Crítica Cinéfila: Monster - The Ed Gein Story

En los campos del Wisconsin rural de los años 50, un hombre solitario, amable y aparentemente inofensivo llamado Eddie Gein vivía en una granja en ruinas, ocultando una "casa de los horrores" tan espeluznante que redefiniría la pesadilla americana. Impulsado por la soledad, la psicosis y una obsesión absoluta con su madre, los perversos crímenes de Gein dieron vida a un nuevo tipo de monstruo, dejando un legado macabro que engendró monstruos en la ficción creados a su imagen, y encendiendo una obsesión cultural por lo criminales psicológicamente desviados.

Se han usado muchos nombres para referirse al asesino en serie y granjero Ed Gein, originario de un pequeño pueblo de Wisconsin, en el siglo XX, pero el que parece haber perdurado desde que se descubrieron sus crímenes en 1957 es el de "monstruo". Un apodo apropiado, dado que Gein mató al menos a dos mujeres, disfrutaba desenterrando cadáveres en cementerios locales y usando su piel y huesos como forma de satisfacción sexual, hasta que se dedicó a la necrofilia. Sus delitos y trastornos cognitivos fueron la base que inspiró al icónico personaje Norman Bates del director Alfred Hitchcock, y la película de terror por excelencia "Psicosis". 

“Psicosis” podría ser recordada como la obra maestra de Hitchcock, con vívidas imágenes en blanco y negro de un hombre aparentemente afable que se abre paso entre víctimas femeninas inconscientes en el motel de su propiedad, en medio de la nada. Pero el tema de la psicosis subyacente de la película, causada por la soledad y el dolor, se manifiesta, como es bien sabido, en la devoción del protagonista, Norman Bates, por su tiránica madre. Una madre que muere antes de que comience la película.

“Monster: La Historia de Ed Gein”, la última entrega de Ryan Murphy y su colaborador habitual Ian Brennan, es la tercera entrega de su serie que destaca los efectos de la maldad pura. Similar a sus exploraciones sobre el asesino en serie Jeffrey Dahmer y el amor fraternal entre Erik y Lyle Menéndez, la vida de Ed Gein se traslada a la pantalla chica a través de relatos verídicos y una gran dosis de exageración cinematográfica. El resultado es una temporada llena de altibajos, ilustres actuaciones de su elenco principal y desafortunados episodios de relleno que aportan poco contexto adicional al estado mental de Gein.

El actor británico Charlie Hunnam interpreta al personaje principal, Ed Gein, un cambio radical para un actor conocido por su papel de Jax Teller en la serie dramática "Sons of Anarchy". En esta película, Hunnam comparte escenas con Laurie Metcalf como la madre de Gein, una mujer autoritaria y religiosa inquietantemente similar a la historia de la Sra. Bates en "Psicosis". Los dos tienen una dinámica conflictiva. La Sra. Gein se enorgullece de ser una cristiana apasionada que disfruta llamando prostitutas y rameras a las chicas de su pequeño pueblo. Al mismo tiempo, Eddie explora la asfixia autoerótica mientras usa la ropa interior de su madre. Es una relación extremadamente problemática.

Tras la muerte de su madre, Ed Gein se queda solo a cargo de la granja y de sus impulsos sexuales y pensamientos intrusivos, que se manifiestan en crímenes atroces. La voz de su madre resuena en su mente, como la del Pasajero Oscuro de Dexter Morgan en "Dexter", diciéndole qué hacer y alentándolo a portarse mal. Antes de Ted Bundy, Jeffrey Dahmer y el Asesino BTK, los crímenes de Gein se consideraban innombrables durante años.

En lugar de lo que se considerarían saltos temporales y flashbacks, el creador Ian Brennan y el director Max Winkler entretejen ingeniosamente el viaje asesino y sexual de Ed Gein en la creación de "Psicosis" y el vínculo eterno entre el legado de ambos. Anthony Perkins (Joey Pollari) se presenta de forma similar a Gein en esta serie, intentando conectar la sexualidad secreta y oculta de Perkins con la naturaleza reprimida de la manifestación sexual de Gein. El desafortunado resultado para Perkins es que siempre se le vincula con su icónica interpretación de Norman Bates y, por lo tanto, con la fuente misma: Ed Gein.

La primera mitad de la temporada se centra tanto en Alfred Hitchcock (Tom Hollander) y su película como en Ed Gein. Hitchcock es ambicioso y cree que el público quiere algo más que los monstruos que está acostumbrado a ver en las pantallas, como Frankenstein y Drácula. Considera que un nuevo tipo de monstruo, uno mucho más psicológico y aterrador en un sentido real, sería lo que el público anhela. Le encanta ver a su público retorcerse y abandonar la sala angustiado en el estreno de "Psicosis" en 1960. Winkler aprovecha esta conexión para crear un espacio para que Hunnam interprete a Norman Bates en la película de Hitchcock. Incluso incluye una escena de ducha casi toma por toma, más gratuita, para enfatizar el vínculo de la película con la historia de Gein, utilizando a su interés amoroso, Adeline (Suzanna Son), como sustituta de Janet Leigh.

La segunda mitad de la temporada se transforma en cómo esa película y la historia real de Gein inspiraron películas hollywoodenses de terror de los años 70, como "La Matanza de Texas". La conexión de la primera mitad con Hollywood y la inspiración de personajes ficticios es mucho más fuerte que la segunda, donde la temporada intenta provocar conmoción y repugnancia en los espectadores con violencia gráfica y sexo impactante sin añadir nada nuevo a los siniestros tratos de Ed Gein y los de Wisconsin. Adeline, interpretada por Suzanna Son, como buen ejemplo, tiene un tiempo considerable en pantalla en la segunda mitad de la temporada, a pesar de que el personaje nunca existió en la vida real.

La interpretación suave pero siniestra de Hunnam de Gein es una grata sorpresa, ya que el actor demuestra una amplitud de miras dentro de un personaje como nunca antes había intentado. Lesley Manville, como Bernice Warden, víctima del asesinato de Gein, es una buena incorporación que no recibe tanto tiempo en pantalla como el personaje merece (aunque su interpretación parece eludir la relación real entre Warden y Gein). Metcalf, como siempre, proporciona suficiente argumento para mantener la historia a un ritmo frenético, incluso cuando su personaje solo se escucha o se manifiesta a través del estado mental de Gein.

“Monstruo: La Historia de Ed Gein” se esfuerza por contar la historia de este monstruo, pero no logra ofrecer ocho episodios dignos de un maratón. Las fantásticas actuaciones se diluyen con historias tipo B exageradas que no llegan a ninguna parte a un ritmo lento. Cuando salen a la luz los crímenes de Gein, los medios y el mundo no saben cómo clasificarlo. ¿Era travesti? ¿Era trans? ¿Tenía esquizofrenia? ¿O era simplemente un "mama's boy" con interés por lo macabro? La serie de Netflix no tiene una respuesta exacta más allá de que era, y sigue siendo, un monstruo.

