Crítica Cinéfila: Train Dreams

Robert Grainier es un jornalero que trabaja en la construcción del ferrocarril en el Oeste americano a principios del siglo XX. Golpeado por la tragedia, lucha por adaptarse a su nuevo entorno.

Una nube negra y maldita sigue al obrero de Idaho, Robert Grainier, en la reflexiva adaptación del director Clint Bentley, "Train Dreams". Comenzando con una toma en primera persona de un árbol talado que cae muerto al suelo, la cámara fija en el lugar donde fue talado teje mucho dolor y sufrimiento en la vida de Grainier, interpretado con alma endurecida por un impresionante Joel Edgerton. 

Robert pasa de obrero a leñador del ferrocarril de Spokane, constantemente puesto a prueba por una naturaleza que parece tener más control sobre el destino humano que las propias personas. Coescrita por Bentley con Greg Kwedar, "Train Dreams" se nutre de sus indagaciones filosóficas sobre la aleatoriedad terrenal de los eventos que conforman una vida. El efecto, amplificado por una hábil artesanía y una atención al detalle incluso en los rincones más desenfocados de una toma, te deja sin aliento.

“Train Dreams” parte de la novela corta de Johnson, que se mueve discursivamente a través del tiempo donde la película de Bentley, además de visiones proféticas de un futuro ardiente, se mueve en una línea más recta. La culminación es una biografía de la vida adulta de Robert, comenzando en el verano de 1917 en Idaho y terminando en Washington en 1968, el año en que el Apolo 8 dio la vuelta a la Luna y regresó. El equipo maderero de Robert está formado por itinerantes bruscos que también albergan el racismo estereotipado de los estadounidenses de clase trabajadora rural en medio de la ola de inmigración de principios de siglo. Un incidente que involucra a un trabajador chino, en el que Robert está implicado como testigo, lo perseguirá por el resto de sus días en la Tierra, incluso en forma sobrenatural.

La vida de Robert cambia con la llegada de Gladys (Felicity Jones). Ambos se enamoran perdidamente, y los "sueños de tren" flotan a lo largo de sus primeros años juntos, incluyendo el nacimiento de su hija, Kate. Sin embargo, en una película donde visiones alucinatorias de incendios forestales atacan los sueños de Robert, otra tragedia siempre está a la vuelta de la esquina. El supersticioso Arn Peeples (un William H. Macy tragicómico) también presagia fatalidad en una película donde ramas y arbustos a menudo caen sobre las personas repentinamente, matándolas o dejándolas en un estado de aturdimiento que eventualmente se convertirá en la muerte.

"El mundo no deja de necesitar arreglos", le dice un compañero de trabajo a Robert después de que tres hombres mueren en el trabajo. Arn, por su parte, se inclina a entablar conversaciones existenciales junto a la fogata, donde Robert se deshace en elogios sobre "la novedad de la experiencia". De hecho, "Train Dreams" es una película que busca sumergir al público directamente en la novedad (y a veces en la monotonía) de las experiencias de su protagonista, prácticamente poniendo la cámara en primera persona. Cuando Gladys acaricia la barba de Robert o le recorre la espalda con los dedos, casi se puede sentir.

Bentley y el director de fotografía Adolpho Veloso también sumergen al público en los detalles táctiles y la artesanía de la tala, con Robert aserrando con una determinación insensible mientras se ve obligado una vez más a estar lejos de su esposa e hija. Robert es un hombre con niveles de mala suerte cósmica como los de Job, y la revelación episódica de sus desgracias puede poner a prueba a algunos espectadores, pero créanme, están poniendo a prueba a Robert mucho más. Edgerton, el actor australiano más celebrado por su interpretación del demandante blanco en un caso de matrimonio interracial en "Loving", mantiene las emociones en secreto hasta momentos en que finalmente se abre. Como una escena en la que llora después de abatir un ciervo, la casi perversa proximidad de su vida con la muerte se vuelve demasiado insoportable al ver a otra criatura caída.

