Crítica Cinéfila: The Dog Stars

En un mundo postapocalíptico, un virus ha aniquilado a prácticamente toda la humanidad. Los sobrevivientes se enfrentan a unos carroñeros errantes llamados 'segadores'. Hig, un piloto que antes era mecánico, sobrevivió a la gripe pero perdió a su mujer. 

No es ningún misterio por qué Disney casi enterró  "The Dog Stars" con un estreno a finales de verano pospuesto desde la primavera, mínima publicidad previa, escasa prensa con los actores, sin alfombra roja en Estados Unidos y un tráiler engañoso, que se parece a un millón de otros thrillers postapocalípticos que han cedido terreno a series de televisión más emocionantes, como "The Last of Us" y —al menos en sus primeras temporadas— "The Walking Dead". La película es excesivamente melancólica, y algunos sin duda la considerarán poco potente, pero podría decirse que es la mejor de Ridley Scott desde "The Martian" hace 11 años. Ahora, a sus 88 años, el prolífico director no ha perdido su gusto por la acción explosiva, pero esos estallidos se ven amortiguados aquí por un drama más reflexivo.

Adaptada por Mark L. Smith ("The Revenant", "Twisters") a partir de la aclamada novela de Peter Heller de 2012, la película tiene el aire de un western melancólico centrado en los personajes, más que de un thriller de supervivencia con tiroteos, aunque incluya secuencias de ese tipo. Esto hace que sea difícil que satisfaga a los espectadores con poca capacidad de atención que buscan acción trepidante, pero el público más maduro, abierto a una visión de un futuro distópico donde la desolación y la brutalidad se contrarrestan con la compasión y la esperanza humanas, debería verla.

En consonancia con la estética retro, Jacob Elordi lidera con un magnetismo introspectivo propio de una estrella de cine que evoca la época dorada de Kevin Costner, mientras que las vistas panorámicas del director de fotografía Erik Messerschmidt —lugares en las estribaciones de los Alpes italianos y las montañas de las regiones de Abruzzo y Lazio que sirven como majestuosos sustitutos de Colorado— dotan a la historia, pausada pero absorbente, de una gracia revitalizante. Como demostró Paul Greengrass en la infravalorada  News of the World , lo clásico no siempre es negativo.

Elordi interpreta a Hig, un viudo inseparable de su fiel compañero Jasper, un pastor belga malinois que lo acompaña desde cachorro y que representa el vínculo más duradero con los tiempos felices que compartió con su difunta esposa, Melissa (Sai ​​Bennett). La relación de Hig con el veterano militar Bangley (Josh Brolin) es afectuosa pero tensa, ya que, a pesar de su experiencia en la aviación del ejército, nunca aprendió a volar. Ambos comparten alojamiento en un hangar convertido en una pista de aterrizaje abandonada en Erie, Colorado, rodeado por un perímetro de seguridad.

El francotirador Bangley se encarga de las armas y las fortificaciones, y confía en Hig, un antiguo mecánico y piloto experimentado, para realizar vuelos de reconocimiento en una avioneta Cessna destartalada. El objetivo es detectar posibles amenazas humanas y recolectar combustible y otros suministros de lo que queda de Denver. En una de estas misiones, Hig descubre a una nueva banda de carroñeros conocida como los "Segadores", que, según se dice, son más salvajes que cualquier tribu anterior, y cuyo único propósito es matar a los supervivientes y arrasarlo todo.

La historia transcurre en 2035 —resulta curioso cómo los autores de ficción postapocalíptica siguen posponiendo la fecha con optimismo—, una década después de que la población humana fuera diezmada por una pandemia de gripe. Esa gripe se llevó a Melissa, un año después de haber perdido al bebé que esperaban. 

Hig sostiene que Bangley nació para estos tiempos brutales de supervivencia. El anciano posee un arsenal de armas bien surtido, reciclando ingeniosamente casquillos de bala como punzones. Bangley cree en disparar primero y preguntar después, lo cual demuestra cuando dos adolescentes se acercan al perímetro armados con un machete. Se opone a que Hig se ponga en riesgo de infección al entregar suministros médicos a una comunidad menonita liderada por Aaron (Benedict Wong) en un valle aislado, donde muchos niños portan una enfermedad sanguínea potencialmente mortal. Pero Hig no está dispuesto a darle la espalda a la bondad humana, lo que lo enfrenta a Bangley, incluso cuando este último lo salva de un ataque sorpresa.

Cuando Hig capta una señal de radio de Grand Junction, lo que lo impulsa a despegar solo en busca de algo más cercano a la civilización, una avería en el motor lo obliga a hacer una parada imprevista cerca de un rancho aislado en un valle, donde la joven viuda Cima (Margaret Qualley) vive con su padre hipervigilante, conocido como Pops (Guy Pearce). Poco a poco, él se gana la confianza del anciano y el afecto incipiente de su hija mientras repara su avión y crea una pista de aterrizaje, tarea que se ve acelerada por un ataque de los cañoneros.

Suceden más actos de violencia, junto con un insólito interludio protagonizado por Allison Janney, maquillada como una exazafata vestida con un uniforme de aerolínea de época, que sirve martinis a los visitantes («¡Una vez azafata, siempre azafata!»). Sin embargo, este episodio está totalmente divorciado del tono más sobrio que predomina, aunque los salvajes saqueadores pudieran sugerir lo contrario. Algunos podrían preguntarse si Scott se está volviendo más blando con la edad, especialmente en algunos de los giros finales, que ofrecen esperanza para la resiliencia de la humanidad. Pero incluso si el final resulta abrupto y un tanto trivial, el sentimiento no es infundado. Dicho esto, el guion de Smith carece de complejidad psicológica, y en la parte final de la película se percibe que se han recortado algunos fragmentos del libro, e incluso del rodaje, durante el montaje.

Desde mi punto de vista, el sólido reparto es lo que te mantiene enganchado. En uno de los pocos papeles protagónicos importantes del actor australiano, Elordi irradia una emotividad y sensibilidad que dotan a la película de autenticidad emocional. Brolin está en plena forma como un tipo duro con un núcleo de decencia bien disimulado, aportando un humor considerable. Pearce se muestra hostil en las primeras escenas de Pops, pero gradualmente se transforma en calidez y confianza, mientras que Qualley ofrece una de sus interpretaciones más encantadoras, libre de excentricidades o momentos dramáticos ostentosos, retratando a Cima como una mujer marcada por el dolor pero reacia a cerrarse a la posibilidad del amor.

La cinematografía de Messerschmidt rebosa de texturas —sobre todo en IMAX—, con una dinámica puesta en las escenas de acción e imágenes nítidas y envolventes en las secuencias de vuelo. Como era de esperar en Scott, la ambientación se construye principalmente a través de recursos visuales, con impactantes tomas aéreas de zonas urbanas y rurales fantasmagóricas, deambuladas por manadas de perros salvajes. La banda sonora de Harry Gregson-Williams captura la esencia de la película con pasajes melódicos de guitarra acústica, dobro y cuerdas orquestales —con ecos en temas vocales folk de Hozier, Caamp y otros—, a la vez que se transforma en un suspense opresivo cuando es necesario. 

Sin ser aburrida, "The Dog Stars" difícilmente buscaba posicionarse entre las mejores películas de Ridley Scott. Sin embargo, es una película agradablemente tranquila, aunque esto pueda parecer contradictorio con un drama postapocalíptico ambientado en la sombra de la muerte.

Crítica Cinéfila: Wake Up Dead Man - A Knives Out Mystery

El detective Benoit Blanc se une a un joven y honesto sacerdote para investigar un crimen totalmente imposible en la iglesia de un pequeño pueblo con una oscura historia. 

“Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery” es una obra de misterio y asesinato cautivadoramente ingeniosa y divertida, casi perfecta; una novela policíaca que cumple con las expectativas creadas hace seis años por “Knives Out”, que ofreció su propio y perfecto renacimiento del espíritu de Agatha Christie, con un delicioso toque de descaro meta. Hace tres años, “Glass Onion: A Knives Out Mystery” fue igual de ingeniosa, pero como muchas secuelas de éxitos icónicos, exhibió una cualidad de "a lo grande o vete a casa" que la hizo, al final, un poco demasiado pesada. Seguía siendo buena, pero no tan buena.

