Crítica Cinéfila: Dune - Part Two

Tras los sucesos de la primera parte acontecidos en el planeta Arrakis, el joven Paul Atreides se une a la tribu de los Fremen y comienza un viaje espiritual y marcial para convertirse en mesías, mientras intenta evitar el horrible pero inevitable futuro que ha presenciado: una Guerra Santa en su nombre, que se extiende por todo el universo conocido.

En una de las secuencias dramáticas más decentes de "Dune: Part Two" de Denis Villeneuve, la luchadora Fremen Chani ( Zendaya ) le enseña al duque Atreides Paul (Timothée Chalamet) la forma correcta de caminar por la arena. Aunque a simple vista parecerá una burla, incluso un baile, tiene su lógica y uno se adentra a las reglas de Arrakis. Mientras arrastran los pies con delicadeza por ese árido terreno eterno, evitando el patrón rítmico que atrae a los gusanos de arena del desierto, hay una discreta dulzura en sus interacciones, una señal de la creciente intimidad de la pareja. Pero todo se cae cuando Paul insiste en los métodos que aprendió en un video antropológico y Chani responde con una mirada escéptica y exasperada. Desde los rituales Fremen hasta las tradiciones que son intercambiadas por miembros del grupo históricamente nómada van perdiendo peso narrativo a lo largo de esta secuela que, por alguna razón particular, se adentra más en un terreno de chistes fuera de lugar y un ritmo tan cercano como el anterior; quizás levemente mejorado en esta ocasión.

En gran parte se debe a que la sociedad Fremen y la relación de Paul con Chani se convierten en los hilos narrativos principales de esta segunda parte. "Dune: Part Two" mantiene el grandioso estilo visual introducido en su primera película y al mismo tiempo presta más atención a la historia y el desarrollo de los personajes, algo definitivamente mejorado en esta ocasión. 

La película, escrita entre Denis Villeneuve, Jon Spaihts y Craig Mazin, comienza horas después de los acontecimientos de la primera película. Paul y Lady Jessica (Rebecca Ferguson) se unieron al grupo Fremen de Chani, y su integración generó curiosidad y sospecha a partes iguales. Algunos miembros aceptan fácilmente a los nobles Atreides, mientras que otros se preguntan si son espías. Mientras tanto, los Harkonnen, liderados por el sanguinario barón Vladimir (Stellan Skarsgard), han recuperado el control de la producción de especias en Arrakis y han lanzado una guerra genocida contra los Fremen. 

Sin embargo, y a pesar de que la trama es aún más precisa en este encuentro, con una duración de cerca de tres horas, "Dune: Part Two" se mueve a un ritmo similar al paseo de arena de Paul y Chani por el desierto abierto. La narrativa se detiene en momentos inadecuados, conversaciones coincidentes y situaciones aparentemente chistosas;  un punto a favor es que la música de Hans Zimmer es aún más envolvente y la cinematografía de Greig Fraser ofrece perspectivas interesantes que profundizan nuestra comprensión del planeta fervientemente buscado. 

Y aún con esa impresionante cinematografía, esta segunda parte está plagada de una persistente superficialidad cuando se trata de retratar a los Fremen, un pueblo indígena que lucha por la autodeterminación dentro del imperio; la película tiene dificultades para abarcar plenamente los matices del texto antiimperial y ecológicamente distópico de Herbert. 

Parecería que Villeneuve no está interesado en los Fremen y se preocupa más por la integración de Paul con ellos, explorando cómo funciona su sociedad desde un punto de vista foráneo. Después de matar a Jamis (Babs Olusanmokun), Paul se gana el respeto de Stilgar (Javier Bardem), un líder religioso del ejército Fremen que espera al Mesías, y la tentativa aprobación de Chani. La pareja ayuda a Paul a aclimatarse a la vida en el desierto, enseñándole cómo tener una relación con la tierra. A través de sus lecciones, Paul ve el planeta como más que un lugar del cual extraer la mezcla psicotrópica conocida como Spice. Aprende a trabajar con el terreno árido en lugar de intentar dominarlo, un enfoque que mejora sus habilidades de combate. Y de repente, en menos de 10 minutos, ya se acostumbró, todos lo han aceptado y hasta nuevo nombre tiene.

