Crítica Cinéfila: Supergirl

Tomando como referencia la reciente miniserie escrita por Tom King, esta película promete una visión diferente de lo que la mayoría piensa cuando le viene a la mente la prima de Superman. 'Veremos la diferencia entre Superman, que fue enviado a la Tierra y criado por unos padres cariñosos desde que era un bebé, y Supergirl, criada en una roca, una astilla de Krypton, y que vio morir y ser asesinados de formas terribles a todos los que la rodeaban durante los primeros 14 años de su vida para luego venir a la Tierra. Ella es mucho más dura y no es la Supergirl a la que estamos acostumbrados'.

¿Oscuro y crudo? Ya se ha hecho. ¿Sombrío e indecente? Eso es relativamente nuevo. Tal es la sorpresa tonal de "Supergirl" de Craig Gillespie, una entrega que se suma al creciente —y renovado— universo de DC Studios y que, afortunadamente, no se siente atada a las aventuras (y películas) que siguen a primo Superman (David Corenswet, quien aparece a lo largo de esta entrega como un personaje secundario).

Los fans de "Superman" de James Gunn ya tienen una idea de lo que le espera a Kara (Milly Alcock), la prima sarcástica de Superman, que apareció al final de su última película, borracha y furiosa. En su primera película en solitario, se la ve disfrutando al máximo (más o menos) en planetas lejanos. ¿Tiene un sol rojo? Ahí es donde quiere ir, porque allí sus poderes kryptonianos no funcionan y puede emborracharse de verdad. Y Kara, aunque aparentemente "celebra" su cumpleaños, en realidad solo busca un poco de olvido.

No hace falta conocer los detalles exactos de su vida —aunque el guion de Ana Nogueira los revelará mediante un flashback conmovedor a mitad de la película— para intuir por qué Kara está tan triste. Al fin y al cabo, ella y Clark son los últimos supervivientes de un planeta muerto (bombardeado, destruido, aniquilado), y aunque la infancia y la adolescencia de Kara transcurrieron de forma diferente a las de Clark, ambos comparten un profundo sentimiento de pérdida. Sin embargo, Kara también carga con mucha rabia, y si intenta ahogarla, eso da una buena pista de lo que le atormenta. Pero ella es buena persona, aunque ser buena persona puede ser muy difícil.

No ayuda que el último deseo de la madre moribunda de Kara fuera precisamente ese: que sea buena. No educada, ni fácil, ni suave. Eso ha demostrado ser una tarea ardua, pero cuando una huérfana valiente (una niña recién convertida en huérfana, como vemos en una secuencia estremecedora que deja claro que aquí va a haber un verdadero derramamiento de sangre) irrumpe en el bar remoto donde Kara y su fiel cachorro Krypto se están emborrachando, anunciando su plan para acabar con el asaltante intergaláctico que mató a toda su familia, Kara no puede evitarlo. La misión de Ruthye (Eve Ridley) no despierta nada en Kara de inmediato, pero sí enciende una chispa.

Y cuando Krem de las Colinas Amarillas, interpretado por Schoenaerts, inyecta a Krypto un veneno mortal (el antídoto cuelga literalmente del cuello del villano) y se lleva la nave espacial de Kara (y, por lo tanto, prácticamente todo lo que posee, incluido su traje de Supergirl), la chispa se enciende por completo. Mientras Kara y Ruthye se embarcan en un viaje vertiginoso a través de un universo bastante desagradable, el ADN de "Mad Max" de la película se hace presente. Desde los bandidos amantes del metal y con sus armaduras hasta su afición por los vehículos tuneados y su aterrorizada camarilla de "novias" robadas, "Supergirl" se parece mucho más a "Fury Road" que a "Guardians of the Galaxy".

