Crítica Cinéfila: In a Violent Nature

Un grupo de jóvenes se lleva un medallón de una torre de vigilancia contra incendios derrumbada en el bosque. Lo que desconocen es que esta sepulta el cadáver podrido de Johnny, un espíritu vengativo impulsado por un horrible crimen ocurrido hace 60 años. Y una vez se llevan el medallón, su cuerpo resucita con el único propósito de recuperarlo. El no-muerto acecha al grupo de adolescentes de vacaciones responsables del robo y en su misión de recuperar el medallón procede a masacrarlos uno tras otro, junto con cualquiera que se interponga en su camino.

Las películas de terror suelen quedar atrapadas entre momentos espeluznantes debido a la débil trama y a los personajes acartonados que se supone que aportan integridad estructural a su contenido impactante. “In a Violent Nature” evita esos errores al eludir casi por completo las sutilezas habituales de la narrativa y los detalles psicológicos. Hay una historia de fondo explicativa (aunque fragmentada), pero por lo demás, la primera película del guionista y director Chris Nash aborda el tema sangriento habitual con una especie de pureza minimalista, gracias a que se centra casi por completo en el punto de vista del mismísimo asesino. 

Es una táctica que fácilmente podría volverse monótona. Sin embargo, esta película independiente canadiense logra mantenernos interesados, provocando en el espectador un cierto temor y, en ocasiones, incluso una cierta empatía.

Al principio (y de nuevo durante un tramo de pánico al final) parece que volvemos al territorio de "The Blair Witch Project", cuando unos excursionistas fuera de cámara hurgan en las ruinas de una torre de vigilancia de incendios forestales. Uno de ellos espía un collar colgado de una tubería, que se guarda en el bolsillo antes de irse. Nuestra sospecha de que quitar este talismán podría ser una mala idea pronto da sus frutos, ya que inmediatamente el suelo se mueve y la figura de un hombre cubierto de tierra emerge. Se dirige a una casa decrépita en el límite de estos parques (en la que una vez vivió la entidad, según deducimos por un momento fantasioso), donde un cazador furtivo local tiene la desgracia de estar. 

Esta primera muerte no es gráfica, pero esa moderación no durará mucho. Esa noche, el ghoul se siente atraído por una fogata afuera de una cabaña, y nos presenta a siete jóvenes que se alojan allí. Uno de ellos (Sam Roulston) cuenta la leyenda local de la "Masacre de White Pine", en la que unos leñadores se metieron con el hijo "mentalmente discapacitado" del dueño de una tienda. Sus bromas llevaron inadvertidamente a la muerte del niño (al caerse de la mencionada torre de vigilancia contra incendios) seguida de la misteriosa matanza de los hombres (más tarde, en el presente, un guardabosques interpretado por Reece Presley desarrolla esta historia un poco más). 

No hace falta decir que nuestro mudo e implacable agresor (Ry Barrett) es ese Johnny agraviado que vuelve a la vida vengativa, causando graves daños corporales a todo aquel que encuentra. Al irrumpir en una estación de guardabosques, adquiere herramientas oxidadas de valor histórico convertido en homicida de vitrinas. El caos posterior es vívido, por decir lo menos. La inclinación de Nash por los planos largos y sostenidos abarca algunos golpes de transición fluida entre un actor visiblemente intacto y un resultado espantoso. 

Naturalmente, hay una chica final (Andrea Pavlovic). Pero como estamos casi completamente centrados en la perspectiva del asesino no muerto (principalmente desde una posición de cámara móvil detrás de él mientras se arrastra por el bosque), estas víctimas, frecuentemente petulantes y discutidoras, nunca requieren mucha dimensionalidad. Su eventual comprensión de que algo está muy mal ocurre principalmente fuera de la pantalla, y el diálogo se escucha brevemente en los momentos antes de que se enfrenten al peligro letal.

Aparte de los fragmentos de historia hablada antes mencionados, el único interludio verbal prolongado proviene de Lauren Taylor, en una aparición tardía como una buena samaritana pasajera. Su monólogo va más allá en términos de arriesgarse a disipar la atmósfera espeluznante. Aun así, en última instancia, el estado de ánimo de amenaza se mantiene lo suficiente como para un desvanecimiento inquietante.

Utilizando una relación de aspecto casi cuadrada, el director de fotografía Pierce Derks hace que los parajes naturales del norte de Ontario sean encantadores y siniestros a la vez, con suficiente variedad en las tácticas visuales para que la película nunca se quede estancada en la rutina estilística de la cámara en primera persona. La ausencia total de música original (se escucha algo de música incidental de radios) acentúa principalmente la tensión. 

“In a Violent Nature” no es exactamente la película de terror más aterradora de la historia; no tiene mucho humor ni complejidad. Sin embargo, su enfoque simplificado de una trama familiar tiene una particularidad impresionante y seguramente complacerá a los fanáticos que siempre están dispuestos a ver una nueva película de terror distinta al resto. 

Crítica Cinéfila: MaXXXine

Maxine, superviviente de los sangrientos incidentes de X, continúa su viaje hacia la fama para ser actriz en el Los Ángeles de la década de 1980.

MaXXXine, un glorioso himno a la sensualidad escabrosa y el exceso sangriento del "sexploitation" y el terror de los años 80, completa la trilogía de Ti West de exhibiciones estelares para su intrépida musa Mia Goth con una nota deliciosa. Al igual que sus predecesoras, "X" y "Pearl", se trata de una alegre inmersión en los tropos del cine retro con una vívida evocación de la época, esta vez con un reparto secundario de lujo. Como dice la cineasta británica fría como Elizabeth Debicki que le da a Maxine Minx la oportunidad de saltar del estrellato del porno a una carrera más legítima sobre su proyecto de largometraje: "Es una película B con ideas A". Esto se aplica igualmente a la última película psicosexual de West. Si bien nunca descuida el derramamiento de sangre y las vísceras derramadas del terror slasher de manual, cada una de las tres películas distintivas pero cohesivas (el guionista y director no ha descartado una cuarta) funciona como un homenaje cariñoso a la estética cinematográfica de una era en particular.

"X", ambientada en el país de La Masacre de Texas con un aire oscuro y sucio a grindhouse, cuenta la historia de un equipo de filmación amateur que filma una película porno en una casa rural a fines de los años 70, hasta que sus marchitos anfitriones de Holy Roller se enteran de lo que está sucediendo en el granero. "Pearl" retrocedió en el tiempo hasta 1918 para conocer la historia de fondo de la esposa del granjero, cuando la juventud y la belleza estaban de su lado y sus sueños de estrellato aún estaban intactos, mezclando el estilo exuberante de un melodrama de mediados de siglo con el de los musicales en Technicolor.