A Villeneuve no se le puede menospreciar las secuencias de lucha, que muestran cómo el pequeño ejército de los Fremen burla constantemente la fuerza tecnológica de los Harkonnen. Desde montar gusanos extraterrestres hasta usar las tormentas de arena como cobertura, recurren a su mundo natural para mantener la ventaja. En algunas escenas, los alrededores de arena brillante y blanqueada quedan envueltos en profundas nubes de polvo casi como sangre, que desorientan a los enemigos. Mientras los antagonistas intentan encontrarse a sí mismos, los Fremen se mueven rápidamente para desarmarlos y desmembrarlos.

Cuando la película va más allá de las escenas de lucha, el acercamiento a las tradiciones Fremen es bastante inestable. Mientras Paul genera confianza entre el ejército Fremen, su madre siembra rumores entre la gente en las cuevas de que su hijo es el Mesías. A pesar de las protestas de Paul, Lady Jessica y su feto "no nacido" quieren cumplir la misión del todopoderoso grupo religioso matriarcal Bene Gesserit; es bastante confuso comprender si son parte del mismo grupo o no.

Las actuaciones de Chalamet y Ferguson son más fuertes cuando madre e hijo discuten sobre qué hacer. A través de estos argumentos, Chalamet se deshace de la inocencia juvenil de la primera película por una personalidad más oscura y complicada, pero por momentos con una actitud casi satírica y picarona que no encaja. El personaje de Ferguson es el que verdaderamente se pierde cuando entra en un terreno moralmente más ambiguo y los Fremen le piden que se convierta en la Reverenda Madre del grupo. Aceptar el papel significa heredar los recuerdos de los Fremen. Es aquí donde la película de Villeneuve podría haber aprovechado la oportunidad para interrogar la razón de que Paul y Jessica, dos forasteros conectados al régimen imperial, heredaran los secretos y tradiciones de los indígenas Arrakis. 

En cambio, "Dune: Part Two" se hunde aún más en los intentos de explicar mientras complica la comprensión más texturizada del imperialismo al jugar repetida y sutilmente con la religiosidad de los Fremen para reír. Habría sido mucho más interesante analizar, aunque sea brevemente, por qué existen divisiones dentro de los Fremen sobre la existencia de un Mesías en primer lugar. ¿Por qué Chani lucha con vehemencia contra la creciente popularidad de Paul, mientras que Stilgar se desespera por abrazarla? ¿Se pueden atribuir estas facciones a algo más que a las maquinaciones Bene Gesserit? La película de Villeneuve es mucho mejor al mostrar la violencia más obvia del poder imperial y escenificar una batalla más familiar y básica entre el bien y el mal. 

La segunda parte  amplía el imperio Dune, introduciendo junto al Emperador (Christopher Walken) a su hija, la Princesa Irulan (Florence Pugh), así como al sobrino sociópata del Barón, Feyd (un loquísimo Austin Butler). A través de estos personajes, Villeneuve construye nuestra comprensión de los vínculos políticos y personales en juego y establece la absorbente narrativa de venganza de Paul. Ambos decentes en sus roles pero no necesariamente memorables.

Mientras el Duque aprende de los Fremen, lucha con la crisis existencial de someterse a la profecía Bene Gesserit y se enamora de Chani, mantiene a su padre cerca de su corazón. Gran parte del viaje personal y del desarrollo del carácter de Paul están ligados al deseo de vengar a su padre y al pueblo. Esa misma crisis existencial es lo que pasaba dentro de mí mientras observaba otra película de Villenueve que queda en mi lista negra, donde realmente se siente lo que está en juego en las preguntas más interesantes de la segunda parte sobre el destino y la lealtad, los agravios individuales y el bien común, y el futuro de Arrakis en general, pero que son literalmente abandonadas por rescatar otros ideales y momentos, seguramente por la impresión visual que causarían más que su comprensión e interés narrativo.

Crítica Cinéfila: Guardians of the Galaxy Vol. 3

La querida banda de los Guardianes se instala en Knowhere. Pero sus vidas no tardan en verse alteradas por los ecos del turbulento pasado de Rocket. Peter Quill, aún conmocionado por la pérdida de Gamora, debe reunir a su equipo en una peligrosa misión para salvar la vida de Rocket, una misión que, si no se completa con éxito, podría muy posiblemente conducir al final de los Guardianes tal y como los conocemos. 

