Crítica Cinéfila: The Dog Stars

En un mundo postapocalíptico, un virus ha aniquilado a prácticamente toda la humanidad. Los sobrevivientes se enfrentan a unos carroñeros errantes llamados 'segadores'. Hig, un piloto que antes era mecánico, sobrevivió a la gripe pero perdió a su mujer. 

No es ningún misterio por qué Disney casi enterró  "The Dog Stars" con un estreno a finales de verano pospuesto desde la primavera, mínima publicidad previa, escasa prensa con los actores, sin alfombra roja en Estados Unidos y un tráiler engañoso, que se parece a un millón de otros thrillers postapocalípticos que han cedido terreno a series de televisión más emocionantes, como "The Last of Us" y —al menos en sus primeras temporadas— "The Walking Dead". La película es excesivamente melancólica, y algunos sin duda la considerarán poco potente, pero podría decirse que es la mejor de Ridley Scott desde "The Martian" hace 11 años. Ahora, a sus 88 años, el prolífico director no ha perdido su gusto por la acción explosiva, pero esos estallidos se ven amortiguados aquí por un drama más reflexivo.

Adaptada por Mark L. Smith ("The Revenant", "Twisters") a partir de la aclamada novela de Peter Heller de 2012, la película tiene el aire de un western melancólico centrado en los personajes, más que de un thriller de supervivencia con tiroteos, aunque incluya secuencias de ese tipo. Esto hace que sea difícil que satisfaga a los espectadores con poca capacidad de atención que buscan acción trepidante, pero el público más maduro, abierto a una visión de un futuro distópico donde la desolación y la brutalidad se contrarrestan con la compasión y la esperanza humanas, debería verla.

En consonancia con la estética retro, Jacob Elordi lidera con un magnetismo introspectivo propio de una estrella de cine que evoca la época dorada de Kevin Costner, mientras que las vistas panorámicas del director de fotografía Erik Messerschmidt —lugares en las estribaciones de los Alpes italianos y las montañas de las regiones de Abruzzo y Lazio que sirven como majestuosos sustitutos de Colorado— dotan a la historia, pausada pero absorbente, de una gracia revitalizante. Como demostró Paul Greengrass en la infravalorada  News of the World , lo clásico no siempre es negativo.

Elordi interpreta a Hig, un viudo inseparable de su fiel compañero Jasper, un pastor belga malinois que lo acompaña desde cachorro y que representa el vínculo más duradero con los tiempos felices que compartió con su difunta esposa, Melissa (Sai ​​Bennett). La relación de Hig con el veterano militar Bangley (Josh Brolin) es afectuosa pero tensa, ya que, a pesar de su experiencia en la aviación del ejército, nunca aprendió a volar. Ambos comparten alojamiento en un hangar convertido en una pista de aterrizaje abandonada en Erie, Colorado, rodeado por un perímetro de seguridad.

El francotirador Bangley se encarga de las armas y las fortificaciones, y confía en Hig, un antiguo mecánico y piloto experimentado, para realizar vuelos de reconocimiento en una avioneta Cessna destartalada. El objetivo es detectar posibles amenazas humanas y recolectar combustible y otros suministros de lo que queda de Denver. En una de estas misiones, Hig descubre a una nueva banda de carroñeros conocida como los "Segadores", que, según se dice, son más salvajes que cualquier tribu anterior, y cuyo único propósito es matar a los supervivientes y arrasarlo todo.

La historia transcurre en 2035 —resulta curioso cómo los autores de ficción postapocalíptica siguen posponiendo la fecha con optimismo—, una década después de que la población humana fuera diezmada por una pandemia de gripe. Esa gripe se llevó a Melissa, un año después de haber perdido al bebé que esperaban. 

Hig sostiene que Bangley nació para estos tiempos brutales de supervivencia. El anciano posee un arsenal de armas bien surtido, reciclando ingeniosamente casquillos de bala como punzones. Bangley cree en disparar primero y preguntar después, lo cual demuestra cuando dos adolescentes se acercan al perímetro armados con un machete. Se opone a que Hig se ponga en riesgo de infección al entregar suministros médicos a una comunidad menonita liderada por Aaron (Benedict Wong) en un valle aislado, donde muchos niños portan una enfermedad sanguínea potencialmente mortal. Pero Hig no está dispuesto a darle la espalda a la bondad humana, lo que lo enfrenta a Bangley, incluso cuando este último lo salva de un ataque sorpresa.

Cuando Hig capta una señal de radio de Grand Junction, lo que lo impulsa a despegar solo en busca de algo más cercano a la civilización, una avería en el motor lo obliga a hacer una parada imprevista cerca de un rancho aislado en un valle, donde la joven viuda Cima (Margaret Qualley) vive con su padre hipervigilante, conocido como Pops (Guy Pearce). Poco a poco, él se gana la confianza del anciano y el afecto incipiente de su hija mientras repara su avión y crea una pista de aterrizaje, tarea que se ve acelerada por un ataque de los cañoneros.

Suceden más actos de violencia, junto con un insólito interludio protagonizado por Allison Janney, maquillada como una exazafata vestida con un uniforme de aerolínea de época, que sirve martinis a los visitantes («¡Una vez azafata, siempre azafata!»). Sin embargo, este episodio está totalmente divorciado del tono más sobrio que predomina, aunque los salvajes saqueadores pudieran sugerir lo contrario. Algunos podrían preguntarse si Scott se está volviendo más blando con la edad, especialmente en algunos de los giros finales, que ofrecen esperanza para la resiliencia de la humanidad. Pero incluso si el final resulta abrupto y un tanto trivial, el sentimiento no es infundado. Dicho esto, el guion de Smith carece de complejidad psicológica, y en la parte final de la película se percibe que se han recortado algunos fragmentos del libro, e incluso del rodaje, durante el montaje.