Aun así, algunas cosas resultan familiares, como las secuencias de acción de la película, que se apoyan en la velocidad de Kara mientras los demás parecen lentos. Gillespie, al igual que Gunn, es un experto en seleccionar canciones, y la peculiar selección musical que salpica la película puede interpretarse como algo quisquilloso (una versión acústica de "The Middle") o genuinamente inspirador (como "Silver Lining" de Rilo Kiley). Sin embargo, los escenarios sí se sienten diferentes, en particular la sórdida ciudad moribunda en la que Kara y Ruthye persiguen a Krem (como un "Blade Runner" destrozado) y la extensión desolada a la que los salvajes bandidos las arrastran (con el sol verde casi aniquilando a Kara).

A pesar de la naturaleza relativamente modesta de la misión de las chicas —una venganza profundamente personal y la búsqueda de un antídoto para el veneno de su perro—, "Supergirl" no puede escapar de otros clichés del género de superhéroes. Es decir, ¿les interesaría conocer a otro querido personaje de cómic ? Por suerte, la única estrella de DC que aparece en esta es Lobo, interpretado por el favorito de los fans, Jason Momoa, y está completamente loco. Claro, ayuda a las chicas en momentos oportunos y siempre parece estar cerca cuando necesitan más potencia de fuego, pero también está totalmente chiflado y es propenso a irse literalmente hacia el atardecer en su supermotocicleta espacial. 

Pero lo que distingue a "Supergirl" —y lo que, lamentablemente, podría alejar a los fans que buscan algo similar— es su interés por mantener un enfoque íntimo mientras plantea preguntas trascendentales. La aventura de Kara y Ruthye rara vez es divertida, llevándolas a menudo a los rincones más oscuros del universo y sus numerosos habitantes. Por una vez, el universo no está en juego, pero eso no significa que no haya consecuencias reales. Alcock, encargada de interpretar a un personaje que podría resultar antipático para algunos, encuentra tanto la dimensión humana como el carisma extraordinario necesarios para que valga la pena apoyar a Kara.

Mientras Kara lucha con su deseo fundamental de salvar a Krypto (el único pedazo de hogar que siente que le queda, una afirmación desgarradora), inevitablemente tiene que lidiar con salvar algo mucho más nebuloso: el alma de Ruthye y, eventualmente, la suya propia. Este tipo de preocupaciones siempre están presentes de forma sutil en las historias de superhéroes —suelen encajar perfectamente bajo el lema de "¿qué significa ser un superhéroe?"—, pero la película de Gillespie las aborda de manera más evidente. Esperamos que cualquier otra película independiente de "Supergirl" sea un poco más pop y "divertida" que esta primera (y esperamos que haya más), pero también esperamos que mantengan la pregunta crucial de esta: ¿Qué significa ser bueno ? No es fácil.

Crítica Cinéfila: Superman

En un mundo cínico que ha perdido la fe en la bondad, Superman lucha por reconciliar su herencia kryptoniana con su crianza humana en Smallville como Clark Kent. Mientras protege a la humanidad, encarna la verdad, la justicia y el estilo americano, desafiando una era que considera estos valores obsoletos. 

Las películas de cómics de James Gunn están llenas de humor irreverente y peculiares cambios de tono, pero en esencia residen en una sinceridad cautivadora y en la creencia en el poder de las personas para mejorar el mundo. Por eso, tiene sentido que el guionista y director de Guardianes de la Galaxia quisiera centrar su atención en el Hombre de Acero, el superhéroe más sincero y bondadoso de todos. El resultado es un personaje recargado e irregular que combina lo que resultaban sus atributos más admirables (tanto del personaje como del director) pero aquí se convierten en una película ambiciosa, a veces conmovedora, más extraña, nerviosa y reflexiva que la mayoría de las superproducciones.