En el transcurso de 23 películas, tres "fases" y una "saga" en general, Marvel Cinematic Universe pasó su primera década antes de una historia básicamente diseñada para una respuesta emocional máxima: "el chasquido" (o “el Blip” como se le conoce en el universo), en el que la mitad de los seres vivos del universo fueron desaparecidos por el nefasto Thanos durante cinco años. Y aunque la cuestión de cómo el MCU pretende construir otra saga centrada en la inevitable batalla entre el bien (superhéroes) y el mal (algún villano aterrador) en la que el destino de todo el universo está en juego es grande, son los cabos sueltos de esa primera saga que aún duelen.

Si bien cada película de Marvel que siguió a “Avengers: Endgame”, en la que se restableció la mitad de la población que faltaba, el cuidado de los Vengadores, que habían sufrido sus propias pérdidas dolorosas, se refirió brevemente a cuán emocionalmente devastador sería realmente un evento de este tipo, ninguno ha contado plenamente con él. Incluso "Spider-Man: Far from home", la primera película en llegar después de "Endgame" y en sí misma la conclusión real de "The Infinity Saga", pasó por alto el sentimiento del mundo posterior a Blip con un puñado de bromas (¿quizás hacer que estos niños reciban terapia es una mejor alternativa?).

Pero ocho películas desde el final de esa saga, solo una película ha intentado realmente aprovechar la gran y desordenada angustia que debería haber guiado esta franquicia durante al menos los últimos cuatro años: "Guardianes de la Galaxia vol. 3". Incluso la película de James Gunn, su última entrada en Marvel y un cierre de la trilogía que ha dirigido durante casi una década, no aborda directamente "el Blip" (¿alguien recuerda que los Guardianes perdieron a más de la mitad de sus miembros durante cinco años? ¿no? OK…); apunta directamente al tipo de honestidad emocional que el MCU necesita tan desesperadamente. Si la mayoría de las películas de Marvel hacen que el público se ponga de pie a aplaudir o gritarle a la pantalla, Gunn hace algo aún más significativo: hacerlos ponerse de pie y llorar. La marca especial de sinceridad, humor y violencia de Gunn siempre ha sido una buena combinación para el equipo de “GOTG”: no hay otros personajes en la alineación actual de MCU que sea tan experta en hacer bromas mientras destroza absolutamente una habitación llena de villanos, y lleva esa alquimia a extremos locos para su capítulo final.

No siempre aterriza del todo, pero dice algo sobre Marvel: estos personajes y este cineasta que esta tercera película de una serie que encaja en una franquicia de 32 películas en total es una de las más audaces, emotivas y originales entradas que la MCU haya visto alguna vez. Todavía hay vida en este universo cinematográfico, si solo se permite que otras películas dentro de él tomen el tipo de cambios que Gunn y compañía han obtado por probar algo que tal vez todos conocemos: esta banda intergaláctica de raros es realmente el corazón de la MCU.

Ambientada en lo que sea que pase en la actualidad en el UCM, encontramos a nuestra excéntrica banda de héroes inverosímiles pasando el rato en su actual base de operaciones intergalácticas: el pobre Knowhere, también conocido como la cabeza cortada de un Celestial (para cualquiera que necesite ponerse al día, solo imagina una súper raza de dioses masivos, ahora imagina una de sus cabezas gigantes como una estación espacial improvisada llena de una variedad de habitantes coloridos). Mientras Nebula (Karen Gillan), Drax (Dave Bautista, hilarante como siempre), Mantis (Pom Klementieff), Groot (Vin Diesel) y Kraglin (Sean Gunn) están tratando de mantener las cosas tan normales como posiblemente pueden estar en Knowhere, otros miembros de los Guardianes no lo están haciendo tan bien.