Desde mi punto de vista, el sólido reparto es lo que te mantiene enganchado. En uno de los pocos papeles protagónicos importantes del actor australiano, Elordi irradia una emotividad y sensibilidad que dotan a la película de autenticidad emocional. Brolin está en plena forma como un tipo duro con un núcleo de decencia bien disimulado, aportando un humor considerable. Pearce se muestra hostil en las primeras escenas de Pops, pero gradualmente se transforma en calidez y confianza, mientras que Qualley ofrece una de sus interpretaciones más encantadoras, libre de excentricidades o momentos dramáticos ostentosos, retratando a Cima como una mujer marcada por el dolor pero reacia a cerrarse a la posibilidad del amor.

La cinematografía de Messerschmidt rebosa de texturas —sobre todo en IMAX—, con una dinámica puesta en las escenas de acción e imágenes nítidas y envolventes en las secuencias de vuelo. Como era de esperar en Scott, la ambientación se construye principalmente a través de recursos visuales, con impactantes tomas aéreas de zonas urbanas y rurales fantasmagóricas, deambuladas por manadas de perros salvajes. La banda sonora de Harry Gregson-Williams captura la esencia de la película con pasajes melódicos de guitarra acústica, dobro y cuerdas orquestales —con ecos en temas vocales folk de Hozier, Caamp y otros—, a la vez que se transforma en un suspense opresivo cuando es necesario. 

Sin ser aburrida, "The Dog Stars" difícilmente buscaba posicionarse entre las mejores películas de Ridley Scott. Sin embargo, es una película agradablemente tranquila, aunque esto pueda parecer contradictorio con un drama postapocalíptico ambientado en la sombra de la muerte.

Crítica Cinéfila: Wake Up Dead Man - A Knives Out Mystery

El detective Benoit Blanc se une a un joven y honesto sacerdote para investigar un crimen totalmente imposible en la iglesia de un pequeño pueblo con una oscura historia. 

“Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery” es una obra de misterio y asesinato cautivadoramente ingeniosa y divertida, casi perfecta; una novela policíaca que cumple con las expectativas creadas hace seis años por “Knives Out”, que ofreció su propio y perfecto renacimiento del espíritu de Agatha Christie, con un delicioso toque de descaro meta. Hace tres años, “Glass Onion: A Knives Out Mystery” fue igual de ingeniosa, pero como muchas secuelas de éxitos icónicos, exhibió una cualidad de "a lo grande o vete a casa" que la hizo, al final, un poco demasiado pesada. Seguía siendo buena, pero no tan buena.

"Wake Up Dead Man" nos ofrece lo mejor de ambos mundos. Es una película gótica extensa y profusamente escenificada, y también intenta algo más grandioso que la primera "Knives Out". Pero esta es más arraigada y orgánica que "Glass Onion", y nos devuelve a la ingeniosa trampa de la realidad de la primera película. Estas son películas que usan su astucia elemental para ponernos en contacto con nuestro niño interior de ojos abiertos. Son inmersivas, en ese estilo de "¿qué va a pasar después?", aunque parte de la razón por la que "Wake Up Dead Man" es más cautivadora que "Glass Onion" es que la película funciona tan plenamente a escala humana.

La película se ambienta en un pequeño pueblo del norte del estado de Nueva York, donde Monseñor Jefferson Wicks (Josh Brolin), de pelo canoso y barba, es la versión contemporánea de un líder de culto implacable, que predica la furia bajo la forma de piedad. La primera parte de la película se dedica a adentrarnos en su imperio local de creencias distorsionadas, que se inclina hacia la derecha. Pero en cuanto muere (créanme, esto es solo el preámbulo de la película), su media docena de feligreses se convierten en sospechosos. Y la película se convierte en una película con múltiples matices y, por momentos, casi filosófica.

“Wake Up Dead Man” es a la vez una alegoría guiñando un ojo a la era política que vive Estados Unidos, con Monseñor Wicks como una figura simbólica de Trump y sus seguidores como creyentes verdaderos y comprometidos; una película que se basa en autores desde John Dickson Carr hasta GK Chesterton para jugar con la logística minuciosa del homicidio; un debate tortuoso sobre los temas de la racionalidad vs. la fe, el amor vs. el odio; y un misterio empapado de sangre al estilo “Scooby-Doo” con esteroides barrocos que sabe, a cada paso, que está jugando contigo.

El escritor y director, Rian Johnson, que probablemente recibiría incluso más crédito por mantener la viabilidad de las películas sofisticadas para adultos si no estuviera haciendo las películas de "Knives Out" para Netflix, se le ocurre una forma inspirada de enmarcar la película al elegir a Josh O'Connor, con su sonrisa entusiasta y su ingenuo carisma de cabello rizado, como el reverendo Jud Duplenticy, un joven sacerdote de Albany que es asignado a la parroquia de Wicks después de golpear a un diácono. Jud es un exboxeador que mató a alguien en el ring. Es por eso que se convirtió en un hombre de la iglesia: toda su vida se ha convertido en un viaje de arrepentimiento. O'Connor es el tipo de actor astuto que puede interpretar a alguien que se compromete con Jesús y uno se lo cree, porque te muestra tanto la sinceridad como la lucha, pero también ves al niño escéptico y sonriente que vive dentro del creyente.

