Crítica Cinéfila: Sputnik

El único superviviente de un enigmático incidente de una nave espacial no ha regresado solo a casa, escondiéndose dentro de su cuerpo una criatura peligrosa.

 

Alien de Ridley Scott dejó un gran impacto en el horror ambientado en el espacio. Es difícil no incumplir y ceder ante Alien cada vez que hay un extraterrestre particularmente desagradable en el horror, especialmente si hay una escena de entrada. Aunque tan solo un 5% de la película toma lugar en el espacio, "Sputnik" intenta contrarrestar las constantes comparaciones con una presentación de personajes en el planeta Tierra y proyectado en la monótona sombra de la Guerra Fría. Y aunque la criatura y su monstruoso monstruo devorador de hombres es uno de los mejores sazones de la trama, el verdadero grosor de Sputnik se apoya en un drama interno entre los personajes.

Tatiana Yurievna (Oksana Akinshina) es una joven doctora apasionada, pero su voluntad de ir más allá de los límites de la práctica médica ética provocó una investigación que probablemente resultará en la revocación de su licencia. La controversia llama la atención del oficial militar Semiradov (Fedor Bondarchuk), quien recluta a Tatiana para evaluar un caso único en un centro de investigación secreto fuera de Rusia. Ese caso se centra en el cosmonauta Konstantin Sergeyevich (Pyotr Fyodorov), el único superviviente de un misterioso incidente espacial que, sin saberlo, lo dejó con un parásito extraterrestre que vive dentro de él y deja su cuerpo cada noche mientras está inconsciente.

En esta ocasión es Tatiana quien cuestiona si las decisiones que están tomando los oficiales son las correctas, donde será expuesta a la preferencia de poder controlar a la criatura y poder separarla definitivamente de Konstantin con el fin de entrenarla como arma letal, sin importar que esto podría ser letal no solo para la raza humana a nivel general, sino también para la misma criatura que lo más probable no pueda sobrevivir sin su portador. En medio de esto, Tatiana crea un vínculo con Konstantin que no solo le ayudará a comprender el pensamiento del parásito sino también cómo poder hacerlo no letal.

El guión de Oleg Malovichko y Andrei Zolotarev está mucho más interesado en conocer a Tatiana, sus métodos poco ortodoxos y su impulso, y su conexión lenta con Konstantin que en ver al extraterrestre en acción. Lo que significa que el tiempo en pantalla del extraterrestre es mínimo en comparación con la búsqueda mesurada de Tatiana por la verdad. Es una pena porque la película cobra vida cada vez que la criatura sale de la boca de Konstantin, ya sea destripando una presa o sintiendo curiosidad por su nuevo hábitat. 

Una vez que Tatiana recupera el enfoque, la película vuelve a la meditación silenciosa durante largos períodos. Sin embargo, y al ser un ritmo relativamente diferente al que la audiencia de ciencia ficción está acostumbrado, la trama exige una paciencia mayor. No se trata de la típica historia sobre un ser extraterrestre que ataca humanos, sino de la supervivencia y adaptación a los cambios. Y esto no solo se explora desde el punto de vista del parásito, sino desde la misma Tatiana teniendo que asumir este caso especial, y desde los mismos oficiales quienes tienen que adaptarse a los métodos impulsivos de ella para poder obtener algunas respuestas.

De manera muy particular, es importante distinguir las escenas del extraterrestre, el cual a pesar de haber sido completamente en CGI, la sutileza de sus efectos visuales son reconocibles y no se esfuerza por ir más allá para evitar caer en lo increíble. Se ve aplausible, al igual que todos sus ataques sangrientos, y aunque soy muy fanática del gore y la mutilación en el cine, las pocas escenas mostradas son suficientes gracias a su calidad visual.

Dirigida por Egor Abramenko, "Sputnik" está impresionantemente filmada, incluso con su ambientación simplista de los 80. El hecho de que los humanos sean personajes reservados que mantienen sus emociones ocultas en el fondo del ceño fruncido solo mejora el estado de ánimo frío y distante de la película. Ese es el punto. Por muy estimulantes que sean los momentos de las criaturas, esta película existe más como un comentario sobre la época y cómo da forma al descubrimiento de un extraterrestre que se apega a una figura pública. 