Crítica Cinéfila: Monsters - The Lyle and Erik Menendez Story

En agosto de 1989, los hermanos Lyle y Erik Menéndez, asesinaron a tiros a sus padres, José y Mary Louise 'Kitty' Menéndez. Mientras que la acusación alegó que buscaban heredar la fortuna familiar, los hermanos afirmaron -y siguen afirmándolo hoy en día, mientras cumplen cadena perpetua sin posibilidad de libertad condicional- que sus actos se debieron al miedo que sentían tras toda una vida de abusos físicos, emocionales y sexuales a manos de sus padres.

Estamos en 1989. Los hermanos se dirigen al funeral de sus padres, José y Kitty Menéndez. La policía sigue investigando sus asesinatos y la prensa especula que podrían ser un asesinato de la mafia. Erik empieza a desmoronarse en la parte trasera de la limusina, pero su hermano mayor, Lyle, habla de abrir una cadena de restaurantes de alitas de pollo y quiere que el conductor de la limusina apague el jazz suave. Atraviesan la puerta a pesar de la multitud de periodistas, porque Lyle quiere reiterar la teoría de la mafia. Luego, durante el funeral, Lyle hace sonar una canción de Milli Vanilli sobre una presentación de diapositivas de sus padres.

Dos meses después, la policía sigue investigando los asesinatos y Erik no puede escapar de las pesadillas que sigue teniendo sobre la noche en que asesinaron a sus padres. Entra en el estudio, donde estaban sus cuerpos ensangrentados, y comienzan las visiones. Al final de todas las pesadillas, Erik se pone una escopeta en la barbilla y aprieta el gatillo. Está tan atormentado que llama a su psicólogo, el Dr. Jerome Oziel (Dallas Roberts), y quiere su última cita del día. 

Aunque Oziel le asegura que no lo está grabando, Erik le pide que salga a caminar. Fue allí donde Erik admite que él y Lyle mataron a sus padres. Oziel regresa a la oficina a toda prisa y le dice a Erik que repase todo el proceso de los acontecimientos, empezando por el momento en que se le ocurrió la idea mientras veía la película "Billionaire Boys Club". Cuando Oziel pregunta por qué se le ocurrió la idea de matar a sus padres, Erik habla de lo "dominante" que era su padre y de lo permisiva que era su madre. Como ella era "adicta" a su padre, sentían que su vida estaba vacía y decidieron que ella también necesitaba morir. Oziel se pone en contacto con Lyle y le dice que vaya a la oficina; también llama a su ex amante, Judalon Smyth (Leslie Grossman), para que vaya como "testigo" en caso de que ellos intenten matarlo. Lyle está furioso cuando llega y niega que lo que Erik dijo sea cierto.

El primer episodio muestra el momento en que los hermanos cometiendo el crimen, incluso cuando Lyle volvió a entrar para acabar con su madre después de recargar su arma. Luego intentan construir una coartada. Pero cuando regresan a la casa, se sorprenden al no ver a nadie allí; pensaron que los disparos de escopeta harían que alguien llamara al 911. Esta escena de muerte es quizás una de las más sangrientas que se han hecho en mucho tiempo.

Es interesante que Murphy y Brennan hayan decidido dramatizar el caso de Menéndez, dado que ya se había dramatizado de forma tan destacada hace siete años y se han hecho numerosos documentales y docuseries sobre el caso. En otras palabras, ¿hay algo más que decir sobre el caso? Aparentemente sí, porque la pareja, junto con Carl Franklin, el director del primer episodio, consiguen que un caso conocido vuelva a resultar fascinante.

Aunque el primer episodio no lo muestra, parece que el objetivo de Murphy y Brennan es centrar la narración en la vida familiar de los hermanos y en cómo José y Kitty hicieron que la vida de sus hijos fuera miserable. Cuando los chicos eran mayores, la mayor parte del abuso se produjo en forma de sermones verbales por parte de José y de algún tipo de permisividad por parte de Kitty bajo el efecto de las drogas; el incidente que llevó a Erik a urdir su plan implica que Kitty le arrancó la peluca secreta de la cabeza a Lyle.

En esta saga, todos son monstruos. Cooper Koch y Nicholas Alexander Chavez interpretan los papeles de Lyle, un personaje fácilmente alterable, y su hermano angustiado Erik, mientras que Javier Bardem y Chloë Sevigny interpretan a José y Kitty, dos personajes volátiles y desequilibrados. La serie muestra a la familia Menéndez a merced de un padre controlador, al tiempo que denigra a los hermanos. Nadie sale ileso, ya que Monster coloca los infames juicios bajo el microscopio para la diversión y el análisis de la audiencia de Netflix.

Pero también hubo acusaciones de abuso sexual por parte de José cuando los hermanos eran más jóvenes, algo que no muestran a detalles en flashbacks pero en una serie de narraciones que, gracias a las actuaciones de Koch y Chavez, logran trasladar a su público a las emociones que le provocaron esos hechos. De hecho, la estructura de la serie, donde los incidentes de abuso y negligencia emocional por parte de José y Kitty surjen durante el interrogatorio y el juicio de los hermanos, hace un buen trabajo al ir desgranando las capas del caso sin saltar de una a otra indiscriminadamente, y aunque por momentos se tornan repetitivas, esto se debe a que quieren que el discurso de tatue en la mente del espectador, con la idea de que "detrás de un crimen, hay causas que lo llevaron a ocurrir".

Koch y Chavez hacen un excelente trabajo como Erik y Lyle, mostrando las dos formas muy diferentes en que reaccionaron después de matar a sus padres. Por supuesto, también se tiene al impresionante de Bardem (uno de los productores ejecutivos del programa) y Sevingy como José y Kitty. En la medida que la serie avanza, se conoce a Nathan Lane como el periodista Dominick Dunne quien había sido víctima de un juicio que favoreció al asesino de su hija y por lo tanto estaba en contra de que los hermanos salieran libres, y a Ari Graynor como Leslie Abramson, la abogada de los hermanos quien ya había sido la defensa de otros casos de asesinatos y por lo tanto se sentía capaz de lograr la libertad de Erik y Lyle. 

El año pasado, tanto Evan Peters como Niecy Nash deslumbraron en "Monster: The Jeffrey Dahmer Story", la primera entrega de la serie del asesino en serie que ganó elogios para los actores ya que ahondaba no solo en la vida del depravado Dahmer, sino en su sospechosa vecina, sus víctimas inocentes y la inepta aplicación de la ley que mantenía al maníaco en las calles. "Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story" ofrece una mirada similar a las sombrías vidas de los hermanos, ya que la serie explora la dinámica de la familia disfuncional, así como de los amigos, asociados y sus círculos sociales. Casi cuatro décadas después de los asesinatos, la serie de Netflix explora las afirmaciones de defensa propia de los hermanos Menéndez según lo declarado por su equipo de defensa, quienes afirmaron que sus padres abusaron verbal, física y sexualmente de ellos. 