Jud quiere hacer lo correcto y ser bueno, pero cuando llega a Nuestra Señora de la Gracia Perpetua, donde ha sido asignado como asistente de Monseñor Wicks (y es visto por Wicks como un desafío a su autoridad que debe ser castrado), lo que encuentra es una iglesia rota que es un semillero de agresión. Johnson lanza la primera de muchas bolas curvas bien lanzadas al sumergirnos en la loca saga de esta iglesia, con su congregación de egocéntricos mezquinos amargados: el escritor de ciencia ficción en una pendiente cuesta abajo (Andrew Scott); el médico cuya esposa e hijos lo abandonaron (Jeremy Renner, en su primer papel desde su accidente); la ex violonchelista que sufre de dolorosas convulsiones y ahora pasa sus días en una silla de ruedas (Cailee Spaeny); la abogada tensa (Kerry Washington) que tuvo que criar al hijo ilegítimo de su padre; y ese hijo adulto, un político conservador ambicionado pero fracasado (Daryl McCormack), que ahora es un fenómeno en YouTube publicando videos voyeuristas. La historia de la iglesia es una deliciosa historia de pecado y castigo, centrada en la madre de Wicks, la "ramera" que destrozó el lugar después de que su padre destruyera su herencia.

La primera señal de que algo anda mal con Wilks es cuando le pide a Jud que le tome la confesión, y esta consiste en que Wilks habla de la frecuencia con la que se ha masturbado en el último mes. Eso tiene un tono intencionadamente gracioso e hiperbólico, pero Josh Brolin no permite que se descarte al personaje como una broma. Es una amenaza de ojos pequeños y brillantes, con sotana, que tiene a su rebaño bajo un hechizo. Lo matan de una forma fascinante, porque es un "crimen imposible", lo que permite a la película recrear cómo funciona ese mecanismo en las novelas policíacas clásicas. En el clímax de su sermón de Viernes Santo (que en sus manos suena más a Viernes Malo), entra en el armario junto al santuario de la iglesia y termina muerto, tendido en el suelo, con la espalda apuñalada por un cuchillo coronado por una cabeza de diablo tallada. ¿Cómo pudo pasar esto? Todo ocurrió en 30 segundos, delante de la congregación, y no había nadie en el armario con él.

Por supuesto, será Benoit Blanc quien resuelva esto, y si el personaje de Daniel Craig en la película anterior fue empujado en una dirección inesperada, aquí vuelve a mostrarse casi desafiantemente indiferente con su hastiada y cansada curiosidad sureña. Craig, esta vez, ofrece lo que yo llamaría su interpretación más rica de Benoit Blanc. Blanc intenta armar un rompecabezas, pero la mayoría de sus piezas se basan en las debilidades humanas que llevan a la gente a cometer actos ruines. Y Blanc intenta resolver lo sucedido viendo el panorama general, sintonizando con los espíritus que guían las cosas y conectando al público con ellos. A lo largo de la película, se burla de la religión, presentando la racionalidad como la única fe verdadera. Sin embargo, la verdadera fe de Blanc reside en la cualidad casi mística que implica ver de lo que es capaz el animal humano. Su nivel de percepción, propio de Sherlock Holmes, se basa en la misma empatía cósmica que el Jud de O'Connor busca como ideal cristiano. Por eso estos dos pueden encontrarse en un punto intermedio.

“Wake Up Dead Man” toma la forma de una película de colegas en la que Blanc y Jud se unen para resolver el crimen. El guion, escrito por Johnson, es una fusión impecable de intriga y confesión. Siempre encuentra nuevas maneras de sorprendernos, de sumergirnos en personajes que inicialmente creíamos típicos. Y la forma en que la película entrelaza temas como el pecado, la culpa, la avaricia y Dios la convierte en un auténtico acto de equilibrio dramático, que plantea la posibilidad de que los personajes resuciten como Jesús. Rian Johnson simplemente se divierte, pero también introduce un toque de indagación espiritual en este thriller de misterio que te deja sin aliento, que es la película más aguda de “Knives Out” hasta la fecha. 

Crítica Cinéfila: Weapons

Cuando todos los alumnos de una misma clase, salvo uno, desaparecen misteriosamente la misma noche y exactamente a la misma hora, la pequeña ciudad donde viven se pregunta quién o qué está detrás de su desaparición.

A medida que pasan los años, y a pesar de ser uno de mis géneros favoritos, el terror se ha convertido en una experiencia monótona y redundante. Así que, cuando una película como "Weapons" surge de las sombras y me hace gritarle a la pantalla, reírme nerviosamente y sentirme genuinamente estresada de principio a fin, no puedo evitar considerarla una especie de milagro.

Al igual que la película anterior del cineasta Zach Cregger, "Barbarian", "Weapons" es felizmente cruel, constantemente sorprendente, brutalmente divertida y completamente maldita. Sin embargo, mientras que "Barbarian" parecía tres películas unidas, esta está impresionantemente unificada. Incluso con una narrativa familiar basada en capítulos, logra ofrecer una pesadilla única y coherente. Esta estructura podría haber resultado exagerada en manos menos expertas, pero Cregger la utiliza con precisión para amplificar el terror, la tensión y la carga emocional, segmento por segmento, cuidadosamente calibrado.