Estrenándose el 11 de julio en todo el mundo, este lanzamiento de Warner Bros no es simplemente otro intento audaz de reiniciar la propiedad, que fue relanzada en "Man of Steel" de 2013 (670 millones de dólares), con Henry Cavill y, antes de eso, en "Superman Returns" de 2006 (391 millones de dólares), protagonizada por Brandon Routh. "Superman" también sirve como el primer capítulo en una nueva entrega del Universo DC del estudio que está siendo supervisado por Gunn y su socio productor Peter Safran. Claramente, mucho está en juego comercialmente, y el reinicio no cuenta con grandes nombres en el elenco, con el relativamente desconocido David Corenswet ahora interpretando al poderoso kriptoniano.

En esta versión de la historia, Superman (Corenswet) lleva tres años combatiendo el crimen en Metrópolis, convirtiéndose en una figura local venerada. Pero nadie sabe que también es Clark Kent, un reportero del Daily Planet que sale en secreto con su compañera de trabajo Lois Lane (Rachel Brosnahan), quien es la única que conoce su verdadera identidad. Sin embargo, este floreciente romance se ve interrumpido por la continua batalla de Superman con el multimillonario tecnológico Lex Luthor (un Nicholas Hoult, apropiadamente ególatra), quien no se detendrá ante nada para convencer al gobierno estadounidense de que este extraterrestre es una amenaza que debe ser erradicada.

Gunn tuvo un gran éxito con las tres películas de Guardianes , que recaudaron aproximadamente 2.500 millones de dólares en todo el mundo y celebraron a un adorable grupo de inadaptados que se convierten en una familia de facto. Con esa trilogía —y la infravalorada, sangrienta y vulgar "Suicide Squad" de 2021— Gunn logró aportar una sensibilidad de autor al cine de superhéroes, combinando un sentimiento sincero con un espectáculo magnífico y un impresionante sentido de lo bizarro.

Estas cualidades también aparecen en "Superman", pero a Gunn le falta la mano segura que trajo a esas películas anteriores. Parte del problema es que este reinicio arriesgado tiene una trama demasiado complicada que involucra un enfrentamiento mortal entre dos naciones ficticias, la belicista Boravia y la pacífica y superada en armamento Jarhanpur, y el plan de Luthor para desacreditar a Superman y poner al mundo en su contra. Además, Gunn presenta a varios superhéroes secundarios, incluido el arrogante Green Lantern (Nathan Fillion) y el irónicamente hilarante Mister Terrific (Edi Gathegi), quienes, inicialmente, desvían la atención de la historia de Superman, pero se vuelven cruciales para la narrativa central en los carretes finales. Al final, la atención de la película se aleja totalmente de Superman mientras que todos a su alrededor, hasta la mismísima Lois Lane, están tratando de salvar a Metrópolis.

Corenswet luce una modesta dulzura de niño como Superman, a quien Gunn imagina como un superhéroe modesto que carece de la infantilidad cautivadora que Christopher Reeve exudaba con cariño hace casi 50 años. Sin el carisma de Cavill en el papel, Corenswet interpreta al Hombre de Acero como un diligente luchador contra el crimen que quiere asegurarse de que ningún transeúnte salga herido durante sus épicas luchas. El recién llegado bajo el traje azul no es del todo cautivador, y los espectadores podrán entender por qué este Superman es algo que Metropolis da por sentado, es decir, hasta que atraviesa una serie de pruebas que desafiarán su imagen de sí mismo, para finalmente emerger como un héroe más seguro y asertivo. Para ello, Superman introduce un giro importante en los antecedentes del personaje, que no debería revelarse. Pero si bien la sorpresa es, al principio, manejada con torpeza, al final resulta bastante conmovedora. Gunn se especializa en marginados y fracasados y, de manera refrescante, encuentra una forma de ver a Superman a través de ese lente similar, pero aunque el director lo sabe manejar bastante bien, Corenswet no termina de llenar los zapatos del superhéroe.