Al igual que su predecesora, Monsters trata sobre la creación de los monstruos urbanos y los estragos que causan. Pero Monsters también examina cómo estos personajes fueron moldeados no solo por sus circunstancias, sino por la era en la que vivieron. Más que una serie de época, Monsters se ve impulsada tanto por las actuaciones como por las referencias a los años 80 en la que habita, desde las canciones de Milli Vanilli hasta cada cuello levantado meticulosamente.

Pero más allá de los detalles meticulosos, la historia en sí es desigual a su predecesora. Si bien Monsters es directa con sus villanos, hay una clara falta de protagonistas, ya que la serie crea un mundo poblado por personas que carecen incluso de una pizca de empatía. En consecuencia, "Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story" crea una dramatización fascinante gracias a las actuaciones exageradas de su elenco, pero no logra alcanzar el nivel establecido por Dahmer. 

Crítica Cinéfila: Monster - The Jeffrey Dahmer Story

La historia del monstruo de Milwaukee contada desde la perspectiva de las víctimas y la incompetencia policial que permitió al nativo de Wisconsin emprender una matanza de varios años. 

Uno de los reyes de la televisión del drama criminal se ha enfrentado a una verdadera historia de terror estadounidense con Dahmer/Monster: The Jeffrey Dahmer Story. Creada por Ryan Murphy e Ian Brennan, esta miniserie de Netflix de 10 episodios intenta volver a contar los asesinatos de Dahmer desde el punto de vista de las víctimas, lo cual se convierte en una perspectiva que puede resolver un gran problema con los programas de crímenes reales.

La serie limitada del creador de American Horror Story y American Crime Story , Ryan Murphy, está protagonizada por Evan Peters en el papel principal y sigue los infames asesinatos del Monstruo de Milwaukee, cuyos crímenes abarcaron 13 años, entre 1978 y 1991. Esta no es la primera vez que el público ha visto a Jeffrey Dahmer dramatizado en la pantalla, con el notorio asesino en serie interpretado previamente por Jeremy Renner en Dahmer de 2002 y por Ross Lynch en My Friend Dahmer de 2017. Sin embargo, una técnica de narración diferenciará a Monster: The Jeffrey Dahmer Story de otros espectáculos de crímenes reales.

El primer tráiler de Monster: The Jeffrey Dahmer Story presenta a los espectadores su primer vistazo a la siniestra representación de Evan Peters de Jeffrey Dahmer en la serie, así como a la alumna de Scream Queens, Niecy Nash, al actor de Dear White People, Shaun J. Brown, y al coprotagonista de The Shape of Water, Richard Jenkins. Este también incluye algunas imágenes desgarradoras que sugieren un tono muy oscuro para la serie, incluida una escena en la que el asesino en serie titular acuna un cadáver y otra en la que sirve un sándwich de carne humana, con una versión de fondo distorsionada del éxito de 1982 de Yazoo, "Don't Go". "Monster: La historia de Jeffrey Dahmer", una serie limitada de 10 partes, pondrá a las víctimas y vecinos de Dahmer al frente y al centro, demostrando que Murphy ha tomado medidas para evitar un problema mayor con el género y el estilo de contar estas historias.

El primer episodio es el final de las atrocidades de Jeffrey, cuando su última víctima logra escapar y atrae a la policía hacia el lugar de los hechos. A partir de ahí, cada episodio es un recuento de como Jeffrey y sus víctimas llegaron a ese punto. De una manera morbosa, la audiencia va a crear una leve empatía con el Jeff de Peters, un joven que desde muy chiquito sufrió el abandono de las personas que debían protegerlo, y por eso surgió un apego obsesivo hacia lo que le llamaba la atención. En un momento de la serie él expresa la razón de que exparciera los restos de un cuerpo calcinado, con el propósito de que él lo sintiera presente con él. Ya a partir del 5to episodio, el enfoque toma un giro, y se van distinguiendo que atrae a Jeffrey: lo prohibido o "exótico" (no se da a entender que él eligiera sus "presas" porque eran de razas sociales aún más marginadas en ese momento de Estados Unidos, aunque más tarde si lo acusan de que lo hizo porque sabía que no lo iba a capturar tan fácil por esas desapariciones). 

Cada episodio recorre a Jeffrey desde la perspectiva de víctimas, vecinos, personas allegadas y personas afectadas. La historia en particular que seguro va a conmover aún más a la audiencia va a ser la de Tony Hughes en el episodio Silenced, donde se ve la historia casi completa desde los ojos de este modelo sordomudo que cruzó camino con Jeffrey, y cómo trató de mantener las relaciones con más calma y desarrollo, cambiando el modus operandi y hasta manera de pensar de Jeff. Es un episodio sumamente doloroso, incluso si se ve desde el punto de vista de Tony. Así mismo, la actuación de Nash como Glenda es ese grito de despertar de la serie completa donde demuestra la homofobia y racismo existentes en la comunidad policial, no solo de aquel entonces sino aún en el presente.

Pero a quien verdaderamente hay que reconocerle el trabajo actoral limpio y efectuoso es a Evan Peters, quien ya había trabajado con Ryan Murphy durante todas las temporadas de American Horror Story. Aquí, se adentra tanto en la piel, actitud y ritmo de Jeffrey, que es demasiado creíble. En el último episodio, que sigue el momento de conversión cristiana de Jeffrey, también permite observar que tanto ha reflexionado el personaje sobre sus hechos, y cómo lo que él ha hecho también ha afectado a toda su familia.

Los dramas y documentales sobre crímenes reales, especialmente aquellos centrados en asesinos en serie, a menudo han sido objeto de escrutinio por prestar demasiada atención al asesino y no centrarse lo suficiente en las historias detrás de aquellos a los que le arrebataron la vida. El estilo de narración desde el punto de vista de Monster: The Jeffrey Dahmer Story puede evitar activamente este problema, contando la historia desde la perspectiva de las víctimas, lo que brindará a los espectadores una mirada profunda a la vida de estas personas antes de su prematura muerte y así también la historia de fondo de Dahmer que lo llevó a estas afecciones y atractivos. Esta técnica demuestra que, aunque sigue centrándose en los terribles asesinatos, la nueva serie de Ryan Murphy muestra cierta sensibilidad por las personas afectadas por los crímenes de Dahmer. Monster: The Jeffrey Dahmer Story será potencialmente un pionero para los dramas de crímenes reales en el futuro.