La misión espacial de Konstantin que dejó a su compañero muerto nunca se explica al igual que lo que luego ocurre con el caso por el cual Tatiana está siendo juzgada, pero su país natal necesita tanto héroes para levantar la moral que esto no importa. Para no robarle a Rusia un héroe, se muda a una instalación fuera del país con la intención de evitar que la entidad parasitaria empañe un ícono de esperanza. Gran parte de "Sputnik" se trata de lo que no se dice y de leer entre líneas, como los pasados individuales de Tatiana y Semiradov, y su relación más allá de lo que parece a simple vista, pero la película espera su momento para quitar sus capas. Ese distanciamiento hace que vuelva tenso encontrar el punto principal de la película. Tatiana es el centro de la base, pero hay algunos hilos de la trama e ideas en el drama que nos obligan asumir a otro como el protagonista de la historia. Es una estructura oriental, particular y con un enfoque más allá de lo considerado tradicional.

Las expectativas al entrar jugarán un papel fundamental en la recepción. Aquellos que entren sabiendo que es un estudio de carácter meditativo a través de una pieza sutil, puntuada por momentos claves de violencia empapada de sangre, podrán adaptarse mucho más fácil a este mundo pausado. En última instancia,  Sputnik fusiona una película de monstruos con un drama hermoso e imparcial, y la primera es mucho más exitosa de las dos. Abramenko no separa su película de su influencia alienígena, pero hay suficiente para mantenerte intrigado y anhelando más caos monstruosos.

Crítica Cinéfila: Blinded by the Light

En la Inglaterra de 1987, durante los austeros años en los que Margaret Thatcher estuvo en el poder, Javed, un adolescente británico de ascendencia paquistaní, aprende a vivir y a comprender a su familia a través de la música de Bruce Springsteen. 

En "Blinded by the Light", Javed (Viveik Kalra), un adolescente británico paquistaní que vive en un suburbio de Londres en 1987, descubre la música de Bruce Springsteen que le abre los ojos. Desde el momento en que se pone los audífonos del Walkman, es como si bebiese de algún dulce éxtasis y la desesperación que es "Dancing in the Dark", la letra gira alrededor de él en la pantalla, es más que un nuevo fan de Bruce. La música se convierte en su obsesión e identidad, su desbocado sueño americano. Casi sincroniza sus latidos con ese sonido y conversando en la letra de Bruce, pero le da el coraje de hacer cosas que de otra manera no se hubiera atrevido, como, por ejemplo, invitar a salir a una chica de su clase de literatura, Eliza (Nell Williams).

La fecha comienza como algo aburrido, y Javed se prepara para llamarlo una noche. Pero luego se pone esos auriculares, y es como si fuera Clark Kent entrando en una cabina telefónica. El hecho de que cada canción se ha convertido en una especie de karaoke en vivo es divertido, y la película lo sabe; estás completamente invitado a reír. 

"Blinded by the Light", está dirigida por Gurinder Chadha, quien en 2002 hizo la impresionante "Bend It Like Beckham", la película que puso a Keira Knightley en el mapa. Sin embargo, esta película marca un exuberante retorno de la increíble directora. Basado en una memoria de Sarfraz Manzoor (uno de los tres guionistas de la película), es el tipo de drama sin protección que solían hacer en los años 80, una historia de seriedad descarada, pero también es un rock delirante y romántico. Parábola 'n' roll. 

La música de Springsteen no solo refuerza el coraje de Javed, sino que le da una creencia profunda en la vida misma. Eso se debe en parte a que Javed, por primera vez, está haciendo lo que quiere hacer. Vive con su familia paquistaní en un complejo de viviendas en la ciudad fabril de Luton, donde su padre, Malik (Kulvinder Ghir), quien trabajó en la planta de GM local durante 16 años, es un esclavo asalariado que no piensa mucho más allá de pagar las cuentas, obligando a todos en la casa a proveer de sus ingresos, y asegurándose de que sus hijos se resistan a dejarse llevar por la decadente cultura británica que los rodea. Javed escribe poesía, pero es tímido al respecto, y se siente un poco culpable. Él piensa que no sirve para nada, es decir, inconscientemente refleja el desdén de su padre.

Para Javed, la catarsis de Bruce representa un escape de su depresión doméstica, pero se trata de algo más que eso. En la escuela, está rodeado de niños que se sumergen en la pálida ironía consciente de la moda de finales de los 80. La banda sonora de la película está inundada de clásicos de la época como Pet It's Boys y Cutting Crew.