Rocket (Bradley Cooper) está abatido. Como siempre, Gunn ofrece una amplia banda sonora de éxitos y jams en la nariz, dando inicio a la película con Rocket escuchando, de manera hilarante y desgarradora, "Creep" de Radiohead y continúa preocupándose por su lugar en el universo; mientras que el líder de los Guardianes, Peter Quill (Chris Pratt), está empeñado en beber hasta el estupor y se tambalea por la muy complicada pérdida de su  novia, Gamora (Zoe Saldaña). Esta paz increíblemente frágil pronto se ve interrumpida por la llegada de Adam Warlock (Will Poulter), veloz, chapado en oro, que literalmente choca contra Knowhere e intenta, al más puro estilo Mike Dexter, acabar con todo el que se le tope de por medio.

Gunn, quien también escribió el guión de la película, no pierde el tiempo en llegar al meollo del asunto: mientras que Adam Warlock causa estragos en los Guardianes en general, realmente está buscando a Rocket. Y cuando le da una herida terrible al súper mapache del tamaño de una pinta, genéticamente modificado, se pone en marcha un plan para la tripulación. La historia de fondo de Rocket ha sido objeto de burlas durante mucho tiempo en las películas de "GOTG"; realmente, ¿de dónde vino una criatura como esta? – y Gunn no ha tenido reparos en centrar su película final en su estrella más peluda y enojada. Mientras Rocket entra y sale de la conciencia, y los Guardianes se apresuran hacia el lugar que lo creó en un intento de recoger lo único que podría salvarlo, su trágico pasado se desarrolla a través de una serie de flashbacks verdaderamente desgarradores. Por lo menos, la película de Gunn parece estar lista para radicalizar a una nueva generación de activistas por los derechos de los animales, una audiencia entera irrevocablemente cambiada por escenas en las que un pequeño bebé Rocket es arrancado de una pila temblorosa de sus hermanos, solo para experimentarlo por el nefasto Alto Evolucionador (Chukwudi Iwuji).

Como todos los malos de Marvel, es un hombre con un plan: un científico aparentemente eterno, el Alto Evolucionador no quiere nada menos que crear una "especie perfecta" que luego pueda liderar su "sociedad perfecta". ¿Qué significa eso en la práctica? Ha pasado décadas experimentando con una gama completa de seres "menores" en un intento de construir un ser iluminado. Y si bien las ideas e ideales del Alto Evolucionador tienen un impacto en el universo más amplio, es refrescante enfrentarse a un villano de Marvel cuya existencia no amenaza literalmente a todos los demás seres en el UCM. 

¿Pero su impacto en Rocket? Eso es lo suficientemente grande. Y aunque sabemos que Rocket eventualmente escapó de sus garras, el camino es mucho más oscuro y doloroso de lo que la mayoría de la audiencia podría imaginar. Pero Gunn no abusa de esa emoción, la usa para impulsar a sus otros personajes a la acción. Los Guardianes atraen porque sus lazos ganados con tanto esfuerzo se sienten reales, incluso dentro de los límites de la MCU descomunal y los entornos particulares en los que se encuentran. Cuidar unos de otros siempre ha sido su principal motivación, e incluso si la última aventura de Gunn no está impulsada precisamente por los efectos secundarios de Blip, conlleva una sensación de ira y confusión que toda la franquicia ha estado perdiendo. 

Cuando Peter y la pandilla se dirigen al Alto Evolucionador, saben que es una especie de trampa, del tipo que inevitablemente conducirá a todo tipo de grandes batallas. Agregue a Adam Warlock (y, en cantidades lamentablemente limitadas, a su madre, interpretada por la divina Elizabeth Debicki), una pizca seria de problemas con los padres y mucho humor guiñando un ojo, y tendrá una aventura clásica de "GOTG", uno hecho de muchas partes dispares que en su mayoría se unen.

Ciertamente no duele que esta loca aventura se vea tan bien. Las películas recientes de Marvel han tenido problemas para ofrecer mucho más que efectos especiales cuando se trata de sus lugares y ubicaciones, pero Gunn y su equipo brindan un sentido real de lugar a sus diversos entornos, una hazaña más impresionante teniendo en cuenta cuánto tiempo han estado pasando el rato en el espacio. Todo, desde Knowhere hasta el cuartel general súper malvado del Alto Evolucionador (el Orgoscopio, que es pegajoso en una forma claramente teñida de horror corporal) e incluso una Tierra falsa inclinada (equipada con una variedad de híbridos animal-humanos espeluznantes) se siente fresco y nuevo, ofreciendo tanta variedad.

