Crítica Cinéfila: A House of Dynamite

Cuando un misil de origen no identificado es lanzado desde mitad del océano Pacífico en dirección a Estados Unidos, la Casa Blanca comienza una carrera contrarreloj para determinar quién es el responsable y cómo actuar en respuesta.

Ocho años después de su último largometraje, Kathryn Bigelow regresa con un thriller implacable, tan controlado, dinámico e inquietantemente envolvente que al terminarlo uno se pregunta si el mundo seguirá en pie. Si bien se trata menos de una película bélica que de un drama sobre la amenaza de la guerra, "A House of Dynamite" guarda una estrecha relación con las impactantes obras posteriores de la directora, como "The Hurt Locker" y "Zero Dark Thirty". Bigelow reúne a un elenco tan nutrido de actores de primer nivel, algunos de ellos en pantalla solo en una o dos escenas breves, pero todos dejando una huella imborrable en la historia. El extenso reparto no tiene ningún punto débil.

La gente suele recurrir a los mismos adjetivos para describir las mejores obras de la directora: cruda, descarnada, implacable, intensa y con una atención casi documental hasta al más mínimo detalle. Su potente nueva película para Netflix mezcla todas esas características, pero además es inteligente, emotiva, ingeniosamente construida y rigurosamente concisa en su narrativa. Gran parte del mérito recae, obviamente, en el incisivo guion de Noah Oppenheim, pero el impacto no sería el mismo sin la precisión quirúrgica de Bigelow.

Sin muchos preámbulos, la película nos sumerge en los tensos 20 minutos previos al posible impacto de un misil nuclear de origen desconocido, que avanza lentamente, sorteando barreras de monitores de seguimiento, hacia una importante ciudad estadounidense. La capacidad del país que lanzó el misil para evadir la detección temprana por satélite sugiere la posible preparación de un ataque múltiple meticulosamente planeado. La trama captura esos 20 minutos —con una diferencia de apenas unos minutos al principio y al final— desde varias perspectivas, mostrando las respuestas desde los más altos niveles en la Sala de Situación de la Casa Blanca y las oficinas del Comando Estratégico hasta las dispersas bases de defensa, pasando por caravanas de vehículos y helicópteros. La visión del procedimiento de crisis y las decisiones instantáneas que se requieren de grandes equipos de personas es fascinante.

Como proeza de montaje y cinematografía trepidantes, la película es un auténtico espectáculo. El montaje arrítmico de Kirk Baxter se basa en cambios vertiginosos que, junto con la atenta y constante cámara en mano de Barry Ackroyd, permiten a Bigelow redirigir nuestra atención con maestría. Aunque a menudo recuerda a series de televisión de ritmo acelerado y montaje rápido, su estética resulta fresca. El director de fotografía británico Ackroyd, que filmó "The Hurt Locker" y "Detroit" para Bigelow, así como varias películas de Paul Greengrass, incluyendo "United 93" y "Captain Phillips", es un maestro del lenguaje visual que pone los nervios de punta. La tensión palpable se mantiene también gracias a la dinámica partitura de Volker Bertelmann, que comienza con ominosos gemidos estremecedores y va cambiando de forma a lo largo de toda la obra.

La película comienza con un contexto útil: al final de la Guerra Fría, las potencias mundiales llegaron al consenso de que el planeta estaría mejor con menos armas nucleares. Pero esa era ha terminado, al igual que la ingenua idea de que cualquier simulacro de ataque nuclear sería de alguna utilidad. Varias naciones poseen ahora arsenales nucleares con capacidad de aniquilación, y sin embargo, a pesar de que la amenaza sigue aumentando, la preocupación pública se ha estancado. 

La primera parte comienza en el 49º Batallón de Defensa Antimisiles en Fort Greely, Alaska, una base militar donde un equipo bajo el mando del Mayor Daniel González (Anthony Ramos) es responsable de detectar las amenazas entrantes y destruirlas con misiles interceptores terrestres. La escena cambia a Washington D.C. mientras la ciudad despierta. La capitana Olivia Walker (Rebecca Ferguson) es un punto de comunicación lúcido con altos mandos militares como el general Anthony Brady (Tracy Letts), inicialmente deseoso de charlar sobre el partido de béisbol de la noche anterior hasta que la gravedad de la situación se hace evidente, y el secretario de Defensa civil Reid Baker (Jared Harris).

El guion de Oppenheim evita cuidadosamente que las escenas de la vida personal de los personajes se vuelvan melodramáticas y sentimentales. Sin embargo, aumenta la tensión dramática al saber que Walker tiene un hijo con fiebre preocupante en casa con su padre, que se preocupa lo suficiente como para animar a un colega (Malachi Beasley) que planea proponerle matrimonio a su novia esa noche, o que Baker aún está afectado por la muerte de su esposa y lucha por acercarse a su hija (Kaitlyn Dever).

Se trata de una obra coral sin papeles protagonistas, pero entre los personajes clave se encuentran el subasesor de seguridad nacional Jake Baerington (Gabriel Basso), cuya esposa embarazada trabaja en el Pentágono; la funcionaria de FEMA Cathy Rogers (Moses Ingram), que se resiste a ser incluida en la lista de evacuación prioritaria; y el teniente comandante Robert Reeves (Jonah Hauer-King), que asesora al presidente sobre estrategias de represalia. Observar cómo el miedo se refleja en los rostros de estos funcionarios disciplinados y altamente capacitados, o escuchar a un joven oficial militar llamar a su madre, resulta cada vez más desgarrador.