Pero cuando suenan las canciones de Springsteen, no tienes que ser un amante de sus canciones para sentir la suprema falta de ironía, la majestad apasionada y la empatía con su lírica. Es una música tan antipática que es trascendente, hasta el punto de que cuando Javed comienza a lucir una camisa de franela con mangas cortadas, o cuando él y Roops (Aaron Phagura), el compañero paquistaní que lo introdujo por primera vez de Bruce, se escabullen a la cabina de DJ de la escuela y cambian la canción que tocaba en el momento, y la película de repente se convierte en un musical virtual, con Javed, Roos y Eliza bailando por la ciudad y los campos: es cursi e irresistible por esa razón. "Blinded by the Light" tiene el coraje de su propia sinceridad adolescente desvergonzada del dios del rock.

También es una película estimulante sobre el crecimiento. Los colores de Chadha a finales de los 80 hacen un llamado a diversas temáticas de la época: los cultos de Reagan y Thatcher, el aumento del desempleo en Inglaterra, las marchas del Frente Nacional que, en retrospectiva, fueron la versión embrionaria del fervor antiinmigrante que ayudó a conducir al Brexit. Pero ella nos mantiene enfocados en cómo esta vibración es parte de lo que Javed necesita para escapar. Su vida está tan enclaustrada que ni siquiera se da cuenta de sus propios atributos. Se comporta como un geek, pero Viveik Kalra, que salió de la nada, podría ser una estrella. Es como un flaco Jake Gyllenhaal, con toques de Dev Patel y Andrew Garfield, y es un actor tan vibrante que quizás tengan que volver a los días en que John Cusack estaba levantando una caja de música para encontrar un héroe adolescente tan emotivo y convincente.

"Blinded by the Light" te lleva a ese lugar donde el pop puede ser todo: la promesa de una vida que aún no tienes, pero la música dice que puedes conseguirlo. Javed comienza a escribir, y con orgullo, y lo que está sucediendo es que se está dando cuenta de que quiere ser escritor. Las letras de Bruce, que no necesitaban garabatearse en la pantalla, pero que así fuera, tocan la oscuridad, también se trata de una promesa religiosa: que puedes escapar. Y encontrarte a ti mismo. Eso es exactamente lo que hace Javed, y el discurso que va después de ganar un premio de escritura es un momento total. Se trata de la familia y el perdón, de la gloria del rock 'n' roll y de darse cuenta de que cualquiera puede caminar hacia al sol.

Crítica Cinéfila: Black Mirror Bandersnatch

En 1984, un joven programador intenta adaptar una caótica novela de fantasía a un vídeojuego. Un desafío alucinante que le llevará a cuestionarse la realidad que le rodea. 

Los videojuegos e incluso los parques temáticos ofrecen el juego interactivo desde hace muchos años, tanto así que las principales apps para celulares se tratan normalmente de este comando. Ya era hora para que el cine también comenzara a ser más interactivo. Y lo hace con un universo que se ha destacado desde sus inicios en la presentación de las nuevas tecnologías como una forma de evolución y autodestrucción de la humanidad a la vez.

Está es la primera película interactiva, desarrollada en el universo/estilo de "Black Mirror" y dirigida por David Slade, en la que el espectador puede tomar decisiones que cambian el rumbo de la historia, con más de cinco finales posibles y 300 minutos filmados en total. También existe la opción de ver la película sin tomar ninguna decisión, lo que da como resultado un film de 90 minutos. ¿Pero por qué elegir esa opción cuando puedes ser tú el director de esta película?

La historia se enfoca en Stefan, un joven creador de videojuegos que finalmente recibe una oferta de producción en una de las compañías de videojuegos más poderosas de Inglaterra, Tuckersoft. Stefan sueña con adaptar el libro Bandersnatch (un libro estilo "choose your own adventure", escrito por Jerome F. Davies). Cuando finalmente recibe esta oferta para producir el videojuego, su vida será envuelta en una serie de decisiones donde la audiencia será que determinará el camino/opción es la mejor para él.