"Wake Up Dead Man" nos ofrece lo mejor de ambos mundos. Es una película gótica extensa y profusamente escenificada, y también intenta algo más grandioso que la primera "Knives Out". Pero esta es más arraigada y orgánica que "Glass Onion", y nos devuelve a la ingeniosa trampa de la realidad de la primera película. Estas son películas que usan su astucia elemental para ponernos en contacto con nuestro niño interior de ojos abiertos. Son inmersivas, en ese estilo de "¿qué va a pasar después?", aunque parte de la razón por la que "Wake Up Dead Man" es más cautivadora que "Glass Onion" es que la película funciona tan plenamente a escala humana.

La película se ambienta en un pequeño pueblo del norte del estado de Nueva York, donde Monseñor Jefferson Wicks (Josh Brolin), de pelo canoso y barba, es la versión contemporánea de un líder de culto implacable, que predica la furia bajo la forma de piedad. La primera parte de la película se dedica a adentrarnos en su imperio local de creencias distorsionadas, que se inclina hacia la derecha. Pero en cuanto muere (créanme, esto es solo el preámbulo de la película), su media docena de feligreses se convierten en sospechosos. Y la película se convierte en una película con múltiples matices y, por momentos, casi filosófica.

“Wake Up Dead Man” es a la vez una alegoría guiñando un ojo a la era política que vive Estados Unidos, con Monseñor Wicks como una figura simbólica de Trump y sus seguidores como creyentes verdaderos y comprometidos; una película que se basa en autores desde John Dickson Carr hasta GK Chesterton para jugar con la logística minuciosa del homicidio; un debate tortuoso sobre los temas de la racionalidad vs. la fe, el amor vs. el odio; y un misterio empapado de sangre al estilo “Scooby-Doo” con esteroides barrocos que sabe, a cada paso, que está jugando contigo.

El escritor y director, Rian Johnson, que probablemente recibiría incluso más crédito por mantener la viabilidad de las películas sofisticadas para adultos si no estuviera haciendo las películas de "Knives Out" para Netflix, se le ocurre una forma inspirada de enmarcar la película al elegir a Josh O'Connor, con su sonrisa entusiasta y su ingenuo carisma de cabello rizado, como el reverendo Jud Duplenticy, un joven sacerdote de Albany que es asignado a la parroquia de Wicks después de golpear a un diácono. Jud es un exboxeador que mató a alguien en el ring. Es por eso que se convirtió en un hombre de la iglesia: toda su vida se ha convertido en un viaje de arrepentimiento. O'Connor es el tipo de actor astuto que puede interpretar a alguien que se compromete con Jesús y uno se lo cree, porque te muestra tanto la sinceridad como la lucha, pero también ves al niño escéptico y sonriente que vive dentro del creyente.

Jud quiere hacer lo correcto y ser bueno, pero cuando llega a Nuestra Señora de la Gracia Perpetua, donde ha sido asignado como asistente de Monseñor Wicks (y es visto por Wicks como un desafío a su autoridad que debe ser castrado), lo que encuentra es una iglesia rota que es un semillero de agresión. Johnson lanza la primera de muchas bolas curvas bien lanzadas al sumergirnos en la loca saga de esta iglesia, con su congregación de egocéntricos mezquinos amargados: el escritor de ciencia ficción en una pendiente cuesta abajo (Andrew Scott); el médico cuya esposa e hijos lo abandonaron (Jeremy Renner, en su primer papel desde su accidente); la ex violonchelista que sufre de dolorosas convulsiones y ahora pasa sus días en una silla de ruedas (Cailee Spaeny); la abogada tensa (Kerry Washington) que tuvo que criar al hijo ilegítimo de su padre; y ese hijo adulto, un político conservador ambicionado pero fracasado (Daryl McCormack), que ahora es un fenómeno en YouTube publicando videos voyeuristas. La historia de la iglesia es una deliciosa historia de pecado y castigo, centrada en la madre de Wicks, la "ramera" que destrozó el lugar después de que su padre destruyera su herencia.

La primera señal de que algo anda mal con Wilks es cuando le pide a Jud que le tome la confesión, y esta consiste en que Wilks habla de la frecuencia con la que se ha masturbado en el último mes. Eso tiene un tono intencionadamente gracioso e hiperbólico, pero Josh Brolin no permite que se descarte al personaje como una broma. Es una amenaza de ojos pequeños y brillantes, con sotana, que tiene a su rebaño bajo un hechizo. Lo matan de una forma fascinante, porque es un "crimen imposible", lo que permite a la película recrear cómo funciona ese mecanismo en las novelas policíacas clásicas. En el clímax de su sermón de Viernes Santo (que en sus manos suena más a Viernes Malo), entra en el armario junto al santuario de la iglesia y termina muerto, tendido en el suelo, con la espalda apuñalada por un cuchillo coronado por una cabeza de diablo tallada. ¿Cómo pudo pasar esto? Todo ocurrió en 30 segundos, delante de la congregación, y no había nadie en el armario con él.

Por supuesto, será Benoit Blanc quien resuelva esto, y si el personaje de Daniel Craig en la película anterior fue empujado en una dirección inesperada, aquí vuelve a mostrarse casi desafiantemente indiferente con su hastiada y cansada curiosidad sureña. Craig, esta vez, ofrece lo que yo llamaría su interpretación más rica de Benoit Blanc. Blanc intenta armar un rompecabezas, pero la mayoría de sus piezas se basan en las debilidades humanas que llevan a la gente a cometer actos ruines. Y Blanc intenta resolver lo sucedido viendo el panorama general, sintonizando con los espíritus que guían las cosas y conectando al público con ellos. A lo largo de la película, se burla de la religión, presentando la racionalidad como la única fe verdadera. Sin embargo, la verdadera fe de Blanc reside en la cualidad casi mística que implica ver de lo que es capaz el animal humano. Su nivel de percepción, propio de Sherlock Holmes, se basa en la misma empatía cósmica que el Jud de O'Connor busca como ideal cristiano. Por eso estos dos pueden encontrarse en un punto intermedio.

“Wake Up Dead Man” toma la forma de una película de colegas en la que Blanc y Jud se unen para resolver el crimen. El guion, escrito por Johnson, es una fusión impecable de intriga y confesión. Siempre encuentra nuevas maneras de sorprendernos, de sumergirnos en personajes que inicialmente creíamos típicos. Y la forma en que la película entrelaza temas como el pecado, la culpa, la avaricia y Dios la convierte en un auténtico acto de equilibrio dramático, que plantea la posibilidad de que los personajes resuciten como Jesús. Rian Johnson simplemente se divierte, pero también introduce un toque de indagación espiritual en este thriller de misterio que te deja sin aliento, que es la película más aguda de “Knives Out” hasta la fecha. 

Crítica Cinéfila: Die, My Love

Una pareja joven y enamorada, cargada de ilusiones (Grace y Jackson), se muda de Nueva York a una casa heredada en el campo. Grace intenta encontrar su identidad con un nuevo bebé en ese entorno aislado. Pero al redescubrirse a sí misma tras un periodo de desmoronamiento, no lo hace en la debilidad, sino en la imaginación, en la fortaleza y en una impresionante e indómita vitalidad. 

Jennifer Lawrence regresa con una fuerza arrolladora en "Die, my love" de Lynne Ramsay. Desde sus inicios en las franquicias, Lawrence ha sido muy selectiva con los proyectos que acepta, protagonizando la sutil "Causeway" y la polémica película de Netflix de Adam McKay, "Don't look up". Aquí, la actriz vuelve a sus raíces, ofreciendo una interpretación conmovedora como una madre al borde del abismo. Visceral, desgarradora y con un humor negro, "Die, my love" impacta como un mazo gracias a la visión implacablemente sombría de la vida doméstica que Lawrence y la directora Lynne Ramsay plasman.

Lawrence interpreta a Grace, quien, junto a su novio Jackson (Robert Pattinson, en otra actuación magistral), se muda de Nueva York a la inmensidad de Montana para estar más cerca de la madre de Jackson, Pam (Sissy Spacek, en una interpretación de una sutileza conmovedora). Se instalan en la antigua casa del tío de Jackson, quien se suicidó recientemente. Jackson y Grace son artistas que luchan por abrirse camino; Jackson aprovecha la tranquilidad de la casa para grabar un álbum que nunca llega a publicarse.

