este universo, haciendo una majestuosa introducción de Jason Momoa como este increíble superhéroe y enfocándose única y exclusivamente en él. Y siendo bien honesta, no me quejo para nada sobre esto.