Basándome en mi experiencia personal de "Choose your own adventure", como Dungeons and Dragons y The Siblings Trouble, el atractivo de elegir la decisión que deberá tomar el personaje es muy interesante, y a pesar de que llega a un punto en que parecería ser predecible si se elige una opción en específico, llega a sorprender, enseñándole a la audiencia si las decisiones que toma en la vida son buenas o malas. No obstante, parece que las decisiones que tome Stefan siempre tratarán de estar a un paso de la realidad, pues no importa cuantas veces vuelva a iniciar y trate de tomar otras opciones, si su videojuego no será exitoso, nunca lo será y fin de la historia. No obstante, el acercamiento a los finales lleva al expectador a través de diferentes secuencias, dando una experiencia diferente y, en ocasiones, más placenteras, sobretodo en esos momentos donde normalmente la audiencia cuestiona la inteligencia del personaje. En esta ocasión, la audiencia deja de cuestionar y decide por el personaje. Es verdad que si no decides a tiempo, la película decide por ti; sin embargo, da suficiente tiempo como para elegir una de dos y llevar a Stefan hacia un nuevo camino en su vida.

Todos los caminos son sumamente únicos. Yo hice la película siete veces, y en todas me sorprendió la nueva información que incluía la historia, desde ser enviado a la carcel por asesinar a su padre, saltar por un balcón bajo el efecto de una droga, descubrir que su padre ha escondido que su madre sigue con vida tras muchos años y que solo está experimentando con el cerebro de su hijo, y otros, todos llevando hacia el cuestionante final de si finalmente entregará el videojuego completo a tiempo o no. Es importante vivir cada uno de los finales para entender cuál es en realidad el mejor final de todos desde tu punto de vista. Desde el aspecto narrativo, la historia resulta simple en principio, pero la complejidad inicia a medida que la audiencia toma una decisión en vez de otra. No hay un camino sencillo para Stefan, y sin importar cuanto se intente por elegir el que supuestamente dará un mejor final, ninguno será como lo predices en su totalidad.

Mi mayor queja va hacia el personaje principal, presentado por Fionn Whitehead, a quien ya habíamos visto en Dunkirk. En esta ocasión, y no sé si será porque es un personaje más protagónico que el rol anterior, los momentos en que lo vemos solo se presentan muy sobreactuados. Los momentos donde la audiencia es quien elige su próxima acción desarrollaba una tensión innecesaria, en su mayoría fuera de lugar. Quizás es del momento de espera mientras la audiencia elige una opción, pero aún así parecía un mal momento por parte del actor. Quien verdaderamente entregó un excelente rol de personaje secundario fue Will Poulter, como un famoso diseñador de videojuegos; él es de los pocos actores britanicos que verdaderamente sabe entregar todo tipo de personajes, antagonistas en su mayoría, con una naturalidad y exclusividad que nunca deja de sorprender, en esta ocasión con un tono de voz al que le da para asumir una personalidad distinta en su personaje.

En cinematografía, la película asume el mismo estilo que Black Mirror ha asumido a lo largo de sus distintas temporadas, dando una tonalidad de color sombría y a la vez fría, con un acercamiento a los aspectos tecnológicos, pero sin dejar a un lado la escenografía y diseño de producción muy característica de la época de los años 80.

Lo que Charlie Brooker ha conseguido con el guion de Bandersnatch es revertir los conflictos de la serie y hacer de la tecnología un aliago para contar una historia intensa, oscura e inquietante. Es unna nueva forma de cine y una que seguramente otros copiarán. Quizás con una historia aún más prometedora pero con la inquietante realidad de que la industria está a punto de cambiar.

Bandersnatch

Ficha técnica

Dirección: David Slade

Producción: Russell McLean

Guion: Charlie Brooker

Música: Brian Reitzell

Fotografía: Aaron Morton

Reparto: Fionn Whitehead, Will Poulter, Asim Chaudhry, Craig Parkinson, Alice Lowe, Tallulah Haddon, Jonathan Aris, Paul Bradley, Alan Asaad, Suzanne Burden, Jeff Minter

Bumblebee

Tratando de escapar, en el año 1987, Bumblebee encuentra refugio en un depósito de chatarra en una pequeña ciudad en la costa Californiana. Charlie (Hailee Steinfeld), a punto de cumplir 18 años y tratando de encontrar su lugar en el mundo, descubre a Bumblebee, dañado durante una batalla y descompuesto. Cuando Charlie lo revive, aprende rápidamente que éste no es un VolksWagen amarillo normal.

Cuando se discutió por primera vez la noción de un spin-off de Bumblebee, seguro que los fanáticos asumieron que sería más de lo mismo. Pero después del estreno del primer trailer, las expectativas cambiaron. La idea de una película sobre los Transformers en la década de los 80 que mostraba breves visiones de los diseños de la 1ra Generación y el conmovedor trabajo de los personajes, comenzó a generar la esperanza de que la película finalmente podría ser la que los fanáticos siempre han estado esperando.