Goth cumplió una doble función en "X", interpretando a Maxine, la novia y estrella del director de películas para adultos, y a la bruja homicida Pearl. En la siguiente película, se metió en la piel de la joven Pearl, que se irritaba bajo las restricciones de su madre opresiva mientras anhelaba la fama y descubría su voraz libido. En un momento memorable, se sube a un espantapájaros para divertirse sexualmente, una escena típica de la inclinación de West por los guiños, dado que la obra porno de "X" se titulaba "The Farmer's Daughter".

La nueva entrega, ambientada en 1985, retoma la historia de Maxine, una mujer de unos 30 años que está en la cima como una auténtica estrella del floreciente mercado del porno en vídeo y que se pasea por Hollywood en un descapotable con matrícula de vanidad “MaXXXine”, aunque todavía tiene que complementar su trabajo en el cine para adultos con un espectáculo erótico. Tomó como base el caso de un asesino en serie apodado "the Night Stalker" que aterrorizaba Los Ángeles, atacando a mujeres jóvenes. Pero Maxine insiste en que puede cuidar de sí misma, lo que demuestra dándole una dolorosa lección a los testículos de un asaltante que le apunta con un cuchillo vestido de Buster Keaton (Zachary Mooren). 

Los asesinatos de Night Stalker han avivado las llamas de los cruzados de los valores familiares que protestan contra la violencia y la obscenidad que inundan el mercado del entretenimiento, y West (que también editó) enfatiza ese clima de histeria moral al incluir un clip rápido del líder de Twisted Sister, Dee Snider, llegando a testificar ante un comité del Senado en oposición a la censura de la industria musical.

El atractivo de la celebridad y la intersección pegajosa entre lo carnal y lo espiritual han sido una corriente subyacente que recorre la trilogía. Es lógico que la película casera en blanco y negro que sirve de prólogo a MaXXXine (en la que una niña baila mientras su padre predicador, fuera de cámara, le asegura que será la estrella de su iglesia) tenga ecos espantosos de la actualidad. “No aceptaré una vida que no merezco”, dice la niña, repitiendo obedientemente el credo de su padre. 

La película propiamente dicha comienza mientras observamos desde el interior de un estudio de sonido a oscuras cómo Maxine abre las puertas y entra con confianza bajo una cascada voluminosa de cabello, en un top de mezclilla con escote halter y jeans a juego con botas de tacón de aguja. Lee para el papel principal en "The Puritan 2", un thriller de posesión demoníaca que la ambiciosa directora Liz Bender (Debicki) pretende que sea su trampolín desde los videos desagradables a los proyectos convencionales. Maxine también lo ve como su vehículo de transición. Naturalmente, clava la audición, burlándose alegremente de la fila de rubias afuera diciéndoles que están perdiendo el tiempo. Liz exige el compromiso total de Maxine, pero eso resulta un desafío cuando siguen apareciendo distracciones no deseadas, y entre ellas, los destellos de recuerdos traumáticos del pasado.

Dos de sus amigas del mundo del porno, Amber (Chloe Farnworth) y Tabby (Halsey), son vistas por última vez cuando se dirigen a una fiesta en Hollywood Hills, organizada por un misterioso productor. Maxine recibe una grabación anónima en video de una violencia perturbadora, y dos detectives, Williams (Michelle Monaghan) y Torres (Bobby Cannavale), comienzan a presionarla para que comparta información mientras las víctimas relacionadas con ella comienzan a multiplicarse.

Peor aún, el sórdido investigador privado de Louisiana John Labat (Kevin Bacon) se convierte en una molestia, actuando como mediador para un cliente misterioso que inicialmente solo se ve como un par de manos apretadas con guantes de cuero negro. El abogado de Maxine, Teddy (Giancarlo Esposito), demuestra ser útil para lidiar con las plagas, lo que resulta en una de las muertes más espectaculares de la trilogía. Pero la valentía de Maxine finalmente la lleva a una situación donde se enfrenta cara a cara con su pasado.

La sensibilidad de West para el tiempo y el lugar es impecable, desde la sordidez vulgar y llamativa del Hollywood Boulevard de aquella época, con su variedad de punks, fenómenos e imitadores de famosos, hasta el “pánico satánico” de fuego y azufre del demente clímax. Hay humor en el uso de lugares famosos, desde una acción estratégica que se desarrolla alrededor del cartel de Hollywood hasta un estreno llamativo en el Chinese Theater; desde la casa de Psicosis que todavía se encuentra en el backlot hasta una toma de la bota de Maxine apagando un cigarrillo en una estrella del Paseo de la Fama.

Cuando dos víctimas de asesinato aparecen en el cementerio Hollywood Forever, un policía informa a Williams y Torres: “Un par de homosexuales que rondaban la tumba de Judy Garland encontraron los cuerpos”. Ese es uno de los muchos diálogos que recuerdan a la época (aunque es históricamente incorrecto dado que los restos de Garland recién fueron trasladados allí en 2017). Las habilidades de West en el género se combinan con su preferencia por el aspecto y la sensación de las películas B de los años 80, una referencia inequívoca que, no obstante, trasciende el pastiche.

Cuenta con la inestimable ayuda del director de fotografía de la trilogía, Eliot Rockett, que consigue algunas secuencias fascinantes, sobre todo al principio, cuando Maxine sale de su coche y entra en un estudio pornográfico, sacando una dosis de cocaína de un tarro de galletas de gran capacidad mientras se prepara para rodar una escena de enfermera traviesa. Otra gran secuencia muestra a Liz y Maxine dando vueltas por el estudio en un carrito de golf, ofreciendo comentarios casuales sobre las líneas borrosas entre la realidad y la ilusión en Hollywood. La película cambia atmosféricamente entre la abrasadora luz del día y los sombríos paisajes nocturnos, marcados aquí y allá con luces de neón.

El hábil uso de cortinillas, pantalla dividida y cambios de relación de aspecto también evocan el estilo cinematográfico de la época, al igual que la sabrosa escenografía y el diseño de vestuario de Jason Kisvarday y Mari-An Ceo, respectivamente. Los nostálgicos devorarán los éxitos de la banda sonora, entre ellos los temas de ZZ Top, New Order, Judas Priest y Kim Carnes, junto con el indispensable ritmo synth-pop de “Obsession” de Animotion. Y la escalofriante banda sonora de Tyler Bates ayuda a aumentar el suspenso.

