Crítica Cinéfila: Bombshell

Deconstrucción de la caída de uno de los imperios mediáticos más poderosos y controvertidos de las últimas décadas, Fox News, y de cómo un grupo de explosivas mujeres logró acabar con el hombre responsable de él: Roger Ailes.

La palabra Bombshell tiene dos significados: puede ser una noticia impactante, ya sea positiva o negativa; puede también ser una mujer (normalmente rubia) sumamente atractiva. Así, cuando Jay Roach se sentó a descifrar el nombre de su próxima gran película, el título se lo dió la misma historia y su temática.

Este es un tema tan jugoso que los cineastas simplemente no pueden mantenerse alejados de él, especialmente los adictos políticos como Roach y Charles Randolph. El director de  Recount, Game Change, The Campaign, y Trumbo,  y el escritor de The Big Short, han puesto su mirada en un viejo y poderoso golpe y han generado un gran placer al dramatizar su derribo. Este hilo conductor sobre la caída deslumbrante del fallecido déspota de Fox News, Roger Ailes, no puede afirmar que ofrece temas nuevos, pues ya lo hemos visto en una miniserie de televisión reciente (Showtime's The Loudest Voice) y un documental muy bueno (Divide and Conquer: The Story of Roger Ailes). Pero las actuaciones, mejoradas por las transformaciones físicas de Charlize Theron, Nicole Kidman y John Lithgow que son asombrosamente convincentes, entregan los productos de una manera muy atractiva. Cualquiera que haya estado siguiendo las noticias durante los últimos tres años no pudo evitar sentirse intrigado por este petardo de película.

Sin preámbulos, la película arroja al espectador directamente a la alta presión de los preparativos finales para el primer debate televisado de la campaña presidencial de 2016, que será transmitido por Fox News y moderado por Megyn Kelly (Theron); está inquieta por las preguntas que no le ha formulado a Donald Trump y se siente desesperadamente enferma en el trato. Pero espera, esta es una película y la mujer que estamos viendo realmente se parece exactamente a Megyn Kelly. El realismo es asombroso.

Kidman interpreta a otra de las estrellas de la cadena desde hace mucho tiempo, Gretchen Carlson, que tiene su propio programa. La tercera rubia en la parte superior del boleto no se parece a nadie más que a Margot Robbie, pero tiene la excusa de interpretar a un personaje compuesto, una recién llegada hermosa e ingenua llamada Kayla, que en poco tiempo sufre la desgracia de atraer la atención de Ailes. Como lo representa Lithgow, Ailes tiene la distinción de verse más gordo, asqueroso y mucho más parecido al tipo real que Russell Crowe a principios de este año en  The Loudest Voice.

Si los atributos físicos de los directores exigen que se los considere con cierta extensión, es porque se destacan en el esquema de las cosas de Fox, una construcción que  Bombshell  disecciona y examina con considerable vigor. Después de décadas durante las cuales se esperaba que las noticias transmitidas por los Estados Unidos mantuvieran un cierto equilibrio y no se entregaran a un partidismo absoluto (había una cosa llamada doctrina de la justicia), Fox cambió este decoro con su descarada defensa de posiciones conservadoras y un servicio público abierto de derecha, a menudo dispensado por rubias atractivas. En el momento de las elecciones de 2016, la red era más poderosa que nunca y puso toda su fuerza considerable para defender a Trump como presidente.

Cuando Kayla aparece en las oficinas de Fox en Nueva York, parece una candidata ideal en el aire, tanto físicamente como políticamente, ya que proviene de una familia cristiana evangélica. También es ingenua y ansiosa por complacer, pero está paralizada por Ailes, quien le ofrece a las mujeres que le interesan dos frases para prosperar: "Para salir adelante tienes que dar un poco de cabeza" y "Si quieres jugar con los grandes, tienes que acostarte con los chicos grandes". 

Bombshell, su doble sentido plenamente justificado, se sumerge directamente en este turbulento pozo negro de sexo y política con confianza, entusiasmo e inteligencia. Como demostró en su guión ganador del Oscar (con Adam McKay) para  The Big Short,  Randolph es experto en agitar eventos y sistemas reales complicados y combustibles (economía, política, juegos de azar, presión sexual) y usarlos para impulsar la narrativa hacia adelante. El Director Roach complementa esto manteniéndose alerta todo el tiempo, a menudo usando disparos rápidos que parecen atrapados sobre la marcha, como corresponde a figuras de poder que saben lo que quieren, no pierden el tiempo y siempre tienen hambre de más poder, no importa qué tan bien alimentados están.

Todos los personajes principales aquí están obsesionados con el poder; si no lo fueran, no estarían en este negocio. El propio Trump no figura personalmente en los eventos de  Bombshell  y las elecciones aún faltan cuatro meses. Pero Fox News en este punto se ve en la transición de un corredor de poder a un poder importante en sí mismo, muy probablemente capaz de influir decisivamente en el resultado de las próximas elecciones. 

Roach y Randolph usan esta energía e intención maligna que se transmite de Ailes, o Jabba the Hut, como se le llama, para beneficio considerable de la película. Ailes tiene un facilitador que todo lo sabe, una mujer mayor (Holland Taylor) que organiza discretamente todas las idas y venidas de la oficina del gran hombre. También aprendemos la fórmula mágica de la red para el éxito: "Asustar y excitar", un enfoque que Ailes ha transformado en una forma de arte. Pero, ¿qué es lo más importante para Ailes cuando se trata de una excelente cobertura de noticias de televisión?

El impulso dinámico y el ritmo de la película pueden atribuirse en parte simplemente al hecho de que el escenario principal es una sala de redacción, donde los escritores con plazos fijos están constantemente bajo presión; infundido con energía y tensión constantes, la sede de Fox está hecha para parecer el segundo lugar más importante en la Tierra, justo por debajo de la Casa Blanca. Se menciona de pasada que en el año anterior los Murdochs obtuvieron una ganancia de $15 mil millones solo de Fox News, por lo que es fácil ver por qué el jefe está bien protegido.

Pero aún así tiene una gran caída. Es provocado por el despido de la periodista Carlson, mientras le dice: "Eres sexy, pero eres demasiado trabajo". A pesar de un gran pago, ella toma represalias con una demanda de acoso sexual contra el propio Ailes, contratando a los mejores abogados e inspirando a muchas otras mujeres, incluida Kelly, a presentar demandas contra el gran jefe. El abogado de Ailes, Rudy Giuliani (la única figura famosa en el reparto que no tiene un físico ideal, aunque su primera aparición genera una gran risa bajo las circunstancias) entra en el conflicto, seguido por el propio Rupert Murdoch (Malcolm McDowell) y sus dos hijos. En poco tiempo, los grandes jefes emiten el edicto: Jabba se debe ir.

Los actores se lanzan a sus roles con un celo excelente, animados por el diálogo a menudo contundente y los temas en juego. Las tres mujeres pasan por extenuantes pruebas personales y pruebas de fuerza en el período de tiempo muy comprimido, todas emergiendo más fuertes de lo que eran antes, incluso si la lucha no tuviera nada que hubieran elegido voluntariamente. Kelly de Theron y Carlson de Kidman están en lugares claramente diferentes en el espectro de la carrera, con Kelly en el centro de las cosas al rojo vivo y Carlson quizás superando su pico. Por su parte, la joven y ficticia Kayla de Robbie se encuentra en el trampolín, lista para saltar, o ser empujada, hacia el fondo.