Así que es un alivio increíble decir que Bumblebee supera todas las expectativas y ofrece una película fantástica y emocionante que se ubica como la mejor película de Transformers de live action hasta la fecha.

Bumblebee toma lugar 30 años antes de los eventos de la primera película de Transformers, cuando Bumblebee llega al planeta Tierra refugiándose de los Decepticons. Allí termina en la forma de un carro Beetle. Unos meses después, termina en el garage de Charlie una chica que vive desconectada de su familia debido a los nuevos integrantes, y que con el tiempo sufre el tormento de la pandilla habitual de niñas malas en la escuela, pero lo que agrega tanta conmoción es que está sufriendo todas estas cosas debido al fallecimiento de su padre. Cuando Charlie descubre la verdadera forma de Bumblebee, la amistad que forman entre ellos se ve en peligro cuando los Decepticons le siguen el rastro y llegan a la tierra con planes de una posible invasión extraterrestre.

Si creciste con Transformers, los primeros cinco minutos te harán querer saltar del asiento y saltar con alegría. El director Travis Knight esencialmente levanta las imágenes desde el inicio del piloto de dibujos animados para mostrar la guerra en Cybertron, y de inmediato elimina cualquier temor. Es una declaración que deja en claro el amor de Knight por la tradición, pero también que está poniendo su propio sello en la película desde un punto de vista visual y en la forma en que se dispara la acción.

Se acabaron los diseños borrosos e indiscriminados de Bay y, en cambio, tenemos los colores atrevidos y las caras reconocibles al instante de esos personajes tan queridos desde la infancia. Vemos que Soundwave y Shockwave lideran la carga de Decepticon como se ve en el tráiler, por lo que revelar más podría arruinar la sorpresa. Sin embargo, un momento destacado es poder ver a Optimus Prime en acción.

Los eventos pronto se desploman en la tierra, donde nos presentan los Burns de John Cena, cuyo ejercicio de entrenamiento se ve interrumpido bruscamente por un rumor robótico, dejándolo marcado de más maneras que uno. Agrega un poco más de profundidad al estereotipo militarista habitual y Cena (quien construyó una carrera de actuación con papeles de apoyo sólidos) interpreta bien los matices y la ira del personaje, generando simpatía en lugar de ser simplemente "el chico malo" a la raíz.

Sin embargo, el corazón de la película se centra en la relación entre Bumblebee y Charlie (Hailee Steinfeld), y es aquí donde sobresale la película. Poner la película en los años 80 le da más espacio para respirar en términos de la narrativa y el desarrollo del personaje. La acción tiene lugar en un suburbio de una ciudad pequeña, un escenario básico para algunas de las mejores películas de esa década, y la película tiene sus numerosas influencias con orgullo en la manga, siendo ET el más destacado.

Al igual que Travis Knight hizo con su hermoso trabajo de animación en Kubo And The Two Strings, aquí deconstruye y reconstruye la idea de familia y las relaciones con un poder desgarrador. El vínculo que Charlie forma con 'Bee' se vuelve tan fuerte que es casi imposible no derramar una lágrima (o varias), incluso por la forma en que ella toca su cara puede hacerle a cualquiera un nudo en la garganta. Es un testimonio tanto de la actuación de Steinfeld como de la dirección de Knight que pueden darle nueva vida al adorable bot amarillo.

Por su parte, Bumblebee es uno de los personajes más comletos de esta pelicula. No solo responde a muchas cuestionantes de su participación en las películas de Transformers (como la razón por la que termina en la forma de un Camaro, y por qué no habla), también cautiva a la audiencia con su personalidad y sus intenciones de proteger a los suyos sin importar si esto significa su propia muerte.

Por supuesto, también hay mucha acción y espectáculo, pero la decisión de mantener el número de Transformers y personajes humanos en un puñado agrega esa inversión tan necesaria a las emociones de la película. Y, como se mencionó anteriormente, los flashbacks a Cybertron, que ocurren en un lienzo mucho más grande de lo que hemos visto antes, son impulsados ​​por la alegría de ver (y escuchar) a los robots originales como siempre han querido los fanáticos.

