Crítica Cinéfila: Dune, Parte I

Arrakis, el planeta del desierto, feudo de la familia Harkonnen desde hace generaciones, queda en manos de la Casa de los Atreides después de que el emperador ceda a ésta la explotación de las reservas de especia, una de las materias primas más valiosas de la galaxia y también una droga capaz de amplificar la conciencia y extender la vida.

En "Dune", la esperada y deslumbrante adaptación de Denis Villeneuve de la novela de ciencia ficción de culto de 1965 de Frank Herbert, va a dividir la audiencia desde sus primeros 30 minutos. Por un lado, estarán los que admirarán su vastedad en imagen y su cinematografía imperial; pero habrán otros (como yo) que no nos importará la impresionante fotografía o la imponente banda sonora de Hanz Zimmer, pues la película no funcionará de todas formas debido a sus vacíos narrativos.

"Dune", un trance de ciencia ficción majestuosamente sombrío y a gran escala, está lleno de fastuosas confusiones: guerras de clanes, ejércitos brutos, un grotesco villano autócrata, un héroe que puede ser el Mesías, que lo vincula, en espíritu y diseño, a las películas de "La guerra de las galaxias" y "El señor de los anillos", aunque con un ominoso depredador propio. La arquitectura del planeta desértico es de arenisca maya. Las naves espaciales son como rocas flotantes del tamaño de ciudades mientras que algunas parecen insectos gigantes. Y el estilo cinematográfico es "Lawrence of Arabia" se encuentra con "Triumph of the Will" que se encuentra con el comercial de colonia más visionario que Ridley Scott nunca hizo. “Dune” quiere sorprendernos, y a veces tiene éxito, pero también quiere meterse debajo de la piel como un mosquito hipnóticamente tóxico. Lo hace ... hasta que no lo hace y se vuelve demasiado pasiva.

Aquí hay una definición útil de una gran película de fantasía de ciencia ficción, en el que la construcción del mundo es asombrosa pero no más esencial que la narración. En las dos primeras películas de "Star Wars", esas dinámicas estaban en perfecta sincronía; también estuvieron en las películas de “Dark Knight” y “Mad Max”. “Blade Runner”, a su manera, es una película asombrosa, pero su construcción de mundos tiene más fuerza que sus trascendentales narraciones neo-noir.

Visto desde esa perspectiva, "Dune" es una película que gana cinco estrellas por construir un mundo y alrededor de dos y media por contar historias. Si lo comparas con la desastrosamente confusa adaptación de 1984 de "Dune" de David Lynch, puede parecer una obra maestra, pues la mayor parte de la historia ahora tiene sentido. Y durante una hora más o menos, la película es bastante fascinante, arrojando destellos seductores de traición al presentar la historia de Paul Atreides (Timothée Chalamet), el talentoso vástago de la Casa Atreides, cuyo padre, el duque Leto Atreides (Oscar Isaac), está liderando lo que parece ser una oportunidad, aunque llena de peligros y engaños.

Durante 80 años, el planeta desértico de Arrakis ha sido presidido por los Harkonnen, que gobernaron con mano de hierro mientras controlaban la producción de la valiosa especia que está incrustada en la arena y el aire. Ahora, el emperador ha ordenado a los Harkonnen que abandonen Arrakis y ha puesto a cargo a la Casa Atreides. Llegan como un ejército recién ocupante. Pero los están configurando como chivos expiatorios. Villeneuve se esfuerza por mantenerse fiel a la expansión conspirativa del sueño del planeta de arena de Herbert, incluso mientras adapta el libro a sus escenas más jugables. Chalamet, alto y delgado, interpreta a Paul como un héroe novato con habilidades que apenas comprende. Es descendiente gracias a su madre, Lady Jessica (Rebecca Ferguson), de la mística secta matriarcal Bene Gesserit, que quiere ponerlo en contacto con su salvador cósmico interior.

Hay buenas escenas como una en la que Paul aprende a hablar telepáticamente con su madre; o recibe una lección de Leto cálidamente protector pero demasiado vulnerable de Isaac, quien le habla sobre las elecciones humanas codificadas dentro del destino; o es sometido a una prueba primaria por su tía, Gaius Helen Mohiam (Charlotte Rampling). Stellan Skarsgård, casi irreconocible como el barón Vladimir Harkonnen, que es como un homicida flotante Jabba el Hutt cruzado con Enrique VIII cruzado con Fat Bastard, establece la trama en movimiento, recuperando a Arrakis al tratar de matar a casi todos en la película que más llaman nuestra atención.