La película saca mucho partido de su reparto. Debicki es una mujer decidida, determinada a dejar su huella en un mundo que sigue siendo de hombres; Esposito, un agente sospechoso que protege paternalmente a su cliente; Monaghan y Cannavale establecen una dinámica vivaz entre los socios de la ley, con Williams como la inteligente y sensata, y el actor fracasado Torres como el más impetuoso; y Bacon le da un mordisco al sucio y sudoroso Labat con gusto y un gran acento N'Awlins, mientras bebe un Bloody Mary o un trago de una botella de Pepto Bismol.

Halsey es una buena Debi Mazar en su breve papel, mientras que Lily Collins es divertida como una trasplantada de un barrio residencial de North Yorkshire que tuvo su oportunidad en la primera película puritana, el músico y actor Moses Sumney tiene un atractivo relajado como el amigo de Maxine de la tienda de videos de abajo, y Simon Prast se destaca con un papel clave que es mejor mantener como una sorpresa.

En definitiva, por supuesto, este es el show de Mia Goth y los fans no lo cambiarían por nada. Es una presencia magnética que fortalece su autoridad como una nueva raza de reina del grito, lo suficientemente dura para repartir castigos y también para recibirlos.

En el espacio de tan solo dos años, la actriz y su director han preparado una trilogía de películas de terror sumamente entretenida que hace guiños al pasado mientras avanza hacia el metafuturo, ensartando deliciosamente la búsqueda de la fama y el atractivo del deseo con una visión subversiva de la cosificación femenina y una efusión de amor por el arte de hacer películas. Mientras Maxine se corta una raya de cocaína con su tarjeta de SAG, es posible que desees que no hayamos visto lo último de ella.

Crítica Cinéfila: The Strangers, Chapter 1

Durante una parada en un viaje por carretera, en una remota casa de alquiler en el bosque, una joven pareja se convierte en la presa de una misteriosa banda de tres extraños enmascarados que atacan sin previo aviso ni motivo.

En 2008, The Strangers aprovechó tan bien el miedo a la violencia aleatoria que recuperó su presupuesto nueve veces. La película muestra a una desventurada pareja que, mientras pasa la noche en un lugar desconocido, son víctimas de tres lunáticos enmascarados sin ningún motivo. Con "The Strangers: Chapter 1", el director Renny Harlin y los escritores Alan R. Cohen y Alan Freedland intentan renovar la franquicia; desafortunadamente, lo hacen con un cinismo palpable y un guión pintado por números que se inspira generosamente en su original. Repetir las mejores líneas y puntos de la trama de un clásico de culto no es lo mismo que rendir homenaje, y este supuesto preludio de los crímenes posteriores de Man in the Mask, Dollface y Pin-Up Girl solo arruina la premisa simple y siniestra de su predecesor.

El capítulo 1 sigue a Maya (Madelaine Petsch) y Ryan (Froy Gutiérrez), una pareja de Nueva York, ambos inmóvilmente hermosos y reacios a la autoconservación. En búsqueda de una parada de carretera hacen un desvío rural en su viaje a Portland en un pueblo llamado Venus, y debido a que el carro mágicamente no quiere volver a iniciar se hospedan en un Airbnb donde todos los lugareños los odian por ser urbanitas, vegetarianos o lo que sea. Después de algunos juegos previos rancios, los malos de la franquicia juegan al gato y al ratón con la pareja durante toda la noche. Parte del caos es original, pero la mayor parte (como deben estarlo nuestros idiotas protagonistas después de su larga y torpe experiencia) es cansona.

Estos problemas comienzan justo después de los títulos iniciales, cuando se nos informa que cada año ocurren 1,4 millones de crímenes violentos en Estados Unidos (¡No me digas!), es sorprendente cuanto reciclaje de material hicieron que esta es exactamente la misma cifra que aparece al comienzo de The Strangers y, alerta de spoiler, las tasas de delitos violentos han cambiado desde 2008. De hecho, han mejorado significativamente. Los realizadores pueden excusar este alarmismo diciendo que se supone que el Capítulo 1 es una precuela de The Strangers, pero no lo es. No puede serlo, a menos que los personajes de la película original hayan sido reconfigurados oficialmente como hipsters extraños que usan tecnología del futuro. ¡La trama gira en torno a la existencia de Airbnb!

Luego están los temibles lugareños, ¿o debería decir herméticos? Esta película es tan poco halagadora para los estadounidenses rurales que podría poner celosas a las películas de “explotación roja” de los años 1970. ¿Y para qué? Los invasores de hogares son la verdadera amenaza aquí y no están motivados por el resentimiento de clase. No están motivados por nada. Ese es el objetivo de la franquicia.

Dejando a un lado los mensajes sociales dudosos, "The Strangers: Chapter 1" es una película de terror meramente útil. Hay algunos momentos tensos y muchos sobresaltos, pero se ven socavados por un guión frustrante. Petsch, que también es productora ejecutiva, intenta hacer lo mejor que puede con su reina del grito, pero fracasa. No ayuda que esté interpretando a uno de los protagonistas de terror más estúpidos de los últimos tiempos. Si no soportas ver a la gente en las películas de terror seguir ruidos extraños o asomar la cabeza por los agujeros hechos con hacha en la pared, entonces realmente vas a odiar a Maya y Ryan.

Incluso si logras leer todos los escritos absurdos, no obtendrás mucha recompensa. Todo lo bueno está completamente extraído de la película original, hasta un extraño que pregunta si Tamara está en casa y desenrosca una de las luces del porche. Yo diría que "The Strangers: Chapter 1" recoge sus mejores partes de The Strangers como un asesino saqueando el cadáver de su propia víctima, pero eso podría implicar que hay algo remotamente interesante en este reinicio alucinante.

Aunque tiene clasificación R, se te perdonará si piensas que recibió una clasificación PG-13. Sólo hay un mínimo indicio de sexualidad, escaso uso de la bomba F y escasas gotas de sangre. Eso hace que esta fiesta de pijamas sea excelente, especialmente considerando que Petsch tuvo su gran oportunidad como Cheryl Blossom en "Riverdale". A los verdaderos fanáticos del terror y aquellos con edad suficiente para recordar la primera película: tengan cuidado.

Los defectos de esta película serían menos evidentes si no existiera la superior "The Strangers: Prey at Night". Lamentablemente para Harlin y sus amigos, la secuela de Johannes Roberts de 2018 de "The Strangers" saca este lío del agua, ofreciendo un escenario novedoso, protagonistas más dinámicos y una secuencia culminante ambientada con "Total Eclipse of the Heart". Con mucho gusto tomaría dos más de esa. En cambio, tenemos esto, y esta es la primera película de una trilogía protagonizada por Petsch. Unámonos con la esperanza de que solo podamos subir desde aquí.