Crítica Cinéfila: The Prom

Un grupo de estrellas de teatro hilarantemente obsesionadas con sí mismas se adentra en un pequeño pueblo conservador de Indiana en apoyo de una chica de secundaria que quiere llevar a su novia al baile de graduación.

Meryl Streep está en un estilo interesante en The Prom como Dee Dee Allen, una diva del escenario ganadora de dos Tony Awards que debe olvidar años de ensimismamiento de celebridades y dar el paso desconocido de anteponer las necesidades de otras personas. Siempre que está en la pantalla central, esta adaptación de Netflix del desarmante musical de Broadway de 2018 brilla con un humor cursi. En otros lugares, el reparto estrellado y la mano dura del director Ryan Murphy le hacen pocos favores al material de peso pluma, con escenas dramáticas inertes y números musicales exagerados que contribuyen a la temática general. El valor más innegable de la película está en la representación que brinda a los adolescentes LGBTQ a través de un baile de la escuela secundaria que es el sueño arcoíris de todo niño queer emocionalmente aislado.

El musical presenta una partitura de Matthew Sklar y un guión coescrito por Bob Martin y Chad Beguelin, lleno de canciones que son pegadizas en el momento, incluso si rara vez permanecen mucho tiempo en la cabeza. La modesta producción de Broadway tuvo un atractivo considerable en su elenco de queridos veteranos del teatro de Nueva York que interpretan caricaturas de sí mismos mientras descienden a la pequeña ciudad de Indiana con un plan egoísta para rehabilitar su reputación poco comprensiva. Incluso si el lado sentimental era menos cautivador que la sátira, el mero hecho de ser un musical original en un panorama de películas readaptadaas y compilaciones de máquinas de discos, les valió mucha buena voluntad.

Al adaptar el musical a la pantalla, Martin y Beguelin rellenan los interludios entre las canciones de manera que desinflen el humor al tiempo que exponen la fragilidad del drama central. No ayuda que Murphy, cuyo credo puede que sea "cuanto más ocupado, mejor", tenga con frecuencia la cámara del director de fotografía Matthew Libatique girando a toda velocidad alrededor de los personajes sin ninguna razón discernible.

También ha habido un cambio en las actitudes nacionales que va en contra de la comedia. En 2018, todavía era posible reírse del enconado abismo entre los estados rojo y azul. Después de cuatro años de maquinaria de Trump que promueve el odio, a nadie le divierte. Eso hace que la controladora reina del PTA, la Sra. Greene (Kerry Washington) sea una furiosa colapsante, ya que decide cancelar el baile de graduación de la escuela secundaria en lugar de permitir que Emma (Jo Ellen Pellman) traiga una cita del mismo sexo. Cuando el director de la escuela progresista Tom Hawkins (Keegan-Michael Key) obtiene el respaldo de la oficina del Fiscal del Estado para realizar una fiesta de graduación inclusiva, la Sra. Greene usa medios más deshonestos para eludir ese mandato, infligiendo la máxima crueldad a Emma.

"Esto no es Estados Unidos, esto es Indiana", dice la cruzada conservadora moralista. "Se trata de que un gran gobierno nos quite la libertad de elección". Dado que las mujeres negras han sido la columna vertebral del Partido Demócrata durante generaciones, el papel de Washington, cuyo fuerte no es la comedia, es lo más asombroso de la película. Nuestra antipatía por el personaje está prácticamente sellada una vez que se revela desde el principio que la hija de la Sra. Greene, Alyssa (Ariana DeBose), es la novia secreta de Emma, ​​que planea salir del closet en el baile de graduación. De modo que el inevitable cambio de actitud de la Sra. Greene, cuando finalmente antepone sus sentimientos maternos a su política, juega como un final feliz mecánico más que como un desarrollo basado en el personaje.

El toque de Murphy es evidente desde el principio cuando W45th Street en el distrito de los teatros de Manhattan se convierte en un deslumbrante tumulto de letreros LED que ponen a Las Vegas a la sombra. Dee Dee y su coprotagonista Barry Glickman (James Corden) están celebrando la noche de apertura de su bio-musical ¡Eleanor Roosevelt, Eleanor! cuando una crítica fulminante en The New York Times convierte el afterparty en un velorio. Su publicista, Sheldon (Kevin Chamberlin), les informa que el crítico tiene un punto: "No es la obra. Son ustedes dos. Simplemente no son agradables. A nadie le gustan los narcisistas".

Dee Dee y Barry, que pensaron que tenían que idear una causa que les ayudara a reformar su imagen empañada, se pusieron de acuerdo con Trent (Andrew Rannells), un actor desempleado obligado a atender un bar, y Angie (Nicole Kidman). una bailarina de coro que ha estado esperando 20 años para continuar como Roxie en Chicago. Con la difícil situación de Emma en el baile de graduación en Twitter, abordan un autobús turístico Godspell no sindicalizado y se dirigen al estado de Indiana decididos a cambiar vidas.

El mejor número de la película encapsula el choque cultural de los condescendientes liberales de la Costa Este que emergen de su burbuja para iluminar los caminos ciegos de los pandilleros del corazón, mientras Dee Dee aplasta una acalorada reunión cantando "It's Not About Me". La broma es que, por supuesto, de eso se trata exactamente. El showtopper con temática de tango contiene algunas de las letras más divertidas de Beguelin, con Dee Dee ilustrando cómo la cosmovisión del teatro está completamente formada por su experiencia en el escenario. Streep es constantemente hilarante.

Las primeras chispas de un interés amoroso poco probable entre Dee Dee y el devoto fanático de Broadway, Tom, surgen en este punto, junto con la tímida inquietud de Emma por ser empujada a la primera línea del activismo LGBTQ. Pellman es encantadora en el papel, formando una pareja adorable con DeBose. Pero entre el diseñador de producción Jamie Walker McCall que bombardeó la escuela secundaria en brillantes tonos de colores dulces y Lou Eyrich que le dio a Emma una serie de opciones de estilo andrógino y moderno en la vestimenta, difícilmente parece una extraña. El personaje fue expulsado de su casa a los 16 años cuando se lo contó a sus padres, pero la incorporación de una abuela solidaria y de mente abierta (Mary Kay Place) contribuye a reducir las apuestas de que Emma encuentre su voz.

La trama está más o menos inactiva con una tensión mínima a través de la sección media distendida de la película. Además de que hay muchas subtramas que seguir, es difícil reconocer la verdadera trama principal. Barry y Angie se turnan para asesorar a Emma, ​​y ​​Trent hace alarde de sus credenciales de Juilliard con un horrendo himno de aceptación que se derrumba como un pedazo de plomo en un rally de camiones monstruo. También hay una pequeña fricción entre Dee Dee y Tom cuando descubre que la principal motivación de los oportunistas neoyorquinos era la publicidad.