Su tasa de éxito es un poco desarmante. Las escenas de combate cuerpo a cuerpo en “Dune” tienen un destello de originalidad. En lugar de sables de luz, los personajes se golpean entre sí con otras armas que reducen sus cuerpos a cuadros congelados electromagnéticos. Es emocionante ver a Duncan Idaho, interpretado por Jason Momoa como la figura de Han Solo, el sexy, leal y brutal de la película, enfrentarse a un pequeño ejército de enemigos.

Sin embargo, ¿a dónde va todo esto? "Dune" sigue presagiando el momento en que Paul se integrará con los Fremen, los pueblos indígenas del desierto de Arrakis que tienen una relación más orgánica con el peligroso paisaje y con la especia que cualquiera de sus gobernantes, pero que viven en un estado de la opresión de la guerrilla harapienta. Están esperando a que alguien los libere, y Paul parece ser esa figura, ya que está profetizado por media docena de flash-forwards intercambiables a su interfaz con Chani (Zendaya), una guerrera-protectora Fremen que recibe unas escenas de fantasía como una especie de princesa del desierto.

"Dune" comienza con un título que dice "Dune Part I", y hay una promesa estándar pero bastante presuntuosa incrustada en esas palabras: que después de 2 horas y 35 minutos, estaremos tan enganchados por esta saga que estaremos deseando la Parte II. Esa, en cierto modo, es la promesa de todas las franquicias. Pero el problema con "Dune" es que se siente, en diferentes puntos, como casi todas las demás franquicias. A lo largo de las décadas, más de unas pocas películas han surgido del ADN del universo de Herbert, como (por ejemplo) el acto de apertura de "Star Wars". Y hay una razón por la que es la primera parte de esa película; el desierto es un escenario terriblemente árido para la ciencia ficción. "Dune" es rico en "temas" y motivos visuales, pero se convierte en una película sobre Paul de Chalamet pilotando a través de tormentas de arena y relacionarse con los rebeldes del desierto, que en esta película son mucho más nobles que interesantes.

No es solo que la historia pierda el impulso. Pierde el sentido por el que estamos emocionalmente comprometidos con él. Los gusanos de arena gigantes, que son protectores de la especia y excavan en el desierto como un siniestro tornado subterráneo hasta que se revelan, son buenos por un momento y luego no. “Dune” hace que los gusanos, las dunas, el espectáculo paramilitar y la trama del niño-salvador sean inmersivos por un tiempo. Pero luego, cuando la película comienza a quedarse sin trucos, se vuelve mareada y vacía. ¿Realmente vendrá la Parte II? Es difícil construir un suspenso en arenas movedizas, y aunque le vaya muy bien a esta primera parte, no sé si estaría interesada en ver lo que sigue.

Crítica Cinéfila: The Guilty

En el transcurso de una jornada en una central de emergencias del 911, el operador Joe Bayler (Gyllenhaal) intenta salvar de un grave peligro a una mujer que ha llamado.

El hecho es que Fuqua cambia muy poco en lo que equivale a un remake bastante directo de una película ansiosa y de gestión de crisis de adrenalina, una que rastrea un secuestro más complejo de lo que parece desde la perspectiva limitada de los servicios de emergencia en conflicto.

Transferido de Copenhague a Los Ángeles, donde se desarrolla en medio de un enorme incendio forestal, "The Guilty" está protagonizado por Jake Gyllenhaal y casi nadie más (Riley Keough, Paul Dano y Ethan Hawke prestan sus voces, pero son los grandes ojos azules de Gyllenhaal los que estamos observando durante la mayor parte de los 90 minutos). La cámara casi nunca deja a Gyllenhaal, que interpreta a Joe Baylor, un policía que ha sido degradado temporalmente de patrullar las calles a responder llamadas en un centro de comunicaciones del 911 después de un incidente donde un civil resulto muerto.

Mientras que los otros operadores hacen su mejor esfuerzo profesional y adecuado, Joe va más allá. Si un gato se queda atrapado en un árbol, puedes imaginarlo enviando a todo el departamento de bomberos para salvarlo (y no olvides que están muy ocupados lidiando con los incendios forestales que arrasan las pantallas de noticias de televisión), o bien transfiriendo la llamada a su iPhone y conduciendo hasta allí para rescatarlo él mismo. Al mirar, no puede evitar desear que los operadores de telefonía de U-verse fueran tan dedicados, en lugar de ponerlo en espera durante 45 minutos y seguir sin resolver su problema.