"Weapons" ofrece una narrativa de terror multiperspectiva que gira en torno a un misterio central escalofriante: la repentina desaparición de 17 niños de una misma clase escolar en un tranquilo pueblo estadounidense, los cuales se levantaron exactamente a las 2:17 a.m. y salieron de sus casas. Mientras el dolor, la sospecha y la paranoia se extienden por la comunidad, la película sigue a una serie de personajes aparentemente inconexos cuyas historias revelan gradualmente una verdad siniestra e interconectada. Con cada capítulo, el terror se profundiza, llegando a un clímax impactante y que desafía el género, como nunca antes había visto en pantalla.

Justine, interpretada por Julia Garner ("Ozark"), se encuentra en el centro de la enloquecedora tragedia del pueblo. Cada uno de los niños desaparecidos era parte de su aula, dejándola con la ira de padres confundidos y una comunidad que lucha por dar sentido a las piezas. Archer, interpretado por un Josh Brolin ("No Country for Old Men") perfectamente desconcertado, es el padre de uno de los niños desaparecidos y está ciegamente dedicado a descubrir la verdad, sin importar el costo. Alden Ehrenreich ("Solo") y Benedict Wong ("Doctor Strange") también interpretan a ciudadanos clave de Maybrook: un policía y un director de escuela, respectivamente.

A la sombra desgarbada de "Barbarian", uno se adentra a "Weapons" esperando giros bruscos. Y se obtienen. Pero lo que no se espera es lo emocionalmente destrozada que uno se siente al final de la trama. La historia encuentra su equilibrio a través de las vidas entrecruzadas de personajes como Justine y Archer, pero es la dinámica entre el joven Alex y su grotesca tía Gladys lo que realmente eleva esta película a dimensiones nunca antes vistas. Sus escenas son eléctricas, desconcertantes y sádicamente juguetonas. Cary Christopher, como Alex, es simplemente fenomenal. Su actuación incluso conmueve hasta las lágrimas durante un momento tranquilo pero poderoso de reconciliación. Cada vez es más raro que una película de terror aborde el trauma infantil con tanta originalidad, eficacia y autenticidad.

Todos los años, determinar cuál o cuáles han sido las mejores películas de terror se vuelve una tarea aún más compleka; sin embargo, "Weapons" es exactamente todo el menú de arquetipos clásicos del terror: confianza, crueldad y una rotunda negativa a tomar de la mano. No hay explicaciones excesivas. No hay exposiciones interminables. Simplemente un cineasta que confía en que su público le siga el ritmo. Una deliciosa noche de terror de un director que promete. Cregger entra en la estimada compañía de maestros del terror moderno como Ari Aster, Robert Eggers y Jordan Peele. 

Es importante que haga una pausa aquí, específicamente, para mencionar que Amy Madigan como Gladys es absolutamente aterradora. Ofrece una actuación curiosamente clásica, como si hubiera escapado de un grotesco cuento de hadas de los hermanos Grimm y se hubiera adentrado directamente en el mundo de Cregger. Es pícara y operística, pero nunca exagerada. Cary Christopher, de nuevo, está asombroso junto a ella en su camino compartido al infierno. 

Esta es una película perfecta o casi perfecta. Sus escenas de muerte se encuentran, con diferencia, entre los actos de violencia más grotescos y prolongados de la película. Aun así: brutal, impactante, original y grotescamente divertida a la vez, "Weapons" es un regalo de oro para el cine. Cregger se ha consolidado como una de las voces más emocionantes de la narrativa de género actual con esta película. Es original. Es una locura. Y es un don excepcional seguir sorprendiéndose como periodista de género hoy en día. 

Crítica Cinéfila: Dune - Part Two

Tras los sucesos de la primera parte acontecidos en el planeta Arrakis, el joven Paul Atreides se une a la tribu de los Fremen y comienza un viaje espiritual y marcial para convertirse en mesías, mientras intenta evitar el horrible pero inevitable futuro que ha presenciado: una Guerra Santa en su nombre, que se extiende por todo el universo conocido.

En una de las secuencias dramáticas más decentes de "Dune: Part Two" de Denis Villeneuve, la luchadora Fremen Chani ( Zendaya ) le enseña al duque Atreides Paul (Timothée Chalamet) la forma correcta de caminar por la arena. Aunque a simple vista parecerá una burla, incluso un baile, tiene su lógica y uno se adentra a las reglas de Arrakis. Mientras arrastran los pies con delicadeza por ese árido terreno eterno, evitando el patrón rítmico que atrae a los gusanos de arena del desierto, hay una discreta dulzura en sus interacciones, una señal de la creciente intimidad de la pareja. Pero todo se cae cuando Paul insiste en los métodos que aprendió en un video antropológico y Chani responde con una mirada escéptica y exasperada. Desde los rituales Fremen hasta las tradiciones que son intercambiadas por miembros del grupo históricamente nómada van perdiendo peso narrativo a lo largo de esta secuela que, por alguna razón particular, se adentra más en un terreno de chistes fuera de lugar y un ritmo tan cercano como el anterior; quizás levemente mejorado en esta ocasión.

En gran parte se debe a que la sociedad Fremen y la relación de Paul con Chani se convierten en los hilos narrativos principales de esta segunda parte. "Dune: Part Two" mantiene el grandioso estilo visual introducido en su primera película y al mismo tiempo presta más atención a la historia y el desarrollo de los personajes, algo definitivamente mejorado en esta ocasión. 