Lithgow es memorablemente asqueroso y depredador como el mejor jefe de malas noticias en lo que respecta a las mujeres. Lo único que puedes decir de Ailes como se muestra aquí es que él es sincero; él es bastante claro sobre el precio de la entrada, y cada mujer decide si pagarlo o no. Se exhibe suficiente comportamiento groseramente abusivo de Ailes para dejar en claro que el precio es muy alto.

Bombshell no ofrece un análisis profundo de la televisión moderna, las actividades corporativas o las prácticas de explotación a puerta cerrada que han estado ocurriendo desde el principio de los tiempos. Pero más allá de crear una imagen dinámica de una entidad mediática famosa en acción, respalda firmemente la noción de que, si las personas se ponen de pie con valentía y se pronuncian contra la impropiedad y la ilegalidad, incluso contra los ricos y los más privilegiados, se puede hacer justicia y se puede progresar.

Crítica Cinéfila: Ford v Ferrari

Se centra en un excéntrico y decidido equipo americano de ingenieros y diseñadores, liderados por el visionario automovilístico Carroll Shelby (Damon) y su conductor británico Ken Miles (Bale). Henry Ford II y Lee Iacocca les dan la misión de construir desde cero un nuevo automóvil con el fin de derrocar el dominio de Ferrari en el Campeonato del Mundo de Le Mans de 1966. 

Los personajes rara vez pueden competir con los autos en las películas de carreras de autos, pero ese no es el caso de Ford v Ferrari, una historia de la vida real con mucho cuerpo y emoción en la que los hombres detrás del volante son tan dinámicos como las máquinas que conducen. Protagonizado por los emblemáticos Christian Bale y Matt Damon como, respectivamente, las leyendas de carreras Ken Miles y Carroll Shelby, este es un vehículo bien construido en todos los aspectos que debería hacer un buen recorrido por los cines.

Esta es una saga de carreras con fuertes bases dramáticas e históricas. En el mundo de las carreras internacionales en la década de 1960, nadie podía tocar a Ferrari, la ultra compañía de los fabricantes de automóviles rápidos. Durante una recesión de la compañía, Henry Ford II y su teniente Lee Iacocca, que desempeñaron un papel importante en la presentación del Mustang y Ford Pinto, se les ocurrió producir un auto de carreras que pudiera desplazar a los italianos, lo que parecía una broma en el hora. Pero lo hicieron posible.

Con el director James Mangold mostrando una mano segura en todo momento, algunas tempranas escenas divertidas contrastan con la cultura corporativa de Ferrari y Ford. Dedicado a la calidad, el prestigio y la clase, Enzo Ferrari preside su imperio como un cruce entre un señor medieval y un jefe de la mafia, menospreciando a Ford como un príncipe le haría a un campesino. En todo caso, sin embargo, Ford es una figura aún más aterradora, un hombre grande que hace temblar a los subordinados en su presencia. 

Sin embargo, Ford a veces puede sorprender con sus edictos, y le ordena a su despiadado protegido Lee Iacocca que haga lo que sea necesario para darle a la compañía un ganador. El interludio de la interacción corporativa en el que el equipo de Ford viaja a Italia para proponer una fusión estalla con absurdo humorístico, ya que la presunción de que estas dos culturas automobilísticas podrían coexistir bajo un mismo techo se muestra como lo que es: casi una pelea de gallos.

Atractivamente, los hombres que podrían dar vida al sueño de Ford se sienten atraídos rápidamente por las virtudes y los defectos a la vista. Después de una carrera exitosa en su carrera, Shelby se embarcó en una variedad de proyectos automotrices, pero firmó el proyecto de Ford de crear un auto caliente que pudiera ganar las 24 Horas de Le Mans.

Por su parte, Shelby soportó cualquier cantidad de obstáculos al alistar a Miles para el loco pero atractivo proyecto de Ford. Al principio, Miles, un emigrante británico, que trabaja como un mecánico humilde en Los Ángeles y corre por pura pasión, vive con su esposa espía Mollie (una Caitriona Balfe luminosamente comprensiva) y con su hijo Peter (Noah Jupe). No es difícil deducir que Miles no ha llegado más lejos en la vida porque es un temperamental, fácilmente irritable y propenso a las cosas difíciles.

Pero Miles tiene talento y realmente conoce sus autos, por lo que él y Shelby se convierten en el boleto poco probable de Ford para la grandeza de las carreras. La sección media del drama revela los golpes duros y la combustión, tanto mecánica como humana, que se introdujeron en el desarrollo de un automóvil que podría vencer a los italianos, y cómo se hizo en un año.

Aplicando una sólida artesanía propia, los guionistas Jez Butterworth, John-Henry Butterworth y Jason Keller han forjado una sólida estructura de tres actos que invita a la inversión rápida del espectador en algunas personas difíciles pero empáticas, proporcionando dinámicas de carácter combativo entre conductores muy competitivos: los ejecutivos y la figura central, Miles, dándole la el toque perfecto al tratamiento cuando se trata de su inteligencia de carrera, ambiciones y vida familiar.

La dinámica de la película debe mucho a la naturaleza erizada de casi todas las relaciones e interacciones en la película. Miles es un cable en vivo impredecible con todos, excepto con su esposa e hijo; Shelby siempre parece estar haciendo malabarismos con más bolas de las que razonablemente pueden mantenerse en alto en cualquier momento dado; los exigentes Ford y Iacocca mantienen a todos fuera de balance y en alerta; y los inminentes plazos y el peligro inherentes a la profesión en sí proporcionan una sensación constante de inquietud por la mortalidad profesional y personal. Pero lo más interesante de todos estos momentos dramáticos son las analogías conclusivas y las metáforas, utilizando excelentes interludios para enfocarse en lo que interviene en la relación del conductor con su automóvil. 

Naturalmente, el tercer acto está dedicado al maratón de conducción francés de 24 horas de 1966, en el que dos conductores se turnan para pilotar sus automóviles durante el día, la noche y, en este caso, una pequeña cantidad de lluvia. Es una carrera que Shelby había ganado en 1959, mientras que Miles ya había prevalecido en las competencias de Daytona y Sebring del año en curso. Es una carrera difícil de dramatizar debido a su longitud y cambio de pilotos, y este en particular posee su propio problema peculiar debido a la forma en que terminó. Pero también tiene sus enormes satisfacciones, y todo el equipo que lo armó debe ser saludado.

Bale y Damon parecen entusiasmados, inmersos en los coloridos personajes que interpretan aquí y entrenan muy bien juntos de manera muy atractiva, tanto cuando están confabulados como en desacuerdo.

Las prácticas y actitudes, si no la habilidad, de la gran industria se colocan en una luz bastante fulminante, aunque con ingenio frecuente, y todas las manos aquí han puesto en trabajos de trabajo fuertes que pagan en la pantalla. A pesar de haber sido escrito por cuatro guionistas (lo cual siempre he considerado ser una multitud) y algunos detalles de la historia que no van completamente en acuerdo con lo que pasó en la vida real, Ford v Ferrari se desenvuelve como una película de un alto nivel, dándole el respeto que se merece a la historia y a sus personajes, y convirtiéndose en una competidora fuerte para la temporada de premios.

Crítica Cinéfila: Harriet

Historia basada en la abolicionista Harriet Tubman (Cynthia Erivo), que liberó a numerosos esclavos tras haber escapado ella misma de la esclavitud en 1849.

El plan de la administración de Obama de poner a Harriet Tubman en el billete de $ 20 sigue en el limbo gracias al estancamiento del gobierno de Trump, pero el brillante tratamiento épico de Kasi Lemmons sobre la vida de la legendaria luchadora por la libertad graba un retrato icónico para bien o para mal, resonando más como una criatura simbólica que un personaje de carne y hueso. Cynthia Erivo es una poderosa presencia física en el papel principal, relatando un capítulo importante en la historia de Estados Unidos que Hollywood ha descuidado demasiado tiempo. Si la película no escapa a la trampa hagiográfica de la película biográfica reverente, definitivamente conmoverá al público con un gusto por el drama inspirador de grandes lienzos.