Ver a estos actores ejercitar sus habilidades musicales brinda un disfrute esporádico, incluso si el elenco nunca es coherente como conjunto. Corden, cuyo rango limitado se vuelve más evidente con cada papel en la pantalla, se debate entre esforzarse demasiado y no lo suficiente como Barry. Quizás consciente del potencial para un actor heterosexual que interpreta un gay estereotipado en llamas, Corden canaliza los gestos sin la alegría. Es una actuación plana sin mucho corazón, incluso cuando aparece Tracey Ullman para reparar puentes como la madre separada de Barry. Y Corden es demasiado joven para ser contemporáneo de Dee Dee. Este es un papel que clama por Nathan Lane.

Rannells lo hace mejor a pesar de que su personaje desaparece durante gran parte de la acción. Él reaparece con "Love Thy Neighbor", uno de los dos números optimistas consecutivos en un centro comercial que parece más un centro comercial de una gran ciudad que parte de una ciudad de provincias donde Kmart es la mejor opción de moda. Key es simpático como siempre, en la medida en que lo permite jugar al hombre heterosexual literal. Y Kidman aporta una dulzura y un humor chiflado discreto a la corista que lucha por mantenerse en el juego y mantener su bebida diurna bajo control. Sin embargo, su gran canción, "Zazz", está diseñada para un motor más consumado de la escuela Fosse, algo que ningún efecto visual puede disfrazar.

Murphy está de regreso en el territorio de Glee aquí, para bien o para mal, lo que significa que los números a menudo se esfuerzan por la exuberancia: la coreografía del director de escena Casey Nicholaw se vuelve grande y atlética cada vez que surge la oportunidad, y las voces tienden a la uniformidad. Solo cerca del final, cuando Emma toma el control de su narrativa en la canción "Unruly Heart", a la que se le da un tratamiento relativamente íntimo si ignoras su cama levitando y girando, la sinceridad detrás del esfuerzo lo hace realmente conmovedor.

A diferencia de Everybody's Talking About Jamie, un éxito en el escenario de Londres con una trama similar que también se proyectó en la pantalla, los personajes jóvenes aquí juegan un papel secundario frente a los intrusos que buscan el centro de atención. En cualquier caso, hay algo que decir sobre el amplio alcance de una función de Netflix que defiende los derechos de los adolescentes LGBTQ, compartiendo un mensaje que es fácil de respaldar incluso si la entrega tiende a ser desagradable por largos momentos.

Crítica Cinéfila: The Boys in the Band

Un grupo de homosexuales se reúne en un apartamento de Nueva York para celebrar el cumpleaños de un amigo. Cuando transcurren las horas, después de beber y de subir el volumen de la música, la velada comienza a exponer las fisuras que existen entre su amistad y el dolor auto-infligido que amenaza con hacer trizas su concepto de la solidaridad. 

Se han escrito volúmenes sobre cómo las relaciones heterosexuales en obras de dramaturgo homosexuales a menudo eran relaciones gays "codificadas". Mart Crowley rompió con todo eso inspirándose en parte por una diatriba del New York Times del crítico Stanley Kauffman, quien desafió a los dramaturgos a escribir directamente sobre sí mismos. Crowley hizo precisamente eso y elaboró ​​un psicodrama de juego de la verdad sobre un grupo de reinas del drama que se reúnen en un apartamento de Greenwich Village para una fiesta de cumpleaños, y al final de una larga noche de copas todo termina en un conflicto interno contra ellos mismos.

“The Boys in the Band” fue una buena obra para su época, pero no resistió la prueba del tiempo. La segunda etapa de la obra llegó en 1970, cuando se hizo una película de Hollywood, y en ese momento el espíritu de liberación gay estaba cambiando rápidamente la temperatura cultural de la vida homosexual. El abrumador odio hacia sí mismos que parecían compartir los personajes de Crowley, casi ninguno de ellos creía que merecieran amor, de repente parecía una reliquia tremendamente desactualizada de una época más represiva.

La tercera etapa comenzó alrededor de finales de los 70, momento en el que la obra había pasado de estar fechada a casi patológicamente anticuada. Los personajes, con sus antiguas referencias a las divas del cine y las rivalidades de los dardos venenosos, habían llegado a parecer exhibiciones en algún museo subterráneo macabro de un campamento superior, en parte porque una generación de dramaturgos homosexuales y orgullosos estaban ahora de pie en la obra de Mart Crowley.

Luego, en 2018, llegó la cuarta etapa sorpresa: la obra se revivió en Broadway para su 50 aniversario, y se exhibió, ingeniosamente, como una pieza de época, menos un retrato de la vida gay que un retrato de cómo una vez se retrató la vida gay. Y en ese nivel era rico, verdadero y fascinante; de una manera divertida, algunas de las cosas más anticuadas eran ahora las más reveladoras.

La nueva versión de Netflix de "The Boys in the Band" presenta el mismo elenco que el resurgimiento, liderado por Jim Parsons y Zachary Quinto, así como el mismo director (Joe Mantello), con Ryan Murphy una vez más al frente en el equipo de productores. ¿Por qué es esta la quinta etapa? Visto en casa en la era de COVID, "The Boys in the Band" ahora parece un San Valentín irónico de nostalgia a los días en que sentarse en un apartamento de Nueva York con amigos, incluso cuando tienen las ganas de pelear, se siente como uno de las momentos más placenteros del mundo.

El apartamento pertenece a Michael (Parsons), un comprador personal que prefiere las bufandas de Hermès y un semi-peinado. Dado que es el Village, su lugar es bastante grande, un dúplex con una escalera de caracol y una terraza en el techo. El espacioso set está lleno de baratijas gay de finales de los 60, y Mantello lo usa para que la acción fluya. Pero la acción es principalmente de Michael y sus amigos tratando de superarse el uno al otro con frases de te-leo-mejor-que-tú-me-lees que se vuelven más mezquinas y penetrantes a medida que avanza la noche.

Michael ha tenido su parte de aventuras sexuales, la mayor parte mientras viajaba, pero es un católico lleno de culpa que no puede reconciliar las partes divididas de sí mismo. Durante mucho tiempo justificó sus actividades con el síndrome de "¡estaba borracho anoche!"; ahora, está tratando de mantenerse sobrio y puro. Pero está sentado en un polvorín de sentimientos no resueltos, y el perfecto para desencadenarlo es Harold, el neurótico cumpleañero, interpretado por Zachary Quinto, y con su Jewfro oscuro corto, patillas, lentes polarizados, traje verde, camisa y corbata, botas de los 60, anillos en los dedos y actitud de sobra. Quinto interpreta a Harold creando su propio espacio drogado de perversidad, acariciando cada línea despiadada como si fuera terciopelo. Convierte líneas en deliciosas capas de pasteles de ironía y sarcasmo.