Joe anhela la acción, y estar atrapado en un escritorio no le impedirá rastrear a los malos. No se equivoque: esta es una película de acción, incluso si la acción se limita en gran medida a las yemas de los dedos de Joe: la forma en que el pánico atiende una llamada, los botones de marcación rápida que presiona para llamar a la Patrulla de Caminos de California o al Departamento de Policía de Los Ángeles. Sus dígitos se mueven constantemente. Mientras tanto, Joe suda, jura, frunce el ceño y flexiona los brazos. Se supone que debes estar mirando su rostro, pero incluso todo su cuerpo actúa.

"The Guilty" sigue siendo una versión fiel del debut del director Gustav Möller en la tarjeta de presentación, una ruptura del Festival de Cine de Sundance 2018 que fue seleccionada como presentación de Dinamarca (y luego preseleccionada) en la carrera internacional de largometrajes a los Oscar. El proyecto se originó como un escrito ajustado: un truco astuto en un solo lugar que nos coloca en la posición de mucho estrés de escuchar pero no ver una situación aterradora de abuso doméstico a medida que se desarrolla. Comienza con una llamada de socorro de una mujer secuestrada (en este caso, Emily de Keough) que finge hablar con su hija de 6 años y, al permitirnos escuchar ambos lados de la conversación, hace girar todo un escenario en nuestro imaginaciones.

Cuanto menos sepa el público sobre los cambios que se avecinan, mejor. Como "Buried" o "Searchinv", la película aprovecha al máximo sus limitaciones. Pero hay un gran error de cálculo en la forma en que Gyllenhaal la interpreta, muy diferente de la energía de “mantener la calma y continuar” de la actuación de Jakob Cedergren en la película anterior. Fuqua no aborda esto como una llamada al 911 como de costumbre, sino como una emergencia de vida o muerte en toda regla. Los Ángeles puede estar ardiendo en el fondo, pero Joe Baylor ha optado por tratar el secuestro con la urgencia de un final de temporada.

¿Por qué está tan comprometido con resolver esta crisis en particular? ¿Por qué insiste, cuando habla con la hija de Emily, en decirle a la niña preocupada que la policía “protege a la gente”? La película se titula "The Guilty", recuerde, y Fuqua duplica la noción de que la conciencia de Joe está alborotada y que esta llamada podría marcar la diferencia al decidir la audiencia en la corte en la que está programado para comparecer al día siguiente.

La sociedad necesita policía, parece decir el subtexto políticamente comprometido de esta película, pero ¿qué sucede cuando el contrato social se rompe? Sí, se supone que la policía debe ayudar a la gente, pero a veces no lo hace, más a menudo que el sistema está dispuesto a admitir. ¿Y cómo recuperan la confianza del público cuando eso sucede? Dejando a un lado las mejores intenciones, tal vez Joe Baylor no sea un policía héroe claro. Quizás la emergencia de Emily no sea tan sencilla como parece.

Al igual que el personaje de Gene Hackman en "The Conversation" de Francis Ford Coppola, Joe podría estar interpretando la situación para que se adapte a su propia agenda, respondiendo a lo que necesita oír para redimirse. Ese es un giro complejo en la típica película de policías, que aporta capas a "The Guilty" que la convierten en algo más que una película policiaca. Gyllenhaal profundiza en el personaje, que es tan torturado como los más llamativos que interpretó en "Velvet Buzzsaw" y "Nightcrawler".

Gyllenhaal es impresionante, y "The Guilty" funciona gracias a su nivel de intensidad. Y la idea de que toda la emoción de esta noche pueda llevarlo a tomar la decisión que hace en su propia vida empuja la fantasía moral un paso más allá.

Crítica Cinéfila: Midnight Mass

Una comunidad al borde de la extinción y ávida de fe recibe la llegada de un carismático sacerdote, que trae consigo milagros, misterios y un renovado fervor religioso. 

Midnight Mass, de Mike Flanagan, ve al talentoso escritor/director pasar de adaptar Stephen King a crear un proyecto que se siente tan claramente como una de las obras del maestro del terror que incluso los fanáticos se preguntarán cómo se perdieron el lanzamiento del libro. Con elementos de The Stand, The Shining y Salem's Lot, el estudio de Flanagan sobre la religión y la inmortalidad a veces reaviva recuerdos de misas de medianoche reales. Si bien hay algunas actuaciones excelentes y temas atractivos, también resulta que Flanagan, cuando se libera de la trama del material original como The Haunting o Doctor Sleep, ya tiene un estilo muy bien marcado.