Idris Elba encabeza el reparto como presidente, pero si bien tiene autoridad absoluta sobre el uso de armas nucleares, no es más importante que cualquier otro personaje principal. En la primera toma, está fuera de la sede y solo se le oye por teléfono; la pantalla del panel de comunicaciones permanece en negro. Mucho después, lo vemos jugando al baloncesto y charlando cordialmente con un equipo femenino de baloncesto escolar antes de ser evacuado apresuradamente al llegar la noticia de la crisis. El presidente también llama a la Primera Dama (Renée Elise Goldsberry), en Kenia, como parte de un programa de conservación de elefantes (parece haber una alusión implícita a los Obama, empezando por la escena del baloncesto). La película no idealiza al presidente como un hombre de certezas inquebrantables. Las dudas que comparte con Reeves sobre las decisiones que debe tomar resultan conmovedoras. Sin condenarlo ni elogiarlo, el guion deja entrever con ironía que el encanto relajado del presidente es tan importante como su experiencia y autoridad. En un momento divertido, el jefe de su equipo de seguridad (Brian Tee) le dice a un colega: «Es mi tercero y todos son unos narcisistas crónicamente impuntuales. Al menos este lee el periódico».

Si hay momentos como ese que sugieren que Bigelow introduce breves respiros a la ansiedad, no es así. Manteniendo múltiples frentes abiertos mientras el tiempo se agota rápidamente, nos brinda un acceso íntimo a personas que se enfrentan a opciones cada vez más escasas, especialmente cuando las contramedidas fallan. «No hay plan B», dice el almirante Mark Miller (Jason Clarke), alto funcionario de la Sala de Crisis.

La franqueza con la que la película muestra la escasa probabilidad de destruir un misil nuclear entrante («Es como intentar darle a una bala con otra bala») resulta profundamente inquietante. Y una escena casi incidental, en la que la experta en Corea del Norte de la NSA (Greta Lee) observa una recreación de la Batalla de Gettysburg con su hijo en un día libre, parece un reconocimiento sardónico de que la guerra para Estados Unidos es una demostración de fuerza bruta con poca visión a largo plazo.

Bigelow agrupa "A House of Dynamite" con "The Hurt Locker" y "Zero Dark Thirty" como un “tríptico no oficial”, ya que las tres películas tratan sobre operaciones militares y de inteligencia. Con una cohesión temática y una negativa a suavizar las situaciones de máxima tensión, todas ellas dentro del ámbito de lo posible, el director nos presenta una inquietante realidad de "podría suceder", mostrando a personas capaces haciendo lo mejor que pueden en situaciones extremas, pero sin ofrecer falsas garantías de que todo saldrá bien. Con un final que invita a la reflexión —y una imagen—, se trata de un thriller trepidante y una llamada de atención contra la complacencia.

Crítica Cinéfila: Dune - Part Two

Tras los sucesos de la primera parte acontecidos en el planeta Arrakis, el joven Paul Atreides se une a la tribu de los Fremen y comienza un viaje espiritual y marcial para convertirse en mesías, mientras intenta evitar el horrible pero inevitable futuro que ha presenciado: una Guerra Santa en su nombre, que se extiende por todo el universo conocido.

En una de las secuencias dramáticas más decentes de "Dune: Part Two" de Denis Villeneuve, la luchadora Fremen Chani ( Zendaya ) le enseña al duque Atreides Paul (Timothée Chalamet) la forma correcta de caminar por la arena. Aunque a simple vista parecerá una burla, incluso un baile, tiene su lógica y uno se adentra a las reglas de Arrakis. Mientras arrastran los pies con delicadeza por ese árido terreno eterno, evitando el patrón rítmico que atrae a los gusanos de arena del desierto, hay una discreta dulzura en sus interacciones, una señal de la creciente intimidad de la pareja. Pero todo se cae cuando Paul insiste en los métodos que aprendió en un video antropológico y Chani responde con una mirada escéptica y exasperada. Desde los rituales Fremen hasta las tradiciones que son intercambiadas por miembros del grupo históricamente nómada van perdiendo peso narrativo a lo largo de esta secuela que, por alguna razón particular, se adentra más en un terreno de chistes fuera de lugar y un ritmo tan cercano como el anterior; quizás levemente mejorado en esta ocasión.

En gran parte se debe a que la sociedad Fremen y la relación de Paul con Chani se convierten en los hilos narrativos principales de esta segunda parte. "Dune: Part Two" mantiene el grandioso estilo visual introducido en su primera película y al mismo tiempo presta más atención a la historia y el desarrollo de los personajes, algo definitivamente mejorado en esta ocasión. 

La película, escrita entre Denis Villeneuve, Jon Spaihts y Craig Mazin, comienza horas después de los acontecimientos de la primera película. Paul y Lady Jessica (Rebecca Ferguson) se unieron al grupo Fremen de Chani, y su integración generó curiosidad y sospecha a partes iguales. Algunos miembros aceptan fácilmente a los nobles Atreides, mientras que otros se preguntan si son espías. Mientras tanto, los Harkonnen, liderados por el sanguinario barón Vladimir (Stellan Skarsgard), han recuperado el control de la producción de especias en Arrakis y han lanzado una guerra genocida contra los Fremen. 

Sin embargo, y a pesar de que la trama es aún más precisa en este encuentro, con una duración de cerca de tres horas, "Dune: Part Two" se mueve a un ritmo similar al paseo de arena de Paul y Chani por el desierto abierto. La narrativa se detiene en momentos inadecuados, conversaciones coincidentes y situaciones aparentemente chistosas;  un punto a favor es que la música de Hans Zimmer es aún más envolvente y la cinematografía de Greig Fraser ofrece perspectivas interesantes que profundizan nuestra comprensión del planeta fervientemente buscado. 