El humor jocoso de la película es decididamente impredecible, y el énfasis en el revoltoso y adorable perro de Superman, Krypto, solo tiene resultados dispares. Pero donde otras películas de superhéroes parecen construidas por un comité, Superman lleva la huella de Gunn. Se puede apreciar en las extrañas y hermosas bestias que aparecen aleatoriamente, por no mencionar los magníficos estallidos de color de las imágenes y los psicodélicos mundos alternativos de la historia. Pero, lo más importante, se percibe en la inversión de Gunn en la bondad de Superman, que se convierte en un grito de guerra para los más cínicos que lo rodean, como la encantadora pero infrautilizada Lois Lane de Brosnahan.

Reeve sigue siendo el Superman por excelencia y Cavill seguirá siendo el rostro de toda una nueva generación; Corenswet ofrece al público una versión simpática y hasta ahí. Y además de los defectos de la película, él y Gunn tratan de humanizar al Hombre de Acero, sin negar la inquebrantable decencia y heroísmo que lo han mantenido en la memoria colectiva. Al final resulta una película que seguro entretendrá a los grandes fanáticos de su estilo cinematográfico, pero que no se convertirá en la referencia de superhéroe que quisiera llegar a ser.

Crítica Cinéfila: Pearl

Atrapada en la granja aislada de su familia, Pearl debe atender a su padre enfermo bajo la amarga y dominante vigilancia de su devota madre, deseando una vida glamorosa como la que ha visto en las películas. Precuela de 'X' (2022) centrada en los orígenes del personaje de Pearl (Mia Goth).

La perversamente entretenida X de Ti West, lanzada a principios de este año, colocó a un pequeño elenco y equipo de una producción porno de bajo presupuesto de Los Ángeles de la década de 1970 al territorio de la Masacre de Texas, y luego desató un mal insospechado sobre ellos. Su película dentro de una película duplicó la diversión de la explotación mientras subvirtió las normas de la sexualidad femenina, anulando la mirada masculina y resucitando ese retroceso más lujurioso, la agonía ninfómana trastornada. Rebobinando seis décadas, Pearl aviva más sueños de estrellato solo para desmantelarlos sin piedad, lo que significa que alguien va a pagar con sangre.

Si la serie de muertes se atan a la imaginación y carece de un verdadero factor de susto, los estilos retro de la precuela son una delicia. Los colores saturados de las imágenes del director de fotografía Eliot Rockett prácticamente saltan de la pantalla y los grandes sonidos de la banda sonora orquestal de la vieja escuela de Tyler Bates y Tim Williams señalan un gran drama y peligro desde el principio. La fuente del título vintage y el uso inventivo de los filtros y la disolución en las transiciones de escena completan la ilusión de los años 20.

Después de hacer el doble deber en X como la aspirante a reina del porno Maxine y Pearl, la esposa siniestra del agricultor todavía anhela verse a sí misma como un objeto de deseo en la pantalla de plata en su mente, Mia Goth regresa al personaje principal aquí en 1918, una época en la que su inocencia está empezando a desmoronarse. Su actuación tiene una calidad de Shelley Duvall, tanto emocionada como asustada por los impulsos que la superan.

Goth coescribió el guion con West mientras estaban en cuarentena por COVID en Nueva Zelanda para el rodaje de X, filmando a Pearl consecutivamente en los mismos sets y lugares. Incluso cuando la escritura y el ritmo se tambalean, como en su monólogo exagerado sobre la aplastante comprensión de Pearl de que sus sueños podrían permanecer incumplidos casi detiene a la película de sus pistas al final de la acción, el compromiso de Goth con la energía loca, más grande que la vida y los giros arquetípicos del papel, sigue siendo dominante.

Pearl está anhelando a su marido Howard (Alistair Sewell), luchando en la guerra mientras la mortal epidemia de gripe española atraviesa el mundo. Vive en la granja bajo el gobierno represivo de su madre inmigrante alemana estrictamente religiosa Ruth (Tandi Wright), ayudando a cuidar a su padre enfermo (Mathew Sunderland), que se volvió mudo e inmóvil por su condición. Pero el estado deprimente de su vida no impide que Pearl gire alrededor de su dormitorio, soñando con convertirse en bailarina para las películas.