Lemmons, que llamó la atención por primera vez con su debut independiente en 2004 con el gótico sureño Eve, no camina exactamente a la ligera aquí. Esa tendencia es evidente desde el primer marco panorámico, ya que el exuberante puntaje de Terence Blanchard aumenta al modo de elevación sobre un campo empapado de lluvia, señalando agresivamente señales emocionales antes de encontrar un solo personaje. El uso de la música a menudo es duro, una excepción es la emoción de escuchar "Sinnerman" de Nina Simone sobre un montaje de audaces rescates del ferrocarril subterráneo.

El guión de Gregory Allen Howard y Lemmons comienza en 1849 con la experiencia brutal que provoca el fuego de la libertad o la muerte en el vientre de la esclava, para ese entonces conocida como Minty. Su esposo John (Zackary Momoh), un hombre libre, ha obtenido documentación legal para verificar que bajo los términos de un testamento dejado por el bisabuelo del dueño de una plantación de Maryland, Edward Brodess (Michael Marunde), Minty, sus hermanos y su madre, (Vanessa Bell Calloway) deberían haber sido liberados hace más de una década.

John expone su caso con calma y respeto, explicando que quieren formar una familia y desean que sus hijos nazcan libres. Pero Brodess rompe el papel y los despide con indignación, diciéndole a su hijo Gideon (Joe Alwyn) que debería haber vendido a Minty hace años.

Después de cuidarlo de la fiebre tifoidea cuando era niño, Minty ocupa una posición extraña para Gideon, mezclando posesión con obligación y devoción. Está inquieto por la intensidad de sus oraciones, y la evidencia de que ella se comunica directamente con Dios se transmite a lo largo de la película en secuencias de visión en blanco y negro que le revelan destellos del futuro. Pero un cambio repentino en las circunstancias de la familia hace que Gideon actúe tardíamente según el consejo de su padre y ponga a Minty a la venta. La posibilidad de separarse de su familia es el ímpetu que necesita para intentar escapar, pero ella se niega a dejar que John corra con ella, argumentando que la captura le costará su libertad.

A partir de entonces, durante gran parte de su tiempo de ejecución de dos horas, Harriet se convierte en una película de persecución, con secuencias de acción impulsadas por la puntuación propulsora de Blanchard y la cámara ágil de John Toll. Hay breves marcadores emocionales en el viaje, especialmente al principio, cuando Minty se despide de su madre en el campo cantando un espiritual tradicional, abraza a su padre (Clarke Peters) y recibe orientación del reverendo local (Vondie Curtis Hall), cuya iglesia sirve como estación de paso para esclavos fugitivos. Pero a pesar de la tenacidad de Erivo en el papel, el drama se siente más majestuoso e impresionante que urgente y afectivo.

Sin embargo, nunca implica nada, y el guión hace un trabajo sólido al rastrear la formación de una valiente luchadora por la libertad fuera de una fugitiva asustada. Ese proceso ocurre una vez que Minty llega a Filadelfia y marca su liberación al elegir un nuevo nombre, combinando los de su madre y esposo para convertirse en Harriet Tubman. Conoce al abolicionista William Still (Leslie Odom Jr.), quien registra su historia junto con la de otros esclavos fugitivos; y Marie Buchanan (Janelle Monae), una elegante dueña de negocios nacida en libertad que establece a Harriet en un trabajo remunerado como empleada doméstica.

Es Marie quien le da un arma, le enseña cómo pasar por una mujer libre y asegura sus documentos de identificación falsos un año después cuando Harriet insiste en tomar el peligroso viaje de 100 millas de regreso a Maryland para llevar a John con ella al estado libre de Pensilvania. Eso no sale según lo planeado, pero ella termina dirigiendo una fiesta de ocho a la libertad, incluidos sus hermanos. Cinco de ellos provienen de la plantación de Brodess, que sufre dificultades financieras, descrita por Gideon como "tres dólares, una hembra y un potro", palabras que subrayan el horrible pensamiento del tiempo y el lugar donde hacían pensar que los esclavos eran similares al ganado.

Lemmons presenta una bienvenida variedad de humor discreto a medida que las misiones de rescate de Harriet se vuelven más audaces, incluso mientras los dueños de esclavos se vuelven más despiadados en sus ofertas para detener la marea creciente de fugitivos. La afluencia en Filadelfia llega a ser tan numerosa que William apenas puede registrar sus historias lo suficientemente rápido. La tasa de éxito de Harriet lo lleva a presentarla al comité organizador secreto del ferrocarril subterráneo, convirtiéndola en una directora oficial, y sus hazañas la hacen notoria en el sur, inicialmente como una "salvadora de esclavos" apodada Moisés.

Es una historia apasionante, en su mayor parte contada eficientemente. Pero los frecuentes intervalos de éxtasis religioso, durante los cuales Harriet a menudo siente el peligro a tiempo de cambiar de rumbo y poner sus cargas a salvo, contribuyen a la sensación de santidad invulnerable que mantiene al personaje central un poco alejado.

Cuando el Congreso aprueba la Ley de esclavos fugitivos de 1850, que permite rastrear y capturar a los fugitivos incluso en los estados del norte, los viajes de rescate de Harriet se extienden de 100 millas a 600, Canadá conviertiéndose en el único refugio seguro. Pero el guión se vuelve predicador en este punto, y se entrega a grandes discursos cinematográficos diseñados para reforzar el valiente sentido de propósito y el espíritu protofeminista de Harriet. Además, una vez que Gideon descubre la verdadera identidad del libertador que levanta los gritos de los sureños blancos y hace que le echen la culpa, se establece una confrontación como algo inevitable.

Ese encuentro no tiene el peso dramático para proporcionar una recompensa totalmente satisfactoria, y la participación de Harriet como líder de asalto armado durante la Guerra Civil se le da un manejo apresurado. La naturaleza sin precedentes de su papel militar se transmite principalmente en el texto en pantalla al final de la película, junto con su posterior dedicación al movimiento de sufragio femenino.

Erivo, que ganó un premio Tony por su debut en Broadway en The Color Purple, toca todas las notas necesarias de flaqueza y valentía desinteresada nacidas del sufrimiento, la determinación y la ira. Pero la película baña a Harriet a la luz sagrada de la nobleza sin proporcionar mucho acceso a lo que está pensando y sintiendo. Su fuerte sesgo hacia las escenas de acción deja muy poco espacio para el estudio del personaje. Tubman es una figura extraordinaria con un lugar único en la historia de Estados Unidos, pero aunque la película de Lemmons es una apuesta admirable para hacer justicia a esta personalidad del movimiento contra la esclavitud, es un monumento a su heroísmo en lugar de una encarnación de pura sangre.

Crítica Cinéfila: Blinded by the Light

En la Inglaterra de 1987, durante los austeros años en los que Margaret Thatcher estuvo en el poder, Javed, un adolescente británico de ascendencia paquistaní, aprende a vivir y a comprender a su familia a través de la música de Bruce Springsteen. 