Por razones narrativas, hay dos nuevos Decepticons añadidos a la refriega, que pasan la duración de la película a la altura de ese mismo nombre. La pareja representa una amenaza real para la búsqueda del gato y el ratón de Bee, sin caer en algunos de los estereotipos anteriores (y desafortunados) que han obstaculizado las películas anteriores de Transformers. Ayuda que su introducción vea un encuentro bastante brutal con un Autobot icónico, un guiño al trauma de fuerza contundente que la película de 1986 infligió a muchos de nosotros cuando éramos niños, cuando la mayor parte de la alineación original fue aniquilada para dejar espacio a nuevos juguetes. 

Sin embargo, los huevos de Pascua no se detienen allí, ya que la película está repleta de referencias, pero dado que todos han terminado con afecto, no se sienten forzados o discordantes. También hay una calidad muy real dada a la configuración de los años 80, que es casi subestimada en Bumblebee en comparación con la mayoría de las representaciones.

Por supuesto, la banda sonora es un regalo de la época, pero todavía hay adolescentes en todo el mundo que encuentran consuelo al escuchar a The Smiths para lidiar con la angustia y la soledad, y es genial pensar que toda una nueva generación podría encontrar su camino con gran parte del playlist de esta película. Mientras tanto, el puntaje de Dario Marianelli agrega una pequeña fusión del sintetizador de estilo John Carpenter a los procedimientos, lo que se suma a la riqueza de la película de una manera sutil.

Bumblebee es un éxito en muchos niveles, con contenido que pueden disfrutar las audiencias jóvenes, aquellos que han crecido con las películas de Michael Bay, así como los fanáticos originales. Es sin duda un alto empuje para la franquicia, equilibrando la acción con el drama con gran efecto. Y mientras que algunas de las comedias no llegan a aterrizar, lo más probable es que estés demasiado ocupado con las escenas de acción para preocuparte por un par de chistes.

White Boy Rick

Narra la historia real del adolescente Richard Wershe Jr., conocido como 'White Boy Rick', que se convirtió en la década de los 80, a la edad de 14 años, en el informante inflitrado para el FBI más joven de la historia. (FILMAFFINITY)

El ganador del Oscar Matthew McConaughey y Richie Merritt interpretan a un padre y un hijo que se encuentran atrapados en la epidemia de crack de cocaína de los años ochenta en la película White Boy Rick, basado en hechos reales. La trama nos traslada a Detroit de 1980. Quien no tenía dinero debía buscársela en los trabajos más indeseables: casarse con un rico, vender drogas o meterse a la prostitución. Por su parte, Richard y su hijo Rickie venden armas sin licencia. Pero en una de esas ventas, Rickie se hace amigo de uno de los dealers de crack más poderosos de la ciudad. El FBI, que venía siguiendo los rastros de su padre, lo atrapa y deciden hacer un trato con él en orden de no encarcelar a Richard: Rickie deberá servir como un infiltrado dentro del imperio del que ya es parte. No obstante, las necesidades económicas y el deseo de progresar motivarán a Rickie a pasar de informante a uno de los traficantes de crack más poderosos de Detroit.

¿Les ha pasado que una película les promete mucho en el trailer y cuando la ven se decepcionan? La decepción no fue tan grande, pues la película entretuvo bastante, pero siéndoles bien honesta: esperaba mucho más. Esperaba más sobre su historia como traficante, sobre esos años en que su conocimiento en el negocio del crack le dieron el poder suficiente para que su familia siguiera adelante, salvando a su hermana, cuidando a su bebé y evitando que su padre siguiese vendiendo armas ilegales. Sin embargo, la historia cubrió más bien desde sus inicios con una banda de vendedores de crack, luego a ser informante del FBI y después a ser vendedor de crack. No hay problemas con el orden cronológico y con toda la trama, que sirve para hacer justicia a la historia de Rickie, pero ¡debieron advertir que realmente era eso lo que se vería en la película!

Lo que más salva la trama es la química de todo su elenco, sobre todo entre McConaughey y Richie Merritt, quienes son la relación principal de la trama, y a quienes seguimos durante toda la historia. Son sus propios enemigos y es uno de los mejores "bromances" que el cine ha llevado a la pantalla grande en este año. El resto del cast no se queda corto pues le da vida a un guion que casi cae en lo ordinario, pero se salva por el aceptable desarrollo de personajes. Es lo que verdaderamente motiva a seguir viendo la película. 

Y a propósito del guión, este no responde al desafío del tema pues margina a casi todos los personajes negros que sigue. Rick Jr. parece hipnotizado por la idea de tener amigos negros. (También padre de un niño con una joven mujer negra). Pero la mayoría de las amistades de Rick están muy definidos y excelentemente actuadas. 