"The Strangers: Chapter 1" puede asustarte si no tienes la edad suficiente para recordar "The Strangers", pero mientras que su predecesor fue sutil e interesante, el reinicio de Renny Harlin elige ser ridículo y aburrido. Si por algo destaca esta película es por lo estúpidos que son los personajes principales. Ya sea que represente un pequeño pueblo de Estados Unidos como un siniestro espectáculo de fenómenos o extraiga sus mejores momentos directamente del original, esta película se resiste activamente a la novedad. Si realmente necesitas ver a una pareja tímida huir del crimen aleatorio, mira la original.

Crítica Cinéfila: Pearl

Atrapada en la granja aislada de su familia, Pearl debe atender a su padre enfermo bajo la amarga y dominante vigilancia de su devota madre, deseando una vida glamorosa como la que ha visto en las películas. Precuela de 'X' (2022) centrada en los orígenes del personaje de Pearl (Mia Goth).

La perversamente entretenida X de Ti West, lanzada a principios de este año, colocó a un pequeño elenco y equipo de una producción porno de bajo presupuesto de Los Ángeles de la década de 1970 al territorio de la Masacre de Texas, y luego desató un mal insospechado sobre ellos. Su película dentro de una película duplicó la diversión de la explotación mientras subvirtió las normas de la sexualidad femenina, anulando la mirada masculina y resucitando ese retroceso más lujurioso, la agonía ninfómana trastornada. Rebobinando seis décadas, Pearl aviva más sueños de estrellato solo para desmantelarlos sin piedad, lo que significa que alguien va a pagar con sangre.

Si la serie de muertes se atan a la imaginación y carece de un verdadero factor de susto, los estilos retro de la precuela son una delicia. Los colores saturados de las imágenes del director de fotografía Eliot Rockett prácticamente saltan de la pantalla y los grandes sonidos de la banda sonora orquestal de la vieja escuela de Tyler Bates y Tim Williams señalan un gran drama y peligro desde el principio. La fuente del título vintage y el uso inventivo de los filtros y la disolución en las transiciones de escena completan la ilusión de los años 20.

Después de hacer el doble deber en X como la aspirante a reina del porno Maxine y Pearl, la esposa siniestra del agricultor todavía anhela verse a sí misma como un objeto de deseo en la pantalla de plata en su mente, Mia Goth regresa al personaje principal aquí en 1918, una época en la que su inocencia está empezando a desmoronarse. Su actuación tiene una calidad de Shelley Duvall, tanto emocionada como asustada por los impulsos que la superan.

Goth coescribió el guion con West mientras estaban en cuarentena por COVID en Nueva Zelanda para el rodaje de X, filmando a Pearl consecutivamente en los mismos sets y lugares. Incluso cuando la escritura y el ritmo se tambalean, como en su monólogo exagerado sobre la aplastante comprensión de Pearl de que sus sueños podrían permanecer incumplidos casi detiene a la película de sus pistas al final de la acción, el compromiso de Goth con la energía loca, más grande que la vida y los giros arquetípicos del papel, sigue siendo dominante.

Pearl está anhelando a su marido Howard (Alistair Sewell), luchando en la guerra mientras la mortal epidemia de gripe española atraviesa el mundo. Vive en la granja bajo el gobierno represivo de su madre inmigrante alemana estrictamente religiosa Ruth (Tandi Wright), ayudando a cuidar a su padre enfermo (Mathew Sunderland), que se volvió mudo e inmóvil por su condición. Pero el estado deprimente de su vida no impide que Pearl gire alrededor de su dormitorio, soñando con convertirse en bailarina para las películas.

"Soy especial", dice, reflejando la certeza de Maxine en la película anterior de que tenía el "factor X". "Algún día todo el mundo sabrá mi nombre". Esa creencia en sí misma es burlada por la amargada Ruth, que predice que está condenada al fracaso. También observa los extraños rasgos de su hija, tal vez notando cuando los animales de granja desaparecen para ser alimentados por Pearl al caimán que vive en el lago.

Sumergiéndome en el sulfato de morfina de su padre para aliviar sus frustraciones, Pearl escapa cuando puede al cine local, donde el apuesto proyeccionista (David Corenswet) se interesa por ella, alentando sus ambiciones de mundo del espectáculo. Al principio, sigue siendo fiel a su marido ausente, resolviendo su calentura en un espantapájaros del campo de maíz. Pero cuando el proyeccionista muestra a Pearl una película de "arte" europea picante (el cine erótico de aquella época), la tensión sexual entre ellos ya está en el aire. Ella confía en él sobre estar atrapada con sus padres: "Si tan solo murieran".

Es una apuesta segura en una película de Ti West que Pearl cumplirá su deseo, aunque tomará un tiempo agonizante y no serán las únicas víctimas, ya que fija todas sus esperanzas de estrellato en una próxima audición para un tour de baile regional, que se realizará en una iglesia local.

Ruth, mientras tanto, duplica las restricciones cuando percibe la oscuridad dentro de su hija. "La malevolencia está ensuciándote", le dice a Pearl. "Puedo verlo, y no dejaré que vuelvas a salir de esta granja". Esas son malas noticias para todos, incluida la alegre cuñada de Pearl (Emma Jenkins-Purro), que se escabulle a la audición de baile con ella.

Goth es excelente para revelar los hilos unidos que apenas mantienen a Pearl en la cordura a medida que se desenredan constantemente y su sanidad comienza a deslizarse, lo que la hace más temerosa de sus propias capacidades. "Me falta algo que el resto del mundo tiene", murmura con una voz temblorosa, mientras planea su escape de la granja, sus elaboradas fantasías y su realidad cada vez más indistinguibles.

West y Goth hacen un uso inteligente del campo del escenario, pero es escalofriante cuando Pearl comienza a destrozar todo a su alrededor y su pobre padre solo puede verlo en un silencio aterrorizado. Y es un testimonio de la colisión de dulce y siniestro en la actuación de Goth que sintamos su angustia cuando la audición va hacia en su contra, empujándola al límite.

A medida que la acción se desmorona salvajemente, Pearl se convierte tanto en un agente del caos como en una figura trágica, una vengativa Dorothy a la que se le negó el acceso al arcoiris. El rojo intenso del papel pintado del pasillo de la granja palpita positivamente, mientras que el lechón horneado dejado en el porche por Ruth en su negativa a la caridad se convierte en una colmena apilada de gusanos.

Es difícil saber qué harán los fanáticos del terror hardcore con esto, dado que es principalmente un riff sobre los arquetipos tradicionales de "imagen de las mujeres" con un ligero condimento de acción espeluznante, en lugar de lo contrario. Pero como una producción pandémica inteligentemente empaquetada con ecos narrativos de esa ansiedad global, es al menos algo fresco. Un retrato espantoso de otra joven hambrienta de una vida mayor que el destino que se le ha entregado, es una divertida pieza de compañía de X.