En "Blinded by the Light", Javed (Viveik Kalra), un adolescente británico paquistaní que vive en un suburbio de Londres en 1987, descubre la música de Bruce Springsteen que le abre los ojos. Desde el momento en que se pone los audífonos del Walkman, es como si bebiese de algún dulce éxtasis y la desesperación que es "Dancing in the Dark", la letra gira alrededor de él en la pantalla, es más que un nuevo fan de Bruce. La música se convierte en su obsesión e identidad, su desbocado sueño americano. Casi sincroniza sus latidos con ese sonido y conversando en la letra de Bruce, pero le da el coraje de hacer cosas que de otra manera no se hubiera atrevido, como, por ejemplo, invitar a salir a una chica de su clase de literatura, Eliza (Nell Williams).

La fecha comienza como algo aburrido, y Javed se prepara para llamarlo una noche. Pero luego se pone esos auriculares, y es como si fuera Clark Kent entrando en una cabina telefónica. El hecho de que cada canción se ha convertido en una especie de karaoke en vivo es divertido, y la película lo sabe; estás completamente invitado a reír. 

"Blinded by the Light", está dirigida por Gurinder Chadha, quien en 2002 hizo la impresionante "Bend It Like Beckham", la película que puso a Keira Knightley en el mapa. Sin embargo, esta película marca un exuberante retorno de la increíble directora. Basado en una memoria de Sarfraz Manzoor (uno de los tres guionistas de la película), es el tipo de drama sin protección que solían hacer en los años 80, una historia de seriedad descarada, pero también es un rock delirante y romántico. Parábola 'n' roll. 

La música de Springsteen no solo refuerza el coraje de Javed, sino que le da una creencia profunda en la vida misma. Eso se debe en parte a que Javed, por primera vez, está haciendo lo que quiere hacer. Vive con su familia paquistaní en un complejo de viviendas en la ciudad fabril de Luton, donde su padre, Malik (Kulvinder Ghir), quien trabajó en la planta de GM local durante 16 años, es un esclavo asalariado que no piensa mucho más allá de pagar las cuentas, obligando a todos en la casa a proveer de sus ingresos, y asegurándose de que sus hijos se resistan a dejarse llevar por la decadente cultura británica que los rodea. Javed escribe poesía, pero es tímido al respecto, y se siente un poco culpable. Él piensa que no sirve para nada, es decir, inconscientemente refleja el desdén de su padre.

Para Javed, la catarsis de Bruce representa un escape de su depresión doméstica, pero se trata de algo más que eso. En la escuela, está rodeado de niños que se sumergen en la pálida ironía consciente de la moda de finales de los 80. La banda sonora de la película está inundada de clásicos de la época como Pet It's Boys y Cutting Crew.

Pero cuando suenan las canciones de Springsteen, no tienes que ser un amante de sus canciones para sentir la suprema falta de ironía, la majestad apasionada y la empatía con su lírica. Es una música tan antipática que es trascendente, hasta el punto de que cuando Javed comienza a lucir una camisa de franela con mangas cortadas, o cuando él y Roops (Aaron Phagura), el compañero paquistaní que lo introdujo por primera vez de Bruce, se escabullen a la cabina de DJ de la escuela y cambian la canción que tocaba en el momento, y la película de repente se convierte en un musical virtual, con Javed, Roos y Eliza bailando por la ciudad y los campos: es cursi e irresistible por esa razón. "Blinded by the Light" tiene el coraje de su propia sinceridad adolescente desvergonzada del dios del rock.

También es una película estimulante sobre el crecimiento. Los colores de Chadha a finales de los 80 hacen un llamado a diversas temáticas de la época: los cultos de Reagan y Thatcher, el aumento del desempleo en Inglaterra, las marchas del Frente Nacional que, en retrospectiva, fueron la versión embrionaria del fervor antiinmigrante que ayudó a conducir al Brexit. Pero ella nos mantiene enfocados en cómo esta vibración es parte de lo que Javed necesita para escapar. Su vida está tan enclaustrada que ni siquiera se da cuenta de sus propios atributos. Se comporta como un geek, pero Viveik Kalra, que salió de la nada, podría ser una estrella. Es como un flaco Jake Gyllenhaal, con toques de Dev Patel y Andrew Garfield, y es un actor tan vibrante que quizás tengan que volver a los días en que John Cusack estaba levantando una caja de música para encontrar un héroe adolescente tan emotivo y convincente.

"Blinded by the Light" te lleva a ese lugar donde el pop puede ser todo: la promesa de una vida que aún no tienes, pero la música dice que puedes conseguirlo. Javed comienza a escribir, y con orgullo, y lo que está sucediendo es que se está dando cuenta de que quiere ser escritor. Las letras de Bruce, que no necesitaban garabatearse en la pantalla, pero que así fuera, tocan la oscuridad, también se trata de una promesa religiosa: que puedes escapar. Y encontrarte a ti mismo. Eso es exactamente lo que hace Javed, y el discurso que va después de ganar un premio de escritura es un momento total. Se trata de la familia y el perdón, de la gloria del rock 'n' roll y de darse cuenta de que cualquiera puede caminar hacia al sol.

Crítica Cinéfila: Rocketman

Esta es la historia de Elton John, desde sus años como niño prodigio del piano en la Royal Academy of Music hasta llegar a ser una superestrella de fama mundial gracias a su influyente y duradera asociación con su colaborador y letrista Bernie Taupin. 

Elton John es uno de los artistas más importantes de la historia de la música. No solo es un compositor impresionante, sino que sus producciones de vestuario son parte de su servicio de entretenimiento para la audiencia. Ha trabajado en al menos 19 películas como compositor musical. Su actual tour, titulado Farewell Yellow Brick, será el último de su carrera, el cual será en cinco continentes con 300 conciertos. Es una persona que no solo se ha destacado en el ámbito artístico sino también en actividades humanitarias, donaciones, organizaciones sin fines de lucro y demás. Pero, ¿alguien conoce al Elton John de los años 70? Cuando su carrera apenas comenzaba y aparentemente muchas de sus locuras. Rocketman es esa versión que pocos conocen. 

De niño, Elton John era en realidad Reginald "Reggie" Dwight, criado por su fría madre Sheila (Bryce Dallas Howard) y por su abuela Ivy (Gemma Jones), mientras que su padre Stanley se encuentra en la Royal Air Force. Reggie mostraba interés en tocar el piano, y pronto comenzó a estudiar en la Royal Academy of Music. Stanley, que nunca ha mostrado ningún amor hacia su hijo, finalmente abandona a su familia después de que Sheila tiene una aventura con otro hombre. Para evitar más encontronazos con el drama familiar, Reggie se interesa por artistas de música rock como Elvis Presley, y comienza a presentarse en pubs locales antes de unirse a la banda, Bluesology.

Como adulto, Reggie (Taron Egerton) decide cambiarse su nombre a Elton John y trata de encontrar el éxito con la editorial Dick James bajo la dirección de Ray Williams. Williams presenta a Elton al compositor Bernie Taupin (Jamie Bell) y los dos forman una amistad rápidamente. El dúo impresiona a James con la canción "Your Song" y él prepara una actuación para ellos en el Trovador en Los Ángeles. La audiencia ama la actuación de Elton. En una fiesta, Elton es abordado por John Reid (Richard Madden), un gestor musical que se siente atraído por Elton. La influencia de Reid sobre Elton hace que se sumerja en una vida de libertinaje a medida que su carrera despega y se convierte en un músico de éxito, abrazando a una personalidad escénica extravagante. Sin embargo, mientras lucha con sus problemas parentales y un creciente abuso de Reid, Elton se vuelve adicto al alcohol, la cocaína, las compras compulsivas y el sexo.