Grace es escritora, pero, al igual que con Jackson, nunca la vemos trabajar en un proyecto y, finalmente, su ambición es una de las primeras cosas que se desvanecen cuando queda embarazada. Sus primeros meses en Montana se narran en secuencias oníricas ambientadas bajo el tenue sol de Montana o el verde oscuro de la noche, con los amantes gateando desnudos por la casa desolada o bailando al ritmo de la música que ahora pueden escuchar a un volumen ensordecedor. A pesar del estado ruinoso de la casa y el aislamiento de la Montana rural, la pareja es feliz, irradiando una alegría contagiosa y extática, con Pattinson y Lawrence prácticamente vibrando en pantalla.

Eso hace que la desaparición de esa alegría sea aún más devastadora. No sucede de la noche a la mañana; Grace se aferra desesperadamente a una sensación de normalidad, insistiendo en que adopten un gato para que acompañe a su recién nacido o esforzándose por tener la cena lista para cuando Jackson regrese del trabajo. Es difícil saber quién se aleja primero, pero Jackson está cada vez más ausente y, aunque "Die, My Love" trata inicialmente sobre el descenso de Grace a la oscuridad de la depresión posparto, la película se comprende mejor a través de la perspectiva de su relación de codependencia.

La violencia de Jackson es mucho más sutil: condones inexplicables en la guantera de su camioneta, la adopción de un cachorro cuyos ladridos incesantes no hacen más que empeorar el deterioro mental de Grace. Él se aleja mientras Grace se acerca, buscando conexión y, cuando él se niega, lo provoca a su vez, mientras entabla una relación con un misterioso motociclista (Lakeith Stanfield) que pasa por su casa todas las noches, despertando al bebé (y a Grace) en el proceso.

En "Die, My Love", Lawrence ofrece su mejor interpretación desde "Mother!" (2017) , con la que esta película podría tener ciertas similitudes. Grace es el alma de la película, y los destellos de ira y violencia de Lawrence se equilibran con su sutil sentido del humor en escenas clave. Es una risa incómoda: nada en "Die, My Love" es realmente graciosa, aunque haya escenas que parecen diseñadas para evocar un humor irónico.

En realidad, "Die, My Love" es un terror psicológico de suspense doméstico, aunque sus momentos de máxima tensión no provienen del misterio ni de significados ocultos. La incertidumbre sobre qué hará Grace después o cómo reaccionará ante algo en su entorno es la fuente de tensión, lo que hace aún más difícil presenciar su descenso a la locura y cómo quienes la rodean intentan apoyarla. Pam anhela conectar con Grace tras la pérdida de su propio esposo, pero se siente desconcertada por el comportamiento cada vez más errático de su futura nuera, incluso cuando esta muestra destellos de su propio deterioro.

Ramsay no rehúye los defectos de sus personajes, y este rincón de la Montana rural está lleno de personas que luchan por ocultar sus deseos más profundos y sus impulsos más oscuros. Quienes mejor lo hacen son también quienes pueden fingir con facilidad una felicidad doméstica idílica en medio del caos. Sin embargo, lo más impactantemente bello de "Die, My Love" es la disposición de Ramsay y Lawrence a desnudar la realidad y mostrar una faceta más cruda del amor y la maternidad, una que a menudo se pasa por alto.

Crítica Cinéfila: A House of Dynamite

Cuando un misil de origen no identificado es lanzado desde mitad del océano Pacífico en dirección a Estados Unidos, la Casa Blanca comienza una carrera contrarreloj para determinar quién es el responsable y cómo actuar en respuesta.

Ocho años después de su último largometraje, Kathryn Bigelow regresa con un thriller implacable, tan controlado, dinámico e inquietantemente envolvente que al terminarlo uno se pregunta si el mundo seguirá en pie. Si bien se trata menos de una película bélica que de un drama sobre la amenaza de la guerra, "A House of Dynamite" guarda una estrecha relación con las impactantes obras posteriores de la directora, como "The Hurt Locker" y "Zero Dark Thirty". Bigelow reúne a un elenco tan nutrido de actores de primer nivel, algunos de ellos en pantalla solo en una o dos escenas breves, pero todos dejando una huella imborrable en la historia. El extenso reparto no tiene ningún punto débil.

La gente suele recurrir a los mismos adjetivos para describir las mejores obras de la directora: cruda, descarnada, implacable, intensa y con una atención casi documental hasta al más mínimo detalle. Su potente nueva película para Netflix mezcla todas esas características, pero además es inteligente, emotiva, ingeniosamente construida y rigurosamente concisa en su narrativa. Gran parte del mérito recae, obviamente, en el incisivo guion de Noah Oppenheim, pero el impacto no sería el mismo sin la precisión quirúrgica de Bigelow.

Sin muchos preámbulos, la película nos sumerge en los tensos 20 minutos previos al posible impacto de un misil nuclear de origen desconocido, que avanza lentamente, sorteando barreras de monitores de seguimiento, hacia una importante ciudad estadounidense. La capacidad del país que lanzó el misil para evadir la detección temprana por satélite sugiere la posible preparación de un ataque múltiple meticulosamente planeado. La trama captura esos 20 minutos —con una diferencia de apenas unos minutos al principio y al final— desde varias perspectivas, mostrando las respuestas desde los más altos niveles en la Sala de Situación de la Casa Blanca y las oficinas del Comando Estratégico hasta las dispersas bases de defensa, pasando por caravanas de vehículos y helicópteros. La visión del procedimiento de crisis y las decisiones instantáneas que se requieren de grandes equipos de personas es fascinante.

Como proeza de montaje y cinematografía trepidantes, la película es un auténtico espectáculo. El montaje arrítmico de Kirk Baxter se basa en cambios vertiginosos que, junto con la atenta y constante cámara en mano de Barry Ackroyd, permiten a Bigelow redirigir nuestra atención con maestría. Aunque a menudo recuerda a series de televisión de ritmo acelerado y montaje rápido, su estética resulta fresca. El director de fotografía británico Ackroyd, que filmó "The Hurt Locker" y "Detroit" para Bigelow, así como varias películas de Paul Greengrass, incluyendo "United 93" y "Captain Phillips", es un maestro del lenguaje visual que pone los nervios de punta. La tensión palpable se mantiene también gracias a la dinámica partitura de Volker Bertelmann, que comienza con ominosos gemidos estremecedores y va cambiando de forma a lo largo de toda la obra.

La película comienza con un contexto útil: al final de la Guerra Fría, las potencias mundiales llegaron al consenso de que el planeta estaría mejor con menos armas nucleares. Pero esa era ha terminado, al igual que la ingenua idea de que cualquier simulacro de ataque nuclear sería de alguna utilidad. Varias naciones poseen ahora arsenales nucleares con capacidad de aniquilación, y sin embargo, a pesar de que la amenaza sigue aumentando, la preocupación pública se ha estancado. 

La primera parte comienza en el 49º Batallón de Defensa Antimisiles en Fort Greely, Alaska, una base militar donde un equipo bajo el mando del Mayor Daniel González (Anthony Ramos) es responsable de detectar las amenazas entrantes y destruirlas con misiles interceptores terrestres. La escena cambia a Washington D.C. mientras la ciudad despierta. La capitana Olivia Walker (Rebecca Ferguson) es un punto de comunicación lúcido con altos mandos militares como el general Anthony Brady (Tracy Letts), inicialmente deseoso de charlar sobre el partido de béisbol de la noche anterior hasta que la gravedad de la situación se hace evidente, y el secretario de Defensa civil Reid Baker (Jared Harris).

El guion de Oppenheim evita cuidadosamente que las escenas de la vida personal de los personajes se vuelvan melodramáticas y sentimentales. Sin embargo, aumenta la tensión dramática al saber que Walker tiene un hijo con fiebre preocupante en casa con su padre, que se preocupa lo suficiente como para animar a un colega (Malachi Beasley) que planea proponerle matrimonio a su novia esa noche, o que Baker aún está afectado por la muerte de su esposa y lucha por acercarse a su hija (Kaitlyn Dever).