Por otro lado, los aspectos técnicos del filme son el verdadero plus, con un diseño de producción que traslada totalmente a la época, y complementado con una mezcla de montaje y banda sonora que da ese estilo de comedia negra que la trama consigue con éxito. Cada escenario responde tanto al año como al lugar, y aunque no conozcas Detroit, te dará esa tonalidad y sabor amargo de los años más peligrosos de la ciudad. La película tiene también puntos polémicos sobre la hipocresía de los policías, la guerra contra las drogas en la era de Reagan y las severas leyes de condena que destruyeron muchas vidas jóvenes. 

Sorprendentemente, a la edad de 17 años, Rick Jr. fue sentenciado a cadena perpetua por poseer un gran suministro de cocaína. Un título final nos informa que finalmente se le otorgó la libertad condicional en 2017, pero aún no ha sido liberado. Fue un error de la justicia que finalmente logra una justa presentación de las verdades que ocultaba. Ahora quiero ver la versión que solo hable de su vida como dealer de crack...

Ready Player One

Año 2045. Wade Watts es un adolescente al que le gusta evadirse del sombrío mundo real a través de una popular utopía virtual a escala global llamada "Oasis". Un día, su excéntrico y multimillonario creador muere, pero antes ofrece su fortuna y el destino de su empresa al ganador de una elaborada búsqueda del tesoro a través de los rincones más inhóspitos de su creación. Será el punto de partida para que Wade se enfrente a jugadores, poderosos enemigos corporativos y otros competidores despiadados, dispuestos a hacer lo que sea, tanto dentro de "Oasis" como del mundo real, para hacerse con el premio. (FILMAFFINITY)

No. No es igual que el libro. Es más: es tan diferente que los comentarios llenos de odio de los fanáticos del libro ya no me sorprenden... y yo leí el libro, amé el libro; pero eso no significa que me vuelva ciega a la obra maestra que ha hecho Steven Spielberg con esta película que, debo reconocer, es la mejor película que he visto en este año.

En un futuro donde el calentamiento global y la lucha de poderes han convertido el mundo real en una pesadilla viviente, el único escape es el Oasis, un universo tecnológico gratuito, capaz de llevar a su usuario a innumerables rincones del mundo, el sistema solar y las diferentes galaxias, a la velocidad de la luz. A pesar de los limitantes financieros, es mucho más educativo y entretenido que el mundo real y se ha convertido en una manera pegajosa de evitar la realidad.

Wade, un joven huérfano, se adentra al Oasis todos los días, el único lugar donde puede ser menos embarazosamente tímido y conocer personas de todo el mundo. No obstante, su atención está fija en una sola cosa: la competencia del Easter Egg, que le otorga completo poder del Oasis y una riqueza incontable a su ganador. Wade se convierte en un gunter y se suma a la primera carrera de tres, detrás del gran premio, pero cuando es el primero en encontrar una de las llaves de Anorak, recibirá demasiada atención, tanto de personas que quieren ganar la competencia, como del IOI, una compañía que quiere adueñarse del Oasis y cambiar todas las reglas que han convertido este universo en parte importante de la vida de millones de personas alrededor del mundo.

¿Por qué me gustó la película? Hay muchos detalles que no suceden o suceden diferente en el libro, principalmente en los personajes y la competencia a nivel general. Pero son cambios que, para mi, hacen que la película funcione como lo que es. Sus guionistas Zak Penn y Ernest Cline (autor de Ready Player One) realizaron cambios que, para bien o para mal del escrito original, hacen que la película fluya a un ritmo entretenido. Pero a su vez, estos cambios no le dieron menos personalidad a sus protagonistas, que a pesar de no ser lo que el libro describe a detalle, si mantienen la esencia e ideología de cada uno, sobretodo en el caso de Wade, de quien se mantiene esa voz de un adolescente que no solo busca ganar una gran fortuna, sino demostrar la conexión inigualable que tiene con el creador de Oasis, Halliday.

Por otro lado, y aún con los cambios realizados en cada una de las carreras, es imposible admitir que siguen siendo una de las mejores recolecciones del pop culture, desde videojuegos, películas famosas, artistas y demás. Es el sueño de todo geek de esta época y de los que les siguen, pues conecta dos generaciones, tanto en temas tecnológicos como en la pasión de ser parte de un universo diferente.