El guión es de Lee Hall (Billy Elliot, Pride and Prejudice) es quién tuvo la ardúa tarea de hacer un contraste entre la historia del cantante y sus canciones, convirtiendo esta película en un musical de sus mejores hits. El título de Rocketman es apropiado porque este retrato audazmente poco convencional de Elton John, que traza las pistas paralelas de su ascenso meteórico al superestrella y su descenso simultáneo a un abismo de soledad y adicción, tiene un lanzamiento espectacular, todos los motores en llamas. Es en medio del vuelo que comienzan a surgir las maravillas narrativas, con una sucesión de secuencias de fantasía musical estilizadas surrealmente que son fabulosamente entretenidas y que permiten un tejido conectivo dramático sustancial que invitaría a una verdadera relación emocional con el protagonista. 

Con una melancólica voz, Egerton hace justicia al nombre del grandioso Elton John, otorgando una de sus mejores interpretaciones hasta estos tiempos, no solo demostrando que su talento es más que actoral, sino también dándole vida al músico de los 70 que pocos conocían. Entre clásicos y vestimentas extrambóticas, Egerton logra lo que el mismo cantante en vida hacía en cada uno de sus conciertos: esconder las cicatrices y moretones detrás de una vida llena de maltratos. A su vez, este famoso actor, reconocido por sus atractivos y seductores personajes, se transforma completamente en el cantante, mostrando no solo sus elocuentes estilos de peinado y sonrisa incómoda, sino también su actitud embarazosa, ataques de pánico y sus excesos salvajes del papel que lograron alejarlo de sus anteriores roles. Dejó su nombre y fama a un lado para otorgar un personaje que seguramente será foco de muchas nominaciones el próximo año en la temporada de premios. 

Definitivamente, ha sido una actuación totalmente comprometida que va desde la exuberante demostración teatral hasta la soberbia sensiblera y la miseria privada, y luego vuelve a subir con la vulnerabilidad bruta y el duro autoexamen de alguien que se aleja del precipicio para asumir la responsabilidad. El hecho de que Egerton verdaderamente cante con tanta confianza agrega una capa completamente distinta a la caracterización, apropiándose del estilo de John sin desviarse nunca en la personificación, pero claramente complementado por un juego de vestuarios que hacen referencia a los mejores momentos en escenario que el artista ha tenido a lo largo de su carrera.

El dispositivo de enmarcado de Hall funciona sorprendentemente bien. La película comienza con una magnífica versión instrumental lenta de la canción del título, mientras Elton irrumpe a través de una puerta con un halo de luz celestial y adornada con lentejuelas y plumas como un ardiente demonio de alas rojas. Toma asiento en ese grupo incongruente entre un grupo de terapia en un centro de rehabilitación de lujo, donde comienza a enumerar sus muchas adicciones, desde las drogas y el alcohol hasta el sexo y las compras, y también le dan problemas con la bulimia y el manejo de la ira. Esto hace que el punto de vista de la película se desvíe completamente: la introducción no busca que empaticemos sino simpatizar y reconocer que, alguien con tanta fama también tuvo momentos oscuros. Es aún más impresionante como todo se continúa contando desde ese mismo grupo de adictos, enseñándole a la audiencia cómo, al pasar su historia sobre sus años de adicción, el mismo Elton se fue recuperando.

Pero no se puede dejar de mencionar el trabajo de un elenco que no solo retratan a sus respectivos personajes, sino también logran tener su momento de gloria, y demostrar el papel constructivo y/o destructivo que representaron en la vida de Elton John. Entre los que más resaltan, Jamie Bell como su mejor amigo, Bryce Dallas como su madre y Richard Madden como su amante y manager, ellos hicieron soporte para resaltar las grandes debilidades que el artista poseía.

Musicalmente, dramáticamente, cinematográficamente hablando, este es un biopic bien hecho. Sin desperdicios ni escenas innecesarias, la película desarrolla un buen tiempo de entretenimiento, haciéndonos cantar con los clásicos más memorables, enseñándonos como surgieron importantes canciones y educándonos sobre la vida de una persona que ha sido de gran importancia para películas como El Rey León, Monalisa Smile, Tommy, entre otros títulos. Es un musical duro y mucho más oscuro que Bohemian Rhapsody, pero tan colorido y real al nivel de su cantante. 

Crítica Cinéfila: Leaving Neverland

En el apogeo de su fama, Michael Jackson comenzó una larga relación con dos niños, de siete y diez años, y sus familias. Ahora, ya en la treintena, estos cuentan la historia de cómo fueron supuestamente abusados sexualmente por Jackson.

Michael Jackson tuvo muchos escándalos a lo largo de su vida; uno de ellos fue el caso de Jordy Chandler, el cual desató un importante caso judicial en 1993, conocido como "People vs. Jackson", en el que el famoso cantante resultó inocente, a pesar de las muchas pruebas encontradas en su contra. Ahora HBO se encarga de distribuir un documental sobre dos hombres que dicen haber sido víctimas de abusos sexuales del cantante, lo cual no solo hace que la audiencia reviva el famoso caso, también hace cuestionar la necesidad de elaborar un documental que en vez de mostrar pruebas, solo presentan a dos personajes contando su historia de vida.

En el documental, los protagonistas principales son el coreógrafo Wade Robson y James Safechuck, dos niños quienes supuestamente fueron víctimas de abusos sexuales por parte del artista, y convirtiéndose en dos de los primeros niños que el artista invitó mientras construía su famoso rancho llamado Neverland. Robson y Safechuck hablan de cómo conocieron al artista, cómo su amistad se convirtió en un abuso que ninguno de los dos no tuvo el coraje de detener hasta que se dieron cuenta que ese tipo de relación no era normal.

Antes de ver este documental, mi mayor temor es que cambiara mi punto de vista sobre la imagen que mi fanafismo por Michael Jackson había creado. No solo quería mantener la idea de que Michael Jackson fue más bien una víctima de los abusos de su padre para que mantuviese su carrera acorde a como él quería, sino también de que era un artista bien solitario debido a la fama que tenía. Pero mis comentarios hacia el documental no tienen nada que ver con este fanatismo, sino más bien a mi visión como cineasta.

Lo primero es que esto no es un documental. Es más bien una narración de cuatro horas de dos personas y sus familiares, hablando sobre sus vidas personales, los que les apasionaba, sus problemas familiares y cómo Michael Jackson fue un escape de sus vidas aburridas a un mundo de comodidades, con el triste precio de que los niños se convirtieran en "parejas sexuales" de Michael. El hecho de que el "documental" se divide en dos partes, y que ninguna enseña prueba algú audiovisual, fotografía, audio o incluso alguna imagen que compruebe estas revelaciones que los entrevistados dicen, hacen que yo dude de su credibilidad. Un documental normalmente contiene material adicional a las narraciones de las entrevistas, e incluso esto es lo que logra apoyar el contenido de la historia; sin embargo, en momentos las escenas son solamente ellos hablando frente a la cámara y repitiendo una y otra vez las mismas imágenes de James y Wade con Jackson.

También están las contradicciones en sus propios testimonios. Algunas de las confesiones de James son confusas debido a que él dice que los sucesos toman lugar en Neverland, cuando Neverland no estuvo terminado hasta un tiempo después de lo que él cuenta; también suena extraño como ambos personajes mantuvieron una comunicación con Jackson aún años después de los supuestos abusos; y lo más bizarro de todo fue el hecho de que Wade, su madre y su hermana abandonaran su familia en Australia para venirse a vivir con Jackson y luego quedarse a pesar de que el artista puso "distancia" entre ellos.

Y así como los argumentos son confusos, la producción en sí muestra un tono distinto. Las tomas parecen más bien de un documental de aventura, y la musicalización de Chad Hobson tiene un estilo parecido a Disney y otras producciones que buscan más bien llamar a un público joven. Este diseño se aleja de la verdadera tonalidad que pretende y confunde con facilidad.