"Soy especial", dice, reflejando la certeza de Maxine en la película anterior de que tenía el "factor X". "Algún día todo el mundo sabrá mi nombre". Esa creencia en sí misma es burlada por la amargada Ruth, que predice que está condenada al fracaso. También observa los extraños rasgos de su hija, tal vez notando cuando los animales de granja desaparecen para ser alimentados por Pearl al caimán que vive en el lago.

Sumergiéndome en el sulfato de morfina de su padre para aliviar sus frustraciones, Pearl escapa cuando puede al cine local, donde el apuesto proyeccionista (David Corenswet) se interesa por ella, alentando sus ambiciones de mundo del espectáculo. Al principio, sigue siendo fiel a su marido ausente, resolviendo su calentura en un espantapájaros del campo de maíz. Pero cuando el proyeccionista muestra a Pearl una película de "arte" europea picante (el cine erótico de aquella época), la tensión sexual entre ellos ya está en el aire. Ella confía en él sobre estar atrapada con sus padres: "Si tan solo murieran".

Es una apuesta segura en una película de Ti West que Pearl cumplirá su deseo, aunque tomará un tiempo agonizante y no serán las únicas víctimas, ya que fija todas sus esperanzas de estrellato en una próxima audición para un tour de baile regional, que se realizará en una iglesia local.

Ruth, mientras tanto, duplica las restricciones cuando percibe la oscuridad dentro de su hija. "La malevolencia está ensuciándote", le dice a Pearl. "Puedo verlo, y no dejaré que vuelvas a salir de esta granja". Esas son malas noticias para todos, incluida la alegre cuñada de Pearl (Emma Jenkins-Purro), que se escabulle a la audición de baile con ella.

Goth es excelente para revelar los hilos unidos que apenas mantienen a Pearl en la cordura a medida que se desenredan constantemente y su sanidad comienza a deslizarse, lo que la hace más temerosa de sus propias capacidades. "Me falta algo que el resto del mundo tiene", murmura con una voz temblorosa, mientras planea su escape de la granja, sus elaboradas fantasías y su realidad cada vez más indistinguibles.

West y Goth hacen un uso inteligente del campo del escenario, pero es escalofriante cuando Pearl comienza a destrozar todo a su alrededor y su pobre padre solo puede verlo en un silencio aterrorizado. Y es un testimonio de la colisión de dulce y siniestro en la actuación de Goth que sintamos su angustia cuando la audición va hacia en su contra, empujándola al límite.

A medida que la acción se desmorona salvajemente, Pearl se convierte tanto en un agente del caos como en una figura trágica, una vengativa Dorothy a la que se le negó el acceso al arcoiris. El rojo intenso del papel pintado del pasillo de la granja palpita positivamente, mientras que el lechón horneado dejado en el porche por Ruth en su negativa a la caridad se convierte en una colmena apilada de gusanos.

Es difícil saber qué harán los fanáticos del terror hardcore con esto, dado que es principalmente un riff sobre los arquetipos tradicionales de "imagen de las mujeres" con un ligero condimento de acción espeluznante, en lugar de lo contrario. Pero como una producción pandémica inteligentemente empaquetada con ecos narrativos de esa ansiedad global, es al menos algo fresco. Un retrato espantoso de otra joven hambrienta de una vida mayor que el destino que se le ha entregado, es una divertida pieza de compañía de X.

Crítica Cinéfila: Look Both Ways

En la víspera de su graduación de la universidad, la vida de Natalie se bifurca en dos realidades paralelas: en una de ellas, queda embarazada y debe enfrentar los desafíos de ser una madre joven en su Texas natal; en la otra, se muda a Los Ángeles para emprender su carrera profesional. A lo largo de ambas vivencias en la flor de sus veinte años, Natalie experimenta el amor transformador, la devastadora desilusión y se redescubre a sí misma.