Bentley demostró su talento para la inmersión con su largometraje de 2021, "Jockey", cuyo protagonista, Clifton Collins Jr., aparece brevemente en "Train Dreams" como un viajero sediento de la península. Ese mismo realismo también se puede apreciar en "Sing Sing", donde los coguionistas y productores Bentley y Kwedar incorporan a un elenco de exconvictos reales al drama sobre un centro penitenciario, que adquiere una fuerza casi documental. "Train Dreams" posee ese mismo sello de realismo, como el comerciante nativo (Johnny Arnoux), cuya generosidad rescata a Robert en uno de sus momentos más bajos.

“Train Dreams”, en general, es una película solitaria, con Edgerton presente en cada escena, y las experiencias más íntimas de su vida posterior a menudo residen en sueños. Algunos personajes aparecen y desaparecen como producto de la imaginación de Robert, algo que él mismo cuestiona a menudo. Kerry Condon interpreta a Claire, una guardabosques con quien Robert tiene una conexión platónica, quien se convierte en una especie de espejo en el que Robert finalmente puede desahogar su dolor reprimido tras una tragedia anterior a gran escala. Sus años de dolor son como una alcantarilla obstruida que necesita ser vaciada desesperadamente. 

Algunas de las introducciones de tecnología de mediados de siglo en la película (motores que sustituyen a las máquinas de vapor, puentes de hormigón y acero en lugar de los de madera) no son tan fluidas, pero eso solo contribuye a la sensación de surrealismo que rodea a "Train Dreams". Por momentos, da la sensación de que la película misma es un sueño febril, embrujado por una banda sonora de Bryce Dessner, quien es la mitad de la banda The National y se perfila como uno de los grandes (e instantáneamente reconocibles) compositores de música para cine.

Los ritmos oníricos de la película no siempre aportan mucho a la trama, pero eso rara vez interesa a Bentley y Kwedar, quienes aquí se dedican más a evocar la sensación de subjetividad. Y qué impresionante que la estrella australiana Edgerton aporte una auténtica sensación de americanidad a esta historia, haciéndote preguntarte qué habría hecho en la visión más europea de Estados Unidos de "The Brutalist" si los conflictos de agenda no lo hubieran obligado a abandonar. (Originalmente iba a interpretar el papel de Adrien Brody). La presencia de Felicity Jones es encantadora aquí como una presencia casi sutil en la vida de Robert.   

Con una economía de elementos narrativos y una escenografía —donde la mayor parte de la película transcurre en la naturaleza—, Bentley ha creado una película conmovedora sobre cómo cada momento tiene valor. Pero, al mismo tiempo, esos momentos siempre están a punto de evaporarse o desvanecerse.   

Crítica Cinéfila: The Brutalist

Huyendo de la Europa de la posguerra, el visionario arquitecto László Toth llega a Estados Unidos para reconstruir su vida, su obra y su matrimonio con su esposa Erzsébet tras verse obligados a separarse durante la guerra a causa de los cambios de fronteras y regímenes. Solo y en un nuevo país totalmente desconocido para él, László se establece en Pensilvania, donde el adinerado y prominente empresario industrial Harrison Lee Van Buren reconoce su talento para la arquitectura. Pero amasar poder y forjarse un legado tiene su precio...

El pasado cobra vida como un mundo envolvente en "The Brutalist", el tercer largometraje de Brady Corbet como director, de estilo novelesco y visual granuloso, sobre un hombre de genio que llega a probar el sueño americano, pero también siente la dolorosa humillación de una bienvenida condicional que se vuelve áspera. Esta extensa historia de un brillante arquitecto judío húngaro formado en la Bauhaus que sobrevive a la Segunda Guerra Mundial y comienza una nueva vida en Pensilvania es una originalidad provocativa.

Escrita por Corbet con su compañera y colaboradora habitual Mona Fastvold, "The Brutalist" se acerca más a las ideas agitadas de una mente que ha pasado por un sinnúmero de traumas y representa un gran salto de alcance, contemplando temas tan sustanciosos como la creatividad y el compromiso, la identidad judía, la integridad arquitectónica, la experiencia de los inmigrantes, la insularidad arrogante del privilegio y el largo alcance del pasado. Con una duración de tres horas y media repleta de acción, incluido un intermedio con entreacto, esta cautivadora película le ofrece a Adrien Brody su mejor papel en años, como el talentoso arquitecto László Tóth, llevado a través de la puerta de la fortuna por un magnate rico ansioso que financia el proyecto de sus sueños y luego brutalmente reducido a la nada cuando su patrón está disgustado.