Pero aún más desilucionante es la estructura del documental: es aburrida y monótona; no muestra nada que no se vaya a encontrar en YouTube o Google; además que no sorprende con nada. Las narraciones se sienten muy ensayadas y muy similares, en términos de "cómo sucedió". Y a pesar de querer dar toda la verdad, esta verdad parece innecesariamente larga, pues al final resulta un documental de dos partes; dos horas cada una. 

Leaving Neverland es en realidad decepcionante. No tiene pruebas ni lógica. Pierde con facilidad su foco de desenmascarar los secretos pedófilos de Michael Jackson, para enfocarse en la vida de dos personas que, más que temerle y sentirse víctimas de sus "abusos", suenan como dos hombres frustrados que parecen haberse enamorado profundamente del artista y que, una vez se sintieron reemplazados, quisieron presionar una relación que obviamente sería pasajera. No estoy diciendo que Michael era perfecto como ser humano, pues todos los artistas tienen un lado oscuro, pero si no me lograron convencer con un juicio penal de dos años, esta precariedad de pruebas solo me hace sentir que perdí cuatro horas de mi vida.

Crítica Cinéfila: A Private War

La historia de la periodista de guerra Marie Colvin, quien consiguió adentrarse el invierno de 2012 en Siria para cubrir la guerra civil. Colvin y el fotógrafo Rémi Ochlik fueron asesinados por un artefacto explosivo improvisado, mientras los medios de comunicación oficiales huían ante el bombardeo del ejército sirio.

Así como cubrir noticias o eventos sobre guerras y batallas puede ser difícil para el periodista, así mismo realizar este tipo de películas puede ser brutal para su director y/o guionista. Debe estar de acuerdo con sumergirse en una historia donde la sangre y el sufrimiento es constante, y la paz humana es escasa. Por suerte, Matthew Heineman junto al guionista Arash Amel lograron entender esto, dándose la tarea de contar la historia de Marie Colvin, una de las periodistas más importantes de estos últimas décadas, y con esto no solo logran retratar sus trabajos más destacados, sino también presentar el lado amargo de la humanidad, y cómo muchos le dan la espalda a esto, mientras que la minoría (los que verdaderamente están interesados) arriesgan sus vidas con tal de dar una pizca de esperanza y/o ayuda.

En 1986, Marie Colvin comenzó una carrera como corresponsal de guerra, teniendo que vivirlos desde el punto de batalla, y en casi cada uno de los conflictos desde la guerra de Iraq hasta Afganistan y Siria. Ella fue una reconocida periodista del diario The Sunday Times, quién cubría las historias de guerras de países tercermundistas. Ganó diversos premios de periodismo por su dedicación a la hora de hacer eco de las situaciones que ocurrían en diversos países del mundo, perdió la visión y movilidad de su ojo derecho al ser blanco de los enemigos mientras cubría la pobreza extrema que aún se vive en Sri Lanka en medio de una guerrilla indocumentada, enfrentó a Gaddafi durante una entrevista exclusiva que le hizo momentos antes de que este fuese asesinado, y no se puede dejar de mencionar ser la única periodista que se atrevió a transmitir en vivo en medio del “campo de batalla” que acontecía en Homs, Siria. Falleció en el año 2012, junto al fotógrafo Remi Ochlik, mientras los medios de comunicación oficiales huían ante el bombardeo del ejército sirio. Y aún así, en sus últimos reportajes, ella se preguntaba si estaba logrando algún tipo de referencia mientras cubría las guerras.

Una vez más, la actriz Rosamund Pike deja a la audiencia sin aliento con su increíble interpretación de Marie Colvin. No solo supo encarnar las características físicas del personaje, donde a la vez debe reconocerse el trabajo de maquillaje, peinado y vestuario, pero también en cuanto a su actitud determinada y arriesgada, donde el miedo era mayor cuando no se veía a sí misma en ese tipo de situaciones. Pike asume la personalidad tan específica de Colvin, y se apodera de la atención de cualquiera con tan solo sus lentas narraciones mientras escribía sus artículos, con sus decisiones tan determinadas pero a la vez peligrosas, e incluso cuando finalmente encontraba algo de placer en un nuevo hombre. 

Se puede decir con seguridad que la actriz se enfocó en establecer los miedos de Colvin de una manera casi indirecta, pero en realidad este mérito se lleva el guionista Arash Amel, quien además de describir al detalle cada uno de los escenarios bélicos donde Colvin estuvo, también se enfocó en sus guerras internas, haciéndole honor al nombre de la película, y especificando que, a pesar de ver tantas muertes, la verdadera guerra que vive constantemente es el miedo de no ser capaz de hacer más de lo que ya hace. Por esa misma razón, las historias de Colvin se enfocaban en las personas y no en la situación, buscando siempre un protagonista de sus coberturas, y no una víctima.

Del mismo modo, hay que reconocer el diseño de producción de las diferentes escenografías, que retrataban a la perfección esas ciudades del tercer mundo donde ella cubrió guerras, casi cuestionando si estos fueron construídos en su totalidad, o si son imágenes de archivo utilizadas para complementar la película. Pero sin importar cual de los dos, logra dejar la impresión que estos hechos lograron causar en miles de personas que leían y veían estas noticias a través de los distintos medios, e incluso de aquellos que estuvieron cerca de esos sucesos. Así mismo, se complementa por una banda sonora que deja la piel de gallina a cualquiera, compuesta por Scott Salinas quien además de hacer honor a la sensibilidad del tema, crea himnos de luchas para esas sociedades que fueron afectadas mientras hechos acontecían.

Es una decepción que A Private War no ha recibido mayor reconocimiento cinematográfico, pues el equipo detrás de cámara y el elenco hacen un increíble trabajo técnico y narrativo para lograr transmitir esos sentimientos de decepción humana y tristeza que la misma historia de la humanidad ha marcado a través de los años.

Crítica Cinéfila: Can You Ever Forgive Me?

Sigue la historia de Lee Israel, una respetada biógrafa en decadencia que comienza a falsificar cartas de escritores y celebridades fallecidas con el fin de pagar el alquiler. Cuando las falsificaciones empiezan a levantar sospechas, Israel roba y vende las verdaderas cartas de los archivos sin saber que el FBI está investigando el asunto.

Todo comediante necesita al menos un rol "serio" en su carrera para obtener respeto, y aunque Melissa McCarthy ganó una nominación al Oscar por su actuación en "Bridesmaids" y ha sido una estrella crítica desde entonces, ella también lo ameritaba. Nos la ganamos con "Can You Ever Forgive Me?", un drama inesperadamente profundo e increíblemente verdadero en el que interpreta a Lee Israel, una miserable escritora de Manhattan que recurrió a la falsificación de cartas de escritores famosos para pagar el alquiler y sus deudas, y donde encontró la base de su libro más exitoso en el proceso. 

Aún así, dotada y con el ceño fruncido durante casi todo el tiempo de carrera, McCarthy gana casi tantas risas interpretando a esta malhumorada escritora como lo hace en su parte de comediante más irreprimible. Pero, por supuesto, es el lado humano del personaje el que hace la mejor actuación de McCarthy hasta la fecha, revelando ideas inquietantes sobre la amistad, la soledad y la inseguridad creativa. Que lo haga desde una perspectiva únicamente femenina es una ventaja en este momento en particular.