Se trata de una obra coral sin papeles protagonistas, pero entre los personajes clave se encuentran el subasesor de seguridad nacional Jake Baerington (Gabriel Basso), cuya esposa embarazada trabaja en el Pentágono; la funcionaria de FEMA Cathy Rogers (Moses Ingram), que se resiste a ser incluida en la lista de evacuación prioritaria; y el teniente comandante Robert Reeves (Jonah Hauer-King), que asesora al presidente sobre estrategias de represalia. Observar cómo el miedo se refleja en los rostros de estos funcionarios disciplinados y altamente capacitados, o escuchar a un joven oficial militar llamar a su madre, resulta cada vez más desgarrador.

Idris Elba encabeza el reparto como presidente, pero si bien tiene autoridad absoluta sobre el uso de armas nucleares, no es más importante que cualquier otro personaje principal. En la primera toma, está fuera de la sede y solo se le oye por teléfono; la pantalla del panel de comunicaciones permanece en negro. Mucho después, lo vemos jugando al baloncesto y charlando cordialmente con un equipo femenino de baloncesto escolar antes de ser evacuado apresuradamente al llegar la noticia de la crisis. El presidente también llama a la Primera Dama (Renée Elise Goldsberry), en Kenia, como parte de un programa de conservación de elefantes (parece haber una alusión implícita a los Obama, empezando por la escena del baloncesto). La película no idealiza al presidente como un hombre de certezas inquebrantables. Las dudas que comparte con Reeves sobre las decisiones que debe tomar resultan conmovedoras. Sin condenarlo ni elogiarlo, el guion deja entrever con ironía que el encanto relajado del presidente es tan importante como su experiencia y autoridad. En un momento divertido, el jefe de su equipo de seguridad (Brian Tee) le dice a un colega: «Es mi tercero y todos son unos narcisistas crónicamente impuntuales. Al menos este lee el periódico».

Si hay momentos como ese que sugieren que Bigelow introduce breves respiros a la ansiedad, no es así. Manteniendo múltiples frentes abiertos mientras el tiempo se agota rápidamente, nos brinda un acceso íntimo a personas que se enfrentan a opciones cada vez más escasas, especialmente cuando las contramedidas fallan. «No hay plan B», dice el almirante Mark Miller (Jason Clarke), alto funcionario de la Sala de Crisis.

La franqueza con la que la película muestra la escasa probabilidad de destruir un misil nuclear entrante («Es como intentar darle a una bala con otra bala») resulta profundamente inquietante. Y una escena casi incidental, en la que la experta en Corea del Norte de la NSA (Greta Lee) observa una recreación de la Batalla de Gettysburg con su hijo en un día libre, parece un reconocimiento sardónico de que la guerra para Estados Unidos es una demostración de fuerza bruta con poca visión a largo plazo.

Bigelow agrupa "A House of Dynamite" con "The Hurt Locker" y "Zero Dark Thirty" como un “tríptico no oficial”, ya que las tres películas tratan sobre operaciones militares y de inteligencia. Con una cohesión temática y una negativa a suavizar las situaciones de máxima tensión, todas ellas dentro del ámbito de lo posible, el director nos presenta una inquietante realidad de "podría suceder", mostrando a personas capaces haciendo lo mejor que pueden en situaciones extremas, pero sin ofrecer falsas garantías de que todo saldrá bien. Con un final que invita a la reflexión —y una imagen—, se trata de un thriller trepidante y una llamada de atención contra la complacencia.

Crítica Cinéfila: Monster - The Ed Gein Story

En los campos del Wisconsin rural de los años 50, un hombre solitario, amable y aparentemente inofensivo llamado Eddie Gein vivía en una granja en ruinas, ocultando una "casa de los horrores" tan espeluznante que redefiniría la pesadilla americana. Impulsado por la soledad, la psicosis y una obsesión absoluta con su madre, los perversos crímenes de Gein dieron vida a un nuevo tipo de monstruo, dejando un legado macabro que engendró monstruos en la ficción creados a su imagen, y encendiendo una obsesión cultural por lo criminales psicológicamente desviados.

Se han usado muchos nombres para referirse al asesino en serie y granjero Ed Gein, originario de un pequeño pueblo de Wisconsin, en el siglo XX, pero el que parece haber perdurado desde que se descubrieron sus crímenes en 1957 es el de "monstruo". Un apodo apropiado, dado que Gein mató al menos a dos mujeres, disfrutaba desenterrando cadáveres en cementerios locales y usando su piel y huesos como forma de satisfacción sexual, hasta que se dedicó a la necrofilia. Sus delitos y trastornos cognitivos fueron la base que inspiró al icónico personaje Norman Bates del director Alfred Hitchcock, y la película de terror por excelencia "Psicosis". 

“Psicosis” podría ser recordada como la obra maestra de Hitchcock, con vívidas imágenes en blanco y negro de un hombre aparentemente afable que se abre paso entre víctimas femeninas inconscientes en el motel de su propiedad, en medio de la nada. Pero el tema de la psicosis subyacente de la película, causada por la soledad y el dolor, se manifiesta, como es bien sabido, en la devoción del protagonista, Norman Bates, por su tiránica madre. Una madre que muere antes de que comience la película.

“Monster: La Historia de Ed Gein”, la última entrega de Ryan Murphy y su colaborador habitual Ian Brennan, es la tercera entrega de su serie que destaca los efectos de la maldad pura. Similar a sus exploraciones sobre el asesino en serie Jeffrey Dahmer y el amor fraternal entre Erik y Lyle Menéndez, la vida de Ed Gein se traslada a la pantalla chica a través de relatos verídicos y una gran dosis de exageración cinematográfica. El resultado es una temporada llena de altibajos, ilustres actuaciones de su elenco principal y desafortunados episodios de relleno que aportan poco contexto adicional al estado mental de Gein.

El actor británico Charlie Hunnam interpreta al personaje principal, Ed Gein, un cambio radical para un actor conocido por su papel de Jax Teller en la serie dramática "Sons of Anarchy". En esta película, Hunnam comparte escenas con Laurie Metcalf como la madre de Gein, una mujer autoritaria y religiosa inquietantemente similar a la historia de la Sra. Bates en "Psicosis". Los dos tienen una dinámica conflictiva. La Sra. Gein se enorgullece de ser una cristiana apasionada que disfruta llamando prostitutas y rameras a las chicas de su pequeño pueblo. Al mismo tiempo, Eddie explora la asfixia autoerótica mientras usa la ropa interior de su madre. Es una relación extremadamente problemática.

Tras la muerte de su madre, Ed Gein se queda solo a cargo de la granja y de sus impulsos sexuales y pensamientos intrusivos, que se manifiestan en crímenes atroces. La voz de su madre resuena en su mente, como la del Pasajero Oscuro de Dexter Morgan en "Dexter", diciéndole qué hacer y alentándolo a portarse mal. Antes de Ted Bundy, Jeffrey Dahmer y el Asesino BTK, los crímenes de Gein se consideraban innombrables durante años.

En lugar de lo que se considerarían saltos temporales y flashbacks, el creador Ian Brennan y el director Max Winkler entretejen ingeniosamente el viaje asesino y sexual de Ed Gein en la creación de "Psicosis" y el vínculo eterno entre el legado de ambos. Anthony Perkins (Joey Pollari) se presenta de forma similar a Gein en esta serie, intentando conectar la sexualidad secreta y oculta de Perkins con la naturaleza reprimida de la manifestación sexual de Gein. El desafortunado resultado para Perkins es que siempre se le vincula con su icónica interpretación de Norman Bates y, por lo tanto, con la fuente misma: Ed Gein.

La primera mitad de la temporada se centra tanto en Alfred Hitchcock (Tom Hollander) y su película como en Ed Gein. Hitchcock es ambicioso y cree que el público quiere algo más que los monstruos que está acostumbrado a ver en las pantallas, como Frankenstein y Drácula. Considera que un nuevo tipo de monstruo, uno mucho más psicológico y aterrador en un sentido real, sería lo que el público anhela. Le encanta ver a su público retorcerse y abandonar la sala angustiado en el estreno de "Psicosis" en 1960. Winkler aprovecha esta conexión para crear un espacio para que Hunnam interprete a Norman Bates en la película de Hitchcock. Incluso incluye una escena de ducha casi toma por toma, más gratuita, para enfatizar el vínculo de la película con la historia de Gein, utilizando a su interés amoroso, Adeline (Suzanna Son), como sustituta de Janet Leigh.