Brody se vuelca en el personaje con una inteligencia desbordante y un fuego interior, sin guardarse nada mientras transmite visceralmente tanto los momentos de júbilo como las tristezas desgarradoras. Su exigente trabajo de acento por sí solo es una medida de su compromiso con el audaz proyecto. 

El comienzo nos sacude de inmediato y nos sumerge en una atmósfera de ansiedad mientras László es empujado de un lado a otro en un vagón de barco abarrotado de gente; el diseño de sonido estremecedor sugiere la pesadilla de su terrible experiencia. Sobre las turbulentas notas de la poderosa banda sonora de Daniel Blumberg, se escuchan en off cartas de la esposa del arquitecto, Erzsébet (Felicity Jones), de quien se separó durante el internamiento, que detallan su situación en un campo de desplazados en Hungría con la sobrina de László, Zsófia (Raffey Cassidy). László se encuentra a bordo de un barco con destino a Estados Unidos, con planes para que Erzsébet y Zsófia lo sigan.

Las escenas de llegada a Ellis Island son un elemento básico de los dramas sobre inmigración, pero los desconcertantes ángulos desde los que la directora de fotografía Lol Crawley filma la Estatua de la Libertad cuando aparece ante sus ojos parecen presagiar tanto la euforia de la liberación como los desafíos que se avecinan. Las miradas vacías de los pasajeros reunidos, que apenas pueden seguir las instrucciones en inglés de los funcionarios del puerto, brindan una imagen inquietante de personas para quienes la libertad conlleva miedo.

Después de un encuentro rápido y notablemente gráfico con una trabajadora sexual inmigrante, László viaja a Pensilvania, la capital de la industria. Allí se reencuentra cálidamente con su primo Attila, interpretado por Alessandro Nivola, con sutiles indicios de una generosidad fraternal que tiene límites. El olvido del viejo mundo es evidente en su acento moderado, su esposa Audrey (Emma Laird) y en el nombre de la tienda de muebles de la pareja, Miller & Sons: "Aquí a la gente le gusta un negocio familiar". Incluso se convirtió al catolicismo antes de casarse.

Harry (Joe Alwyn), un nuevo cliente potencialmente importante, contrata a Miller & Sons para rediseñar la lúgubre biblioteca de la mansión de su familia como una sorpresa para su padre, Harrison Lee Van Buren (Guy Pearce), que está de viaje de negocios. Attila confía el proyecto a László, y el arquitecto contrata a Gordon (Isaach De Bankolé), un joven padre soltero negro a quien conoció en una fila en busca de ayuda humanitaria, como ayudante de construcción. El perfeccionismo del arquitecto causa retrasos, pero la transformación resultante crea un refugio de serenidad y luz, con la valiosa colección de primeras ediciones de la habitación inteligentemente protegida de daños. La reacción de Van Buren Sr. no es la sorpresa que su hijo pretendía. No le impresiona la nueva biblioteca y se enfurece al encontrar su casa patas arriba y a “un hombre negro” en su propiedad, y despide a los contratistas en un ataque de furia.

Cuando Harry se niega a pagar debido a los daños en el techo, Attila culpa a su primo. Audrey ya ha estado presionando a László para que se vaya desde una supuesta transgresión durante una noche de borrachera en su casa. Attila usa esa tensión como una justificación adicional para echarlo. Aterriza en un refugio con Gordon, aceptando trabajos de construcción para sobrevivir y usando opio para adormecer el dolor de sus heridas de guerra.

László se sorprende cuando Harrison aparece en una obra en construcción con un ejemplar de la revista Look con una serie de fotografías que describen la biblioteca como un triunfo del diseño minimalista. El millonario tiene una carpeta con información sobre el arquitecto, incluidas fotos de notables edificios proto-brutalistas que diseñó antes de la guerra. Dado que el Reich consideró que el trabajo de László y sus colegas era “no germánico”, se emociona hasta las lágrimas, ya que dio por sentado que todas las fotografías fueron destruidas.

Esa escena es una de las muchas en las que la respuesta emocional de László a la arquitectura indica la pasión afín del director por esta forma de arte en relación con su época. El protagonista ficticio se inspiró en parte en la vida de Marcel Breuer, y Louis Kahn y Mies van der Rohe también figuran entre las referencias de Corbet y Fastvold.

