Crítica Cinéfila: Rebecca

 Una joven (Lily James) contrae matrimonio con un aristócrata (Armie Hammer) y se traslada a vivir a su mansión, de nombre Manderley, situada en Cornualles. Sin embargo, ahí continúa presente la sombra de Rebecca, la anterior esposa del millonario, fallecida en extrañas circunstancias.

Teniendo en cuenta el daño psicológico que causa el amor en las personas, me sorprende que el romance y el horror no sean compañeros de cama más frecuentes. Los dos géneros nunca han sido tan perfectamente entrelazados como lo logra Daphne du Maurier en su Rebecca hasta que el libro fue adaptado en 1940 como una de las mejores películas de Alfred Hitchcock. Ochenta años después, el director Ben Wheatley intenta una nueva adaptación de la historia que funciona para encajar en sus sensibilidades junto con las del público contemporáneo. Para crédito de Wheatley, se destaca en lo que hace que Rebecca sea tan mórbida: la horrible noción de la mujer idealizada cuya mera memoria existe para hacer que todos se sientan inadecuados. Pero cuanto más tiene Wheatley para basar la historia en lo que le sucedió a Rebecca de Winter, más pierde su poder etéreo y fantasmal. En una película magníficamente realizada desde una perspectiva artesanal y visual, los tropiezos en la narración se vuelven aún más difíciles de ignorar.

Trabajando como compañera de viaje de la adinerada Sra. Van Hopper (Ann Dowd) en una escapada a Montecarlo, una joven (Lily James) se cruza con el apuesto y enigmático Maxim de Winter (Armie Hammer). Seducidos el uno por el otro, los dos comienzan una aventura apasionada, y cuando Van Hopper planea irse de Montecarlo, Maxim decide que él y la joven deben casarse ​​para poder llevársela a su finca palaciega en la costa inglesa, Manderley. Allí, la nueva Sra. De Winter se enfrenta al dominante legado de la difunta esposa de Maxim, Rebecca. Oprimida por los cambios de humor de Maxim, la presencia persistente de Rebecca y la ama de llaves dominante, la Sra. Danvers (Kristin Scott Thomas), la joven lucha por mantener su cordura e identidad.

Comparar la versión de Hitchcock con Wheatley no favorece, y es justo decir que Wheatley ha puesto su propio sello en el material que hace que esto se sienta como una nueva adaptación a pesar del hecho que la película de 1940 de Hitchcock es un clásico. Wheatley pone su énfasis en lo pequeña que se siente la nueva señora de Winter. Esa es una parte inherente de la historia, pero Wheatley usa algunos toques psicodélicos para resaltar el aspecto del horror psicológico de que no importa qué identidad tenga, nunca será considerado "lo suficientemente bueno". No iría tan lejos como para llamarlo una crítica feminista, pero instantáneamente simpatizas con el retrato de James de un mundo que existe para decirle que nunca será lo suficientemente buena porque no es esta mujer perfecta que está muerta.

Al enfatizar este subtexto, Wheatley puede golpear la soledad y el aislamiento que siente la Sra. De Winter y el horror que impone su entorno. La idea de que nunca será la mujer ideal y es indigna de amor es una idea aterradora, y Wheatley lo dibuja maravillosamente a través de los dos primeros actos, primero con la actuación viciosa de Dowd y luego con el inolvidable giro de Scott una vez que los recién casados ​​llegan a Manderley, sin mencionar la forma en que Maxim usa a la Sra. de Winter como bote salvavidas para su herida del pasado. James, por su parte, lo sostiene por completo, mostrando su impresionante rango de actuación a medida que las inseguridades y los miedos de su personaje dominan su identidad.

Este enfoque se basa aún más en la exquisita artesanía, ya que Wheatley teje un telón de fondo visualmente exuberante y romántico que puede volverse siniestro cuando el director lo exige. Desde la gélida frialdad del dormitorio de Rebecca hasta los inquietantes paisajes que rodean a Manderley, Wheatley es experto en transmitir el tono y el carácter a través del espacio, y es una película eficaz en la que ni siquiera necesita depender de su elenco cuando su cuadro en escena logra decir tanto.