La película, escrita entre Denis Villeneuve, Jon Spaihts y Craig Mazin, comienza horas después de los acontecimientos de la primera película. Paul y Lady Jessica (Rebecca Ferguson) se unieron al grupo Fremen de Chani, y su integración generó curiosidad y sospecha a partes iguales. Algunos miembros aceptan fácilmente a los nobles Atreides, mientras que otros se preguntan si son espías. Mientras tanto, los Harkonnen, liderados por el sanguinario barón Vladimir (Stellan Skarsgard), han recuperado el control de la producción de especias en Arrakis y han lanzado una guerra genocida contra los Fremen. 

Sin embargo, y a pesar de que la trama es aún más precisa en este encuentro, con una duración de cerca de tres horas, "Dune: Part Two" se mueve a un ritmo similar al paseo de arena de Paul y Chani por el desierto abierto. La narrativa se detiene en momentos inadecuados, conversaciones coincidentes y situaciones aparentemente chistosas;  un punto a favor es que la música de Hans Zimmer es aún más envolvente y la cinematografía de Greig Fraser ofrece perspectivas interesantes que profundizan nuestra comprensión del planeta fervientemente buscado. 

Y aún con esa impresionante cinematografía, esta segunda parte está plagada de una persistente superficialidad cuando se trata de retratar a los Fremen, un pueblo indígena que lucha por la autodeterminación dentro del imperio; la película tiene dificultades para abarcar plenamente los matices del texto antiimperial y ecológicamente distópico de Herbert. 

Parecería que Villeneuve no está interesado en los Fremen y se preocupa más por la integración de Paul con ellos, explorando cómo funciona su sociedad desde un punto de vista foráneo. Después de matar a Jamis (Babs Olusanmokun), Paul se gana el respeto de Stilgar (Javier Bardem), un líder religioso del ejército Fremen que espera al Mesías, y la tentativa aprobación de Chani. La pareja ayuda a Paul a aclimatarse a la vida en el desierto, enseñándole cómo tener una relación con la tierra. A través de sus lecciones, Paul ve el planeta como más que un lugar del cual extraer la mezcla psicotrópica conocida como Spice. Aprende a trabajar con el terreno árido en lugar de intentar dominarlo, un enfoque que mejora sus habilidades de combate. Y de repente, en menos de 10 minutos, ya se acostumbró, todos lo han aceptado y hasta nuevo nombre tiene.

A Villeneuve no se le puede menospreciar las secuencias de lucha, que muestran cómo el pequeño ejército de los Fremen burla constantemente la fuerza tecnológica de los Harkonnen. Desde montar gusanos extraterrestres hasta usar las tormentas de arena como cobertura, recurren a su mundo natural para mantener la ventaja. En algunas escenas, los alrededores de arena brillante y blanqueada quedan envueltos en profundas nubes de polvo casi como sangre, que desorientan a los enemigos. Mientras los antagonistas intentan encontrarse a sí mismos, los Fremen se mueven rápidamente para desarmarlos y desmembrarlos.

Cuando la película va más allá de las escenas de lucha, el acercamiento a las tradiciones Fremen es bastante inestable. Mientras Paul genera confianza entre el ejército Fremen, su madre siembra rumores entre la gente en las cuevas de que su hijo es el Mesías. A pesar de las protestas de Paul, Lady Jessica y su feto "no nacido" quieren cumplir la misión del todopoderoso grupo religioso matriarcal Bene Gesserit; es bastante confuso comprender si son parte del mismo grupo o no.

Las actuaciones de Chalamet y Ferguson son más fuertes cuando madre e hijo discuten sobre qué hacer. A través de estos argumentos, Chalamet se deshace de la inocencia juvenil de la primera película por una personalidad más oscura y complicada, pero por momentos con una actitud casi satírica y picarona que no encaja. El personaje de Ferguson es el que verdaderamente se pierde cuando entra en un terreno moralmente más ambiguo y los Fremen le piden que se convierta en la Reverenda Madre del grupo. Aceptar el papel significa heredar los recuerdos de los Fremen. Es aquí donde la película de Villeneuve podría haber aprovechado la oportunidad para interrogar la razón de que Paul y Jessica, dos forasteros conectados al régimen imperial, heredaran los secretos y tradiciones de los indígenas Arrakis. 

En cambio, "Dune: Part Two" se hunde aún más en los intentos de explicar mientras complica la comprensión más texturizada del imperialismo al jugar repetida y sutilmente con la religiosidad de los Fremen para reír. Habría sido mucho más interesante analizar, aunque sea brevemente, por qué existen divisiones dentro de los Fremen sobre la existencia de un Mesías en primer lugar. ¿Por qué Chani lucha con vehemencia contra la creciente popularidad de Paul, mientras que Stilgar se desespera por abrazarla? ¿Se pueden atribuir estas facciones a algo más que a las maquinaciones Bene Gesserit? La película de Villeneuve es mucho mejor al mostrar la violencia más obvia del poder imperial y escenificar una batalla más familiar y básica entre el bien y el mal. 

La segunda parte  amplía el imperio Dune, introduciendo junto al Emperador (Christopher Walken) a su hija, la Princesa Irulan (Florence Pugh), así como al sobrino sociópata del Barón, Feyd (un loquísimo Austin Butler). A través de estos personajes, Villeneuve construye nuestra comprensión de los vínculos políticos y personales en juego y establece la absorbente narrativa de venganza de Paul. Ambos decentes en sus roles pero no necesariamente memorables.