Harrison envía un coche para László el domingo siguiente, cuando éste se tambalea de regreso a casa después de una noche de excesos. Se encuentra en un almuerzo formal, donde un abogado judío se ofrece a ayudar a Erzsébet y Zsófia a llegar a Estados Unidos. Los invitados reciben instrucciones de seguir a Harrison mientras los conduce en un frío abrasador hasta la cima de una colina desde la que se puede ver todo Doylestown. Él comparte su visión de un gran centro comunitario que será diseñado por László, que se instalará en una casa de huéspedes en la propiedad mientras se lleva a cabo la construcción.

La compensación económica y la oportunidad artística marcan un punto de inflexión en la historia, al igual que la llegada de Erzsébet y Zsófia, la primera físicamente destrozada por la guerra y el hambre, y la segunda inicialmente muda por los horrores que vivió. Pero casi desde el principio, el proyecto soñado de László está plagado de dificultades, cada una de las cuales socava su sentido de control y su ego.

Al principio, el hecho de que Harry supervise el trabajo y no se esfuerce por disimular su desagrado por László no es más que una molestia. Pero cuando se contrata a un contratista y a otro arquitecto para evaluar los costes y los representantes de planificación urbana empiezan a plantear exigencias, László se siente obligado a cubrir los excedentes presupuestarios con sus propios honorarios. El proyecto se ve paralizado por un accidente ferroviario en el que se ve involucrado un tren que transportaba materiales, lo que hace que nos acordemos de la ira que mostró Harrison en su primera reunión.

La tensión en el matrimonio del arquitecto se alivia, pero no se resuelve, en una escena espectacular en la cama, durante la cual Erzsébet, en quizás el momento más fuerte de Jones, hace llorar a László al expresar lo bien que lo entiende. Lo apoya, pero no lo somete, y se enoja por la forma en que él la excluye de las decisiones que los afectan a los tres. Como dice más adelante, “László solo rinde culto en el altar de sí mismo”. Aunque un incidente degradante entre Harry y Zsófia se desarrolla fuera de la pantalla, a László no se le escapa y, aunque nunca se habla del asunto, presagia un acontecimiento impactante que ocurrirá años después, cuando se haya reanudado el trabajo en el proyecto. Ese momento culminante ocurre en Italia, donde Harrison acompaña a László a las canteras de mármol en las montañas de Carrera.

En un pasaje de una extraordinaria belleza, Orazio (Salvatore Sansone), un amigo y compañero de antes de la guerra, comparte sus profundos sentimientos sobre el mármol y su importancia para su época como combatiente de la Resistencia, sobre el peso del milagro geológico tanto en la historia europea como en la América fundacional. El hecho de que una declaración tan conmovedora preceda a la brutal degradación de László no hace más que amplificar su impacto demoledor. Los Van Buren son la quinta esencia de la corrupción moral engendrada por la riqueza y el poder; sólo la hermana gemela de Harry, Maggie (Stacy Martin), parece valorar la bondad genuina. 

"The Brutalist" se convierte en una crítica mordaz de las formas en que la clase adinerada y privilegiada de Estados Unidos gana prestigio a través del trabajo y la creatividad de los inmigrantes, pero nunca los considerará iguales. A pesar de las grandes declaraciones de Harrison sobre la responsabilidad de los ricos de cuidar a los grandes artistas de su tiempo, es un guardián cultural en un club excluyente. Despreciando la debilidad, termina por reducir a László a su mínima expresión con una crueldad que, en retrospectiva, parece predestinada desde ese primer encuentro. Pocas veces Brody ha estado mejor, pues aporta una tremenda seriedad, pero también un dolor que corroe el orgulloso sentido de sí mismo de László, su sentido de propósito y destino. Es una actuación imponente; ver al arquitecto tratado como basura es aplastante.

El papel de Jones parece casi marginal al principio, pero el personaje crece en estatura y fuerza a medida que la clarividente Erzsébet (solitaria, no bienvenida y trabajando arduamente en un trabajo que está por debajo de ella) hace una evaluación condenatoria de los Estados Unidos y su lugar en el país mientras su esposo se derrumba bajo presión. Alwyn hace uno de sus mejores trabajos, haciendo que Harry sea despreciable sin caer en la caricatura. Pero el verdadero protagonista del elenco secundario es Pearce en su forma imponentemente fría. Harrison es un visionario como László, pero su encanto practicado se ve socavado por una ausencia de humanidad.