Crítica Cinéfila: Barbarian

Una joven que viaja a Detroit para una entrevista de trabajo alquila una casa para pernoctar. Pero cuando llega a altas horas de la noche, descubre que la casa está doblemente reservada y que un hombre extraño ya se está quedando allí. En contra de su buen juicio, decide pasar la noche allí, pero pronto descubre que hay mucho más que temer que un invitado inesperado.

Imagínese aparecer en un alquiler de Airbnb, solo para descubrir que otro huésped ya está allí. ¿Qué haría? ¿Regístrese de todos modos y espere lo mejor? ¿O tomar la confusión como una señal y largarse? En “Barbarian”, Tess (Georgina Campbell) toma la decisión equivocada. Ya es tarde y decide quedarse, a pesar de que el extraño que comparte la casa es interpretado por Bill Skarsgård (el actor que encarnó a Pennywise en el reciente remake de “It”). Para el público, este casting es una pista de que Tess tendrá una estadía aterradora. Pero igualmente sería un error pensar que la descubierto solo por el cast.

Para Tess, hay muchas otras señales de alerta en la forma en que se comporta su inesperado compañero de cuarto. ¿Debería realmente creer que reservaron dos veces el mismo lugar en un barrio abandonado de Detroit? ¿O hay otra razón por la que está allí? ¿Y si es una especie de violador o asesino serial? ¿Es la cerradura endeble de su dormitorio suficiente para protegerla en caso de que él se vuelva violento? Tess tiene ciertos instintos de supervivencia (es lo suficientemente inteligente como para rechazar un trago de una persona que supuestamente se llama "Keith"), y también tiene empatía, que se convertirá en una especie de característica definitoria más adelante, cuando las cosas se salgan de control y solo quieras que se vaya de la ciudad lo más rápido posible.

El guionista y director Zach Cregger asume que la audiencia ha visto "Psicosis" o, si no, que el trauma psíquico de esa película se ha filtrado en la cultura cinéfila lo suficiente como para que toda mujer del siglo XXI viaje lo suficientemente alerta para dudar de cualquier extraño dulce y aparentemente inofensivo que se encuentre en el camino. Al igual que ese clásico de Alfred Hitchcock, "Bárbaro" también se reinicia abruptamente después de un primer acto largo y engañoso. Ambientada en el casi abandonado distrito de Brightmoor de Detroit, esta introducción es deliciosamente incómoda y juega con los temores de que las mujeres no están seguras entre hombres desconocidos, pero no indica en absoluto hacia dónde se dirige la película. 

Sí, hay un monstruo al acecho en esta casa, pero no es este hombre y ningún hombre puede ayudar a Tess a derrotarlo. la sensación de pavor que crea el cineasta es en base al material del que están hechas las mejores películas de terror. Para el público femenino, esto corresponde a un miedo del mundo real de cómo no convertirse en una víctima más de #MeToo, y luego sorprende con un tipo de terror muy diferente.

Esa primera noche, Tess nota una puerta al final del pasillo que parece abrirse sola. Al día siguiente, en contra de su buen juicio, la abre para descubrir un siniestro sótano que no ha sido avisada por sus anfitriones. Abajo, hay pasillos, túneles y pasadizos secretos que probablemente es mejor dejar sin explorar, aunque eso no le impide investigar. A la vuelta de una esquina oscura, Tess descubre una especie de sala de detención, abandonada a excepción de un catre sucio, una cámara vieja y una huella de mano mugrienta en la pared. ¿Qué tipo de forraje de pesadilla sucedió aquí? Si sale con vida, ¿debería mencionar la cámara de tortura en su reseña de invitado?

Justo cuando el público comienza a sentirse apegado a Tess y Keith, Cregger corta abruptamente al propietario de la casa, AJ (Justin Long), un actor de Hollywood conduciendo por la costa de California. Mientras habla por teléfono con sus representantes, de repente se encuentra con lo que los hombres del siglo XXI parecen temer más: las acusaciones de conducta sexual inapropiada. Todo iba muy bien en su carrera, y ahora, más rápido de lo que se puede imaginar, todos sus proyectos están en espera. Incluso su gerente está cortando lazos. Cregger fue inteligente al reclutar a Long para ese papel, ya que el actor es muy simpático, pero también es el aparentemente muy simpático hombre blanco.

Por un tiempo, Cregger abandona la historia de Tess para concentrarse en la llegada de AJ. El cambio de tono de alguien que nos importa a esta herramienta es alarmante. Aquí, en lugar de preocuparse por lo que sucederá con el personaje, es posible que el público se encuentre deseando que suceda algo terrible. Cregger establece todo tipo de sentimientos complicados a medida que la creciente idiotez de AJ toma el lugar del acto de apertura más inteligente y sutil. Tenga la seguridad de que tiene toda la intención de pagar esas frustraciones, uniendo las dos historias a través de una tercera: un flashback al estilo de Brian De Palma ambientado décadas antes, en el que un depredador se aprovecha de las mujeres locales.

El instinto de Cregger para el suspenso es tan efectivo que es difícil creer que antes de “Barbarian”, el director trabajó principalmente en la comedia pero ya nos hemos topado con directores que han tenido la misma trayectoria. Lo que sí resulta atractivo es cómo este comediante desarrolla el tema del acoso y abuso desde tantos puntos de vista, y lo aterriza en un género de terror gore donde los personajes intercambian su rol, y algunos pasan de ser víctimas a depredadores. Las líneas de tiempo son fáciles de rastrear pues van creando la base para entender los motivos y las acciones de quienes se siguen en pantalla. 

Los cinco puntos del review van sobre todo para el Departamento de Arte quienes, bajo el mando de Peter Krumov, quienes no solo crearon un laberinto subterraneo dentro de la misma casa sino que crearon toda una atmósfera terrorífica en el distrito abandonado de Brightmoor, acompañado de la cinematografía de Zach Kuperstein. La película fue realizada en Bulgaria, Michigan y Malibú, haciendo que se convierte en un ejercicio malcomunado entre logística y creatividad para que todos los escenarios se sientan dentro de un mismo universo cinematográfico.

Por otra parte, un sentido del humor deliciosamente retorcido corre debajo de la superficie. De hecho, la imagen de alguien (o algo) corriendo bajo la superficie es una de las emociones más escandalosas de la película. El público puede estar esperando algo sobrenatural, pero aquí también, "Psicosis" parece ser el punto de referencia, ya que "Barbarian" genera conmoción sobre conmoción, brindando a los espectadores otra madre que no olvidarán pronto.