Y hablando de escenarios, hay que destacar el diseño de producción, sobretodo en los universos de la competencia, que trasladan a la audiencia a escenas emblemáticas de grandes clásicos, pero a la vez sorprenden con los efectos visuales y la banda sonora de grandes temas musicales de los 80. Spoiler alert: mi escena favorita será por siempre y para siempre la recreación de The Shining. Por otro lado, la animación de dentro del mundo de Oasis (que es alrededor de un 60-70% de la película) no es exactamente algo que se confundiría con la realidad, pero se ve creíble y atractiva visualmente.

Ready Player One es un throwback viviente de la época de los 80, donde lo mejor es dejarse llevar por la historia, permitir que se te acelere el corazón en sus momentos intensos y enamorarte de sus intenciones. Si el guionista fuese alguien diferente al autor original, sí les permitiera decir que dañaron la historia, pero las intenciones son las mismas que el libro: entretener, recordar tiempos memorables y darse cuenta de cuánto tiempo nos roba y aleja la tecnología de la realidad, y cómo cada día somos arrastrados a un universo fantástico, por el temor de lo que la vida real tiene para contarnos.

Film Stars don't die in Liverpool

El 29 de septiembre de 1981, el actor británico Peter Turner recibe una llamada que cambiará su vida. Su ex amante, la ganadora del Oscar Gloria Grahame, ha sufrido un colapso en un hotel de Lancaster. Mientras ella se niega a ser atendida por los médicos, a él no le queda más remedio que hacer un viaje para llevársela a su caótica y excéntrica casa familiar en Liverpool. 

La actriz Gloria Grahame fue una de las actrices más peculiares de los años 40 y 50. Esto no solo se debe por su distintiva belleza o por su capacidad ingeniosa de trascender tanto en cine como en televisión y en teatro, y como cantante; sino por sus escándalos. A sus 50 años ya se había casado cuatro veces y uno de sus ex-maridos era su hijastro. Sin embargo, el amor era un disfrute que ella no dejaba de aprovechar en ninguna oportunidad, mucho menos por aspectos de edad o cultura. Así fue que su amor por Peter Turner cobró vida, quien era un joven actor de Liverpool (Inglaterra), 30 años más joven que Gloria. Se conocieron de repente y su relación fue creciendo al punto de que no importaba mostrar sus afecciones frente a otras personas: era algo puro y honesto... hasta que Gloria decidió esconderle que el cáncer de mama la estaba consumiendo.

La historia de amor de Gloria y Peter es narrada en esta película desde dos puntos de vista: cómo inició y cómo terminó; la trama se va intercalando entre ambas subtramas, dando oportunidad a entender cuáles fueron los momentos más importantes de su relación, mientras que por el otro lado desarrolla la enfermedad de Gloria y cómo Peter la acogió en la casa de su familia en sus últimos días de vida. 

El guión se enfoca en dar cobertura única y exclusiva a su relación, sin extenderse a lo que opinaba la familia de Peter o los hijos de Gloria. La trama funciona con esta estructura y tonalidad; sin embargo, le hace falta un mayor contenido externo de lo que ocurría alrededor de ellos. Nunca conocemos la posición de sus familiares en torno a esta relación (con excepción de la hermana de Gloria, que no tuvo pelos en la lengua). Por otro lado, la historia y sus personajes son muy activos y entretienen con facilidad. 

La actuación de Annette Bening y Jamie Bell como los personajes principales de este romance termina siendo una intimidad tierna que no se deja caer por la diferencia de edades. La química en pantalla es agradable y convence en su máxima expresión. De igual modo, es increíble como estos personajes se roban la atención de su audiencia, no únicamente por ser papeles protagónicos, sino también porque saben mantenerse a lo largo de la trama sin aburrir. 

Del mismo modo, al ser una historia que se desarrolla entre el año 1979 y el 1981, tiempo en que nuestros protagonistas tuvieron su relación, cuenta con una composición visual y musical capaz de teletransportar a la audiencia a esta época, gracias a la especificidad de los diseños de vestuario y escenarios.

Film Stars don't die in Liverpool es una adaptación de las memorias de Peter Turner sobre su relación con Gloria Grahame que podrá dividir a la audiencia. Algunos la amarán, otros la odiarán. Pero no podrán evitar caer en la originalidad y profundidad de esta relación amorosa, a cargo de dos actores que encantan con las acciones más sutiles, pero creíbles posibles, complementados por la carga emocional de la trama, el potencial del ambiente donde se desarrolla y los retos que cada personaje debe vivir para poder seguir adelante en sus vidas.