Y aún con esa impresionante cinematografía, esta segunda parte está plagada de una persistente superficialidad cuando se trata de retratar a los Fremen, un pueblo indígena que lucha por la autodeterminación dentro del imperio; la película tiene dificultades para abarcar plenamente los matices del texto antiimperial y ecológicamente distópico de Herbert. 

Parecería que Villeneuve no está interesado en los Fremen y se preocupa más por la integración de Paul con ellos, explorando cómo funciona su sociedad desde un punto de vista foráneo. Después de matar a Jamis (Babs Olusanmokun), Paul se gana el respeto de Stilgar (Javier Bardem), un líder religioso del ejército Fremen que espera al Mesías, y la tentativa aprobación de Chani. La pareja ayuda a Paul a aclimatarse a la vida en el desierto, enseñándole cómo tener una relación con la tierra. A través de sus lecciones, Paul ve el planeta como más que un lugar del cual extraer la mezcla psicotrópica conocida como Spice. Aprende a trabajar con el terreno árido en lugar de intentar dominarlo, un enfoque que mejora sus habilidades de combate. Y de repente, en menos de 10 minutos, ya se acostumbró, todos lo han aceptado y hasta nuevo nombre tiene.

A Villeneuve no se le puede menospreciar las secuencias de lucha, que muestran cómo el pequeño ejército de los Fremen burla constantemente la fuerza tecnológica de los Harkonnen. Desde montar gusanos extraterrestres hasta usar las tormentas de arena como cobertura, recurren a su mundo natural para mantener la ventaja. En algunas escenas, los alrededores de arena brillante y blanqueada quedan envueltos en profundas nubes de polvo casi como sangre, que desorientan a los enemigos. Mientras los antagonistas intentan encontrarse a sí mismos, los Fremen se mueven rápidamente para desarmarlos y desmembrarlos.

Cuando la película va más allá de las escenas de lucha, el acercamiento a las tradiciones Fremen es bastante inestable. Mientras Paul genera confianza entre el ejército Fremen, su madre siembra rumores entre la gente en las cuevas de que su hijo es el Mesías. A pesar de las protestas de Paul, Lady Jessica y su feto "no nacido" quieren cumplir la misión del todopoderoso grupo religioso matriarcal Bene Gesserit; es bastante confuso comprender si son parte del mismo grupo o no.

Las actuaciones de Chalamet y Ferguson son más fuertes cuando madre e hijo discuten sobre qué hacer. A través de estos argumentos, Chalamet se deshace de la inocencia juvenil de la primera película por una personalidad más oscura y complicada, pero por momentos con una actitud casi satírica y picarona que no encaja. El personaje de Ferguson es el que verdaderamente se pierde cuando entra en un terreno moralmente más ambiguo y los Fremen le piden que se convierta en la Reverenda Madre del grupo. Aceptar el papel significa heredar los recuerdos de los Fremen. Es aquí donde la película de Villeneuve podría haber aprovechado la oportunidad para interrogar la razón de que Paul y Jessica, dos forasteros conectados al régimen imperial, heredaran los secretos y tradiciones de los indígenas Arrakis. 

En cambio, "Dune: Part Two" se hunde aún más en los intentos de explicar mientras complica la comprensión más texturizada del imperialismo al jugar repetida y sutilmente con la religiosidad de los Fremen para reír. Habría sido mucho más interesante analizar, aunque sea brevemente, por qué existen divisiones dentro de los Fremen sobre la existencia de un Mesías en primer lugar. ¿Por qué Chani lucha con vehemencia contra la creciente popularidad de Paul, mientras que Stilgar se desespera por abrazarla? ¿Se pueden atribuir estas facciones a algo más que a las maquinaciones Bene Gesserit? La película de Villeneuve es mucho mejor al mostrar la violencia más obvia del poder imperial y escenificar una batalla más familiar y básica entre el bien y el mal. 

La segunda parte  amplía el imperio Dune, introduciendo junto al Emperador (Christopher Walken) a su hija, la Princesa Irulan (Florence Pugh), así como al sobrino sociópata del Barón, Feyd (un loquísimo Austin Butler). A través de estos personajes, Villeneuve construye nuestra comprensión de los vínculos políticos y personales en juego y establece la absorbente narrativa de venganza de Paul. Ambos decentes en sus roles pero no necesariamente memorables.

Mientras el Duque aprende de los Fremen, lucha con la crisis existencial de someterse a la profecía Bene Gesserit y se enamora de Chani, mantiene a su padre cerca de su corazón. Gran parte del viaje personal y del desarrollo del carácter de Paul están ligados al deseo de vengar a su padre y al pueblo. Esa misma crisis existencial es lo que pasaba dentro de mí mientras observaba otra película de Villenueve que queda en mi lista negra, donde realmente se siente lo que está en juego en las preguntas más interesantes de la segunda parte sobre el destino y la lealtad, los agravios individuales y el bien común, y el futuro de Arrakis en general, pero que son literalmente abandonadas por rescatar otros ideales y momentos, seguramente por la impresión visual que causarían más que su comprensión e interés narrativo.

Crítica Cinéfila: Mission Impossible - Dead Reckoning (Part One)

Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo del FMI se embarcan en su misión más peligrosa hasta la fecha: Localizar, antes de que caiga en las manos equivocadas, una nueva y terrorífica arma que amenaza a toda la humanidad. En esta tesitura, y con unas fuerzas oscuras del pasado de Ethan acechando, comienza una carrera mortal alrededor del mundo en la que está en juego el control del futuro y el destino del planeta. Enfrentado a un enemigo misterioso y todopoderoso, Ethan se ve obligado a considerar que nada puede anteponerse a su misión, ni siquiera las vidas de aquellos que más le importan.