Crítica Cinéfila: Orphan First Kill

Lena (Isabelle Fuhrman) consigue escapar del psiquiátrico ruso en el que está recluida y viaja a EE.UU., haciéndose pasar por la hija desaparecida de una familia adinerada. Pero su nueva vida como Esther no será como ella esperaba, y se enfrentará a una madre que protegerá a su familia a cualquier precio.

Esther (Isabelle Fuhrman), la niña demonio del thriller de terror de 2009 "Orphan”, era una niña psicópata de 9 años que se vestía como una muñeca victoriana desaliñada y hablaba con acento ruso, lo que aumentó la apuesta por su malevolencia al hacerla parecer no solo una niña demonio, sino una niña demonio u que no era tan menor como aparentaba. Las películas sobre niños monstruosos se remontan mucho tiempo atrás con "The Bad Seed" de 1956, y después de "The Omen", "The Brood", "Ringu" y tantas otras, no hubo mucho. Quedaba espacio para que una película de terror pulp como “La huérfana” sorprendiera a la audiencia. Pero la película tenía un giro original: Esther, de hecho, no tenía 9 años, era una mujer de unos 30 años llamada Leena que tenía un raro trastorno hormonal que atrofiaba su desarrollo físico. La locura de "La huérfana" es que no era muy diferente de la película que hubiera sido si Esther simplemente hubiera sido9 años de edad. Si va a hacer que el concepto de terror de una mujer adulta en el cuerpo de un niño se mantenga, debe ejecutarse con psicología, imaginación y estilo, tres cosas que "Orphan" no tenía.

La mayoría de los críticos pensaron que era un fracaso de película, pero aún así se ha convertido en una película de culto. Así es como, 13 años después, llega "Orphan: First Kill", una precuela en la que Fuhrman, que solo tenía 11 años cuando se filmó la primera película, ahora es realmente una actriz adulta que finge ser un niña.

Tiene el mismo aspecto: las coletas atadas con una cinta, la gargantilla y la camisa con volantes del siglo XIX, y el adusto comportamiento eslavo, como si estuviera interpretando a Irina en una versión rota de "Tres hermanas". “First Kill” abre con su salida del centro psiquiátrico de Saarne en Estonia, donde descubre (a través del internet) y decide adoptar la imagen y la identidad de Esther, una niña perdida que es hija de Tricia y Allen Albright ( Julia Stiles y Rossif Sutherland). Esther desapareció hace cuatro años y nunca ha sido encontrada, se presume que fue secuestrada.

Los Albright son un clan adinerado que vuela en jets privados y vive en una mansión en la rica ciudad costera de Darien, Connecticut, donde Allen es un pintor de cierta estatura y Tricia es una socialité que trabaja en el circuito de caridad. Cuando aparece Esther, con un acento ruso que no tenía antes y una personalidad completamente diferente, se supone que sus años en cautiverio simplemente la cambiaron. Por un tiempo, la película parece extender el poder de la sugestión a un lugar de pura locura y ridiculez, dado a cualquier cambio en el temperamento que supuestamente haya sufrido Esther; no es como si los niños cambiaran tanto físicamente sólo porque son cuatro años mayores. La idea de que los Albright estaban tan consternados por la desaparición de Esther que están dispuestos a aceptar a esta "niña" con la mirada congelada como si fuera suya supera toda credibilidad.

Eso sí, aquí hay un twist mayor. Si eres fanático de Julia Stiles y te preguntas qué estás haciendo en un lío como este, hay una respuesta: el personaje de Tricia, en lugar de ser la madre/víctima/títere habitual en una película de terror del niño infernal, tiene una agenda retorcida. Ella sabe lo que está pasando y que en realidad esta niña que dice ser su hija no lo es. Stiles la interpreta con un ceño fruncido, una voluntad de hierro y un gran esquema que explicaría todo si no fuera, en sí mismo, absurdo. La película se convierte en una batalla de ingenio entre la madre calculadora y la hija falsa, con Gunnar (Matthew Finlan), el hijo adolescente de los Albright, agregando una nota cursi del típico hijo que siempre se sale con la suya.

Sin embargo, lo que sucede es tan artificial e ilógico que requiere aún más contorsiones de la audiencia para aceptar esta artimaña y considerarla incluso original. De paso, hay una cierta violación a la línea de tiempo en comparación con la anterior que (es importante recordar) fue hace 13 años; esto quiere decir que tanto la tecnología como incluso algunos aspectos del universo explorado, debiese ser levemente más antiguo o por lo menos cercano a esta visión. 

Dejando a un lado los detalles de lógica, lo que sí se mantuvo en esencia fue esa cinematografía friolenta y aterradora, realizada en esta ocasión por Karim Hussain, quien hace un rejuego interesante con la dirección de arte y la mecánica artística de las pinturas del padre; esto complementado por una banda sonora de tensión compuesta por Brett Detar. Esta combinación técnica es muy destacable pues ambos pertenecen al mundo cinematográfico del terror, y esto fue un detalle que se resalta en sus aportes a la película.

La actuación de Isabelle Fuhrman es lo más rescatable de la película, sobretodo en ese toque retorcido que le da a su personaje en su búsqueda de buscar comfort en la figura paterna. Su química y las escenas logradas con Sutherland son los momentos mejor desarrollados, y ahora con la adición de elementos narrativos que explican por qué ella siempre busca amor y pertenencia en las figuras paternas, apoya a entender un poco la psicología de la antagonista. Pero dejando a un lado la profundidad del personaje, es claramente menos retador para Fuhrman interpretar este personaje, debido a que ya no es una niña, y por lo tanto su inteligencia emocional le permite un mejor desarrollo de Esther. Esto tampoco quiere decir que lo hizo mejor que hace 13 años. Incluso, se le aplaude que logró mantener esa esencia que le dio a su personaje en la original, cuando seguramente fue una tarea verdaderamente complicada. Por otro lado, las figuras masculinas son casi olvidables en esta película, y la tensión de las escenas de ataque están casi desaparecidas en su totalidad en esta precuela. No hay una preocupación, ni siquiera un terror, porque realmente se siente más como un campo de batalla mutuo, y no como una cacería. 

“Orphan: First Kill” es arrastrada hasta el final, donde el suspenso muere en su totalidad. Fuhrman, como antes, invierte su papel con un frío espeluznante, pero el guión mínimo y desordenado la obliga a interpretar a Esther como una mascota de terror de una sola nota, en algún lugar entre Freddy Krueger y Leprechaun. Si hay otra secuela, ojalá que descubra cómo convertir a Esther, la chica monstruosa ficticia, en un personaje con más de una capa terrorífica.