Gunn siempre se las ha arreglado para traer su propio sabor a la MCU, un valor atípico en una franquicia que continúa aplanando sus historias y personajes con la esperanza de encajarlos a todos en una gran caja, una y otra vez, y su entrada final en este espacio ofrece el tipo de despedida que solo él podría crear. Y si bien, inevitablemente, abre la puerta a más aventuras para esta banda salvaje de héroes inverosímiles (el apetito del mundo de las franquicias, por supuesto, nunca se sacia por completo), lo hace en sus propios términos. Y, realmente, hace algo salvaje, algo cada vez más raro en el camino: te hace sentir tan desordenado, extraño e inesperado como podría ser. Ahora que es una super historia.

Crítica Cinéfila: Glass Onion - A Knives Out Mystery

Cuando el multimillonario Miles Bron (Edward Norton) invita a algunos de sus allegados a una escapada a su isla griega privada, pronto queda claro que no todo es perfecto en el paraíso. Y cuando alguien aparece muerto, ¿quién mejor que Benoit Blanc para desentrañar todas las capas del misterio?

Es increíble que lo que comenzó como el pensamiento ocioso de continuar las aventuras del detective Benoit Blanc, el "detective más grande del mundo", haya resultado no solo en el inevitable marcador de posición de la franquicia, sino en una de las películas más emocionantes, divertidas y francamente agradables del año pasado. Con un elenco astuto, cuenta con uno de los guiones más brillantes del año, no solo en términos de diálogos entretenidos que hacen reír a carcajadas e indirectas satíricas sobre la cultura pop, sino también en la meta trama meticulosa de una novela policíaca tradicional que mantiene la mente calculando movimientos de principio a fin. Inusualmente para una presentación reciente de Netflix, apenas se desperdicia un minuto, complaciendo a su audiencia con cada momento y dando en el blanco con cada latido.

El director Rian Johnson fue bastante abierto sobre las influencias originales de Knives Out, y la premisa inmediata de esta secuela sugiere un homenaje al thriller criminal de 1973, "The Last of Sheila", la inverosímil y algo psicodélica creación de los guionistas Stephen Sondheim y Anthony Perkins. Glass Onion, sin embargo, simplemente se burla de esa referencia; después de zarpar, se convierte en su propia bestia, estableciendo un ritmo cinético frenético que nunca se detiene. Estos son los alienígenas de Knives Out-universe, una repetición exponencial de un gran concepto que ahora conoce a su personaje principal de adentro hacia afuera y está pensando en grande cuando se trata de encontrar un desafío cerebral que sea digno de él.

Aquí, el anfitrión es Miles Bron, el multimillonario dueño de la compañía Alpha, y los amigos que se reúnen para navegar a su isla son un grupo dispar. Está Claire Debella (Kathryn Hahn), una política que se postula como candidata independiente después de perder a sus seguidores demócratas; Lionel Toussaint (Leslie Odom Jr), un renombrado científico; Birdie Jay (Kate Hudson), una ex modelo con su propia línea de ropa; y Duke (Dave Bautista), un YouTuber de los derechos de los hombres, que llega con su novia Whiskey (Madelyn Cline). Mientras esperan en el muelle, todos se sorprenden cuando el detective de celebridades Blanc (Daniel Craig) muestra su rostro enmascarado, pero se sorprenden aún más al ver a Andi Brown (Janelle Monáe), la ex socia comercial de Bron, con quien no hay más que mala sangre después de un amargo caso judicial.

Habiendo enviado sofisticadas cajas de rompecabezas (diseñadas por un aprendiz de Ricky Jay, aparentemente), Bron saluda a sus invitados cuando llegan a la orilla. Las esculturas de Banksy los esperan en la arena, y Bron está rasgueando distraídamente "Blackbird" en la guitarra en la que afirma que McCartney la escribió. Cada 60 minutos escuchamos el "dong por hora", escrito especialmente para Bron por Philip Glass, y casi todo sobre su ridículo escondite se comercializa y mercantiliza: "Esta gente rica es rara", como comenta un personaje. Y es que el diseño de producción de esta película anivela esa riqueza que Bron parece tener, con unos espectaculares salones y unos exteriores que parecen haber salido de una revista de espacios paradisiacos.