Mientras el Duque aprende de los Fremen, lucha con la crisis existencial de someterse a la profecía Bene Gesserit y se enamora de Chani, mantiene a su padre cerca de su corazón. Gran parte del viaje personal y del desarrollo del carácter de Paul están ligados al deseo de vengar a su padre y al pueblo. Esa misma crisis existencial es lo que pasaba dentro de mí mientras observaba otra película de Villenueve que queda en mi lista negra, donde realmente se siente lo que está en juego en las preguntas más interesantes de la segunda parte sobre el destino y la lealtad, los agravios individuales y el bien común, y el futuro de Arrakis en general, pero que son literalmente abandonadas por rescatar otros ideales y momentos, seguramente por la impresión visual que causarían más que su comprensión e interés narrativo.

Crítica Cinéfila: Dune, Parte I

Arrakis, el planeta del desierto, feudo de la familia Harkonnen desde hace generaciones, queda en manos de la Casa de los Atreides después de que el emperador ceda a ésta la explotación de las reservas de especia, una de las materias primas más valiosas de la galaxia y también una droga capaz de amplificar la conciencia y extender la vida.

En "Dune", la esperada y deslumbrante adaptación de Denis Villeneuve de la novela de ciencia ficción de culto de 1965 de Frank Herbert, va a dividir la audiencia desde sus primeros 30 minutos. Por un lado, estarán los que admirarán su vastedad en imagen y su cinematografía imperial; pero habrán otros (como yo) que no nos importará la impresionante fotografía o la imponente banda sonora de Hanz Zimmer, pues la película no funcionará de todas formas debido a sus vacíos narrativos.

"Dune", un trance de ciencia ficción majestuosamente sombrío y a gran escala, está lleno de fastuosas confusiones: guerras de clanes, ejércitos brutos, un grotesco villano autócrata, un héroe que puede ser el Mesías, que lo vincula, en espíritu y diseño, a las películas de "La guerra de las galaxias" y "El señor de los anillos", aunque con un ominoso depredador propio. La arquitectura del planeta desértico es de arenisca maya. Las naves espaciales son como rocas flotantes del tamaño de ciudades mientras que algunas parecen insectos gigantes. Y el estilo cinematográfico es "Lawrence of Arabia" se encuentra con "Triumph of the Will" que se encuentra con el comercial de colonia más visionario que Ridley Scott nunca hizo. “Dune” quiere sorprendernos, y a veces tiene éxito, pero también quiere meterse debajo de la piel como un mosquito hipnóticamente tóxico. Lo hace ... hasta que no lo hace y se vuelve demasiado pasiva.

Aquí hay una definición útil de una gran película de fantasía de ciencia ficción, en el que la construcción del mundo es asombrosa pero no más esencial que la narración. En las dos primeras películas de "Star Wars", esas dinámicas estaban en perfecta sincronía; también estuvieron en las películas de “Dark Knight” y “Mad Max”. “Blade Runner”, a su manera, es una película asombrosa, pero su construcción de mundos tiene más fuerza que sus trascendentales narraciones neo-noir.

Visto desde esa perspectiva, "Dune" es una película que gana cinco estrellas por construir un mundo y alrededor de dos y media por contar historias. Si lo comparas con la desastrosamente confusa adaptación de 1984 de "Dune" de David Lynch, puede parecer una obra maestra, pues la mayor parte de la historia ahora tiene sentido. Y durante una hora más o menos, la película es bastante fascinante, arrojando destellos seductores de traición al presentar la historia de Paul Atreides (Timothée Chalamet), el talentoso vástago de la Casa Atreides, cuyo padre, el duque Leto Atreides (Oscar Isaac), está liderando lo que parece ser una oportunidad, aunque llena de peligros y engaños.

Durante 80 años, el planeta desértico de Arrakis ha sido presidido por los Harkonnen, que gobernaron con mano de hierro mientras controlaban la producción de la valiosa especia que está incrustada en la arena y el aire. Ahora, el emperador ha ordenado a los Harkonnen que abandonen Arrakis y ha puesto a cargo a la Casa Atreides. Llegan como un ejército recién ocupante. Pero los están configurando como chivos expiatorios. Villeneuve se esfuerza por mantenerse fiel a la expansión conspirativa del sueño del planeta de arena de Herbert, incluso mientras adapta el libro a sus escenas más jugables. Chalamet, alto y delgado, interpreta a Paul como un héroe novato con habilidades que apenas comprende. Es descendiente gracias a su madre, Lady Jessica (Rebecca Ferguson), de la mística secta matriarcal Bene Gesserit, que quiere ponerlo en contacto con su salvador cósmico interior.

Hay buenas escenas como una en la que Paul aprende a hablar telepáticamente con su madre; o recibe una lección de Leto cálidamente protector pero demasiado vulnerable de Isaac, quien le habla sobre las elecciones humanas codificadas dentro del destino; o es sometido a una prueba primaria por su tía, Gaius Helen Mohiam (Charlotte Rampling). Stellan Skarsgård, casi irreconocible como el barón Vladimir Harkonnen, que es como un homicida flotante Jabba el Hutt cruzado con Enrique VIII cruzado con Fat Bastard, establece la trama en movimiento, recuperando a Arrakis al tratar de matar a casi todos en la película que más llaman nuestra atención.