Mientras Michael y Harold se pelean, lo que hacen a pesar de que son viejos amigos, “The Boys in the Band” suena como un tiro. Pero los otros personajes se acercan más a ser complementarios de su batalla sinfín. Sin embargo, los actores se registran. Andrew Rannells, como el casualmente promiscuo Larry, y Tuc Watkins como su compañero mayor, Hank, juegan un dilema doméstico que se siente arquetípico pero, a su manera, lo suficientemente genuino. Y Michael Benjamin Washington hace del gregario Bernard, un alma gentil atrapada en opresiones gemelas: su sexualidad y su raza.

Una frase sobre el tema es la agonía de envejecer. Lo más anticuado de la obra de Crowley es que todos actúan como si llegar a los 35 años fuera equivalente a recibir un diagnóstico de cáncer terminal. Lo menos anticuado de la obra, de hecho, algo que aprecio más, es que los personajes prácticamente no hacen referencia a cómo el mundo exterior los oprime, pero eso es porque viven esa realidad con cada respiración. Su autocompasión y odio a sí mismos es una internalización de lo que la sociedad piensa de ellos y, al final, eso le da a las telenovelas un pequeño matiz de tragedia. Pero solo un matiz.

Lo que mantiene unida a la película, además de la mística geek de ensueño de Quinto y la entrega deliciosa de cada línea, es la pasión atormentada que Jim Parsons le aporta. A veces es como Paul Lynde, un artista agotado que se burla de sus invitados y de sí mismo. Pero Parsons, rebotando del placer a la rabia y viceversa, con ese acento de insolencia y ese ritmo tan perfecto que no solo cuenta un chiste, lo canta, nunca te deja olvidar el núcleo del niño herido que impulsa a Michael a dejar salir su mala racha. Puede volverse terriblemente cruel, pero es solo por lo mucho que le duele. Eso es cierto para todos en la obra. 

“The Boys in the Band” es un homenaje a cómo sonreír y cómo quejarse, aunque se te rompa el corazón. Hay muchos dramas que se ven diferentes con el tiempo, pero es el destino peculiar de esta innovadora obra de Mart Crowley en 1968: haber sido tan golpeada por los tiempos cambiantes que la obra sigue cambiando su identidad. 

Crítica Cinéfila: Ratched, 1ra Temporada

En los años 40, Mildred Ratched se traslada al norte de California para conseguir un trabajo en un hospital psiquiátrico pionero en la aplicación de nuevos e inquietantes experimentos con la mente humana.  

Como una inmersión profunda en el villano icónico de One Flew Over the Cuckoo's Nest, Ratched es un estudio desordenado pero ambicioso sobre la represión de poder sobre las minorías en una época donde estas eran desvalorizadas tan facilmente. Creado por Evan Romansky y Ryan Murphy, Ratched busca explicar quién era la enfermera Ratched mucho antes de que Louise Fletcher nos diera pesadillas. 

La serie tiene lugar en 1947, justo cuando la enfermera Ratched comienza a estafar, manipular y sobornar a un sinnúmero de personas para ingresar a un hospital psiquiátrico en el norte de California. El drama nunca parece establecerse sobre si esta mujer corrupta y excéntrica es la heroína o la villana de su propia historia, la agresora o la víctima. Pero hay una sola realidad que sí sabe admitir: ver a Sarah Paulson navegar esos extremos es escalofriantemente increíble. 

Cuando comienza el drama, no sigue a un monstruo completamente formado, sino a una mujer desesperada que se tambalea en el borde entre el bien y el mal. Aunque se infiltra en este hospital con una misión noble, lo hace como una fuerza de caos calculado. No es raro ver a Mildred Ratched provocar a los pacientes sin ninguna razón aparente o hacerse amiga de un compañero de trabajo en un minuto, apuñalarles la espalda al siguiente y luego ofrecerles una mano falsa y amistosa para ayudarlos a salir del peligro que ella causó. Estas inconsistencias trabajan juntas para hacer que la enfermera Ratched sea más aterradora en su imprevisibilidad. Es una mujer que no tiene un plan, sino un vago esquema que uno debe digerir episodio tras episodio para poder entender las verdaderas intenciones de cada frase helante que tira sin que nadie se la espere; sin embargo, eso no le impedirá hacer todo lo que crea conveniente para lograr sus metas a medio formar. Desafortunadamente para el jefe del hospital de Jon Jon Briones, el Dr. Richard Hanover, eso a menudo incluye homicidios y suicidios múltiples.

Estos momentos están muy lejos de la guardiana metódica y aterradora que más tarde gobernaría el Hospital Estatal de Oregon. Sin embargo, estos episodios de inestabilidad en toda la serie se hacen eco de la mente inestable de la propia enfermera Ratched. De la forma en que Ratched lo presenta, la represión forzada de Mildred alimenta cada una de sus acciones desagradables. Su amor secreto por las mujeres hace que sea especialmente cruel con una paciente homosexual y use a uno de sus vecinos del motel como una especie de terapia impulsada por el sexo. Su miedo a la vulnerabilidad le enseña a ser distante y fría con su vida personal mientras saca los secretos más íntimos de todos los que la rodean. Y luego está el icónico y obsesivo amor por el orden del personaje. Cada acción horrible se remonta a los propios demonios de Mildred, pero eso no hace que sus acciones sean más perdonables.

Donde realmente brilla Ratched es a través de su estilizado amor por el gore. Como la temporada de Asylum de American Horror Story, pero con un presupuesto mayor, cada escena se presenta como una magnífica colección de terror. Los actos que producen náuseas, como las lobotomías en pacientes vivos, la ebullición de personas vivas mediante hidroterapia y la mutilación gráfica, se relatan en tomas perfectamente compuestas. Es casi imposible ver la serie sin una mezcla inquietante de repulsión y asombro.

Louise Fletcher fue la perfecta Ratched para la película, pero Sarah Paulson es increiblemente necesaria para ver sus orígenes, pues le da ese toque humano que quizás estuvo muy ausente en su presentación en pantalla grande. Paulson le da razón a su actitud de ser y base a sus fríos motivos. Presenta ese oscuro pasado que era importante tener claro en Ratched y conocer cada una de las cicatrices que dejó a su paso, resultando no solo en las debilidades de una villana impresionante, sino también generando ese censo de terror donde sus mentiras se convierten en palabras de fé y sus miedos se convierten en lágrimas de inspiración.

Las grandes bellezas de esta serie se balancea entre dos aspectos: la inteligencia narrativa detrás de sus personajes, enfocándose en los personajes femeninos como las antiheroínas de la historia y los masculinos cómo los villanos victimizados de cada episodio; y la dirección de arte emocional y controladora, donde no solo denota ese arduo trabajo de diseño de producción tanto en el retrato de la época como en la ambientación de cada escenario, sino también en el uso constante de los colores para mostrar las intenciones enterradas de cada personaje, sobretodo de los protagonistas de la trama. Un aspecto interesante dentro de la misma dirección de arte es el mismo uso del tono verdoso para representar los momentos más fuertes de un personaje, los tonos amarillos para resaltar elegancia y los tonos rojizos para identificar los más débiles.