Desafortunadamente, todo comienza a desmoronarse cuando la película llega al tercer acto. Sin estropear nada, la historia obliga a Rebecca a comenzar a entrar en el reino de lo real en lugar de un símbolo vengativo y malicioso, por lo que el impacto comienza a desvanecerse. Wheatley nunca reclama el poder de los dos primeros actos de la película, y hay otras opciones en el camino que disminuyen la gravedad de la historia. La película no se vuelve "mala", pero ya no tiene el agarre magnético e inquietante de la Sra. De Winter que lucha con el legado de Rebecca, y en su lugar trata de retorcerse en una extraña idealización de mujer fuerte e independiente que también respalda el enfoque de hombre correcto o incorrecto que nunca hace clic, pues el personaje de Lily James no se lo ha ganado. Parte de lo que le da a Rebecca su poder es la melancolía de nunca sentir que será suficiente, por lo que es incómodo terminar con una nota edificante considerando lo que vino antes.

Estos tropiezos son un poco desalentadores. Al igual que el personaje de Rebecca que se cierne sobre la nueva Sra. De Winter, hay un poder enervante de estar a la sombra de Hitchcock, incluso si los cineastas afirman que se trata simplemente de una nueva adaptación. Tratar de encontrar algo nuevo, especialmente cuando la adaptación de 1940 no ha perdido nada de su poder, es una tarea abrumadora. Pero la nueva Rebecca no siempre es coherente, pero cuando se junta tiene todo el desconcertante y espantoso encanto de la historia original.

On the Basis of Sex

Ruth Bader Ginsburg, junto a su esposo Martin Ginsburg, cambió el curso de la historia con un singular caso sobre discriminación de género que abrió el camino para la igualdad en los Tribunales.

La humanidad cambia a la humanidad. Es parte del ritmo de la historia. Pero aún más impresionante es cuando un grupo considerado minoritario se encarga de lograr esos cambios, independientemente de quien esté al lado de ellos apoyándoles. Ruth Bader fue una de esas que se animó a gritar por un cambio, no a beneficio de ella, pero a beneficio de quienes reclamaban sus derechos. Para muchos estadounidenses, esta película biográfica jugará más como un cuento de origen de superhéroes a nivel judicial que un drama. A los 85 años, Ruth sigue siendo una de las pocas esperanzas progresivas para evitar que la corte suprema sea consumida por el actual jefe de estado.

On the Basis of Sex es un biopic sobre la vida de la jueza del Tribunal Supremo de los EE. UU., muchos años antes de que pudiese a conocer, e incluso mucho antes de que las mujeres fueran verdaderamente consideradas para posiciones de trabajo como abogadas. Ruth, quien se inscribió en la escuela de derecho de Harvard para entender el trabajo de su esposo, pero se terminó enamorando de la carrera. Después de ser discriminada clase tras clase por el hecho de ser mujer, Ruth resaltó para demostrar de que no solo era capaz de ser abogada, sino también que podía ser una luchadora por los derechos humanos. Esto fue aún más obvio cuando su esposo le presentó el caso de un hombre que se le estaba denegando la deducción de impuestos de enfermería por el hecho de que este beneficio solo lo recibían las mujeres. Aquí no solo tuvo que finalmente pararse en una corte por primera vez sino también enfrentarse a muchos hombres que hasta ese día la habían tratado de denigrar en diferentes formas por su género.

La estrella de cine que interpreta a Kiki de 1956 a 1975 es la actriz británica y siempre valiente Felicity Jones, cuyo acento de Brooklyn no puede competir con el de Justin Theroux, criado en DC, que aporta cierta aspereza a la caracterización de Brusque y Director Legal de ACLU Mel Wulf. El coprotagonista principal de Jones es el batido reinante de la pantalla, Armie Hammer, quien interpreta a su esposo Marty Ginsburg como compañero de ayuda, ensueño, santo a tiempo parcial y abogado de impuestos del crackerjack.

La directora Mimi Leder y el guionista Daniel Stiepleman (sobrino de Ginsburg) encierran todos los incidentes cubiertos por la película en una plantilla familiar de Hollywood, simplificando y glamorizando todo el camino. Esta es una película para personas que piensan que lo peor de "Kiki" Ginsburg, como la llamaban sus amigos y familiares, es que no se parece a una estrella de cine.

El trailer casi convence a la audiencia de que esta película iba a ser un desastre narrativo, casi cayendo en la categoría de los peores trailers producidos en este año; no obstante, la película terminó siendo una sorpresa agraciada. El guion esta bien elaborado, desarrollándose a un ritmo que delata los altos y bajos del personaje y retratando crímenes morales que se vivían en esta época. No obstante, demuestra ser el debut de un escritor.