Tarde o temprano, Ethan Hunt se enfrentará a una misión que realmente no debería aceptar. Pero por el momento, sigue siendo el único hombre en la Tierra dispuesto a intentar lo imposible sin cuestionar los motivos de quienes requieren sus servicios. Ese es el trato con el Boy Scout más obediente de Estados Unidos, Tom Cruise , quien ha llevado la franquicia de "Misión: Imposible" de mil millones de dólares a lo largo de 27 años sin perder fuerza. Es casi imposible compararla con Indiana Jones, que no logró conectarse con una generación más joven, o las películas de "Rápido y Furioso", que no se están quedando sin gasolina a pesar de que se han convertido en una tragicomedia.

“Mission: Impossible — Dead Reckoning Part One” encuentra a Cruise, ahora en sus 60, todavía corriendo de un lado a otro de una pantalla muy grande, muy ancha, como si su vida, y las vidas de los 8 mil millones de personas en el planeta, dependieran de ello. Esta es la séptima salida taquillera de Hunt, con una última franquicia que se estrenará el próximo verano, y aunque no puede eclipsar lo que vino antes ("Fallout" fue el punto culminante de la serie), el director Christopher McQuarrie ofrece un concepto formidable y varios escenarios del salón de la fama mientras de alguna manera logra vincular las historias con la mitología central de estas películas.

El villano esta vez no es una persona, sino una inteligencia artificial todopoderosa conocida como la Entidad, que engaña a un submarino ruso súper avanzado para que se destruya a sí mismo en la inteligente secuencia previa a los créditos de la película. En los momentos justo antes de que la nave explote (pocos días después de que el Titán corriera un destino similar), la cámara se enfoca en un monitor de computadora desatendido, donde aparece algo parecido a un globo ocular digital gigante en la pantalla. No rojo como HAL-9000, sino más bien un ominoso orbe azul que mira desde un flujo de código digital estilo "Matrix". Es una solución útil para un dilema complicado: ¿cómo antropomorfizar algo tan abstracto como la IA deshonesta? En las décadas posteriores a “2001: A Space Odyssey”, el público en general ha desarrollado preocupaciones reales sobre dicha tecnología. Mientras que Arthur C. Clarke se dedicaba a la ficción especulativa,

Entre el sub y la supercomputadora, se siente como si McQuarrie y el coguionista Erik Jendresen hubieran tenido la previsión de extraer puntos de la trama de las noticias del día siguiente, lo que ayuda a cubrir el hecho de que las secuencias de acción se sienten como acrobacias familiares. ¿Cuántas veces hemos visto a Cruise colgando sobre un abismo a gran altura, o hemos visto a hombres adultos pelear encima de un tren a toda velocidad? Si finalmente se llama a los héroes humanos para controlar la inteligencia artificial, no parece especialmente probable que el enfrentamiento involucre algo tan espectacular como acelerar una motocicleta por un acantilado noruego. Pero ver nerds escribiendo códigos en un aburrido laboratorio de computación (o lo que sea que ese escenario finalmente implique) no es tan cinematográfico, así que agradezcamos que McQuarrie y compañía tengan una imaginación tan vívida.

Mientras Hunt está ocupado siendo la figura de acción de la película, cuenta con el apoyo de los agentes tecnológicos Luther Stickell (Ving Rhames) y Benji Dunn (Simon Pegg), quienes le dan consejos a través de auriculares. “Dead Reckoning” también trae de vuelta a la francotiradora Ilsa Faust (Rebecca Ferguson) y a la traficante de armas White Widow (Vanessa Kirby), formando un pequeño y elegante conjunto de amigos y asociados a los que la IA puede apuntar y/o manipular. La idea aquí es que las habilidades informáticas de milla por minuto de la Entidad han concluido que lo único que se interpone en su camino es Hunt. ¿Y cuál es el punto débil de Hunt? Lealtad a sus amigos. Como le dice Hunt a una talentosa recluta conocida solo como Grace (Hayley Atwell), "Tu vida siempre importará más que la mía".

Esa es solo una pésima filosofía táctica, pero es el tipo de pensamiento obstinado que Cruise encarna tan bien: un instrumento contundente que viaja a una velocidad extremadamente alta, guiado por el instinto y ese barómetro ético interno. A pesar de que acabamos de conocer a Grace, que es una carterista de alquiler y no muy buena para trabajar en equipo, Hunt ha decidido que vale la pena protegerla. Entonces, cuando la Entidad obliga a Hunt a elegir a cuál de sus amigas salvar, Ilsa o Grace, el tipo casi sufre un cortocircuito. En teoría, así es como vences a un cerebro virtual: le das un problema imposible de resolver (al estilo del juego de tres en raya en “Juegos de guerra”). Por el momento, la Entidad parece estar jugando al ajedrez, no al Riesgo, ya que "Dead Reckoning" aún tiene que mostrar de qué es capaz la IA renegada. Dijo que una de estas mujeres debe morir, Hunt hace todo lo posible para salvarlos a ambos. Como de costumbre, tiene máscaras faciales en su arsenal, mientras que la Entidad tiene un ingenioso truco para fingir ser varias personas: un recordatorio de que nunca puedes confiar en tus ojos u oídos en una película "M:I".