Crítica Cinéfila: X

En 1979, un grupo de jóvenes cineastas se propusieron hacer una película para adultos en la zona rural de Texas, pero cuando sus anfitriones solitarios y ancianos los atrapan en el acto, el elenco pronto se encuentra en una lucha desesperada por sus vidas.

Pornografía. Los años 70. Una masacre de una noche de verano en Texas. Hay tantas palabras de moda lascivas que puedes aplicar al regreso de terror de Ti West que todo lo que parece faltar es una motosierra para que se convierta en el remake que todos los aficionados del cine de terror nos merecemos. Pero a pesar de la vivacidad bullosa que trajo consigo, lo que es más sorprendente sobre el simplemente titulado X es que nunca intenta ser un remake. Esta producción de A24 sobre trabajadoras sexuales y estrellas del porno tiene un alma melancólica y, al menos durante la primera mitad de su tiempo de ejecución, se ocupa de asuntos por encima de lo advertidos. Más tarde su punto medio se convierte en un homenaje a Alfred Hitchcock.

La película ciertamente incursiona en la explotación de herramientas ya vistas, complaciendo felizmente cada cuadro de 16mm que vemos de la película dentro de la película, pero descartarlo como simplemente esos elementos más básicos perdería los conceptos más intrigantes de sus dos primeros actos. Esencialmente X es un experimento intencionalmente discordante que mezcla tonos y estilos. Si bien no siempre vale la pena, el ejercicio produce resultados muy interesantes.

La premisa es tan sencilla como pueden ser las películas de terror. Un grupo de cineastas, algunos veteranos de la floreciente industria obscena y otros estudiantes de la Universidad de Austin en busca de experiencia en el mundo real, salen de Houston en un soleado día de verano de 1979 para filmar una película para adultos. El nerd cinéfilo RJ (Owen Campbell) dice que es para hacer “la primera película para adultos con calidad cinematográfica”, pero su recatada novia Lorraine (Jenna Ortega) tiene sus dudas.

El resto del elenco y el equipo no se hacen tales ilusiones, incluida la estrella Maxine (Mia Goth). A pesar de ser la actriz principal de "The Farmer's Daughters", Maxine es una mujer que siempre parece estar llorando, incluso cuando sonríe de oreja a oreja. Y acepta este trabajo, que la aleja de la familiaridad de un club de striptease, porque su productor y novio Wayne (Martin Henderson) le promete que este será el porno que la convertirá en una verdadera estrella, tan grande como cualquiera en California. Mientras tanto, Bobby-Lynne (Brittany Snow) y Jackson Hole (Scott Mescudi) parecen dispuestos a cualquier tipo de aventura.

Todos obtienen más de lo que esperaban cuando, para tomar atajos, Wayne alquila la casa de huéspedes de una granja decrépita de principios de siglo, propiedad de una pareja mayor que ha estado allí probablemente durante el mismo tiempo. Wayne, por supuesto, no les dijo que estaban aquí para hacer ese tipo de película, pero una mirada lasciva de la anciana Pearl (también Goth en un papel doble) sugiere que la pareja anciana tienen una creatividad mucho más grande que la de estos jóvenes promiscuos.

X promulga una estructura y estilo tan antiguos como las películas slasher de los años 70, pero la forma en que West aborda el material es lo que le da a la película un corazón amargo y único. En su mejor película de terror hasta la fecha, The House of the Devil (2009), West exploró de manera similar el horror religioso no solo en un escenario de época, sino en lo que se sintió como una película auténtica de los 70. Es un narrador con un verdadero afecto por la tensión lenta y la ansiedad de lo que puede ocurrir antes de que suceda algo sangriento.

Con sus raíces slasher, X se mueve un poco más rápido hacia el gore y otras formas de excitación visual, pero el cineasta aún la inculca con una paciencia deliberada que genera temor y a su vez romanticismo de su época. De hecho, la película se siente como una carta de amor al cine independiente de los 70. En lugar de ser un sucesor de las sensibilidades que creó la casa productora Grindhouse, es una oda a ellas.

No obstante, el horror durante gran parte de su primera hora se basa en la edición tensa de West y David Kashevaroff, que retiene sus imágenes más horribles hasta que menos las espera. Este ejercicio de estilo, y las extrañas yuxtaposiciones de cortes exitosos, crean un estado de ánimo efectivo que deja a los espectadores siempre incómodos. 

Mientras que la película muestra una sensibilidad sorprendente hacia sus protagonistas trabajadoras sexuales, la descripción de los monstruos proverbiales de la película es donde la película desciende hacia la sórdida obscenidad de una criatura que seguro encontraríamos en los autocinemas del 1979. Por diseño, se le pide al público que cuestione sus propios prejuicios hacia las personas mayores, especialmente en una cultura que fetichiza la carne joven y castiga con envidia a la figura envejeciente. 

Goth sigue siendo doblemente eficaz en ambos roles. El casting obviamente se inclina hacia la dualidad del paradigma de la era de la belleza, pero es la actuación amarga de Goth como ambas mujeres lo que agrega textura a la idea y va más allá del maquillaje aterrador que tiene que interpretar en el segundo papel. Como actriz que siempre lució un poco como una muñeca de porcelana lista para romperse en películas anteriores, Goth revela bordes afilados nunca antes visto. Ortega también hace un trabajo sólido, uno mucho mejor que el logrado en Scream (el cual es el único personaje rescatable de esa secuela).

La forma en que visualiza el anhelo cinematográfico, ya sea en tu juventud o en el ocaso, es donde prospera el horror de X. Ese escalofrío no vive en espantosas escenas de asesinatos, sino en momentos como cuando Bobby-Lynne canta una versión acústica de "Landslide" de Fleetwood Mac, y vemos los rastros del envejecimiento. Darse cuenta de que el deseo y el arrepentimiento son dos caras de la misma moneda efímera que todos estamos gastando actualmente puede ser material suficiente para ocasionarnos pesadillas en las noches.

Crítica Cinéfila: Texas Chainsaw Massacre

Melody (Sarah Yarkin), su hermana adolescente Lila (Elsie Fisher) y sus amigos Dante (Jacob Latimore) y Ruth (Nell Hudson) viajan al remoto pueblo de Harlow (Texas) para montar un negocio muy idealista. Pero su sueño se convierte en una auténtica pesadilla cuando molestan sin querer a Leatherface, el desquiciado asesino en serie cuyo sangriento legado sigue acechando a los habitantes de la zona, entre ellos Sally Hardesty (Olwen Fouéré), la única superviviente de su masacre de 1973, decidida a vengarse a muerte.