Como muchos de los sermones de mi juventud, Midnight Mass abunda en temas relacionados y simbolismo en manifiesto. Flanagan está jugando con el lado más oscuro de las escrituras religiosas, conectando cosas como la resurrección y beber sangre con un tipo diferente de mitología. Después de todo, el horror y la religión tienen mucho en común, a menudo presentan temas similares de moralidad y derrota del mal, solo que con un paño diferente. Algunos de los elementos más ambiciosos de Flanagan aquí juegan con la idea de que La Biblia es realmente una historia de terror, mientras que también entrelaza temas muy parecidos a los de un Rey en la tela, principalmente el conflicto entre la responsabilidad humana y el pensamiento de que la fe puede lavar todo pecado.

La gran mayoría de "Midnight Mass" tiene lugar en una comunidad de pescadores insular llamada Crockett Island. En realidad, la mayor parte tiene lugar en la decrépita iglesia de Saint Patrick, que recientemente está dirigida por un joven encantador llamado Padre Paul (un Hamish Linklater verdaderamente fantástico, cuyo trabajo aquí casi justifica una mirada por sí solo), un líder carismático que ha sido enviado para reemplazar al Monseñor Pruitt. Coincidiendo con la llegada del padre Paul está el regreso del hijo pródigo de la isla, Riley ( Zach Gilford), quien ha estado en prisión durante cuatro años luego de un accidente por conducir ebrio en donde resultó la muerte de una mujer. De una manera muy "The Haunting of Hill House", Riley incluso es perseguido directamente por su víctima, lo que amplifica su necesidad de algún tipo de redención. El pecador y el salvador que llegan a Crockett Island al mismo tiempo se sienten como elementos del destino.

Si bien Riley y Paul son el centro de "Midnight Mass", Flanagan llena la comunidad con personajes memorables, la mayoría de los cuales han sufrido el tipo de pérdida que los lleva a una iglesia en busca de orientación, incluido el dolor que los empuja a buscar un propósito más elevado. en el mundo. Los padres de Riley, Annie (Kristin Lehman) y Ed (Henry Thomas), son los habituales de Saint Patrick, pero su vieja amiga Erin (Kate Siegel) tiene algunas preguntas más sobre el propósito de la fé dado su oscuro pasado. La estridente Bev Keane (Samantha Sloyan) es el tipo de alma comprometida que seguirá a las figuras religiosas por cualquier camino oscuro en el nombre de Dios, mientras que un pequeño grupo de no creyentes que miran con escepticismo lo que está pasando debajo de la cruz en medio de la noche, incluido la doctora (Annabeth Gish) con una madre enferma (Alex Essoe), el nuevo sheriff (Rahul Kohli) en la ciudad y un borracho local (Robert Longstreet) con un pasado oscuro.

Si te estás preguntando cómo Essoe, de 29 años, interpreta a la madre de Annabeth Gish, debes ser advertido sobre un maquillaje de anciana verdaderamente arriesgado pero increíblemente bien trabajado. Sin estropear nada, estará claro muy pronto por qué los artistas más jóvenes como Thomas y Essoe están interpretando papeles más allá de sus años, pero nunca es menos que una distracción. Y eso que los efectos de "Midnight Mass" son generalmente inferiores a los dos proyectos de "Haunting". 

También, lo crea o no, es más hablador que los dos proyectos de “Haunting”. Riley puede ser relativamente estoico, hasta que conecta con el padre Paul y Erin, con quienes recibe largos discursos sobre religión, Dios, alcoholismo, adicción, la vida después de la muerte y mucho más. Este es un espectáculo lleno de monólogos, que podría hacer que las personas que buscan escalofríos se asusten. Ese no es el juego de Flanagan aquí; está más interesado en la filosofía y la fe que antes, y hace preguntas directamente sobre la moralidad y el pecado. La mayoría de las largas conversaciones están bien escritas, lo suficientemente interesantes en su diálogo, especialmente después de una gran revelación a mitad de temporada que luego conduce a un par de episodios de intensa discusión cuando los espectadores están buscando los momentos sangrientas.

¿Qué es lo opuesto a un milagro? ¿Por qué algunos fieles reciben bendiciones en su vida mientras que otros solo enfrentan tormento? Estos son temas profundos y complejos para una serie original de Netflix, y es un crédito para su trato con Flanagan que exista algo tan complejo. Es un artesano tan entretenido que los fanáticos pueden perdonar fácilmente su tendencia a la abundancia y la sobrecocción. 

Crítica Cinéfila: Venom - Let There Be Carnage

Eddie Brock (Tom Hardy) y su simbionte Venom todavía están intentando descubrir cómo vivir juntos cuando un preso que está en el corredor de la muerte (Woody Harrelson) se infecta con un simbionte propio.