La segunda mitad de la temporada se transforma en cómo esa película y la historia real de Gein inspiraron películas hollywoodenses de terror de los años 70, como "La Matanza de Texas". La conexión de la primera mitad con Hollywood y la inspiración de personajes ficticios es mucho más fuerte que la segunda, donde la temporada intenta provocar conmoción y repugnancia en los espectadores con violencia gráfica y sexo impactante sin añadir nada nuevo a los siniestros tratos de Ed Gein y los de Wisconsin. Adeline, interpretada por Suzanna Son, como buen ejemplo, tiene un tiempo considerable en pantalla en la segunda mitad de la temporada, a pesar de que el personaje nunca existió en la vida real.

La interpretación suave pero siniestra de Hunnam de Gein es una grata sorpresa, ya que el actor demuestra una amplitud de miras dentro de un personaje como nunca antes había intentado. Lesley Manville, como Bernice Warden, víctima del asesinato de Gein, es una buena incorporación que no recibe tanto tiempo en pantalla como el personaje merece (aunque su interpretación parece eludir la relación real entre Warden y Gein). Metcalf, como siempre, proporciona suficiente argumento para mantener la historia a un ritmo frenético, incluso cuando su personaje solo se escucha o se manifiesta a través del estado mental de Gein.

“Monstruo: La Historia de Ed Gein” se esfuerza por contar la historia de este monstruo, pero no logra ofrecer ocho episodios dignos de un maratón. Las fantásticas actuaciones se diluyen con historias tipo B exageradas que no llegan a ninguna parte a un ritmo lento. Cuando salen a la luz los crímenes de Gein, los medios y el mundo no saben cómo clasificarlo. ¿Era travesti? ¿Era trans? ¿Tenía esquizofrenia? ¿O era simplemente un "mama's boy" con interés por lo macabro? La serie de Netflix no tiene una respuesta exacta más allá de que era, y sigue siendo, un monstruo.

Crítica Cinéfila: Black Rabbit

Cuando el dueño de un restaurante de moda de la ciudad de Nueva York permite que su turbulento hermano regrese a su vida, abre la puerta a peligros cada vez mayores que amenazan con derribar todo lo que ha construido.

Gran parte de "Black Rabbit" falla un poco. Casi está a la altura, pero no es del todo correcta. Las actuaciones no son del todo convincentes. La ambientación no está representada con la suficiente claridad. La trama está ligeramente descalibrada. Nada por sí solo hace que la serie sea inviable, pero todo ello se suma a algo que no es tan bueno como debería ser para el género en el que se mueve y el nivel de presupuesto y talento involucrados.

La miniserie es un thriller neoyorquino protagonizado por Jude Law y Jason Bateman como los hermanos disfuncionales Jake (Law) y Vince Friedken (Bateman). Solían ser socios en un bar y restaurante del Bajo Manhattan llamado Black Rabbit, llamado así por su banda de rock indie de la era hipster, Black Rabbits, pero las adicciones e inestabilidad de Vince lo llevaron a ser separado del proyecto. En los años transcurridos desde entonces, Jake ha llevado el restaurante al éxito y está a punto de abrir un nuevo lugar que lo llevará a la cima del mundo de la restauración neoyorquina, si es que logra reunir el dinero. Vince, mientras tanto, está en serios problemas y regresa a NY buscando a su hermano para que lo rescate. Necesita pagar deudas de juego a unos gánsters violentos liderados por Joe Mancuso (Troy Kotsur) y el tiempo avanza. Jake sabe que su hermano es una mala noticia, pero no puede negarse a ayudarlo, y cuando Vince regresa al negocio y a la vida de Jake, su vínculo tóxico amenaza con destruirlos a ambos.

“Black Rabbit” se inspira en gran medida en clásicos del crimen fraternal neoyorquino, tanto antiguos como modernos, y alcanza su máximo esplendor cuando se trata sobre la codependencia fraternal. Vince es adicto a las drogas, el alcohol y el juego, y Jake es adicto a Vince. La forma en que Jake está dispuesto a arriesgarlo todo para ayudar a su hermano es totalmente creíble y auténtica. Desafortunadamente, todo lo demás no lo es, incluyendo el acento de Brooklyn de Law.

El mayor problema es Bateman, quien es coprotagonista, productor ejecutivo y director de los dos primeros episodios. Bateman, uno de los hombres más hollywoodenses de Hollywood, no es la elección correcta para interpretar a un delincuente de Coney Island que es lo suficientemente duro como para no inmutarse por el hecho de que unos matones le corten un dedo. Su personalidad mordaz funcionó bien en su anterior thriller policial de Netflix, "Ozark", porque Marty Byrde no era un tipo físicamente duro. Bateman fue muy convincente como un contador meticuloso que gradualmente aprende a ensuciarse las manos. Aquí, es poco persuasivo. Está haciendo el mismo sarcasmo y tensión que siempre hace en el contexto de un personaje cuyo carisma debería provenir de ser divertido e imprudente. Es una actuación monótona que lo hemos visto hacer variaciones durante décadas. Vince incluso llama a la gente "amigo", que es algo que muchos personajes de Bateman hacen.

Como director, Bateman no se fija en los detalles. Prefiere lo grande y amplio a lo sutil. Eso estuvo bien para la pura pulpa de "Ozark", pero "Black Rabbit" se ambienta en un entorno muy específico que Bateman y los creadores Zach Baylin y Kate Susman no dominan bien. La serie intenta aprovechar la energía sórdida del centro de la ciudad del resurgimiento del post-punk de principios de la década de 2000 a través de las interpretaciones de los Walkmen e Interpol y un cameo del guitarrista de The Strokes, Albert Hammond Jr., pero está ambientada en el presente, en el mundo de la vida nocturna y la restauración de alta gama: Jake intenta abrir un restaurante en el antiguo espacio del Four Seasons, un local de Midtown que es sinónimo de dinero y sofisticación, y ninguno de estos mundos tiene nada que ver con el mundo de clase trabajadora de los barrios periféricos del que vinieron los hermanos y con el que aún mantienen vínculos. Todos estos significantes se leen como "la cruda ciudad de Nueva York", pero en realidad son bastante dispares. "Black Rabbit" hace gala de impresionantes localizaciones de rodaje neoyorquinas —las entrañas de los Baños Rusos y Turcos, Times Square al amanecer, el vestíbulo del Hospital Bellevue— y este acceso a localizaciones de primer nivel le otorga una credibilidad visual que la narrativa no se merece.

Sin embargo, hay mucho dinero en pantalla, y la serie, sin duda, luce genial. La estética se inspira tanto en los thrillers neoyorquinos de los hermanos Safdie, "Good Time" y "Uncut Gems", que es prácticamente un homenaje, que graban la acción desde tan lejos que parece que la estás viendo a través de un telescopio. Las tomas pueden ser prestadas, pero son llamativas y técnicamente formidables. El diseño de sonido también está ejecutado a un alto nivel: lo que sea que hayan hecho para poder rodar en una azotea junto a la FDR Drive sin verse abrumados por el ruido del tráfico, es realmente impecable.

Aunque parece una película de los hermanos Safdie, se siente como "Ozark". Incluso tiene el mismo formato de créditos iniciales, mostrando elementos que entrarán en juego en el episodio. Como ese thriller ganador de un Emmy pero no tan prestigioso, la trama es implacablemente tensa, con muchos personajes y subtramas diferentes. Hay de todo, desde un hilo de Me Too que involucra a un cliente habitual bien pagado que se aprovecha del personal (un problema que Jake delega en la chef Roxie (Amaka Okafor) para que lo resuelva, lo que lleva a consecuencias imprevistas) hasta uno de los acreedores de Vince que se insinúa en la vida de la hija de Vince, Gen (Odessa Young). Siempre pasa algo, pero no siempre funciona. Todo tiene el mismo nivel de intensidad, incluso si obviamente no es tan importante o termina sin importar. Los tiempos de ejecución son inflados, y algunas escenas largas hacen que uno quiera adelantar el episodio. La realidad: la historia no empieza realmente hasta el final del segundo episodio. Le habría venido bien un poco más de tensión.