Si el mundo fuera diferente y aceptara más, toda la energía y dolor de personas como Ratched podría haber sido utilizado para crear algo positivo. En cambio, se desperdició en la creación de métodos de dolor nuevos y elaborados. En última instancia, sabemos que ese es el mismo camino inquietante que tomará Mildred Ratched en subsiguientes temporadas pues la realidad es tal cual, por más terror que genere. Esta es una mujer que acudirá a los pacientes de drogas y los despojará de las necesidades básicas a su antojo, creando un entorno hostil donde las personas a las que se supone que debe ayudar verán más beneficios en atacarse entre sí que en cuestionarla. La enfermera Ratched es y siempre será un monstruo. Pero tan divertido como es ver su reinado de terror, es igualmente importante notar las fallas sociales e institucionales que cimentaron este camino retorcido para ella.

Detrás de la magia de "Hollywood": Personajes basados en artistas reales

En su nueva serie limitada en Netflix, Ryan Murphy cuenta la historia de Hollywood. O por lo menos algo así.

En una versión más de revisión, el productor ejecutivo se enfoca en la trama de un Hollywood que podría haber sido. Murphy y su equipo de colaboradores, incluyendo a Janet Mock e Ian Brennan, exploran a Tinseltown reinventado, centrando personajes extraños, personajes de color y mujeres, así como personajes que se sientan en las intersecciones de los años 50. Esto es Hollywood.

En el centro de la narrativa de ocho episodios de Hollywood hay un puñado de personajes extraños. Aquí veamos a algunos de ellos y a las personas reales por las que se inspiraron:

Rock Hudson

Interpretado por Jake Picking, Rock Hudson fue uno de los hombres principales en Hollywood durante su tiempo. Aunque era casi omnipresente, su sexualidad era solo algo conocido por aquellos en la industria hasta su muerte. Hudson fue la primera gran celebridad en Hollywood en morir de complicaciones relacionadas con el VIH SIDA.

En "Hollywood", Hudson está al comienzo de su carrera. Se encuentra con su agente Henry Wilson, quien lo acosa en el armario y lo ayuda a calmar los rumores sobre su sexualidad. Mientras está en el programa para permitirle explorar su sexualidad, en la vida real se casó con Phyllis Gates en una unión que duró tres años.

Henry Wilson

Henry Wilson, un corredor de poder en Hollywood, era un administrador de talentos. Mantuvo un grupo de los mejores actores de Hollywood en su lista y ayudó a dar forma a sus personajes, empujándolos a ser las fortalezas de la masculinidad. Como se reveló en la serie, esto probablemente fue el resultado de la homofobia internalizada de Wilson.

Es probable que el papel sea el más malvado de Jim Parsons hasta ahora. En la serie, el guión juega con los rumores generalizados de que Wilson era un depredador sexual, obligando a los que firmó a realizar actos sexuales. Lo hizo mientras los empujaba a alturas incalculables en sus carreras. Si bien la historia y las fuerzas invisibles se representan principalmente como los antagonistas en el programa, Wilson aparece como la única encarnación de estas fuerzas. 

Anna May Wong

La industria clasifica a Anna May Wong como la primera estrella de cine chino-estadounidense de Hollywood. Ella era un ícono de la moda, una vez llamada la Mujer mejor vestida del mundo, cuyo legado perdura hasta el día de hoy. Pero no se trataba solo de películas, Wong era una estrella del escenario, la radio e incluso la televisión. En 1951 se convirtió en la primera protagonista asiático-estadounidense de un espectáculo estadounidense. Hubo rumores de que era bisexual y que la estrella nunca se casó, sino que tuvo relaciones públicas con hombres.

Michelle Krusiec interpreta a May Wong en "Hollywood". Si bien la vemos luchando contra los estereotipos en los que fue elegida en el escenario, así como su extraordinaria capacidad de actuación, su sexualidad no se explora. Dicho esto, Murphy la consideraba bisexual. "Anna May Wong, Rock Hudson y Hattie McDaniel estaban en la comunidad LGBTQ. Rock era gay y Anna May y Hattie eran bisexuales. Pensé que sería interesante darles el final feliz que merecían".

Hattie McDaniel

Aunque el papel de Hattie McDaniel en "Hollywood" es pequeño, se destaca como una madre por las historias del programa. Se convirtió en la primera persona de color en ganar un Oscar en 1940 por su papel de Mammy en Gone With the Wind. Pasó a hacer historia muchas veces y la mayoría de los historiadores están de acuerdo en que vivió su vida privada como una mujer bisexual.

Nuestra primera introducción al McDaniel de Queen Latifah la muestra, recién salida de un trío con un hombre y una mujer. Aunque eso puede parecer un poco tosco para algunos, se convierte en mentora de uno de los personajes principales de la serie, impartiendo consejos fundamentales que todos podemos seguir usando hoy.

Tallulah Bankhead

Aunque es otro personaje que no tiene el papel más importante en "Hollywood", también se rumoreaba que Tallulah Bankhead era bisexual. Mantuvo una carrera, principalmente en el escenario, pero también apareció en el bote salvavidas de Alfred Hitchcock: en 1972 fue incluida en el American Theater Hall of Fame. En su vida personal, la gente la ha conectado con McDaniel, así como con Libby Holman, Marlene Dietrich, Greta Garbo y más. Estas relaciones secretas con estas mujeres se unieron a los matrimonios con Larry Williams, James Lloyd Crawford, Howard Hickman y George Langford. 

En la serie la conocemos, interpretada por Paget Brewster, divirtiéndose un poco con el hedonismo en una fiesta nocturna y luego comprometiéndose con McDaniel.

Ernie

Mientras se llamaba Ernie en la serie, el hombre que supuestamente inspiró a este y proporcionó escoltas a Tinseltown fue Scotty Bowers. Al igual que Ernie, Bowers era indiscriminado y reclutó a personas que él conocía para ayudar. Si bien Bowers no era dueño de su estación de servicio, sí ayudaba en las fiestas, operando como camarero de alquiler con algo extra.  Bowers murió a la edad de 96 años el año pasado.

Archie

Aunque Jeremy Pope tiene un papel bastante impresionante como el guionista negro y gay que toma el trabajo como acompañante para llegar a fin de mes, no se sabe en quien su personaje se basa específicamente. En cambio, parece estar basado en lo que un hombre negro gay, podría tener que hacer para llegar a Holywood: empujar contra las palomas, participar en el trabajo sexual, encontrarse a merced de los demás. Sin duda, hay toques de Langston Hughes y Oscar Micheaux en el personaje, este último conocido como el primer director negro de los Estados Unidos, pero también hay una gran ayuda de otros. 