Bron ha reunido a estas personas aparentemente aleatorias para un juego de misterio y asesinatos de fin de semana que los verá investigar su asesinato. Pero dado que todos los invitados tienen una buena razón para verlo muerto (todos son, como revela Andi, adictos a las "tetas doradas" de Bron), ¿se jugará el juego de verdad? El juego de adivinanzas comienza ahora, y los giros y vueltas que siguen hacen que Glass Onion sea casi imposible de revisar sin spoilers; pero, lo que es más importante, nunca se desvía demasiado por delante de su audiencia.

La clave de esto es un sentido del humor amplificado que permite que Blanc florezca de una manera que Knives Out anterior no habría permitido: ahora que el personaje está establecido, Craig se divierte muchísimo con él, llevando la caricatura sureña al límite y luego explotándolo en los primeros 40 minutos en un espectacular paso en falso. Siguiendo su ejemplo, todos los personajes pueden enviarse a sí mismos, entre ellos Birdie, ex estrella de portada de The Face y una twittera tan imprudente que su asistente tiene que esconder su teléfono. Duke, con sus calzoncillos cortos con pistolera, es una maravillosa y igualmente valiente pieza de autoburla, y un Norton alto en su carrera (¿dónde ha estado exactamente este fantástico actor todos estos años?), es solo el cherry en la punta del pastel.

Esto deja dos destacados: Craig, ahora libre de Bond, finalmente ha logrado la comedia, revelando profundidades previamente inexploradas (una escena en la que el inexpresivo Blanc se esconde detrás y entre las nalgas de una estatua de bronce es una mini-obra maestra de la comedia muda). Pero el premio de la segunda versión de Knives Out es para la simplemente fantástica Monáe, quien presenta una de las mejores y más intuitivamente perfectas actuaciones del 2022. El final explosivo puede ser un poco desordenado, pero Glass Onion no es solo un jugueteo contagiosamente alegre que distorsiona la pompa satisfecha y la estupidez literal de un mundo que se ha vuelto verdaderamente loco. Es igualmente un autoanálisis de cómo, otorgando un poquito de poder y riqueza, el ser humano no se sacia de este hasta autodestruirse.

Crítica Cinéfila: Army of the Dead

Un grupo de mercenarios decide llevar a cabo el mayor atraco que jamás se haya realizado en la ciudad de Las Vegas justo después de que se produzca una epidemia de muertos vivientes. Para ello tendrán que adentrarse en una zona de cuarentena, con los riesgos que ello conlleva.

Si usted va a ver sólo una película de este año, Army of the Dead podría ser esa opción; no porque sea la mejor película que verás en 2021 (o tal vez incluso esta semana), sino porque tiene algo para casi todos. Es una película de zombies, un thriller de atracos, una historia sentimental de reconciliación entre padre e hija, un romance frustrado y mucho más. Está ambientado en Las Vegas. Tiene un elenco talentoso de diversos actores que interpretan a valientes renegados. Tiene un clímax espectacular con una bomba nuclear lanzada. Son dos horas y 28 minutos de diversión de videojuego repleto todo organizado por Snyder con un espíritu alegre de entusiasmo. 

Seguro me preguntarán: ¿Qué es lo que no te gusta? Todo se siente con una calidad de segunda mano. 

En un momento, después de que nuestro escuadrón de asesinos de zombis haya entrado en las calles destrozadas de Las Vegas, vemos la Estatua de la Libertad destrozada pero aún en pie, una imagen que es difícil no notar sin recordar el final de "El planeta de los simios". Un momento que lanzó por sí solo el género de la distopía cinematográfica. En esa legendaria escena, la Estatua era un inquietante vestigio de la civilización humana.

En "Army of the Dead", es solo un remanente de una copia, y toda la película es así. Snyder, quien filmó la película además de coescribirla y dirigirla, es un maestro de la puesta en escena balística (las cabezas de los zombies explotan con una gratificante precisión de rock 'n' roll), pero "Army of the Dead" parece no tener suficiente fuerza de imponencia para ser una película de elenco post-apocalíptica. Es menos emocionante que "World War Z", menos ingeniosa que una buena película de "Ocean's", menos inspiradora que "Guardians of the Galaxy". Sin embargo, tiene una fuerza y ​​un barrido agradables, y te quedas atrapado en él. Como escapismo para el fin de semana, es una puesta decente.