Dado que Hunt realmente no puede tratar directamente con la Entidad, la película inventa a un puñado de secuaces humanos para cumplir sus órdenes (y golpear, conducir, etc.). Con ese fin, Esai Morales interpreta a un tipo llamado Gabriel que ha sido reincorporado a la historia de fondo de Hunt, lo que supuestamente hace que esta sea una misión más personal que las anteriores, aunque el efecto no es diferente que si hubiera sido inventado para esta película. Gabriel recibe órdenes de la Entidad, mientras que la mano derecha Paris (Pom Klementieff, quien interpretó a Mantis en las películas de "Guardianes de la Galaxia") resulta ser el adversario más amenazante. Aparece por primera vez en Roma, donde una elaborada persecución en automóvil filmada en el lugar equilibra hábilmente la emoción y la risa, esta última cortesía de un pequeño Fiat 500 y un par de esposas.

Como siempre, la trama no es más que una excusa para escenarios cada vez más elaborados, ejecutados de manera tan convincente que Cruise se ha ganado la reputación de llevar a cabo todas las locuras que Hunt debe hacer en la película. Eso es un testimonio de algo más que el departamento de marketing; Cruise realmente está comprometido a superar sus hazañas anteriores, y aunque no hay escasez de buena magia de película pasada de moda involucrada (en la edición y los efectos visuales), el equipo hace un excelente trabajo para hacer que cada detalle de CGI parezca real. Pero más que esto, en un momento en que casi todas las demás franquicias, desde Marvel hasta “Avatar”, han adoptado el aspecto falso de los dibujos animados generados por computadora, “Misión: Imposible” parece la más práctica: gran parte de lo que vemos fue capturado por la cámara, y eso hace toda la diferencia.

Con solo una película restante en la serie, "Dead Reckoning" comienza a atar cabos sueltos, lo que significa que ninguno de los personajes canónicos está a salvo, ni siquiera Hunt. Combine eso con la estrategia de la Entidad de apuntar a sus amigos, y la película logra humanizar las apuestas. En esencia, sigue siendo solo un elaborado juego de "la papa caliente", ya que todos persiguen la clave de dos partes que se hundió con el submarino ruso y que sigue cambiando de manos durante los 163 minutos de duración de la película. La acción se basa en el mejor escenario de la película, ya que Hunt encuentra una forma novedosa de abordar un tren a toda velocidad, y una forma aún menos convencional de desembarcar una vez que comienza a deslizarse por un puente, un carril a la vez. Esta salida puede ser la mitad de un final de dos partes, pero le da al público un cierre suficiente para valerse por sí mismo y anotar en la lista la próxima película.

Crítica Cinéfila: Dune, Parte I

Arrakis, el planeta del desierto, feudo de la familia Harkonnen desde hace generaciones, queda en manos de la Casa de los Atreides después de que el emperador ceda a ésta la explotación de las reservas de especia, una de las materias primas más valiosas de la galaxia y también una droga capaz de amplificar la conciencia y extender la vida.

En "Dune", la esperada y deslumbrante adaptación de Denis Villeneuve de la novela de ciencia ficción de culto de 1965 de Frank Herbert, va a dividir la audiencia desde sus primeros 30 minutos. Por un lado, estarán los que admirarán su vastedad en imagen y su cinematografía imperial; pero habrán otros (como yo) que no nos importará la impresionante fotografía o la imponente banda sonora de Hanz Zimmer, pues la película no funcionará de todas formas debido a sus vacíos narrativos.

"Dune", un trance de ciencia ficción majestuosamente sombrío y a gran escala, está lleno de fastuosas confusiones: guerras de clanes, ejércitos brutos, un grotesco villano autócrata, un héroe que puede ser el Mesías, que lo vincula, en espíritu y diseño, a las películas de "La guerra de las galaxias" y "El señor de los anillos", aunque con un ominoso depredador propio. La arquitectura del planeta desértico es de arenisca maya. Las naves espaciales son como rocas flotantes del tamaño de ciudades mientras que algunas parecen insectos gigantes. Y el estilo cinematográfico es "Lawrence of Arabia" se encuentra con "Triumph of the Will" que se encuentra con el comercial de colonia más visionario que Ridley Scott nunca hizo. “Dune” quiere sorprendernos, y a veces tiene éxito, pero también quiere meterse debajo de la piel como un mosquito hipnóticamente tóxico. Lo hace ... hasta que no lo hace y se vuelve demasiado pasiva.

Aquí hay una definición útil de una gran película de fantasía de ciencia ficción, en el que la construcción del mundo es asombrosa pero no más esencial que la narración. En las dos primeras películas de "Star Wars", esas dinámicas estaban en perfecta sincronía; también estuvieron en las películas de “Dark Knight” y “Mad Max”. “Blade Runner”, a su manera, es una película asombrosa, pero su construcción de mundos tiene más fuerza que sus trascendentales narraciones neo-noir.

Visto desde esa perspectiva, "Dune" es una película que gana cinco estrellas por construir un mundo y alrededor de dos y media por contar historias. Si lo comparas con la desastrosamente confusa adaptación de 1984 de "Dune" de David Lynch, puede parecer una obra maestra, pues la mayor parte de la historia ahora tiene sentido. Y durante una hora más o menos, la película es bastante fascinante, arrojando destellos seductores de traición al presentar la historia de Paul Atreides (Timothée Chalamet), el talentoso vástago de la Casa Atreides, cuyo padre, el duque Leto Atreides (Oscar Isaac), está liderando lo que parece ser una oportunidad, aunque llena de peligros y engaños.