En "Look Both Ways" del director Wanuri Kahiu, una mujer de 20 años se enfrenta a una situación fundamental que divide su vida en dos, y finalmente aterriza ambas versiones de sí misma en una encrucijada. La película mezcla las presunciones de "Sliding Doors" y "For Keeps", evitando la fantasía o el melodrama en favor de la autenticidad y ligereza fundamentadas. Ahora... si bien el corazón del cineasta está en el lugar correcto con sus sentimientos resonantes sobre asumir riesgos y abrazar el destino, su ejecución de los conceptos básicos narrativos resultan planos.

Natalie (Lili Reinhart) parecería la típica americana con el privilegio de blanca, pero su realidad es otra. La futura graduada universitario tiene un plan de cinco años para el éxito. O al menos pensó que sí. Ella no tuvo en cuenta el sexo espontáneo que ella y su amigo Gabe (Danny Ramirez) tuvieron después de las finales, lo que la deja vomitando y haciéndose una prueba de embarazo en una fiesta de graduación ruidosa. En los breves minutos que se tarda en obtener los resultados, imagina que su vida se dividiera en dos, con una versión de sí misma persiguiendo su plan bien concebido y la otra criando a su bebé concebido inadvertidamente.

En una línea de tiempo, Natalie establece el rumbo a Los Ángeles con su mejor amiga Cara (Aisha Dee) para lograr sus ambiciones profesionales en el mundo cinematográfico de la animación. Conoce al talentoso y galán Jake (David Corenswet), que trabaja para la empresa dirigida por la ídola profesional de Natalie, la diseñadora de personajes Lucy (Nia Long). Y a través del estímulo y los consejos de este nuevo novio, Natalie logra ser contratada como su asistente.

En el otro universo paralelo, Natalie descubre que está embarazada, vuelve a casa con sus padres (Luke Wilson y Andrea Savage) y tiene al bebé con Gabe, aunque rechaza su propuesta de matrimonio. Aplaza sus sueños de dibujar y renuncia a sus amistades a instancias de la maternidad. Se producen complicaciones en ambas vías, que culminan en un resultado predecible.

Aunque Natalie experimenta un crecimiento y se le otorgan arcos completos aunque imperfectos, en ambas líneas de tiempo, Kahiu y la guionista April Prosser pierden los objetivos e incluso las transformaciones de los demás personajes, sobre todo algunos tan interesantes como el de Cara. Problemas como su insatisfacción con su trabajo y su amistad con Natalie se resuelven poco, al igual que la relación romántica positiva de Cara con una nueva novia. Sus conflictos conectivos se apresuran y se les da una onda de mano cuando la emoción ganada podría infundirse fácilmente. Tal como está, la imagen podría soportar un tiempo de ejecución más ajustado a medida que el segundo acto se hunde, revolcándose en los episodios de estrés, dolor y contratiempos del protagonista.

Los viajes de Gabe y Jake están llenos de artificios y comodidades que hacen un favor fino a sus personajes considerando sus roles como influencias saludables y de apoyo en Natalie. Nunca hay ningún sentido de disputa genuina entre Gabe y Natalie que no implique su relación romántica y no se muestre ninguna dificultad (financiera o lo que sea) entre ellos criando a su hija. Una explosión de pañales no produce adversidad. Natalie es la típica mujer comprometida pero estereotipada; en lugar de aceptar sus problemas y las ayudas que le quieren dar, no se ayuda ni hace que la característica se sienta feminista. Ambas pistas de la historia sugieren que la felicidad de Natalie depende esencialmente de que un hombre regrese a su vida para completar su sueño y enseñarle que estará bien sin importar la vida que lleve, una lección que se siente hasta machista.