La película estaba programada para protagonizar a Natalie Portman bajo la dirección de Marielle Heller, una combinación tentadora que, desafortunadamente, no logró ser. Aparte de Portman o quizás de Debra Winger, hace 30 años, es difícil pensar en otras actrices ideales para el papel y, lamentablemente, no es Felicity Jones. El hecho de que se le haya permitido dejar pasar algunas inflexiones vocales notablemente británicas es un punto menor en comparación con su actitud seria y persistente que varía poco. Por supuesto, estos son rasgos que la mujer real tiene en abundancia, pero cualquiera que haya visto el maravilloso documental RBG, estrenado en este año, sabe que hay mucho más para ella que eso, incluido, para empezar, un encantador sentido del humor y una manera astuta y poco convencional que sugiere que siempre tiene algo bajo sus mangas judiciales.

Presumiblemente conociendo a su tía toda su vida, el guionista Daniel Stiepleman comienza su relato en 1956, cuando, ya casada y con una hija pequeña, Ginsburg se convirtió en una de las nueve mujeres de una clase de más de 500 hombres que ingresaron en la Escuela de Derecho de Harvard. ese año. Este es solo el primero de muchos de los momentos más emocionantes que el guión ha logrado obtener, y lo que sorprenderá a las audiencias más jóvenes que no conocen las normas de hace medio siglo.

La película, naturalmente, está estructurada sobre los obstáculos enfrentados y saltados; no obstante, no es más astuta y menos común. Las escenas en sí mismas son perfectamente presentables y los casos en cuestión apenas pueden ser más claros, pero el sentimiento persiste en los puntos marcados, tanto para dar a Ginsburg su A+, como para asegurar que el público recibe una gratificación constante con respecto a su visión de derecha.

Jones se aplica con seriedad y energía para cubrir las bases de la seriedad de propósito de Ginsburg, la frustración inicial de la carrera y la claridad final de la visión de cómo puede hacerse cargo de una identidad importante y un papel público para ella. Pero incluso la exposición moderada a la personalidad de la mujer real revela un lado malicioso, humorístico y juguetón latente que solo se vislumbra momentáneamente en la película, y que solo es presentado por su esposo, quien, a pesar de la infinita simpatía de Hammer, se queda con lo que solía hacer, ser el papel de "esposa" unidimensional.

Kathy Bates es una presencia bienvenida en un excelente cameo como la pionera feminista y líder de los derechos civiles Dorothy Kenyon, mientras que Cailee Spaeny trae una fuerte rebelión a la precoz hija adolescente de los Ginsburg.

El enfoque dramático aquí es claro, eficiente y totalmente sensacional, con poco tiempo para cualquier cosa que pueda distraer el esfuerzo hagiográfico en juego. Su único propósito es ennoblecer y proclamar a una heroína. Pero lo hace otorgando un drama notablemente simplificado.

Call Me By Your Name

Elio Perlman (Timothée Chalamet), un joven de 17 años, pasa el cálido y soleado verano de 1983, cuando un nuevo ayudante americano de su padre llega a la gran villa: Oliver. Pronto ambos empiezan a salir juntos de excursión y, conforme el verano avanza, la atracción mutua de la pareja se hace más intensa. (FILMAFFINITY)

Es el verano de 1983 en el norte de Italia y Elio Perlman (Timothée Chamalet), un chico ítalo-estadounidense precoz de 17 años, pasa los días en la villa familiar del s. XVII transcribiendo y tocando música clásica, leyendo y enamorando a su amiga Marzia (Esther Garrel).

Elio tiene una estrecha relación con su padre (Michael Stuhlbarg), un ilustre profesor especializado en cultura grecorromana, y su madre Annella (Amira Casar), una traductora, y entre ambos le han dotado de una amplia cultura en un entorno que rebosa de encantos naturales. Aunque la sofisticación y don intelectual de Elio podrían sugerir que es un adulto hecho y derecho, todavía tiene cierta inocencia y temas en los que desarrollarse, especialmente cuando se tratan de los sentimientos.

Un día, Oliver (Armie Hammer), un cautivador investigador americano que trabaja en su doctorado, llega para ayudar al padre de Elio como becario durante el verano. En medio del soleado esplendor de este marco, Elio y Oliver descubrirán la embriagadora belleza del despertar sexual a lo largo de un verano que cambiará sus vidas para siempre.

Esta película no es únicamente una trama enfocada en la sexualidad homosexual, sino también en el descubrimiento de las atracciones humanas y el desarrollo de las relaciones amorosas, desde su inicio hasta su climax. La sutileza y ritmo con la que cuentan la trama provoca un entendimiento completo de las intenciones de su director Luca Guadagnino, principalmente por la mezcla de vulnerabilidad y sensualidad como cuenta esta historia.