La historia comienza con Lee llegando al lujoso apartamento de su agente en Nueva York. Allí, en el centro de la sala, está Tom Clancy, quien se da cuenta de que "el bloqueo del escritor" es un término inventado por la comunidad de escritores para justificar su pereza. Lee se burla de ella cuando pasa pero es un momento revelador. Como dice el dicho: "Señor, dame la confianza de un hombre blanco mediocre". Aunque nunca se enfoca en nada, esta película, coescrita por una mujer (Nicole Holofcener) y dirigida por una también (Marielle Heller), recuerda de manera conmovedora que los hombres nunca parecen apreciar las ventajas que todavía tienen, incluso si nadie hizo las cosas más difíciles para Lee Israel que Lee Israel las hizo para ella misma.

Antes de 1991, la autora de 51 años disfrutó de algunos éxitos editoriales y escribió biografías de artistas como Tallulah Bankhead, Dorothy Kilgallen y Estée Lauder. Pero nadie quería su próximo libro, que iba a ser sobre la comediante de vodevil Fanny Brice, y se estaba desesperando, lo que en el caso de Lee significaba que su comportamiento ya desagradable se volvió aún más combativo con las pocas personas que estaban a su alrededor.

En un giro que parece un poco demasiado fortuito cuando se encuentra con un par de cartas escritas por Brice mientras investiga su tema, las roba de la biblioteca y las vende a una dueña de una librería local (Dolly Wells) por una buena suma: aún más agradable es cuando logra vender una segunda carta a la cual le ha agregado una ingeniosa posdata de su propia invención. Y así comienza un pasatiempo lucrativo de componer letras "escritas por" sus figuras literarias favoritas, cartas cuyo valor se escala en proporción directa a su contenido.

 

Como la propia Lee era una escritora frustrada, canalizó su ingenio en su trabajo, permitiendo que la difunta Noël Coward, Lillian Hellman y Dorothy Parker se hicieran cargo de algunos de sus mejores zingers (como el que le da a la película su título). Sea cierto o no, se dice que Hunter S. Thompson ha vuelto a escribir "The Great Gatsby" de F. Scott Fitzgerald para tener una idea de cómo se sentía escribir una obra maestra. Quizás Lee Israel tuvo una experiencia similar en canalizar las voces de sus ídolos. En muchos sentidos, su libro más famoso es el que escribió sobre el período de tres años, durante el cual falsificó más de 400 cartas (incluso llegando a robar y copiar algunas de los archivos).

Pero eso es ignorar el beneficio más inmediato que McCarthy transmite en la película: Lee era una persona increíblemente solitaria, ya que había alienado a su antiguo amante (quien aparece al final de la película en una escena que sugiere que la amarga Lee había reescrito su propia historia), y sin embargo, se abrió un poco durante sus días de escribir cartas. Fue entonces cuando Jack Hock (Richard E. Grant, crepitante en su papel más escandaloso desde "Withnail & I"), un alcohólico y artífice de Nueva York que se convirtió en amigo y cómplice durante este período, ayudando a Lee a vender sus cartas después de que los distribuidores empezaron a sospechar.

Viendo el tráiler de "¿Me puedes perdonar alguna vez?", uno tiene la impresión de que Fox Searchlight está tratando de ocultar (o al menos restar importancia) al lado homosexual de esta historia: Lee era lesbiana, mientras que el abiertamente gay Jack no puede pasar una boca de incendios sin pedir su número de teléfono. Juntos, hacen un dúo fabuloso, un par de forasteros que emite hilarantemente un juicio sobre la sociedad educada, que se consienten platonamente con la compañía del otro, que iban a bares y se divertían haciendo llamadas maliciosas a las personas que odiaban, en lugar de exponerse románticamente. (aunque Jack disfruta de sus lanzamientos, el viejo rapscallion). McCarthy hace que el deseo de compañía de Lee se sienta en una serie de visitas a su librería favorita, que culmina en una cita con el personaje de Wells que ella, con bastante dolor, logra sabotear (el marido de la vida real de McCarthy, Ben Falcone,

Ciertamente, Heller muestra un enorme afecto por Lee, a quien la mayoría de nosotros probablemente no podríamos soportar si nos encontramos con ella en la calle. Tampoco querríamos pasar dos minutos en su apartamento: un paraíso para las ratas, repleto de archivadores y lleno de moscas, donde se han acumulado años de excrementos de gatos debajo de la cama. Confeccionados casi completamente de marrones de color polilla y telas grises con apariencia de picazón, el vestuario y el diseño de producción contribuyen enormemente a la definición del personaje de McCarthy (uno quiere desesperadamente abrir las ventanas de la película para que entre un poco de aire fresco), aunque toma a una actriz tan encantadora como ella para hacer que una mujer así no solo sea perdonable sino que sea absolutamente amable.

On the Basis of Sex

Ruth Bader Ginsburg, junto a su esposo Martin Ginsburg, cambió el curso de la historia con un singular caso sobre discriminación de género que abrió el camino para la igualdad en los Tribunales.

La humanidad cambia a la humanidad. Es parte del ritmo de la historia. Pero aún más impresionante es cuando un grupo considerado minoritario se encarga de lograr esos cambios, independientemente de quien esté al lado de ellos apoyándoles. Ruth Bader fue una de esas que se animó a gritar por un cambio, no a beneficio de ella, pero a beneficio de quienes reclamaban sus derechos. Para muchos estadounidenses, esta película biográfica jugará más como un cuento de origen de superhéroes a nivel judicial que un drama. A los 85 años, Ruth sigue siendo una de las pocas esperanzas progresivas para evitar que la corte suprema sea consumida por el actual jefe de estado.

On the Basis of Sex es un biopic sobre la vida de la jueza del Tribunal Supremo de los EE. UU., muchos años antes de que pudiese a conocer, e incluso mucho antes de que las mujeres fueran verdaderamente consideradas para posiciones de trabajo como abogadas. Ruth, quien se inscribió en la escuela de derecho de Harvard para entender el trabajo de su esposo, pero se terminó enamorando de la carrera. Después de ser discriminada clase tras clase por el hecho de ser mujer, Ruth resaltó para demostrar de que no solo era capaz de ser abogada, sino también que podía ser una luchadora por los derechos humanos. Esto fue aún más obvio cuando su esposo le presentó el caso de un hombre que se le estaba denegando la deducción de impuestos de enfermería por el hecho de que este beneficio solo lo recibían las mujeres. Aquí no solo tuvo que finalmente pararse en una corte por primera vez sino también enfrentarse a muchos hombres que hasta ese día la habían tratado de denigrar en diferentes formas por su género.

La estrella de cine que interpreta a Kiki de 1956 a 1975 es la actriz británica y siempre valiente Felicity Jones, cuyo acento de Brooklyn no puede competir con el de Justin Theroux, criado en DC, que aporta cierta aspereza a la caracterización de Brusque y Director Legal de ACLU Mel Wulf. El coprotagonista principal de Jones es el batido reinante de la pantalla, Armie Hammer, quien interpreta a su esposo Marty Ginsburg como compañero de ayuda, ensueño, santo a tiempo parcial y abogado de impuestos del crackerjack.

La directora Mimi Leder y el guionista Daniel Stiepleman (sobrino de Ginsburg) encierran todos los incidentes cubiertos por la película en una plantilla familiar de Hollywood, simplificando y glamorizando todo el camino. Esta es una película para personas que piensan que lo peor de "Kiki" Ginsburg, como la llamaban sus amigos y familiares, es que no se parece a una estrella de cine.

El trailer casi convence a la audiencia de que esta película iba a ser un desastre narrativo, casi cayendo en la categoría de los peores trailers producidos en este año; no obstante, la película terminó siendo una sorpresa agraciada. El guion esta bien elaborado, desarrollándose a un ritmo que delata los altos y bajos del personaje y retratando crímenes morales que se vivían en esta época. No obstante, demuestra ser el debut de un escritor.