La película está dedicada a la memoria del compositor Scott Walker, que murió en 2019 y compuso la música de las películas anteriores de Corbet. La conmovedora obra de Blumberg lo honra con ecos sutiles, evocando también comparaciones a veces con los bordes irregulares de Mica Levi o la solemne grandeza de Terence Blanchard. El editor David Jancso teje la extensa historia con un hilo conductor que nos lleva a lo largo del tiempo, incorporando material de archivo para el contexto histórico. Y la fotografía de Crawley es magnífica, más aún cuando se recorren los pasillos que parecen mausoleos del proyecto inacabado o los túneles de Carrera. Junto con la diseñadora de producción Judy Becker y la diseñadora de vestuario Kate Forbes, el director de fotografía muestra un ojo atento para los detalles, evocando el aspecto de los Estados Unidos de mediados de siglo con una verosimilitud de la época que parece viva, nunca congelada en ámbar.

"The Brutalist" es una película enorme en todos los sentidos, que cierra con un epílogo resonante que ilustra cómo el arte y la belleza surgen del pasado, trascendiendo el espacio y el tiempo para revelar una libertad de pensamiento e identidad a menudo negada a sus creadores.

Crítica Cinéfila: The Midnight Sky

Augustine (George Clooney) es un solitario científico que se encuentra en el Ártico, y que trata de contactar con una nave espacial que intenta regresar a la Tierra. Augustine quiere impedir que Sully (Felicity Jones) y sus compañeros astronautas regresen a su hogar, donde se ha producido una misteriosa catástrofe global.

Examinando un post-apocalipsis a través de los ojos de algunas almas que quedan para continuar con la raza humana, The Midnight Sky es una historia de supervivencia desigual pero, en última instancia, reflexiva y conmovedora. Dirigida por George Clooney, que interpreta a un científico moribundo en el Ártico que intenta ponerse en contacto con un equipo de astronautas que regresan y que no saben que la Tierra ha sido devastada, este drama de ciencia ficción no puede evitar recordar varias otras películas similares, desde Gravity a The Road; sin embargo, los temas de este guión a veces pueden ser bastante pedestre. Pero The Midnight Sky termina logrando el equilibrio adecuado entre sombrío y esperanzado, argumentando que la humanidad es igualmente capaz de destruirse y renovarse a sí misma.

El poder estelar de Clooney será un atractivo, al igual que un elenco de apoyo que incluye a Felicity Jones y David Oyelowo. Sin embargo, lo que es incierto es cómo responderán los espectadores a una película contemplativa sobre una catástrofe global mortal. En nuestros tiempos de pandemia, ¿ese complot llegará demasiado cerca de casa? Y de paso les insisto a algunos cineastas que tendrán que hacer una pausa a sus ansias de seguir creando estas historias. Por lo menos hasta dentro de tres años.

Ambientada a principios de 2049, The Midnight Sky está protagonizada por Clooney como Augustine, la única persona que queda en una base ártica después de que todos los demás han sido evacuados. Han pasado tres semanas desde que ocurrió un cataclísmico, solo conocido como 'El Evento', y aunque el espectador solo recibe pistas vagas, está claro que la superficie de la Tierra se ha vuelto repentina e irreversiblemente inhóspita. Agustín, que sufre de una enfermedad terminal sin nombre, quiere pasar el tiempo que le queda tratando de advertir a una nave espacial, liderada por Adewole (Oyelowo) y Sully (Jones), que regresa a la Tierra después de una misión en un planeta remoto. Mientras intenta inútilmente llamar a la nave, Augustine descubre que queda otra persona en la base: una chica muda llamada Iris (Caoilinn Springall).

Clooney trabaja a partir de la novela debut de Lily Brooks-Dalton "Good Morning, Midnight", y cuenta una historia que explora la conexión entre la vida y la muerte. El enfermo Augustine debe convertirse en un padre sustituto de esta joven, mientras Sully está embarazada del hijo de Adewole, emocionada de que su misión en este nuevo mundo haya resultado fructífera, el planeta puede sostener la vida, pero ignorante de lo que sucedió en su planeta de origen. Como director, Clooney tiende a exagerar las ideas centrales de sus películas, y eso es cierto aquí, pero el tono apagado ayuda a mitigar la obviedad de los puntos que está haciendo.