El reparto, protagonizado por Armie Hammer y Timothée Chalamet, es totalmente explosivo, principalmente en las escenas de este duo que muestra una química envidiable y anhelada en cada minuto de la película. No obstante, esto no resta al valor actoral que cada uno le da a sus roles, aún en las escenas individuales, por la carga emotiva que conllevan y la evolución de los mismos a lo largo de la trama. A su vez, los discursos están cargados de ironía y verdades subliminales que cada uno de sus narradores irán delatando a medida que avance la historia, sin ningún doble sentido, sino dejando todo exactamente donde quieren.

La fotografía está enfocada principalmente en retratar los distintos escenarios de la ciudad italiana donde ocurre esta historia, y cómo está va evolucionando junto con los sucesos de la historia. Los personajes saben sacarle provecho a cada escenografía empleada y aportarla como un elemento cultural que demuestra los propósitos de cada uno. Por otro lado, la musicalización es un espejo del tono romántico y dramático que va narrando la historia. Esa última canción es el clímax más inesperado que la audiencia espera para el protagonista, un grito de desahogo que muy pocos entenderan, pero que se dejarán llevar por su ritmo sutil y melancólico.

Además de ser una película completamente transparente y emotiva, el romance que crece entre sus protagonistas, más las interacciones de estos con el elenco de reparto, hacen que sea una trama respetable, aun por el más escéptico, y esto se debe al tono adecuado que tiene, a la naturalidad de cómo van surgiendo las situaciones y cómo los personajes saben dar un final totalmente inesperado pero aceptable, con el objetivo de dejar a su público con los sentimientos a flor de piel.

Call me by your name es, sin lugar a dudas, una película perfecta y digna de ser reconocida.

Mine

Un soldado se queda de repente solo y perdido en medio del desierto tras una misión que sale mal. (FILMAFFINITY)

Al ser humano le gusta que le cuenten historias: porque se siente reflejado o identificado en alguna de ellas, porque le ha pasado a alguien que conoce o porque le gustaría vivir algo parecido. El cine se ha convertido en el principal relator de historias de nuestra época, y por eso miles de productoras presentan más y más tramas que buscan motivar a una gran audiencia a ver sus películas.

Mine es una de esas tantas que, de manera metafórica y psicológica, plantea como nosotros dejamos pasar el tiempo sin siquiera apreciar, disfrutar o enfrentar la vida que nos ha tocado, y todo esto nos lo cuenta en un escenario que yo no me imaginaría vivir mis últimos minutos de vida. 

La película nos traslada a algún lugar de Europa Oriental, esas zonas donde con regularidad Estados Unidos tiene enemigos, y donde manda dos soldados a acabar con uno de ellos. Cuando nuestro protagonista se acobarda y se movilizan de la zona antes de que los maten, terminan desviándose a un terreno minado de explosivos que tienen más de 20 años posicionados en espera de pies descuidados. Con el propósito de escandalizar al público, matan a uno y al otro lo estancan durante una hora y 35 minutos sobre una de las minas.

Esta historia tienen un punto a favor y otro en contra. 

Su gran virtud es que la idea es buena, porque en la peor de las circunstancias, ponen a cualquiera a reflexionar sobre la vida misma y sobre las cosas que uno tiene que valorar de ella. La actuación de Armie Hammer (The Social Network, J. Edgar, Nocturnal Animals), que encarna a un personaje acomplejado debido a un pasado difícil, es quizás lo mejor de toda la película; no solo por el hecho de tener que aguantar más de 60 horas en una misma posición, sino por cargar con los sentimientos de furia y tensión que decidieron explotar justo cuando la mente le jugaba sucio, después de tanto tiempo atrapado en el desierto. Allí conocemos los fantasmas de su pasado, que en cierta forma lo impulsarán a querer seguir viviendo.

Su defecto es que es una película innecesariamente larga. Los Fabio pudieron haberse ahorrado una hora de cinta, si tan solo hubiesen estructurado esta trama, eliminando las repeticiones de los mismos acontecimientos, como el ataque de los lobos y las tormentas de arena. Ya sabemos que Mike (Hammer) está pasando la de Caín, no es necesario recalcarlo una y otra y otra vez, pues llega al punto de que el espectador sentirá las ganas de pararse del asiento, caminar un rato hasta que llegue el desenlace y se percate que Mike sigue con vida y no ha explotado en mil pedazos.

El filme no es malo: tiene una historia interesante que llamaría la atención de más de una persona y que algún otro se sentiría reflejado en su personaje, pero si a nivel estructural se hubiese construído de otra manera, hubiese sido mejor.