Durante 80 años, el planeta desértico de Arrakis ha sido presidido por los Harkonnen, que gobernaron con mano de hierro mientras controlaban la producción de la valiosa especia que está incrustada en la arena y el aire. Ahora, el emperador ha ordenado a los Harkonnen que abandonen Arrakis y ha puesto a cargo a la Casa Atreides. Llegan como un ejército recién ocupante. Pero los están configurando como chivos expiatorios. Villeneuve se esfuerza por mantenerse fiel a la expansión conspirativa del sueño del planeta de arena de Herbert, incluso mientras adapta el libro a sus escenas más jugables. Chalamet, alto y delgado, interpreta a Paul como un héroe novato con habilidades que apenas comprende. Es descendiente gracias a su madre, Lady Jessica (Rebecca Ferguson), de la mística secta matriarcal Bene Gesserit, que quiere ponerlo en contacto con su salvador cósmico interior.

Hay buenas escenas como una en la que Paul aprende a hablar telepáticamente con su madre; o recibe una lección de Leto cálidamente protector pero demasiado vulnerable de Isaac, quien le habla sobre las elecciones humanas codificadas dentro del destino; o es sometido a una prueba primaria por su tía, Gaius Helen Mohiam (Charlotte Rampling). Stellan Skarsgård, casi irreconocible como el barón Vladimir Harkonnen, que es como un homicida flotante Jabba el Hutt cruzado con Enrique VIII cruzado con Fat Bastard, establece la trama en movimiento, recuperando a Arrakis al tratar de matar a casi todos en la película que más llaman nuestra atención.

Su tasa de éxito es un poco desarmante. Las escenas de combate cuerpo a cuerpo en “Dune” tienen un destello de originalidad. En lugar de sables de luz, los personajes se golpean entre sí con otras armas que reducen sus cuerpos a cuadros congelados electromagnéticos. Es emocionante ver a Duncan Idaho, interpretado por Jason Momoa como la figura de Han Solo, el sexy, leal y brutal de la película, enfrentarse a un pequeño ejército de enemigos.

Sin embargo, ¿a dónde va todo esto? "Dune" sigue presagiando el momento en que Paul se integrará con los Fremen, los pueblos indígenas del desierto de Arrakis que tienen una relación más orgánica con el peligroso paisaje y con la especia que cualquiera de sus gobernantes, pero que viven en un estado de la opresión de la guerrilla harapienta. Están esperando a que alguien los libere, y Paul parece ser esa figura, ya que está profetizado por media docena de flash-forwards intercambiables a su interfaz con Chani (Zendaya), una guerrera-protectora Fremen que recibe unas escenas de fantasía como una especie de princesa del desierto.

"Dune" comienza con un título que dice "Dune Part I", y hay una promesa estándar pero bastante presuntuosa incrustada en esas palabras: que después de 2 horas y 35 minutos, estaremos tan enganchados por esta saga que estaremos deseando la Parte II. Esa, en cierto modo, es la promesa de todas las franquicias. Pero el problema con "Dune" es que se siente, en diferentes puntos, como casi todas las demás franquicias. A lo largo de las décadas, más de unas pocas películas han surgido del ADN del universo de Herbert, como (por ejemplo) el acto de apertura de "Star Wars". Y hay una razón por la que es la primera parte de esa película; el desierto es un escenario terriblemente árido para la ciencia ficción. "Dune" es rico en "temas" y motivos visuales, pero se convierte en una película sobre Paul de Chalamet pilotando a través de tormentas de arena y relacionarse con los rebeldes del desierto, que en esta película son mucho más nobles que interesantes.

No es solo que la historia pierda el impulso. Pierde el sentido por el que estamos emocionalmente comprometidos con él. Los gusanos de arena gigantes, que son protectores de la especia y excavan en el desierto como un siniestro tornado subterráneo hasta que se revelan, son buenos por un momento y luego no. “Dune” hace que los gusanos, las dunas, el espectáculo paramilitar y la trama del niño-salvador sean inmersivos por un tiempo. Pero luego, cuando la película comienza a quedarse sin trucos, se vuelve mareada y vacía. ¿Realmente vendrá la Parte II? Es difícil construir un suspenso en arenas movedizas, y aunque le vaya muy bien a esta primera parte, no sé si estaría interesada en ver lo que sigue.

Crítica Cinéfila: Reminiscence

Nick Bannister, un investigador privado que se interna en el oscuro y seductor mundo del pasado, ayuda a sus clientes a recuperar recuerdos perdidos. Un día, su vida cambia cuando aparece Mae, una nueva clienta que se convertirá en una peligrosa obsesión. Mientras Bannister intenta encontrar el motivo de la desaparición de Mae, descubre una violenta conspiración.

Con un elenco espectacular que incluye a Hugh Jackman, Thandiwe Newton y Rebecca Ferguson, una prometedora guionista, directora y productora de la showrunner de "Westworld" Lisa Joy, que hace su debut en el largometraje, y un elegante concepto de ciencia ficción, "Reminiscence" tiene todos los ingredientes para el entretenimiento de verano electrizante. Pero a pesar de su considerable poder de estrella y sus impresionantes piezas, la meditación en expansión sobre la memoria se estanca por momentos.

En un Miami futurista cuya costa se ha hundido bajo las mareas crecientes, Nick de Jackman dirige un negocio inusual, con la ayuda de un asistente (Newton): venden el pasado. Los clientes habituales de Nick conocen el ejercicio: se meten en un tanque de agua, se colocan unos auriculares y reviven sus recuerdos más preciados. Dado que este contenido recuperado se proyecta en un holograma de tamaño real, sus anfitriones también pueden mirar y mantienen archivos de este contenido para una fácil referencia.

De todas las articulaciones que recuperan la memoria en todas las ciudades hundidas del mundo en las que podría haber entrado, la misteriosa y hermosa Mae (Rebecca Ferguson) entra en esta. Ella afirma que necesita el servicio para ayudarla a encontrar las llaves de su casa, pero ¿hay algo más que esté buscando?