The Midnight Sky se divide entre sus dos historias: Augustine e Iris emprenden un arduo viaje a través del Ártico para encontrar un satélite más poderoso que pueda comunicarse con la nave espacial que regresa, y la tripulación de Adewole soporta su propio viaje desgarrador mientras intentan regresar a la Tierra. El guión, escrito por Mark L. Smith, coguionista de The Revenant, tiene que lidiar con el hecho de que ninguno de los hilos es particularmente original. Las aventuras de Augustine con la niña se remontan a muchos otros dramas de supervivencia postapocalípticos, mientras que las pruebas de los astronautas recuerdan a las de Gravity y The Martian. Es realmente la yuxtaposición de las dos narrativas, y su reconocimiento complementario de la humanidad de los personajes frente a grandes obstáculos, lo que le da a The Midnight Sky su modesta resonancia.

A pesar de algunos ritmos predecibles, incluido un giro que es fácil de adivinar tan pronto como se presenta, la película avanza mucho en la tranquila sinceridad de su elenco. Clooney está adecuadamente obsesionado como un científico ambicioso que se ha dado cuenta de que dejó pasar la vida ante sus ojos sin verdaderamente aprovecharla, y Jones es conmovedora como una futura madre que está lista para comenzar el próximo capítulo, solo para descubrir que el mundo que conocía se ha ido para siempre. 

The Midnight Sky emana un aire realista, prefiriendo una ciencia ficción cotidiana que se ajuste al terrible escenario de la historia. No hay discursos entusiastas sobre la resistencia del espíritu humano, ni proclamaciones pesimistas de moda sobre nuestras tendencias autodestructivas. Lo más conmovedor de  la película es simplemente la aceptación gradual de su destino por parte de sus personajes. A medida que Augustine, Sully, Adewole y los demás aceptan lo que no se puede deshacer, la película se fortalece y Clooney se resiste a la elevación fácil, aunque se permite algunos momentos cursis cerca del final. Eso es de esperar de un cineasta que a menudo lleva el corazón en la manga, pero la sensibilidad se redime con su punto final: en el fin del mundo, tendremos que aferrarnos a las personas que nos rodean.

On the Basis of Sex

Ruth Bader Ginsburg, junto a su esposo Martin Ginsburg, cambió el curso de la historia con un singular caso sobre discriminación de género que abrió el camino para la igualdad en los Tribunales.

La humanidad cambia a la humanidad. Es parte del ritmo de la historia. Pero aún más impresionante es cuando un grupo considerado minoritario se encarga de lograr esos cambios, independientemente de quien esté al lado de ellos apoyándoles. Ruth Bader fue una de esas que se animó a gritar por un cambio, no a beneficio de ella, pero a beneficio de quienes reclamaban sus derechos. Para muchos estadounidenses, esta película biográfica jugará más como un cuento de origen de superhéroes a nivel judicial que un drama. A los 85 años, Ruth sigue siendo una de las pocas esperanzas progresivas para evitar que la corte suprema sea consumida por el actual jefe de estado.

On the Basis of Sex es un biopic sobre la vida de la jueza del Tribunal Supremo de los EE. UU., muchos años antes de que pudiese a conocer, e incluso mucho antes de que las mujeres fueran verdaderamente consideradas para posiciones de trabajo como abogadas. Ruth, quien se inscribió en la escuela de derecho de Harvard para entender el trabajo de su esposo, pero se terminó enamorando de la carrera. Después de ser discriminada clase tras clase por el hecho de ser mujer, Ruth resaltó para demostrar de que no solo era capaz de ser abogada, sino también que podía ser una luchadora por los derechos humanos. Esto fue aún más obvio cuando su esposo le presentó el caso de un hombre que se le estaba denegando la deducción de impuestos de enfermería por el hecho de que este beneficio solo lo recibían las mujeres. Aquí no solo tuvo que finalmente pararse en una corte por primera vez sino también enfrentarse a muchos hombres que hasta ese día la habían tratado de denigrar en diferentes formas por su género.