Si bien la característica flaquea narrativamente, obtiene calificaciones más fuertes por sus méritos técnicos. Kahiu y sus colaboradores dan a cada línea de tiempo su propia identidad visual. El director de fotografía Alan Caudillo y el diseñador de producción Keith Brian Burns contrastan los mundos de Natalie, arraigando su entorno en tonos cálidos al atardecer en Los Ángeles y una paleta azul-gris más fresca en Austin. El diseñador de vestuario Colin Wilkes también demarca qué Natalie se transforma junto a su armario: rosa y púrpura en SoCal, azules pasteles en Texas. La sutil partitura de sintetizador de Drum & Lace e Ian Hultquist aumenta el estado de ánimo y se utiliza magistralmente para resaltar los fundamentos emocionales en las escenas, añadiendo carácter.

El rendimiento principal de Reinhart es tierno y significativo. Se adapta ágilmente a los tonos claros y oscuros del material con matices y vulnerabilidad. Tiene una fuerte presencia en la pantalla, ya sea sola o emparejada con actrices multifacéticas como Long y Savage. A Long le da profundidad y dimensión lo que sería un papel genérico e ingrato en las manos de cualquier otra persona, así como una sensación de flotabilidad. Savage combina un ingenio alegre y una sabiduría conmovedora en su breve tiempo frente a la pantalla, impartiendo consuelo y un ligero repunte cómico.

Reservar la película usando dos versiones auditivamente diversas de la canción pop de Fun "We Are Young" es una forma inteligente de reflejar a nuestras dos heroínas y devolver a la audiencia al lugar donde comenzó el viaje narrativo. Las nociones dentro de la canción están apropiadamente idealizadas y, en última instancia, alegres. Sin embargo, le falta algo que enganche realmente esa emoción y conexión con el mensaje final.

Crítica Cinéfila: Hollywood

Ambientada en los años 40, la miniserie cuenta la historia de un grupo de aspirantes a actores y cineastas que buscan alcanzar la fama en Tinseltown cueste lo que cueste. 

Sin importar cuál es el arte que sigue, Hollywood será siempre la ciudad soñada de los artistas que llegan allí, aún más cuando se quieren introducir al mundo del entretenimiento. Desde el aumento de producciones cinematográficas en la ciudad de Los Angeles, muchos artistas llegan a Tinseltown (como también se le llama a Hollywood refiriéndose al brillo irreal que transmite la industria del cine) tratando de conseguir asociarse a grandes producciones que les puedan traer fama, riquezas y las codiciadas estatuillas. 

Hollywood, la nueva miniserie producida por Ryan Murphy y la plataforma Netflix, transmite no solo esa magia brillante que se encuentra en la famosa ciudad, sino también los sacrificios por los que debe pasar todo artista para llegar a donde quiere. La historia toma lugar después de la Segunda Guerra Mundial, en medio del racismo y homofobia que aún se vivía en la cultura estadounidense.  Mientras muchos veteranos buscaban integrarse a labores comunes, Jack Castello (David Corenswet) quiere convertirse en actor de cine, sin imaginarse el costo moral que tendrá hacia su familia y consigo mismo. 

Del mismo modo, Raymond Ainsley (Darren Chris) es un director filipino que finalmente es seleccionado para hacer su debut con una película comercial en el gran Ace Studios; su esposa Camille Washington (Laura Harrier), una actriz negra que está bajo contrato entre las actrices que entrena el estudio, junto a la hija del dueño, Claire Wood (Samara Weaving), compiten por conseguir el papel principal. Por otro lado seguimos la historia de Archie Coleman (Jeremy Pope) un escritor negro y gay que, a pesar de tener un guión escogido por Ace Studios para producción, debe mantener trabajos de solicitación en una estación de gas y allí conoce al recién llegado actor Roy Fitzgerald (Jake Picking) luego conocido como Rock Hudson después de que su agente decide cambiarle el nombre para uno más artístico.