Su tasa de éxito es un poco desarmante. Las escenas de combate cuerpo a cuerpo en “Dune” tienen un destello de originalidad. En lugar de sables de luz, los personajes se golpean entre sí con otras armas que reducen sus cuerpos a cuadros congelados electromagnéticos. Es emocionante ver a Duncan Idaho, interpretado por Jason Momoa como la figura de Han Solo, el sexy, leal y brutal de la película, enfrentarse a un pequeño ejército de enemigos.

Sin embargo, ¿a dónde va todo esto? "Dune" sigue presagiando el momento en que Paul se integrará con los Fremen, los pueblos indígenas del desierto de Arrakis que tienen una relación más orgánica con el peligroso paisaje y con la especia que cualquiera de sus gobernantes, pero que viven en un estado de la opresión de la guerrilla harapienta. Están esperando a que alguien los libere, y Paul parece ser esa figura, ya que está profetizado por media docena de flash-forwards intercambiables a su interfaz con Chani (Zendaya), una guerrera-protectora Fremen que recibe unas escenas de fantasía como una especie de princesa del desierto.

"Dune" comienza con un título que dice "Dune Part I", y hay una promesa estándar pero bastante presuntuosa incrustada en esas palabras: que después de 2 horas y 35 minutos, estaremos tan enganchados por esta saga que estaremos deseando la Parte II. Esa, en cierto modo, es la promesa de todas las franquicias. Pero el problema con "Dune" es que se siente, en diferentes puntos, como casi todas las demás franquicias. A lo largo de las décadas, más de unas pocas películas han surgido del ADN del universo de Herbert, como (por ejemplo) el acto de apertura de "Star Wars". Y hay una razón por la que es la primera parte de esa película; el desierto es un escenario terriblemente árido para la ciencia ficción. "Dune" es rico en "temas" y motivos visuales, pero se convierte en una película sobre Paul de Chalamet pilotando a través de tormentas de arena y relacionarse con los rebeldes del desierto, que en esta película son mucho más nobles que interesantes.

No es solo que la historia pierda el impulso. Pierde el sentido por el que estamos emocionalmente comprometidos con él. Los gusanos de arena gigantes, que son protectores de la especia y excavan en el desierto como un siniestro tornado subterráneo hasta que se revelan, son buenos por un momento y luego no. “Dune” hace que los gusanos, las dunas, el espectáculo paramilitar y la trama del niño-salvador sean inmersivos por un tiempo. Pero luego, cuando la película comienza a quedarse sin trucos, se vuelve mareada y vacía. ¿Realmente vendrá la Parte II? Es difícil construir un suspenso en arenas movedizas, y aunque le vaya muy bien a esta primera parte, no sé si estaría interesada en ver lo que sigue.

Sicario: Day of the Soldado

La guerra contra los cárteles de la droga se ha intensificado en la frontera entre EE.UU. y México a medida que éstos se han metido en el negocio de tráfico de personas, introduciendo en suelo americano a terroristas islámicos. Para hacer frente a esta nueva guerra sucia, el agente federal Matt Graver (Josh Brolin) planea una idea para que los carteles se enfrenten entre ellos. Para ello volverá a reclutar para la peligrosa misión al volátil mercenario Alejandro Gillick (Benicio del Toro). (FILMAFFINITY)

Sicario significa "asesino a sueldo". Por lo que no puede ser sorpresa para nadie la cantidad de muertos que habrán en esta película. Y me atrevo a discutir con cualquiera que en esta hubo más que en la primera.

Matt y Alejandro vuelven a cruzar caminos cuando diversos ataques islámicos en Estados Unidos son relacionados al tráfico ilegal de personas por los carteles mexicanos. Pero cuando el trabajo significa crear una guerra entre dos poderosos carteles de drogas, su atención se enfocará en el secuestro de la hija de uno de los líderes, lo cual los aislará de su principal objetivo y creará más caos del que debía causar. Ahora, los dos sicarios deben decidir si seguir las órdenes finales o volver a sus métodos ilícitos, así como lo hicieron en la primera película.

A pesar de que este tipo de historias trata más de cuantos muertos acumula cada persona, el guionista Taylor Sheridan se encarga de darle un "lado amable" a sus protagonistas, humanizándolos y convirtiéndolos en personajes tridimensionales. Mientras la primera se enfocó en mostrar dos hombres que hacen lo que sea a su manera y sin ser acusados, en esta entrega la audiencia tiene la oportunidad de conocer la otra cara de los sicarios. Mientras la primera solo mostraba su violencia y el sadismo de Matt y Alejandro, aquí también se aprecia sus debilidades, y cómo se logran salir con la suya, por más balas que hayan recibido en el camino.

Josh Brolin/Matt será parte importante del plan que se ejecuta, pero el verdadero protagonista es Benicio del Toro/Alejandro, quien no solo se enfrenta a los enemigos que van creando por sus decisiones, sino también a un grupo jóven de transportistas ilegales de inmigrantes mexicanos quienes intentarán asesinarlo para lograr quedarse con la niña que él protege. La interacción que se desarrolla entre Alejandro e Isabela (interpretado por Isabela Moner) enseñan ese lado paterno del protagonista que en la primera entrega de Sicario buscaron introducir, dándole más de una razón de por qué debía defenderla antes de que alguien la reconociera. 

Spoiler alert: algo que no logró esta película en comparación a la primera fue el desarrollo de la subtrama con el niño que se introduce a la banda como transportista. Se muestra como un personaje innecesario y vacío, sobretodo porque no le dieron excusas suficientes de por qué se estaba metiendo en este grupo (no pueden decir que es porque su familia la iban a matar o porque tenía una mala situación económica). Es un personaje que lo único que suma es que reconoce a Alejandro y lo delata, para luego intentar matarlo y ser encontrado por él un año después. Honestamente, espero que lo haya matado.