Richard "Dick" Samuels

Dick Samuels, como Archie, no se basa en ninguna persona en particular, sino que fue una amalgama de varias figuras detrás de escena. Sin embargo, en una entrevista con Entertainment Weekly, Murphy dijo que Samuels contiene partes de Irving Thalberg dentro de él. Thalberg fue un productor de cine llamado "Boy Wonder", ya que fue capaz de identificar y crear éxitos cinematográficos masivos a una edad temprana. La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas incluso otorga un premio en su nombre, el Premio Irving G. Thalberg Memorial, periódicamente a los productores que constantemente producen películas de alta calidad.

Crítica Cinéfila: Hollywood

Ambientada en los años 40, la miniserie cuenta la historia de un grupo de aspirantes a actores y cineastas que buscan alcanzar la fama en Tinseltown cueste lo que cueste. 

Sin importar cuál es el arte que sigue, Hollywood será siempre la ciudad soñada de los artistas que llegan allí, aún más cuando se quieren introducir al mundo del entretenimiento. Desde el aumento de producciones cinematográficas en la ciudad de Los Angeles, muchos artistas llegan a Tinseltown (como también se le llama a Hollywood refiriéndose al brillo irreal que transmite la industria del cine) tratando de conseguir asociarse a grandes producciones que les puedan traer fama, riquezas y las codiciadas estatuillas. 

Hollywood, la nueva miniserie producida por Ryan Murphy y la plataforma Netflix, transmite no solo esa magia brillante que se encuentra en la famosa ciudad, sino también los sacrificios por los que debe pasar todo artista para llegar a donde quiere. La historia toma lugar después de la Segunda Guerra Mundial, en medio del racismo y homofobia que aún se vivía en la cultura estadounidense.  Mientras muchos veteranos buscaban integrarse a labores comunes, Jack Castello (David Corenswet) quiere convertirse en actor de cine, sin imaginarse el costo moral que tendrá hacia su familia y consigo mismo. 

Del mismo modo, Raymond Ainsley (Darren Chris) es un director filipino que finalmente es seleccionado para hacer su debut con una película comercial en el gran Ace Studios; su esposa Camille Washington (Laura Harrier), una actriz negra que está bajo contrato entre las actrices que entrena el estudio, junto a la hija del dueño, Claire Wood (Samara Weaving), compiten por conseguir el papel principal. Por otro lado seguimos la historia de Archie Coleman (Jeremy Pope) un escritor negro y gay que, a pesar de tener un guión escogido por Ace Studios para producción, debe mantener trabajos de solicitación en una estación de gas y allí conoce al recién llegado actor Roy Fitzgerald (Jake Picking) luego conocido como Rock Hudson después de que su agente decide cambiarle el nombre para uno más artístico.

La serie se enfoca en los puntos de vista de estos personajes más otros secundarios en posiciones de producción como el de Dick Samuels (Joe Mantello) como el productor ejecutivo de la nueva película, Ellen Kincaid (Holland Taylor) otra productora ejecutiva y mentora de aspirantes actores, Henry Wilson (Jim Parsons) como un agente abusivo de sus clientes, y Avis Amberg (Patti LuPone) como la esposa del dueño del estudio y quien se tiene que hacer cargo de este cuando su esposo cae en cama por un infarto. Esto le permite a la serie no solo explorar las experiencias de jóvenes talentos recién llegados a la ciudad, sino también unos ya establecidos con anécdotas para reflexionar de lo mucho que se lucha cuando se llega allí.

A simple vista, y por tratarse de actores de teatro, el punto débil de "Hollywood" parece ser las actuaciones casi hiperbólicas que simplemente nos recuerdan el origen de muchos de estos actores y actrices; sin embargo y dado que se trata de actores de por sí, simplemente retratan como muchos ya son: llevando el artitismo hasta en el día a día. El que más acentúa esto ni siquiera se trata de Corenswet, sino Dylan McDermott como Ernie West, el dueño de la estación de gas donde Archie y Jack iniciaron sus trabajos de solicitación para poder sobrevivir en la ciudad de estrellas. Aquí se recuerda que Ryan Murphy vuelve a reciclar muchos de sus actores favoritos de las series que ha producido, pero la verdad es que se encargan de asegurarnos por qué son los ideales para estas interpretaciones. 

Algo que se resalta mucho en todos los episodios de esta serie son las injusticias y los prejuicios en cuanto a raza, género y sexo que todavía hoy en día continúan. 'Hollywood' analiza y traslada a la pantalla las dinámicas de poder de la industria cinematográfica de hace décadas y muestra cómo sería el mundo del entretenimiento si estas dinámicas hubieran desaparecido. No solo se enfoca en cómo muchos actores luchan a diario y pasan por humillaciones y abusos para poder llegar a un papel principal, sino que también como los mismos que están arriba guardan secretos que debido a los mismos perjuicios y restricciones de la industria deben callárselos y despedir a quien sea necesario para poder sacar adelante una película.

Otro punto importante son la imagen que recrean de los procesos de producción, dando un vistazo interno de cómo funcionan los preparativos de una película, desde la misma selección ardua y recelosa de los actores principales hasta los cortes finales del filme y cómo tantas personas tienen que ver en este. Entre la musicalización, la producción de diseño y el vestuario se encargan de transportarnos a una era distinta, añadiéndole los uuuhs y ahhhs de sobreactuación que tanto sabía tener esa época en sus películas.

Hollywood puede, en algunas escenas, parecer demasiado arqueada, como si fuese un cosplay: de los actores más jóvenes, Pope y Corenswet son los dos que evocan de manera más convincente el período. E incluso su versión revisionista de esa época omite algunos pasos necesarios. Por ejemplo, todos se preocupan mucho por lo controvertido que será para una película como esta protagonizar a un actor de color, sin embargo, a nadie le preocupa la relación interracial en el centro de la historia de la película. Pero hay que admitir que eso no era lo que quería llegar Murphy con esta serie. Para él, lo más importante era mostrar lo que pudo haber sido Hollywood si otros hubiesen estado a cargo, y cómo el futuro de muchas celebridades del momento pudo haber tenido un giro mucho más distinto.

Murphy siempre ha sido mejor en las grandes ideas que en los pequeños detalles, y el sentimentalismo de la pieza, junto con la potencialidad de muchas de las actuaciones, después de un tiempo se vuelven contagiosas, lo que hace que los puntos débiles de Hollywood sean fáciles de perdonar. Al final se vuelve demasiado autocomplaciente por su propio bien, incluso si sus intenciones son admirables. Se habla a lo largo de la serie sobre cómo las películas tienen el poder de convertir los sueños en realidad. Pero de eso mismo se trata, porque lo único que te quiere dar es un final feliz, así como los que la misma industria se empeña tanto en vender desde el inicio de sus tiempos.