El guión de Joy usa su embriagadora premisa para jugar con la cronología; justo cuando crees que estás viendo una escena en tiempo real, Nick sale de su propio tanque de agua con una sacudida; ha estado reproduciendo obsesivamente sus propios datos, con Mae, quien tuvo un romance vertiginoso con Nick, pero un día simplemente desapareció.

No es una mala configuración, por mucho que toque “La Jetée”, “Vértigo”, “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” y otras películas con temas de memoria. Pero la distopía dura está sobreexcitada, con la narración de Nick volviéndose violeta a veces (intentando ser Noir cuando no hay suficientes elementos para esto, o cuando provoca una intención más de ciencia ficción pero es un futuro medioambiental un poco cercano. Cada momento extraído, dice, es "una cuenta en el collar del tiempo". Si lo olvidas la primera vez, no te preocupes, te lo recuperarán de tanto que lo mencionan. Y esto trae consigo el mayor inconveniente que tuve con el guión: la sobreexposición de explicar tanto qué hacen y por qué lo hacen, sin darle la libertad a sus personajes de demostrarlo con sus acciones. Aquí se tiene la oportunidad de conocer entes muy interesantes, pero no se explotan al mismo nivel de cómo explotan sus diálogos.

Es difícil apartar la vista de este elenco, pero incluso el talento más popular de Hollywood no puede vender un neo-noir demasiado maduro que juega como un piloto de televisión. Así que es un alivio cuando, después de un primer acto atmosférico, "Reminiscence" se convierte en una película de acción y ciencia ficción, poblada por coloridos antagonistas como el líder del hampa de Nueva Orleans, Saint Joe (Daniel Wu) y el policía corrupto Cyrus Booth. (Cliff Curtis). Este escenario criminal proporciona una escena de pelea fabulosa y le da al personaje de Newton la oportunidad de romper con su papel de compañero. 

Además de esto, "Reminiscence" toma desvíos completamente inesperados que van reactivando por momentos las secuencias que parecían estar en declive. Por cada escena que parecía no funcionar, y hay varias que la ayudan a volver al camino que deben seguir. Y el elenco nos mantiene muy interesados de la trama, preocupándonos por la decisión que vayan a tomar y que sea muy demandante de la misma temática que persigue la historia: cómo uno se preocupa tanto por revivir los recuerdos que se olvida de vivir el presente. Al final, los ecos de “Blade Runner” (la original) que se siguen acumulando culminan en un recuerdo igual de inesprado. Recordarás “Reminiscencia” y anhelarás que esos recuerdos y vacíos vayan complementados con una posible verdadera película Noir de secuela.

Crítica Cinéfila: Doctor Sleep

Danny Torrance (Ewan McGregor), traumatizado y con problemas de ira y alcoholismo que hacen eco de los problemas de su padre Jack, descubre que sus habilidades psíquicas resurgen cuando se contacta con una niña llamada Abra Stone, a quien debe rescatar de un grupo de viajeros que se alimentan de los niños que poseen el don de "el resplandor".

A primera vista, hacer una secuela de "The Shining" no parece una idea prometedora. La novela original de Stephen King, que se publicó en 1977, sigue siendo uno de sus mejores libros. Y en los 40 años transcurridos desde la espeluznante versión para cine cerebral de Stanley Kubrick de "The Shining", la película ha llegado a definir el aspecto y la mística de esta historia en nuestra cultura. Casi todos los aspectos de la visualización de Kubrick del Hotel Overlook y sus demonios vivos: los pasillos con su alfombra de hexágono naranja y marrón de viaje de los años 70, las gemelas con sus vestidos de fiesta verde azulado, la sangre brotaba de los ascensores Navajo Deco, el vestíbulo con sus paredes de adobe y candelabros de rueda de carreta de techo alto, el sonambulante cuidador británico que hablaba en el baño en un sueño hipnótico, el espectro de la anciana podrida emergíendo detrás de la cortina de la ducha de la habitación 237 - es tan icónico como cualquier cosa que exista en el horror de la pantalla contemporánea.

Incluso una buena película seria, como "Before Sunrise" o "The Hustler", puede pedir una secuela. Pero cuando intentas hacer una secuela de una película tan icónica como "The Shining", el resultado tiende a aparecer como "The Two Jakes" o "The Godfather Part III" o "Psycho II": una pálida, olvidable y superflua imitación del original. Por otra parte, si alguien tiene derecho a crear una secuela de "The Shining", es Stephen King. Lo hizo hace seis años, en su novela de 531 páginas "Doctor Sleep", y la película que ahora se ha creado combina ese libro, que sigue la saga de Danny Torrance cuando es adulto, con una réplica tortuosa y exigente del ambiente de "The Shining" de Kubrick.

King ha expresado anteriormente su insatisfacción con la película de Kubrick, pero "The Shining", como película, ahora se considera un clásico. Está allí, como un monumento fantasmal. Y así, la nueva película, escrita y dirigida por Mike Flanagan, es a la vez una adaptación de la secuela de King y una alondra de terror del parque temático que trata el Overlook como un patio de pesadillas que ahora podemos volver a visitar.

El hecho de que la película funcione dice algo sobre lo irresistible que es volver allí. Que funcione tan bien como lo hace es un testimonio de la atracción ominosa de la imaginación de Stephen King. Todavía no sé si "The Shining" necesitaba un segundo acto, pero "Doctor Sleep" presenta uno que es lo suficientemente fresco e inquietante como para justificar su existencia.