Por otro lado, la esencia de Sicario se mantiene en esta película, y no me refiero a toda la sangre derramada, sino por el inicio tan intenso y realista con las situaciones de hoy en día, la banda sonora penetrante que también fue parte de Sicario I (compuesta por el fallecido Jóhann Jóhannsson) y el uso de tomas aereas para darle un tono más militar a la película.

A pesar de que hubo varias preguntas sin responder de la trama, Sicario 2 invierte todo lo que la primera hizo, sin dejar a un lado la frialdad, intensidad y violencia asfixiante de su antecesora. Es una película que no abandona el realismo de nuestra época pero a su vez quiere darle ese toque humano que a la primera le falto en muchas ocasiones.

Sicario: Day of the Soldado

Título en español: Sicario: Día del Soldado

Ficha técnica

Dirección: Stefano Sollima

Producción: Basil Iwanyk y Erica Lee

Guion: Taylor Sheridan

Música: Hildur Guðnadóttir

Fotografía: Dariusz Wolski

Montaje: Marisa Frantz, Meg Everist y Daniela Rojas

Protagonistas: Benicio del Toro, Josh Brolin, Jeffrey Donovan, Manuel Garcia-Rulfo, Isabela Moner, Catherine Keener, Matthew Modine, David Castaneda, Ian Bohen y Bruno Bichir

Deadpool 2

Wade Wilson (Ryan Reynolds), mejor conocido como Deadpool, regresa con la misión de salvar a un chico llamado Russell (Julian Dennison) de las manos de un poderoso rival llamado Cable (Josh Brolin). Para dar cumplimiento a su tarea el antihéroe formará un grupo al cual pondrá el nombre de X-Force. (FILMAFFINITY)

Conocí a Deadpool recientemente porque nunca tuve la oportunidad (ni el interés) de ver la primera película. La idea de un superhéroe que resulta ser un antihéroe, y a parte es mutante, no me atrajo tanto en su primer momento de gloria. Pero con toda la promoción que le han dado a esta segunda entrega, no podía volver a ignorarlo. 

Sí, ya vi la primera, la cual es una película muy de "origen" y de entender quién es Deadpool; pero la segunda tiene mucha más personalidad y está mejor trabajada.

Mientras Deadpool (2016) habla sobre la persecusión tras Francis, quien fue el responsable de que él terminara como un mutante; Deadpool 2 (2018) trata de su vida después de este enfrentamiento y cómo se ha convertido en un "héroe" a su manera. Pero todo cambia cuando le arrebatan lo único que él valora. A partir de ese instante, decide convertirse en una especie de X-Men, y proteger a otro mutante llamado Russell, quien es buscado por Cable, un viajero del tiempo que quiere asesinarlo para evitar los desastres del futuro que Russell causa. 

La personalidad de Deadpool la conocemos: a pesar de sus ridiculeces y niñadas, pelea de manera incansable como un profesional; no obstante, los guionistas se tomaron su tiempo y profundizaron más en los complejos y debilidades del personaje para crear a un antihéroe aún más interesante y completo. Deadpool no es ese villano de villanos que conocieron hace dos años, y ya no se trata de aceptación de su físico; él tiene sentimientos y procura demostrarlos en cada acción y parodia que hace.

Pero además de Deadpool, hay que reconocer el resto de los personajes introducidos en esta película, que no solo le dieron color y más momentos de risas, sino que demostraron la mejoría en el desarrollo de sus personalidades y en el objetivo que cada uno representaba para la historia, resaltando a Russell, quien da un cambio totalmente inesperado durante la historia, y Cable, que terminó siento el villano que nadie se imaginó, ni siquiera los que anticipaban el inicio de un mini-Thanos.

A pesar de que la historia sigue la misma estructura que la primera película: Deadpool inicia con una narración de por qué está allí, comienza su misión, hace un pequeño grupo de contraátaque, y al final se sale con la suya. No obstante, esta estructura funciona mejor en su segunda entrega. La historia está más concentrada y definida hacia un objétivo lógico de Deadpool; ya no se trata de una aventura a ver qué pasa, sino un plan para definitivamente conseguir salvarle la vida a una persona.

Por otro lado, mantiene en esencia los aspectos estructurales y de diseño que hicieron de la primera entrega tan única: como el intro de la película (haciendo honor a Spectre -James Bond-), las escenas slow-motion de batalla (que se agradecen muchísimo para ver en detalle las barbaridades de Deadpool), su relación complicada con Colossus, la burla a Wolverine y autobullying a Ryan Reynolds. Hay que resaltar las escenas post-crédito, en las que no se trató de un adelanto de otra película, sino más de las locuras de Deadpool, con puntos que ya él mismo había dicho durante la trama.

Otro aspecto que retoma de la primera es la banda sonora inspirada en música de los 80, que hacen contraste con las locuras de Deadpool y todo lo que acontece de por medio, complementada a la perfección con la dirección de fotografía haciendo honor a la línea establecida por la película anterior.

Sin dudas, esta versión es mucho más entretenida, pero sobretodo más centrada que su antecesora. Tiene comedia, drama, sangre por todos lados y más razones para enamorarse de Deadpool y cogerle cariño a todas sus maldades. El, al final, termina siendo el chico bueno.