¿Cómo se hace un lugar en un mundo de héroes para un monstruo que degusta cerebros humanos? En el caso de Venom, la respuesta de Marvel parece ser hacerlo divertido y dejarlo luchar contra monstruos que son incluso más homicidas que él. Por lo tanto Venom: Let there be carnage, la segunda característica de un personaje que podría haber sido un verdadero Deadpool como forastero, hace su mirada a un tema antiheroico que casi se siente como un proyecto hijastro del Universo Marvel; está condenado a habitar historias estructuradas como las de los Vengadores, hasta que las necesidades sinérgicas de Disney le exijan que entre en su saga.

Escrita por la estrella Tom Hardy y su colaboradora Kelly Marcel, la película desarrolla la química entre el alienígena titular y el humano donde se ve obligado a habitar mientras está dentro de la atmósfera de la Tierra. Pero el carácter distintivo de este vínculo entre amigos y películas a menudo se ve ahogado por piezas gigantes de caos que se sienten exactamente como las que se encuentran en las películas de los buenos. Aunque complacerá a la mayoría de los fanáticos de la primera entrega de 2018, Carnage demuestra que la fatiga de los superhéroes también se aplica a los antihéroes.

Eddie Brock de Hardy, reportero cruzado de San Francisco, está básicamente donde lo dejamos en la última película: su carrera se ha recuperado, su relación con su ex prometida Anne (Michelle Williams) todavía está muerta y tiene un asesino dentro de él. Su cuerpo alberga a un alienígena simbiótico, Venom, que puede acechar de manera invisible y gruñirle a Eddie con una voz que solo él puede oír, o convertir a Eddie en un gigante resbaladizo con tentáculos, colmillos y fuerza sobrehumana. De cualquier manera, el monstruo necesita alimento. Aunque su alimento preferido son los cerebros, puede sobrevivir con chocolate y pollos vivos; gran parte de la comedia del guión se deriva de los intentos de Eddie de mantener a Venom a dieta.

Cuando Brock tiene la oportunidad de entrevistar al asesino en serie convicto Cletus Kasady (Woody Harrelson), Eddie hace todo lo posible para evitar que Venom se coma al resentido detective Mulligan (Stephen Graham), quien acompaña su visita. Pero Venom es el que es mordido: Kasady muerde a Eddie, y de alguna manera un poco de ese material alienígena simbiótico entra en su torrente sanguíneo. Más tarde, cuando el preso condenado a muerte yace en la cámara de ejecución, ese material se mezcla con químicos de inyección letal para transformar a Kasady en Carnage, una bestia roja que sale de San Quentin luciendo como si un tornado lo golpeara.

Esta transformación ocurre mientras Eddie y Venom tienen otras cosas en mente, discutiendo sobre la incompatibilidad de sus estilos de vida, los dos se involucran en una pelea física que deja el lugar de Eddie totalmente destrozado. Venom huye del cuerpo de Eddie, saltando en la noche del cuerpo de un extraño desprevenido al siguiente, mientras Eddie simplemente reemplaza su televisor gigante - lo que aparentemente más le dolió y trata de disfrutar sus primeras horas de libertad sin Venom.

Mientras que Venom tiene una o dos desventuras cómicas, Carnage hace honor a su nombre. Kasady usa sus nuevos poderes para reunirse con su amor perdido hace mucho tiempo, una mutante que conoció cuando era un adolescente en el reformatorio: Frances Barrison (Naomie Harris), que será conocida como Shriek cuando algún día se cruce con Spider-Man, quien tiene el poder para destruir todo lo que le rodee con sus gritos agudos y ha estado encerrada durante años en una celda de prisión insonorizada. Cuando la liberan, está tan dispuesta a romper cosas como su novio (y hasta a él mismo).

La juerga de la pareja termina en Grace Cathedral, donde pretenden casarse. Pero el matrimonio es solo la excusa de la foto para el negocio habitual de la mujer en peligro: no habiendo salido del peligro al romper con Eddie, Anne es ahora el cebo que lo atrae a él y a Venom a una batalla gigante contra Carnage. Aunque Anne es un personaje necesario para justificar los impulsos y justificaciones de Eddie, Michelle Williams es demasiado talentosa para estar atrapada en este tipo de clichés.

Los defensores de Venom dirán que fue una película inigualable y entretenida, pero después de dos películas de Deadpool en este mismo tono, a esta le hace falta mayor profundidad en sus personajes y darle cierto grado de responsabilidad por sus actos. En cambio, Eddie parece importarle menos los peligros del mundo mientras Venom actua por naturaleza alienígena. Los chistes dejan de hacer efecto a partir de un punto de la historia, y esto, más que una película sobre unos de los personajes más emblemáticos de los antagonistas de Marvel, se siente como un película episódica para matar el tiempo.