La buena noticia es que la serie mejora mientras avanza. Los dos últimos episodios están dirigidos por Justin Kurzel, el cineasta emergente responsable de proyectos fantásticos como la película policial "The Order" y la miniserie ambientada en la Segunda Guerra Mundial "The Narrow Road to the Deep North". Habiendo trabajado previamente con Law en "The Order", Kurzel sabe cómo sacar lo mejor del actor. Kurzel enfoca su cámara hacia el rostro de Law mientras la historia alcanza su clímax emocional y el dolor de Jake se desborda. Es un director de actores que también compone imágenes hermosas, como una toma melancólica, al estilo Michael Mann, de Law iluminado por los destellos de un coche de policía.

“Black Rabbit” no es mala del todo, pero nunca llega a ser tan buena como podría o debería ser. Hay un desajuste entre la seriedad con la que se presenta, con su estilo visual y temas familiares, y la imprecisión en la trama y la ambientación. Es como un turista en el Nueva York de los Safdie; tiene el aspecto adecuado y conoce los lugares, pero no lleva la ciudad en la sangre.

Crítica Cinéfila: En el Barro

Cinco presas forjan un vínculo único tras un accidente mortal, pero la corrupción y las luchas de poder de la cárcel amenazan con separarlas. Spin-off de 'El marginal'.

La prisión ha sido un ambiente utilizado con frecuencia para servir de universo de una serie. Pero una de las prisiones más desoladoras está en la serie argentina "En el Barro".

La serie inicia con siete mujeres subiendo a la parte trasera de una camioneta de alta seguridad. Cada una está presa por una razón muy particular, pero todas tienen en común que es su primera vez enfrentándose al sistema de justicia penal argentino. Durante el traslado a la penitenciaría de mujeres de La Quebrada, la camioneta y su convoy de protección sufren una emboscada, adentrándose en un río y hundiéndose rápidamente cuando la parte trasera explota y una de las siete mujeres es rescatada por sus cómplices. Una de las detenidas, Gladys Guerra (Ana Garibaldi), logra encontrar la llave y quitarles las esposas a otras cuatro mujeres, pero una se queda atrás y se ahoga. Las cinco sobrevivientes se arrastran hasta tierra, cubiertas de barro. De ahí va el nombre de la serie, pero se pudiese conectar también a muchas de las acciones internas de la prisión que tendrán que sobrellevar.

Gladys y las otras mujeres —Olga Giuliani (Erika de Sautu Riestra), Marina Delorsi (Valentina Zenere), Yael Rubial (Carolina Ramírez) y Solita Rodríguez (Camila Peralta)— son enviadas a La Quebrada tras recibir el alta médica, pero el incidente ha sido noticia en todos los medios, y las reclusas se enteran al llegar. La directora de la prisión, Cecilia Moranzón (Rita Cortese), también es llamada a trabajar, quien en ese momento, está invitando a cenar a una reclusa embarazada. Las mujeres se integran a la población carcelaria tras el examen médico; Yael va a la sección de Familias, donde hay reclusas embarazadas y niños de otras reclusas correteando. Gladys y Marina son enviadas al pabellón central. Olga y Solita son enviadas al pabellón dirigido por una mujer llamada La Zurda (Lorena Vega); ella está a cargo de un centro de pornografía allí, y cuenta con recursos como teléfonos y wifi. Le pregunta específicamente a Olga, cirujana plástica, si puede realizar cirugías de rejuvenecimiento vaginal a sus "hijas".

Cecilia informa a María (Cecilia Rossetto), una de las reclusas más veteranas y poderosas, que su sobrina fue la prisionera que se ahogó durante la emboscada. Claro que ahora María jura vengarse de las cinco supervivientes que ahora forman parte de la población. También se ha ganado la enemistad de La Zurda, quien se irrita por el acuerdo que María ha cerrado con Cecilia sobre suministros y medicamentos, básicamente porque no reciben una compensación proporcional a lo que aportan al fondo. Mientras tanto, Gladys no se deja intimidar por María ni por nadie más, dada su posición en la familia Borges, la cual niega abiertamente. Cecilia, sin embargo, sabe exactamente quién es.

La idea es que estas cinco mujeres se unan gracias a su experiencia colectiva en el río y descubran cómo operar el sistema, dividido entre varias "tribus" con intereses contrapuestos. Gladys, obviamente, será el centro de atención, dado que es básicamente una de las líderes de la familia Borges, y su poder externo le permitirá ejercerlo internamente. Parte de esa fuerza de voluntad se usará para proteger a las otras cuatro mujeres, pero eso sin duda chocará con otras personas con poder en la prisión, como María y Cecilia.

En su superficie, "En el Barro" me recuerda mucho a "Orange Is The New Black" y "Vis a vis", pero mucho más sombrío. Sin embargo, en la medida que uno se adentra a la cárcel de mujeres, pero más allá de eso y de las escenas de las reclusas en la ducha, no se parece en nada a esas series. En La Quebrada ocurren cosas realmente turbias, y no todas tienen que ver con las reclusas. 

"En el Barro" es una serie bastante oscura, y puede que no sea para todos, pero ha logrado presentar a los personajes principales y cómo se desenvolverán en una de las prisiones más desoladoras que se han visto en televisión en mucho tiempo.

Crítica Cinéfila: Squid Game, 3ra temporada

Tras perder a su mejor amigo en el juego y quedarse sin esperanza por culpa del Líder, que ha ocultado su verdadera identidad para infiltrarse en el juego. Gi-hun continúa empeñado en poner fin al juego, pero el Líder planea su siguiente movimiento y las decisiones de los supervivientes derivan en consecuencias cada vez peores a medida que avanzan las rondas.

¿Qué tan sombrío puede ser “Squid Game” ? Al concluir la segunda temporada del sensacional drama de Netflix, nuestro héroe, Seong Gi-hun (Lee Jung-jae), se vio envuelto en su mayor fracaso. Tras reunir a sus compañeros contra las fuerzas que controlan los juegos, el líder (Lee Byung-hun) cambió el guion, llevando a Gi-hun a presenciar el asesinato de su mejor amigo ante sus propios ojos. Fue una decisión del creador de la serie, Hwang Dong-hyuk, que recordó a los espectadores que, a pesar de conocer lo que estaba en juego, Gi-hun está tan atrapado ahora como lo estuvo en su primera participación en los juegos. "Abandonen toda esperanza, los que entran aquí".

La temporada 3 dedica gran parte de sus episodios a la devastación, lo que hace que los primeros compases de la temporada final sean apropiadamente sombríos. Si bien la temporada 2 incluyó mucha preparación, esta nueva entrega se adentra en las consecuencias inmediatas de la rebelión fallida. Gi-hun y los demás protagonistas, como Lee Myung-gi (Im Si-wan), Kim Jun-hee (Jo Yu-ri), Dae-ho (Kang Ha-neul), Cho Hyun-ju (Park Sung-hoon), Jang Geum-ja (Kang Ae-shim), Park Yong-sik (Yang Dong-geun), entre otros, se ven arrastrados de nuevo al meollo del asunto. 

Si bien las frustraciones por un final en suspenso pueden haber molestado a la audiencia al final de la segunda temporada, el enfoque dividido y el aumento general en el número de episodios dan sus frutos. De forma similar a cómo el comienzo de la temporada pasada subvirtió las expectativas de la audiencia sobre los juegos que podrían jugarse, este bloque de episodios se beneficia una vez más de que el espectador no sepa qué está por venir. Cada interacción entre los personajes adquiere un tono significativamente más serio a medida que "Squid Game" se acerca a su conclusión, un impacto que se hace aún más poderoso por el hecho de que Dong-hyuk deja de lado activamente a Gi-hun durante las primeras horas para dedicarse al reparto secundario. Es una decisión muy efectiva, que encaja a la perfección con las crecientes apuestas de los juegos de las últimas rondas. El efecto infunde a la serie una nueva sensación de desesperanza. ¿Recuerdan lo aplastante que fue el juego de canicas en la primera temporada ? Un episodio temprano de la tercera temporada logra superar eso, con un efecto absolutamente desgarrador.