La película estaba programada para protagonizar a Natalie Portman bajo la dirección de Marielle Heller, una combinación tentadora que, desafortunadamente, no logró ser. Aparte de Portman o quizás de Debra Winger, hace 30 años, es difícil pensar en otras actrices ideales para el papel y, lamentablemente, no es Felicity Jones. El hecho de que se le haya permitido dejar pasar algunas inflexiones vocales notablemente británicas es un punto menor en comparación con su actitud seria y persistente que varía poco. Por supuesto, estos son rasgos que la mujer real tiene en abundancia, pero cualquiera que haya visto el maravilloso documental RBG, estrenado en este año, sabe que hay mucho más para ella que eso, incluido, para empezar, un encantador sentido del humor y una manera astuta y poco convencional que sugiere que siempre tiene algo bajo sus mangas judiciales.

Presumiblemente conociendo a su tía toda su vida, el guionista Daniel Stiepleman comienza su relato en 1956, cuando, ya casada y con una hija pequeña, Ginsburg se convirtió en una de las nueve mujeres de una clase de más de 500 hombres que ingresaron en la Escuela de Derecho de Harvard. ese año. Este es solo el primero de muchos de los momentos más emocionantes que el guión ha logrado obtener, y lo que sorprenderá a las audiencias más jóvenes que no conocen las normas de hace medio siglo.

La película, naturalmente, está estructurada sobre los obstáculos enfrentados y saltados; no obstante, no es más astuta y menos común. Las escenas en sí mismas son perfectamente presentables y los casos en cuestión apenas pueden ser más claros, pero el sentimiento persiste en los puntos marcados, tanto para dar a Ginsburg su A+, como para asegurar que el público recibe una gratificación constante con respecto a su visión de derecha.

Jones se aplica con seriedad y energía para cubrir las bases de la seriedad de propósito de Ginsburg, la frustración inicial de la carrera y la claridad final de la visión de cómo puede hacerse cargo de una identidad importante y un papel público para ella. Pero incluso la exposición moderada a la personalidad de la mujer real revela un lado malicioso, humorístico y juguetón latente que solo se vislumbra momentáneamente en la película, y que solo es presentado por su esposo, quien, a pesar de la infinita simpatía de Hammer, se queda con lo que solía hacer, ser el papel de "esposa" unidimensional.

Kathy Bates es una presencia bienvenida en un excelente cameo como la pionera feminista y líder de los derechos civiles Dorothy Kenyon, mientras que Cailee Spaeny trae una fuerte rebelión a la precoz hija adolescente de los Ginsburg.

El enfoque dramático aquí es claro, eficiente y totalmente sensacional, con poco tiempo para cualquier cosa que pueda distraer el esfuerzo hagiográfico en juego. Su único propósito es ennoblecer y proclamar a una heroína. Pero lo hace otorgando un drama notablemente simplificado.

Operation Finale

15 años después de la Segunda Guerra Mundial, un equipo de agentes secretos se reúne para rastrear a Adolf Eichmann, el infame arquitecto nazi del Holocausto, que había escapado de la justicia tras la guerra. (FILMAFFINITY)

Cuando los Aliados marcharon hacia Berlín en la primavera de 1945 y quedó muy claro que el Tercer Reich se derrumbaría, Hitler, Goebbels y Himmler se suicidaron en lugar de ser capturados vivos. Adolf Eichmann no lo hizo. El arquitecto de sangre fría de "la solución final" huyó con su familia a Argentina. Su captura tendría que esperar casi 15 años. La historia de su alto secuestro secreto por parte de un equipo de agentes de inteligencia israelíes y su audaz misión de llevarlo a Jerusalén para ser juzgado por sus crímenes es la verdadera historia que impulsa "Operación Finale" de Chris Weitz .

El thriller dramático basado en hechos reales, protagonizado por el ganador del Oscar Ben Kingsley y el ganador del Globo de Oro Oscar Isaac, detalla la osadía y brillantemente ejecutada misión para capturar a Eichmann. Quince años después del final de la Segunda Guerra Mundial, la agencia de inteligencia israelí Mossad y la agencia de seguridad Shin Bet, liderada por el incansable y heroico agente Peter Malkin, lanzaron una audaz incursión secreta para capturar al famoso Eichmann, quien había sido reportado muerto en el caos tras el colapso de la Alemania nazi pero, de hecho, vivía y trabajaba en un suburbio de Buenos Aires, Argentina bajo una identidad asumida junto con su esposa y dos hijos.

Monitoreando su rutina diaria, Malkin y sus agentes planean y ejecutan el secuestro bajo la sombra de la oscuridad a pocos metros de la casa de Eichmann. Decididos a escabullirse de Argentina para enfrentar un juicio en Israel. Malkin y Eichmann se involucran en un intenso y apasionante juego del gato y el ratón.

Una vez que Eichmann es vendado y atado en el último piso de la casa de seguridad del grupo, la película se convierte explícitamente en cómo uno debe tratar con los sospechosos de crímenes inhumanos. No solo sobre cuestiones de tortura o ejecución sin el debido proceso, sino incluso preguntas más difíciles sobre si reconocemos que aquellos que hacen cosas horribles siguen siendo seres humanos identificables, y si interactuar con ellos a nivel humano nos pone en peligro o nos salva de nuestros peores instintos .

En la narración de la película, tratar con Eichmann es necesario porque El Al, la aerolínea que enviaría al equipo disfrazado de regreso a Israel, decidió que no cooperaría a menos que firmara un documento diciendo que iría voluntariamente a Israel para enfrentar un juicio. La cuestión de la falsificación apenas es abordada por el equipo, ahora atrapado en una casa con el hombre que odian: ¿Pueden batirle una firma? ¿Le obsesiona con la privación y el interrogatorio pasado de moda? ¿O podría simplemente estar convencido?

Malkin se convierte en el actor crucial aquí a medida que pasan los días. En vez de tratar a Eichmann de manera tortuosa, decide ser "amigable" con él, afeitándole, dándole de comer, y hablándole de su vida. Kingsley ofrece moderación, proyectando a lo sumo una indignación intelectual cuando Eichmann argumenta que no debe ser juzgado por personas cuyas mentes están inventadas de antemano. Es allí donde la química entre Kingsley e Isaac se hace aún más notoria, pues no solo se encierran a la relación de captor y prisionero, sino a crear una empatía obvia el uno por el otro que produce las sacudidas de electricidad más cargadas de la película, terminan salvando la situación y obteniendo la muy necesaria firma de Eichmann para lograr escapar a tiempo antes de ser encontrados por militares nazis. 

A pesar de que hay otras películas de secuestro/rescates más dramáticas y angustiosas (como Argo), o películas más dramáticas sobre el Holocausto (Schindler's List, Sophie's Choice), el drama se beneficia de un reparto fuerte y puede reemplazar fácilmente a "The Man Who Captured Eichmann" de 1996, que presenta este mismo episodio de la historia humana.

Operation Finale nunca alcanza la intensidad emocional, debido a una banda sonora que desconecta con mucha facilidad, y que en ocasiones es salvada por una escenografía que traslada a cualquiera a esa época, pero lo que verdaderamente intercede para que la película logre la transmitir el mensaje de justicia y venganza, es la increíble actuación de sus protagonistas, las secuencias de acción limitadas pero suficientes para contar la historia y ese cierre de mal sabor de que estas historias solo nos recuerdan los terribles pecados de la humanidad.