La estrella de cine que interpreta a Kiki de 1956 a 1975 es la actriz británica y siempre valiente Felicity Jones, cuyo acento de Brooklyn no puede competir con el de Justin Theroux, criado en DC, que aporta cierta aspereza a la caracterización de Brusque y Director Legal de ACLU Mel Wulf. El coprotagonista principal de Jones es el batido reinante de la pantalla, Armie Hammer, quien interpreta a su esposo Marty Ginsburg como compañero de ayuda, ensueño, santo a tiempo parcial y abogado de impuestos del crackerjack.

La directora Mimi Leder y el guionista Daniel Stiepleman (sobrino de Ginsburg) encierran todos los incidentes cubiertos por la película en una plantilla familiar de Hollywood, simplificando y glamorizando todo el camino. Esta es una película para personas que piensan que lo peor de "Kiki" Ginsburg, como la llamaban sus amigos y familiares, es que no se parece a una estrella de cine.

El trailer casi convence a la audiencia de que esta película iba a ser un desastre narrativo, casi cayendo en la categoría de los peores trailers producidos en este año; no obstante, la película terminó siendo una sorpresa agraciada. El guion esta bien elaborado, desarrollándose a un ritmo que delata los altos y bajos del personaje y retratando crímenes morales que se vivían en esta época. No obstante, demuestra ser el debut de un escritor.

La película estaba programada para protagonizar a Natalie Portman bajo la dirección de Marielle Heller, una combinación tentadora que, desafortunadamente, no logró ser. Aparte de Portman o quizás de Debra Winger, hace 30 años, es difícil pensar en otras actrices ideales para el papel y, lamentablemente, no es Felicity Jones. El hecho de que se le haya permitido dejar pasar algunas inflexiones vocales notablemente británicas es un punto menor en comparación con su actitud seria y persistente que varía poco. Por supuesto, estos son rasgos que la mujer real tiene en abundancia, pero cualquiera que haya visto el maravilloso documental RBG, estrenado en este año, sabe que hay mucho más para ella que eso, incluido, para empezar, un encantador sentido del humor y una manera astuta y poco convencional que sugiere que siempre tiene algo bajo sus mangas judiciales.

Presumiblemente conociendo a su tía toda su vida, el guionista Daniel Stiepleman comienza su relato en 1956, cuando, ya casada y con una hija pequeña, Ginsburg se convirtió en una de las nueve mujeres de una clase de más de 500 hombres que ingresaron en la Escuela de Derecho de Harvard. ese año. Este es solo el primero de muchos de los momentos más emocionantes que el guión ha logrado obtener, y lo que sorprenderá a las audiencias más jóvenes que no conocen las normas de hace medio siglo.

La película, naturalmente, está estructurada sobre los obstáculos enfrentados y saltados; no obstante, no es más astuta y menos común. Las escenas en sí mismas son perfectamente presentables y los casos en cuestión apenas pueden ser más claros, pero el sentimiento persiste en los puntos marcados, tanto para dar a Ginsburg su A+, como para asegurar que el público recibe una gratificación constante con respecto a su visión de derecha.

Jones se aplica con seriedad y energía para cubrir las bases de la seriedad de propósito de Ginsburg, la frustración inicial de la carrera y la claridad final de la visión de cómo puede hacerse cargo de una identidad importante y un papel público para ella. Pero incluso la exposición moderada a la personalidad de la mujer real revela un lado malicioso, humorístico y juguetón latente que solo se vislumbra momentáneamente en la película, y que solo es presentado por su esposo, quien, a pesar de la infinita simpatía de Hammer, se queda con lo que solía hacer, ser el papel de "esposa" unidimensional.

Kathy Bates es una presencia bienvenida en un excelente cameo como la pionera feminista y líder de los derechos civiles Dorothy Kenyon, mientras que Cailee Spaeny trae una fuerte rebelión a la precoz hija adolescente de los Ginsburg.

El enfoque dramático aquí es claro, eficiente y totalmente sensacional, con poco tiempo para cualquier cosa que pueda distraer el esfuerzo hagiográfico en juego. Su único propósito es ennoblecer y proclamar a una heroína. Pero lo hace otorgando un drama notablemente simplificado.