Se reaviva casi al final con la confrontación a muerte entre Carnage y Venom, y aunque no hay nada de malo en la batalla culminante que nos dan, lo mejor que puedes decir sobre la acción en Carnage es que no alarga la película más allá de la marca de la hora y media. Eso sin contar los créditos y la inevitable lista de escenas ocultas, lo que sugiere un regreso a las raíces de Venom. La película anterior de Spider-Man con Venom (de 2007) es la peor de las salidas a la pantalla grande del webslinger hasta la fecha. Si esta se cruza con el spidey, ojalá que desarrollen una mejor historia, o a lo mejor salgan mal de una manera más entretenida, la próxima vez que se crucen.

Mientras tanto, esta entretiene pero nunca a la altura de su antecesora.

Crítica Cinéfila: The Night House

Mientras intenta superar la inesperada muerte de su marido, Beth (Rebecca Hall) se queda a solas en una casa cerca de un lago especialmente diseñada para ella. Aunque hace todo lo posible por no perder la cordura, los sueños no tardan en aparecer. 

Los saltos de miedo tienen mala reputación, principalmente porque los cineastas los usan de manera barata. El peor tipo de jumpscare, el tipo que merece desprecio, es el de las falsificaciones. Como en: alguien abre la puerta de un armario y un gato salta, o una persona completamente inofensiva aparece repentinamente en el encuadre y la banda sonora resuena por un segundo. Este tipo de sustos de salto son crueles, porque asustan en falsas situaciones para darle una cierta tranquilidad a la audiencia y más tarde aparecer a lo que uno debe temerle. Estos son los diseñados para asustarte y sacudirte con momentos realmente aterradores. The Night House, de David Bruckner, está llena de varios de estos auténticos saltos de miedo, y vaya, son efectivos. 

Rebecca Hall es la protagonista de The Night House. Hall es una de las mejores actrices que trabajan en este momento, y es capaz de hacer que algunos de los elementos más tontos del desordenado guión de  Ben Collins y Luke Piotrowski parezcan en su mayoría plausibles. Hall interpreta a Beth, una maestra que recientemente perdió a su esposo Owen (Evan Jonigkeit), un exitoso arquitecto. A pesar de que su matrimonio parecía perfectamente feliz, y Beth, a menudo deprimida, siempre pensó en Owen como su roca, su cónyuge murió por suicidio, y la experiencia ha dejado a Beth comprensiblemente sin amarres.

Beth pasa la mayoría de las noches borracha dando tumbos alrededor de la hermosa casa en el lago que Owen les construyó, incapaz de entender por qué su esposo se pegaría un tiro. Su dolor se ve agravado por la repentina creencia de que no está sola en la casa. Beth es escéptica en la vida después de la muerte: una vez estuvo en un accidente automovilístico que la dejó técnicamente muerta durante cuatro minutos antes de ser revivida, y la experiencia la ha dejado segura de que no hay nada esperándonos del otro lado. Pero siguen sucediendo cosas espeluznantes: la radio se enciende aleatoriamente a todo volumen, reproduciendo la canción de boda de Beth y Owen; se escuchan fuertes golpes; y Beth sigue teniendo sueños perturbadores, solo para encontrarse despertando en el suelo en habitaciones aleatorias de la casa. Entrando en acción, Beth comienza a indagar en la vida de Owen, tratando de encontrar respuestas. Pero cuanto más cava, más encuentra acertijos.

The Night House quiere hacer muchas cosas. Quiere ser un thriller de misterio convincente; quiere ser un retrato de un dolor aplastante y existencial; y quiere asustarte. Tiene mayor éxito en todos los frentes, principalmente gracias a la actuación de Hall y la dirección de Bruckner. Hall clava perfectamente los elementos de duelo de su personaje: es un desastre emocional, propensa a ataques repentinos de ira y tristeza. Hall no tiene miedo de hacer que Beth sea fría, incluso cruel a veces. Es un movimiento arriesgado y, en manos de un actor de menor desempeño, podría haber resultado contraproducente. Pero Hall es una actriz tan confiada, valiente y arriesgada que es fácil apostar por ella.