Sin embargo, hay algo de luz; después de todo, esto es la serie al final de este oscuro túnel. A medida que avanza la temporada, Dong-hyuk explora las relaciones familiares con un efecto sorprendentemente emotivo. Este elemento siempre ha estado presente en la serie, pero el concepto de lo que padres e hijos se deben mutuamente se convierte en una parte crucial de la trama y, por ello, enriquece aún más la serie. Parte de esa elevación se debe a la actuación de Lee Jung-jae. El recuerdo de su fracaso como padre siempre ha sido una gran preocupación para Gi-hun, y sin revelar mucho, la posibilidad de cierto nivel de redención personal ayuda a elevar la ya superlativa actuación de Lee Jung-jae a otro nivel. Su trabajo, especialmente en el quinto episodio, es mágico.

Lo que sigue siendo menos convincente son las tramas de Hwang Jun-ho (Wi Ha-joon) y Kang No-eul (Park Gyu-young), que no ofrecen a ninguno de los personajes mucho que hacer más allá de sus tramas existentes de la primera mitad de la temporada. Ambos se encuentran prácticamente atrapados en la misma rutina: intentar escapar en el caso de No-eul o encontrar la isla en el caso de Jun-ho. El resultado final es que estas tramas se estancan hasta el episodio final, resolviéndose de maneras que no son ni de lejos tan impactantes como la narrativa principal. Además, entrelazar sus tramas diluye la fuerza y ​​el impulso de los juegos, estancando la tensión en lugar de aumentarla. Lo mismo ocurre con la inclusión de una nueva ronda de VIP, cuya naturaleza, similar a un coro griego, se convierte en un vehículo para reiterar lo obvio en lugar de ofrecer algo nuevo o revelador a los procedimientos.

Cuando "Squid Game" profundiza en sus momentos intensos, la serie demuestra que aún es más que capaz de crear una historia trágicamente cautivadora que logra entretener y conectar emocionalmente con sus personajes. La serie de Dong-hyuk reinventó y revitalizó el género Battle Royale con resultados extraordinarios. Claro, la intensidad es una característica, no un defecto, pero se combina con personajes fuertes y visuales cautivadores que perduran. La tercera temporada continúa esta tradición, ofreciendo un final especialmente impactante.

"Squid Game", en sus momentos finales, dice que mientras la vida continúa, encontrar la manera de mejorar las vidas que nos rodean en el contexto de la gran máquina en la que estamos atrapados vale los sacrificios necesarios para hacerlo posible. La serie logra encontrar un rayo de luz en medio de tanta desolación. En una realidad tan difícil, esa victoria vale todo el dinero del mundo.

Crítica Cinéfila: Ballerina

Eve Macarro es una asesina entrenada por la Ruska Roma desde su infancia, la misma organización criminal encargada del adiestramiento de John Wick. En esta violenta historia de venganza, Eve intentará por todos los medios averiguar quién está detrás del asesinato de su padre. En su lucha por conocer la verdad, tendrá que atenerse a las normas de la Alta Mesa y, por supuesto, a las del Hotel Continental, donde descubrirá que existen secretos ocultos sobre su pasado.

Al principio de "Ballerina", la aspirante asesina interpretada por Ana de Armas recibe elogios por su singular instinto asesino. Cualquiera que haya visto este spin-off de John Wick coincidirá con esta afirmación, ya que la actriz nominada al Óscar ofrece una actuación feroz y vigorosa que casi supera las debilidades de la película. Los aficionados a la acción deberían disfrutar de las escenas espectacularmente violentas, pero su villano tan soso y su narrativa decepcionante resultan, en última instancia, incluso más letales que De Armas. No tiene ninguno de los fundamentos emocionales de John Wick.

"Ballerina" pondrá a prueba el poder de taquilla de De Armas: anteriormente protagonizó películas como "Knives Out" y "Blonde", y tuvo un breve pero memorable cameo en "No Time to Die" de 2021, donde pudo mostrar sus habilidades de acción. Esta es la primera entrega de la franquicia desde "John Wick: Chapter 4" de 2023, que recaudó 440 millones de dólares en todo el mundo, la mayor cantidad de la serie, y Keanu Reeves efectivamente aparece en este spinoff. Ballerina se ambienta durante los eventos de "John Wick: Chapter 3 - Parabellum", lo cual es importante considerando que el sicario de Reeves murió al final de la película de 2023.

De Armas interpreta a Eve, quien, de niña, presenció el asesinato de su padre a manos de hombres enmascarados. Entrenada por la temible Ruska Roma, quien le ha enseñado el arte del ballet y el asesinato, esta formidable asesina busca a los responsables. La búsqueda de Eve la llevará a Nueva York, la República Checa y Austria, donde dará con el Canciller (Gabriel Byrne), líder de una secta letal responsable de la muerte de su padre.

En los 11 años transcurridos desde la primera entrega de John Wick, la franquicia se ha vuelto más grandiosa en cuanto a su creación de mundos, presupuesto y secuencias de lucha. Desafortunadamente, las secuelas a veces se volvieron tan egocéntricas y operísticas que sacrificaron los placeres brutales de la película original. Pero si bien "Ballerina" presume de la misma teatralidad con luces de neón que los Capítulos 3 y 4, este spin-off regresa en cierta medida a la acción ingeniosa y descaradamente sangrienta de las entregas anteriores.

La venganza de "Ballerina" carece del trasfondo emocional de John Wick, pero De Armas (que reemplaza a la bailarina Unity Phelan, quien interpretó el papel en el capítulo 3) elimina convincentemente a muchos villanos. Puede que a Eve le falte el ingenio y la gracia de su personaje de "No Time to Die", pero De Armas demuestra una vez más una presencia imponente al interpretar a una asesina ingeniosa y férrea. Impresiona especialmente en las extensas y contundentes escenas de lucha de la película, empuñando desde minas terrestres hasta ametralladoras, martillos y patines de hielo para derrotar a sus enemigos.

Aunque la película se retrasó debido al rodaje de escenas de acción adicionales (que fueron dirigidas por el ex especialista Chad Stahleski), se nota lo planas que son las secuencias sin acción de Ballerina. El guion de Shay Hatten, quien coescribió el Capítulo 3 y el Capítulo 4, recupera a los personajes secundarios más memorables de la serie interpretados por Anjelica Huston, Ian McShane y el fallecido Lance Reddick (quién murió en 2023), pero sus apariciones son en gran medida superficiales. También es decepcionante el diálogo pesado y pseudoprofundo de la película sobre cómo el destino y la elección dictan el destino de Eve. La película es mucho más satisfactoria cuando deja de lado las pretensiones y simplemente abraza su espectáculo vertiginoso y exagerado, especialmente durante un final agradablemente ridículo que implica un enfrentamiento entre dos personajes con sus respectivos lanzallamas.

Para apaciguar a los fieles de John Wick, los cineastas no solo recuperan al icónico asesino de Reeves, sino que también lo presentan en un tenso duelo con Eve al final de la película. De la misma forma que los spin-offs recientes de Star Wars siguen incluyendo a Darth Vader o Luke Skywalker, la llegada de Wick destila desesperación, aunque Reeves mantiene una serena figura de ballet en el papel. Pero no tiene mucho que hacer, lo que podría decirse también de Byrne, quien intenta dotar de cierta amenaza a un personaje poco desarrollado. El Canciller no merece la ira de Eve, al igual que "Ballerina" no es lo suficientemente aguda como para merecer la actuación decisiva de De Armas.

Crítica Cinéfila: The Last of Us, 2da temporada

Han pasado cinco años y Joel y Ellie viven una vida idílica en una ciudad de supervivientes en Wyoming. Sin embargo, un día la tranquilidad del lugar se ve amenazada por un evento violento inesperado.

En 2020, la devastadora secuela del videojuego, "The Last of Us Part II", se estrenó en el mundo, construyendo con audacia una historia entrañable y destrozándola. Lo hizo añadiendo una brutal capa de tragedia a un mundo postapocalíptico ya de por sí plagado de pérdidas abrumadoras, sumergiendo a sus personajes en un futuro moralmente tenso donde todo lo que aman queda destruido. Es uno de los mejores —y más sombríos— juegos modernos jamás creados, ya que, a pesar de su acción atrapante, enfrenta el aterrador potencial de que la mayor amenaza para la humanidad es ella misma.

La segunda temporada de “The Last of Us” adapta esa premisa de una forma televisiva singularmente evocadora, ya que su creador, Craig Mazin, la mente detrás de la excepcional miniserie “Chernobyl”, venera el material original, a la vez que se desvía críticamente de él en aspectos clave. Es una adaptación fiel pero reflexiva, que crea nuevos momentos para los personajes que no solo dan al excelente dúo de Pedro Pascal y Bella Ramsey momentos adicionales para brillar, sino que también complican algunas de las preguntas que plantea el juego.