La serie se enfoca en los puntos de vista de estos personajes más otros secundarios en posiciones de producción como el de Dick Samuels (Joe Mantello) como el productor ejecutivo de la nueva película, Ellen Kincaid (Holland Taylor) otra productora ejecutiva y mentora de aspirantes actores, Henry Wilson (Jim Parsons) como un agente abusivo de sus clientes, y Avis Amberg (Patti LuPone) como la esposa del dueño del estudio y quien se tiene que hacer cargo de este cuando su esposo cae en cama por un infarto. Esto le permite a la serie no solo explorar las experiencias de jóvenes talentos recién llegados a la ciudad, sino también unos ya establecidos con anécdotas para reflexionar de lo mucho que se lucha cuando se llega allí.

A simple vista, y por tratarse de actores de teatro, el punto débil de "Hollywood" parece ser las actuaciones casi hiperbólicas que simplemente nos recuerdan el origen de muchos de estos actores y actrices; sin embargo y dado que se trata de actores de por sí, simplemente retratan como muchos ya son: llevando el artitismo hasta en el día a día. El que más acentúa esto ni siquiera se trata de Corenswet, sino Dylan McDermott como Ernie West, el dueño de la estación de gas donde Archie y Jack iniciaron sus trabajos de solicitación para poder sobrevivir en la ciudad de estrellas. Aquí se recuerda que Ryan Murphy vuelve a reciclar muchos de sus actores favoritos de las series que ha producido, pero la verdad es que se encargan de asegurarnos por qué son los ideales para estas interpretaciones. 

Algo que se resalta mucho en todos los episodios de esta serie son las injusticias y los prejuicios en cuanto a raza, género y sexo que todavía hoy en día continúan. 'Hollywood' analiza y traslada a la pantalla las dinámicas de poder de la industria cinematográfica de hace décadas y muestra cómo sería el mundo del entretenimiento si estas dinámicas hubieran desaparecido. No solo se enfoca en cómo muchos actores luchan a diario y pasan por humillaciones y abusos para poder llegar a un papel principal, sino que también como los mismos que están arriba guardan secretos que debido a los mismos perjuicios y restricciones de la industria deben callárselos y despedir a quien sea necesario para poder sacar adelante una película.

Otro punto importante son la imagen que recrean de los procesos de producción, dando un vistazo interno de cómo funcionan los preparativos de una película, desde la misma selección ardua y recelosa de los actores principales hasta los cortes finales del filme y cómo tantas personas tienen que ver en este. Entre la musicalización, la producción de diseño y el vestuario se encargan de transportarnos a una era distinta, añadiéndole los uuuhs y ahhhs de sobreactuación que tanto sabía tener esa época en sus películas.

Hollywood puede, en algunas escenas, parecer demasiado arqueada, como si fuese un cosplay: de los actores más jóvenes, Pope y Corenswet son los dos que evocan de manera más convincente el período. E incluso su versión revisionista de esa época omite algunos pasos necesarios. Por ejemplo, todos se preocupan mucho por lo controvertido que será para una película como esta protagonizar a un actor de color, sin embargo, a nadie le preocupa la relación interracial en el centro de la historia de la película. Pero hay que admitir que eso no era lo que quería llegar Murphy con esta serie. Para él, lo más importante era mostrar lo que pudo haber sido Hollywood si otros hubiesen estado a cargo, y cómo el futuro de muchas celebridades del momento pudo haber tenido un giro mucho más distinto.

Murphy siempre ha sido mejor en las grandes ideas que en los pequeños detalles, y el sentimentalismo de la pieza, junto con la potencialidad de muchas de las actuaciones, después de un tiempo se vuelven contagiosas, lo que hace que los puntos débiles de Hollywood sean fáciles de perdonar. Al final se vuelve demasiado autocomplaciente por su propio bien, incluso si sus intenciones son admirables. Se habla a lo largo de la serie sobre cómo las películas tienen el poder de convertir los sueños en realidad. Pero de eso mismo se trata, porque lo único que te quiere dar es un final feliz, así como los que la misma industria se empeña tanto en vender desde el inicio de sus tiempos.