Bruckner, quien dirigió  The Ritual, así como uno de los mejores segmentos de found footage ("Amateur Night"), es experto en generar pavor. Deja que la cámara permanezca más tiempo del que debería, creando una sensación palpable de malestar. Y sabe cómo montar un gran susto. La construcción de la escena es notable, justo cuando crees que las cosas van a cesar, ocurre otro evento discordante.

Por efectivos que sean estos momentos, también tienden a ser manipuladores. La partitura de Ben Lovett es exagerada hasta el extremo, casi sugiriendo una falta de confianza en el material, lo cual es una pena, porque  The Night House  funcionaría igual de bien con una banda sonora mucho más sutil.

La investigación de Beth sobre su potencial embrujo se está construyendo hacia una conclusión que no cuadra del todo, pero funciona como buen twist. Este es el tipo de historia que comienza a desmoronarse cuanto más lo piensas, y todo el tercer acto se siente como si The Night House estuviera  rompiendo todas las reglas que estableció porque quiere darle a la audiencia otro tipo de terror. Esto no es lamentable ni un factor decisivo. El horror que se muestra aquí es tan poderoso, y el trabajo de Hall es tan fuerte, que seguramente saldrás de  The Night House debidamente embrujado.

Crítica Cinéfila: No Time to Die

Bond ha dejado el servicio secreto y está disfrutando de una vida tranquila en Jamaica. Pero su calma no va a durar mucho tiempo. Su amigo de la CIA, Felix Leiter, aparece para pedirle ayuda. La misión de rescatar a un científico secuestrado resulta ser mucho más arriesgada de lo esperado, y lleva a Bond tras la pista de un misterioso villano armado con una nueva y peligrosa tecnología.

Es difícil hacer una película de Bond. Sobretodo en estos tiempos donde la actitud del personaje y sus decisiones chocan con los nuevos pensamientos de la sociedad. Pero la película número 25 de la serie parece el viaje más difícil hasta el momento: sobrevivir de alguna manera a un director que se marcha (Danny Boyle , debido a las temidas "diferencias creativas", reemplazado por Cary Fukunaga), un retraso de dos años provocado por la pandemia, y la salida de Daniel Craig, un 007 que previamente afirmó que prefería “cortarse las muñecas" a interpretar Bond otra vez. Ha sido un trecho muy difícil de alcanzar; por eso con su llegada se siente casi como un llamado misericordioso.

Y como dice Bond en esta película, "tenemos todo el tiempo del mundo antes de morir". A pesar de las grandes referencias que existen aquí en cuanto a sus antecesoras y de depender en gran medida de arquetipos que se sienten no solo familiares sino reconfortantes, son las cosas desconocidas que hacen de esta una entrada tan emocionante.

Nos encontramos con Bond en modo jubilación. Para la primera mitad de la película, le dio la espalda al MI6, y hay muchas referencias a cómo ha pasado su mejor momento en una isla paradisiaca, un “viejo desastre” como él mismo se llama. Craig todavía puede usar un esmoquin, pero tiene algunos años más en la cara que en el Casino Royale de 2006. Su actuación, que siempre ha estado llena de contradicciones, la sonrisa de playboy contrastada con una estoica confusión interior, es la más interesante que jamás haya sido en esta saga. Este Bond es más apasionado, más impulsivo, más sensible y, nos atrevemos a decir, más romántico, y le da nuevas y notables dimensiones a un personaje de décadas.

Sin embargo, no es menos despiadado, y aunque las películas anteriores de Craig mostraron la influencia de la valentía de Jason Bourne, la acción de Fukunaga parece imitar en parte a John Wick, con un énfasis en los tiroteos salvajes y las secuencias de persecución intensas. El elenco de apoyo ofrece grandes asistencias: Ana De Armas en una pequeña pero impresionante secuencia de pelea para volver a mostrar su química en escena con Craig; Lashanna Lynch como una agente rival de 00 con su propia marca de arrogancia, pero tiene una base sólida y musculatura, con destellos de un thriller de conspiración paranoico.

Lo que no quiere decir que la inteligencia artificial de Bond no se vea. Se mencionan ojos biónicos, nanobots e imanes. Como el nuevo villano Safin, Malek tiene un acento vagamente del este de Europa, y su principal motivación para la destrucción del mundo parece ser solo una venganza personal y una pasión por la jardinería. Solo podemos especular sobre a qué ascendieron las contribuciones de Phoebe Waller-Bridge al "pulido de guiones" (Bond, por desgracia, no mira hacia abajo para ofrecernos confesionarios sardónicos como lo hubiese hecho Fleabag), pero el guión ofrece al menos una frase para todas las épocas. Lo que sí se agradece es que da un tono diferente al que presentaba el agente 007 en ocasiones anteriores.