Trabajando de nuevo con Neil Druckmann, el creador de los juegos, Mazin se interesa no solo por esta problemática que afecta a los personajes, sino también por las pequeñas complejidades de sus vidas y lo que sucede cuando se ven consumidos por la violencia. La serie de HBO es una experiencia a menudo implacablemente negativa, pero que captura la humanidad con toda su belleza y crueldad. Al modificar partes significativas de la narrativa para añadir un contexto muy necesario, "The Last of Us" suaviza algunos de los golpes agonizantes mientras retuerce el cuchillo para otros, emocionalmente más complejos.

Esto se percibe con claridad en los primeros momentos de la segunda temporada, tras la mentira de Joel (Pascal) a Ellie (Ramsey) sobre lo que realmente sucedió con los Fireflies en Salt Lake City. Su engaño bien podría haber marcado un final apropiado para esta saga, pero al rastrear las repercusiones a partir de este momento es donde la tragedia se profundiza. La primera repercusión clave es la presentación de Abby, interpretada con frágil aplomo por la recién llegada a la serie, Kaitlyn Dever, cuya triste historia se entrelazará inevitablemente con la de Ellie.

Aunque Dever es mucho más baja en estatura en comparación con el musculoso personaje del juego, es en sus ojos donde presenciamos la agonía que se transforma en ira. Que ella y Ellie, cada una un reflejo agrietado de la otra, parezcan más jóvenes que las versiones del juego solo hace que el peso que cargan sea aún más doloroso. Con el paso de los años y a medida que Ellie forja nuevas relaciones, en concreto con la encantadora Dina (Isabel Merced), también descubre que tiene mucho que perder al partir hacia Seattle tras una inmensa pérdida.

Es mejor dejar el contexto de esto en manos de la serie, pero para quienes conocen la historia, aquí es donde la serie se toma su tiempo después. Mientras que el juego era más preciso y ágil al guiarnos a través de misiones de venganza entrelazadas, la serie dedica casi un episodio entero a cuestionar los fundamentos ideológicos del viaje que nos espera. Una reunión comunitaria completa, uno de los varios momentos en los que sentimos la sensibilidad humanista de Mazin, propia de "Chernóbil", interviniendo en la historia, es algo completamente nuevo y notable por cómo la gente habla de la violencia. No cambia la trayectoria que Ellie está empeñada en seguir, pero amplía el alcance de la historia de una manera pequeña pero crucial.

“The Last of Us” se da un respiro fuera de la acción, permitiendo conversaciones más largas entre los personajes, tan divertidas como desgarradoras. Si bien hay una secuencia inicial magníficamente escenificada y filmada que captura la fragilidad del mundo, lo que más importa son las razones por las que llegamos a las peleas.

Desde el momento en que llegamos a Seattle, la serie encuentra formas fascinantes de explorar las facciones que se han establecido allí con la reintroducción del siempre genial Jeffrey Wright, quien retoma su papel del juego como el amenazante líder Isaac. Es decepcionante que la serie no se haya rodado en la ciudad, ya que algunos intentos fallidos de recrearla resultan notablemente erróneos, pero la experiencia en general sigue siendo demoledora. Mientras que el juego trata sobre enfrentarse a hordas de enemigos en la ciudad, Ellie y Dina se abren paso a través de una Seattle silenciosa y desolada con una atmósfera melancólica. Su química, más juguetona, coqueta y compasiva, impregna los episodios de una carga sombría, ya que cada día que pasan allí no solo es una amenaza para sus vidas, sino para sus almas. En cada escena alegre, como cuando se refugian juntas brevemente en una tienda de música —con Ramsey ofreciendo una humilde y desgarradora interpretación musical, genuinamente emotiva—, existe la inevitable sensación de que no saldrán ilesas de Seattle.

Y aun así se quedan, y la serie se toma su tiempo para vislumbrar la crueldad que ha llegado a definir la ciudad, a medida que nuevos flashbacks muestran a Ellie dándose cuenta de que Joel es una persona más imperfecta de lo que pensaba. Se trata entonces de que ella no sabe qué más hacer con toda esta información. No hay un episodio como el destacado de la primera temporada donde vimos a Bill y Frank construyendo amorosamente una vida juntos en el fin del mundo, pero hay un compromiso general de encontrar estos remanentes de humanidad en medio de los horrores. Ya sea con Dina y Ellie descubriendo cómo es que se cuidan mutuamente cuando la muerte las persigue a cada paso, o cuando vemos cómo los de Seattle han llegado al punto de matarse entre sí, es profundamente humano.

Al igual que el juego, la segunda temporada de "The Last of Us" está bien construida y es una experiencia cautivadora, aunque el mayor impacto reside en los ciclos de violencia que se siguen desarrollando. En momentos como cuando Ellie contempla Seattle mientras los disparos resuenan y las explosiones la consumen en llamas, es al ver el miedo en sus ojos al girarse para estrecharle la mano a Dina donde sentimos todo lo que tienen por perder.

Crítica Cinéfila: Drop

Violet es una madre cuyo marido falleció y que tras mucho tiempo dedicada a sus hijos decide tener su primera cita en años. Cuando llega al restaurante descubre además que su cita, Henry, es un hombre mucho más encantador y guapo de lo que podía esperar. Pero la velada empieza a estropearse cuando Violet comienza a recibir una serie de inquietantes mensajes anónimos en su teléfono.

La tecnología y el trauma se unen una vez más en el último thriller de Christopher Landon para Blumhouse, "Drop", un viaje divertido y satisfactorio a través de una primera cita infernal. Años después de la traumática muerte de su esposo, Violet (Meghann Fahy) está lista para volver a salir, aceptando una primera cita con el encantador Henry (Brandon Sklenar) tras tres meses de coqueteos en línea. Pero su noche romántica da un giro de pesadilla cuando Violet empieza a recibir mensajes anónimos en su teléfono con memes e instrucciones maliciosas, mientras su hijo se encuentra secuestrado en su propia casa.

Con la dirección visualmente impactante de Landon, al estilo Hitchcock, los guionistas Jillian Jacobs y Chris Roach brindan una divertida actualización basada en tecnología de la leyenda urbana que generó bastante terror en "Cuando un extraño llama" de 1979 mientras las gotas de sangre caen alrededor de la casa. Es cierto que la gran revelación fue un poco predecible después de una serie de pistas falsas iniciales, pero eso se perdona totalmente gracias a los ininterrumpidos giros y vueltas inteligentes que le esperan a Violet (Fahy), una madre ferozmente protectora, aunque avergonzada, que es buena para pensar con rapidez, especialmente cuando su hijo está en peligro.

Fahy ofrece una actuación cautivadora como una mujer ansiosa que lucha por mantener la compostura en su primera cita en años. Interpretando a una terapeuta que ayuda a otras mujeres maltratadas a encontrar su valor mientras lucha por encontrar el suyo propio, Fahy ofrece una actuación digna y dinámica que la convierte en una "chica final" a tener en cuenta.

Mientras tanto, la química entre Fahy y Sklenar solo crece con la tensión, incluso cuando Violet sospecha que su cita es quien la acosa. También sería un pecado no elogiar la actuación hilarantemente desquiciada de Jeffery Self como un aspirante a actor de improvisación que, por las noches, trabaja como camarero sin ningún tipo de sentido social. Menciona brevemente un sketch en el que interpreta el sombrero de Allison Janney, y siendo honesta, me gustaría ver ese acto.

El extravagante restaurante, situado en las alturas, es el escenario perfecto para Landon, quien aprovecha cada centímetro del espacio para ilustrar el horror claustrofóbico de la cita desde la perspectiva de Violet. Los ángulos y la iluminación meticulosos también se utilizan para elevar la tensión con belleza.

Acentuando el divertido y juvenil repertorio de terror de Landon, "Drop" aborda la obsesión moderna por las pantallas en lugar de la conexión humana, a la vez que presenta una versión falsa de nosotros mismos en línea y nos hace luchar por aceptar nuestro propio bagaje. Es, además, un thriller divertidísimo que aprovecha al máximo sus 100 minutos de película.