Se abre con un preludio de acción en la carretera del desierto, ambientado al amanecer, en el que una caravana militar estadounidense lleva una carga misteriosa. ¿Es un arma secreta? ¿Un alien? Cuando una pareja disoluta y recién casada choca contra la caravana desde la otra dirección, la carga útil se libera: es un zombi, y no cualquier zombi, sino un nuevo tipo de ghoul alfa que puede, ya sabes, organizar las cosas. Incluso puede tener sentimientos. Sin embargo, el libro de jugadas básico de la película consiste en las mismas reglas: una vez mordido, ahora resucitado, se convierte en zombie; esa fórmula de estas películas han estado funcionando durante medio siglo. 

"Army of the Dead" tiene uno de los montajes de créditos de apertura de videos musicales pop en cámara lenta característicos de Snyder, con un riff neo-Sinatra de "Viva Las Vegas", que acompaña imágenes de una guerra de zombies: dientes - coristas atacando con un tupé en una bañera, zombis con esmoquin azul pálido atacando a los adictos a las máquinas tragamonedas, mercenarios armados disparando contra la horda de muertos vivientes. Esa secuencia es una pequeña película en sí misma, pero "Army of the Dead" trata sobre lo que sucede después de la guerra. Los zombis han perdido y están confinados a Las Vegas, con la ciudad amurallada por montones de contenedores de envío. El presidente y el Congreso han acordado una legislación que ordena el lanzamiento de una bomba nuclear sobre la ciudad; Vegas, y la amenaza zombi, pronto serán destruidas. Pero fue entonces cuando Scott Ward (Dave Bautista), un corpulento héroe de la guerra que ahora está volteando hamburguesas, recibe una oferta que no puede resistir. El Sr. Tanaka (Hiroyuki Sanada), un magnate de los casinos, explica que hay una bóveda llena de dinero en efectivo en el sótano de su hotel. Si Ward puede reunir un equipo para ingresar a la ciudad, luchar contra los zombis y liberar el dinero antes de que caiga esa bomba nuclear, pueden tomar un helicóptero de rescate estacionado en el techo del hotel y volar con $ 200 millones.

Bautista, lejos de su encantadora y serena opacidad como Drax, demuestra ser un bruto líder con una calidad que no exagera. Scott está separado de su hija, Kate (Ella Purnell), y creemos que es porque ella lo vio clavar un cuchillo en la cabeza de su madre zombificada. Se une al equipo de Scott, junto con Cruz (Ana de la Reguera), su fogosa ex; Vanderoe (Omari Hardwick), un rudo con una divertida incredulidad de no tomar prisioneros; Dieter (Matthias Schweighöfer), un joven y ansioso ladrón de cajas fuertes alemán que debe demostrar su valía como asesino de zombis; Guzmán (Raúl Castillo), que golpea a los zombis por deporte; y Marianne (Tig Notaro), una piloto de helicóptero que pone mucha fuerza en sus cínicas réplicas.

Snyder llena la película con toques coloridos: un tigre zombi de un solo ojo, versiones de ensueño de "The End" y "Bad Moon Rising", un campo de cuarentena que proporciona una sopa de alegoría de COVID de advertencia. También divide a los zombies en dos castas: los shamblers y los alfas, todos liderados por Zeus (Richard Centrone) y su reina (Athena Perample). Estos dos convierten el comer carne en algo operístico.

La trama es un conjunto de complicaciones de que todo lo que puede salir mal, saldrá mal. El helicóptero es un trozo de basura, la caída de armas nucleares será en 24 horas, y Martin (Garret Dillahunt), el soldado de mandíbula cuadrada que Tanaka enviado para cuidar de la operación, claramente no está tramando nada bueno: tiene un secreto plan que es un verdadero juego mental. 

La película cobra impulso, pero su primera mitad es demasiado genérica y todo es demasiado largo. En Netflix, al parecer, un director no tiene que hacer la guerra para obtener el recorte de Snyder.