Fukunaga, al parecer, fue una elección ideal de director, equilibrando hábilmente las contradicciones del personaje y la franquicia, y aunque no escapa del todo a las trampas habituales, un tercio medio empatado por la trama y la exposición no justifica ese alboroto del tiempo: siempre ha sido un cineasta intuitivo, profundamente interesado en la humanidad de sus personajes. De alguna manera encuentra vulnerabilidad en el más invulnerable de los héroes, con un final sorprendente que le da a Craig la despedida que se merece. Cuando una fórmula es tan dura y rápida, incluso los ajustes más mínimos se sienten emocionantes. Pero el aspecto más impresionante de todos en esta entrega #25 es el giro de 180º que le dan al Agente 007, con la posibilidad literal y metafórica de pasar esta identificación a un rol femenino.

Esta es una película de Bond que cumple con todos los requisitos, pero brillantemente, a menudo no se siente como una película de Bond en absoluto. Para un 007 que se esforzó por llevar la humanidad a un héroe más grande que la vida, es un final apropiado para la Era Craig.

Crítica Cinéfila: Liborio

La vida de Liborio, personaje histórico de influencia social y religiosa en la zona de San Juan de la Maguana. 

Oliborio Mateo, o mejor conocido como Papá Liborio, fue un curandero, ocultista, líder mesiánico y revolucionario que luchó durante la invasión estadounidense entre los años 1916 y 1922, enfrentándose en 16 ocasiones a las fuerzas de ocupación que controlaban el poder en el país. Liborio fue un guerrillero que utilizaba sus conocimientos de santería tanto para mantener atemorizados a los invasores como para crear una comunidad que se mantuviese luchando contra las fuerzas opresoras. Esa era la historia que quería ver desarrollada en Liborio.

En cambio me dieron la historia de cuatro personajes alrededor de la vida de Liborio, que aunque mostraron sus virtudes, defectos y acciones, no nos permitieron la experiencia completa de adentrarse a sus sueños, temores y vivencias personales. Al principio, se siente así, un momento íntimo con él, esperando a que la tormenta cese para seguir su jornada espiritual. Desaparece y va al cielo, y luego la tormenta termina, y Liborio vuelve de la muerte después de conocer el cielo en una misión. La ópera prima del cineasta dominicano Nino Martínez Sosa comienza como la jornada espiritual de Liborio después de la muerte. Pero a medida que avanza, la historia es otra. 

Papá Liborio se convirtió en un símbolo de esperanza y libertad para República Dominicana durante la ocupación estadounidense. La película se centra en esta figura interpretada de manera magistral por Vicente Santos; sin embargo, el filme es narrado de manera coral por varios personajes que por momentos, asumen el protagonismo: su hijo, su esposa, un capataz nuevo en el terreno, y una nueva creyente que acaba de perder un hijo y le suplica a Liborio que se lo regrese a la vida. 

Pero sus historias de vida no las conocemos, solo se sabe que son personas que habitan en el ambiente donde él habita y que cantan villancicos sobre sus creencias santeras. Mientras avanza la trama, se conocen sus miedos y sus necesidades carnales, pero no más allá. Parecería que simplemente la audiencia los acompañan en su estilo de vida, y no en encontrar un conflicto y alcanzar objetivos particulares. Al final, la historia de Liborio está escrita y es conocida, por lo que no es sorpresa lo que ocurre, en cambio estos personajes se sienten como ovejas que son domadas y guiadas a un camino hasta donde el pastor los puede llevar.

Contada en capítulos como si se tratara de un libro sagrado o de un retablo, Liborio recuerda al tipo de cuentos que se relatan alrededor de un fuego. Es un cine diferente y estéticamente encantador, que permite mirar a través de los ojos de los que creen, y coloca a la audiencia en los pies de las personas que caminan junto al profeta y en los sueños que se mezclan con lo real. La película captura en la mirada y en el gesto la invisibilidad de la fe, esa que no se advierte a simple vista pero que se percibe, como el sabor del azúcar en el agua. 

En sus silencios, se apodera del alma de la audiencia, y en su partitura nos levanta del asiento y nos adentra a una vida más espiritual, pero estos aspectos visuales y sonoros no hace justicia a la ausencia narrativa de la que sufre esta historia. Al final, no conocemos el lado guerrillero de Liborio: parece una figura tan similar a Jesús de Nazaret que se siente más como un Mesías que como una persona que luchó por la libertad nacional. Nino Martínez ha hecho un impresionante trabajo y Vicente tiene una presencia incomparable, pero yo me quedé deseando más.