Décadas después de "The Shining", Danny, ahora conocido como Dan, y interpretado con una tristeza reflexiva por Ewan McGregor , se ha convertido en el tipo abandonado de mediana edad e imprudente que cae en peleas borrachas en bares todas las noches. Una de esas tantas, después de consumir cocaína, se despierta junto a un cadáver, solo para descubrir que es una madre con un niño pequeño. El terror de esa comprensión lo lleva a un momento de verdad, y termina en una casa de huéspedes de New Hampshire, yendo a reuniones de AAA dirigidas por el Dr. John (Bruce Greenwood).

El año es 2011, y no se necesitan mayores matemáticas para ver cómo Dan terminó como un borracho enojado: también lo fue su padre (por supuesto, su padre también se convirtió en un psicópata que trató de asesinar a su esposa e hijo, lo que podría haber dejado una cicatriz de niñez que requiera una automedicación o dos). Dan lleva demonios del tipo personal, pero, por supuesto, él también sigue brillando, captando voces dispares como si su cabeza fuera un receptor de radio, aunque trata de mantener las voces compartimentadas en "cajas de seguridad", como le enseñó Dick Hallorann (Carl Lumbly). Dan consigue un trabajo como asistente en una clínica de hospicio, donde utiliza sus habilidades psíquicas para ayudar a los pacientes a "morir en paz" (de ahí su apodo, Doctor Sleep). Y en su habitación alquilada en el ático, donde una pared entera es una pizarra, comienza a ver mensajes misteriosos garabateados en tiza.

Pero todo esto, francamente, es la configuración que esperarías de una secuela de "The Shining". Parte del poder de Jack Torrance como personaje, en la novela original, es que su ira alcohólica expresaba algo profundo y misterioso: que como padre ya no sentía que tenía derecho a mostrar ira en un entorno doméstico. "Doctor Sleep", por el contrario, presenta a Dan pasando por la seriedad de adicción.

Sin embargo, la película también tiene un comodín, en forma de un culto traicionero de vida o muerte gobernado por alguien llamada Rose the Hat. Ella es interpretada por Rebecca Ferguson, y cuando Rose aparece en los primeros momentos de "Doctor Sleep", tentando a una niña con flores, la película tiene una nota fascinante y escalofriante. ¿Qué está haciendo Rose con esta chica? Nuestras mentes derivan hacia escenarios indescriptibles, y no nos equivocamos: Rose lidera una pandilla de rufianes semi-inmortales conocidos como el Nudo Verdadero, que sostienen sus vidas inhalando "vapor", una especie de esencia psíquica que se produce cuando los niños tienen el don, preferiblemente provocado con dolor (cuanto más dolor, más vapor). El vapor se almacena en termos, lo cual hace que los antagonistas sean aún más horrorosos.

Lo que se suma a lo espeluznante es que Rose misma es una figura diabólicamente seductora. Ferguson, con su sombrero de mago y sus joyas hippies, la interpreta como un miembro satánico de la revista Rolling Thunder Revue, un espíritu libre de los 70 que cree que es su derecho vivir todo el tiempo que quiera, lo que sea necesario. En esencia, lidera un culto que se alimenta del asesinato de niños. Sin embargo, ella lo hace con una sonrisa. Ferguson hace a Rose a la vez imperial y sensual, una forajida alta en su mitología. El primer gancho de "Doctor Sleep" es que es una película construida alrededor de una demonio con calidad de estrella.

El segundo gancho es que se trata de niños que lucen las agonías de los demás en todo el mundo, como Abra, una niña en la ciudad de Dan, con habilidades brillantes como nunca antes había visto. En "Doctor Sleep", brillar no se trata solo de escuchar y conocer cosas, sino de una especie de teletransportación psíquica. Abra, interpretada por Kyliegh Curran, son una mezcla de temor y astucia que se hace eco de la actuación de Danny Lloyd en "The Shining". Abra y Dan se unen, al darse cuenta de que hay más en juego que su recuperación, despertando con el regalo que ha estado reprimiendo.

"Doctor Sleep" es una película prosaica, pero que gana sus ondas de emoción. No es hasta el último tercio que la historia se instala nuevamente en el Hotel Overlook, y para cuando llegamos al legendario albergue, encaramado en una montaña nevada, sentimos que la historia se ha ganado el derecho de volver. Cada tercera película de terror en estos días se desarrolla en una casa embrujada, pero el Overlook sigue vivo con sus demonios lujosamente coordinados. Se podría decir que son viejos amigos, pero les quedan algunos trucos. Naturalmente, hay una escena en la que Dan se sienta en el resplandeciente bar de salón de baile, tentado a tomar una copa, y aunque el actor que interpreta al cantinero está bien, he aquí un momento en el que desearía que la película se hubiera basado en tecnología informática para evocar la imagen de cierto actor legendario (a nivel general, el hecho de no haber revivido los actores originales a través de CGI ha sido una buena decisión, pues aún así la película fluye con naturaleza, a pesar de sus nuevos rostros). Dicho esto, el clímax es inquietante y satisfactorio. 

Mike Flanagan, a quien conocemos de otros majestuosos filmes de terror de esta generación, se toma el atrevimiento de revivir estos viejos fantasmas, y lo hace con una altura que no decepciona. En vez de querer copiar argumentos y horroridades del clásico de los 80, se inspira de su fotografía y crea un nuevo diálogo, a momentos bien conectado entre sí y dándole sentido y objetivos a cada uno de los personajes principales. Al final, esta secuela de "The Shining" puede registrarse como una larga nota al pie que alegra que haya podido volver a tocar en esa siniestra casa de diversión.