Cuando pienso en la Masacre de Texas, la gentrificación, las redes sociales y el capitalismo no son las palabras que me vienen a la mente. Sin embargo, por alguna extraña razón, el director David Blue García y el guionista Chris Thomas Delvin decidieron unir todos estos elementos para crear la primera entrada en mi lista de lo peor visto en el año. Esta película sin lógica está protagonizada por Sarah Yarkin, Elsie Fisher y Mark Burnham como el slasher de Leatherface. Los actores hacen todo lo posible para navegar por un guión desafortunado, pero nada puede evitar que esta película de Netflix se derrumbe bajo el peso de su irracionalidad.

Tres empresarios millenials de Austin, Dante (Jacob Latimore), Ruth (Nell Hudson) y Melody (Yarkin), y su hermana pequeña Lila (Fisher) viajan a Harlow, Texas, con la esperanza de cumplir su sueño de crear un entorno de trabajo. Estas personas conocen muy bien la historia de la ciudad, pero dado que es una ciudad fantasma y Leatherface (Burnham) no ha matado en años, pensaron que este era un gran lugar para trabajar y ganar dinero. 

El grupo también tiene banqueros e inversionistas en camino a la ciudad que están interesados ​​en comprar el espacio. Pero todo se echa a perder cuando Melody y Dante ingresan al edificio que compraron (el orfanato de la ciudad), y se encuentran con que está habitado por la Sra. Mc (Alice Krige), que vive con Leatherface y lo mantiene bajo control. Ninguno de ellos sabe que el hombre que vive con ella es un asesino, por lo que bajaron la guardia: gran error. 

Dante le pregunta a la mujer por qué está allí. La Sra. Mc afirma que todavía tiene la escritura del lugar y que es de su propiedad. Ella trata de defender su caso, pero los jóvenes simplemente no la escuchan. Todo el estrés lleva a la anciana a sufrir un infarto. Ahora todos están preocupados por la muerte de la mujer, por lo que Ruth decide cabalgar con ella y el asesino de la motosierra hasta el hospital, con la esperanza de que sobreviva para que su conciencia esté tranquila. Bueno, ocurre lo obvio, lo cual activa el alma asesina de Leatherface, quien ahora busca venganza contra las personas que le provocaron un infarto a su tutora.

Texas Chainsaw Massacre 2022 es una secuela directa de la película de 1974. Hay ocho películas entre la original y esta secuela, por lo que no está claro si se trata de un retcon u otro intento de despertar una franquicia que nunca debió convertirse en franquicia y solo quedarse con la original. Sally (Olwen Fouéré), el personaje que sobrevivió a la primera película, aparece en esta y se mueve, actúa e incluso se viste como Laurie Strode de las películas modernas de Halloween. Ella no construye un puente entre el pasado y el futuro como lo hace Strode, por lo que el intento de revivir al personaje es un fracaso.

También hay algo extraño en Lila, que sufre de trastorno de estrés postraumático debido a que fue sobreviviente de un tiroteo que ocurrió en su escuela. Con esta información, el guión de Delvin intenta conjurar latidos emocionales al decir algo sobre la resiliencia y la supervivencia frente a la muerte. Pero, ¿esta historia necesitaba una víctima de un tiroteo de escuela para ayudar a transmitir ese punto? No agrega nada a la historia, lo cual es trágico porque Fisher es una gran actriz joven que se merece algo mejor. En la mayoría de las escenas, ni siquiera está actuando y, en cambio, pasa la mayor parte de la película corriendo del asesino. Lo entiendo: Fisher quiere deshacerse de la imagen de chica de al lado que invocó en Eight Grade de Bo Burnham, pero ¿de esta manera... en serio? 

Cada arquetipo de terror en el libro se ejecuta a lo largo de una película que está llena de sobrecarga slasher. Las personas tropiezan y caen en el momento justo, se quedan sin siquiera tratar de evitar sus propios asesinatos, las personas sobreviven a lo imposible y las heroínas principales son salvadas por el destino cada vez que están en problemas. Muchas películas de terror están llenas de arquetipos, pero persisten porque están bien retratadas e incluyen personajes atractivos. Desafortunadamente, no encontrarás nada de eso aquí.

Texas Chainsaw Massacre 2022 es otra víctima de convertir una historia ya establecida en una vaca lechera nostálgica. El verdadero horror aquí es la modernización del contenido mediante la fusión de las redes sociales, los problemas sociales y las palabras de moda de Twitter de una manera descuidada que dificulta aferrarse a algo sustancial. Por lo tanto, reduce el peso de la historia en lugar de agregar a su legado. La película no contiene esa sensación de terror como la película de 1974, y aunque no es tan sombría, la película de 2003 es hasta más divertida. Esta película es solo una prueba más del estado actual del cine gringo donde Hollywood crea contenido que los fanáticos no pidieron y luego espera que lo reciban con los brazos abiertos.

Crítica Cinéfila: Scream

Veinticinco años después de que una serie de brutales asesinatos conmocionara al tranquilo pueblo de Woodsboro, un nuevo asesino se ha puesto la máscara de Ghostface y comienza a perseguir a un grupo de adolescentes para resucitar los secretos del mortífero pasado del pueblo.

La franquicia Scream creada por el escritor Kevin Williamson y el director Wes Craven en 1996 inyectó nueva vida a la película slasher al observar las reglas del género y, al mismo tiempo, cambiarlas. Su meta travesura y el alto número de muertos generaron una nueva generación voraz de nerds del terror y recaudaron $608 millones en la taquilla mundial. Revisitando la propiedad 11 años después de Scream 4, la nueva entrega, hecha con la bendición de Williamson y dedicada al difunto Craven, se remonta al original en busca de inspiración, pero se excede seriamente en la astucia autorreferencial, hasta el punto de socavar el susto real.

Es difícil no gemir cuando los adolescentes californianos en peligro se sientan a contemplar quién podría ser el responsable de la sangrienta matanza desatada una vez más en los suburbios de Woodsboro, junto con quién podría ser el próximo en sentir el cuchillo, y uno de ellos habla al darse cuenta del asesino como una mezcla de secuela y reboot. Es posible que esté más inclinado a responder positivamente a un personaje que vuelve desde la original y que le dice a la última voz siniestra al final de una línea telefónica: "Realmente necesita material nuevo". Y en verdad, hace falta innovación.

Toda la franquicia se basó en una disección consciente de la película slasher y todos sus arquetipos, por lo que es muy posible que algunos fanáticos consuman con entusiasmo esta nueva carnicería y caos constantes - como yo misma lo hice durante las casi dos horas -, que culmina con un baño de sangre en la misma casa donde Sidney Prescott (Neve Campbell) se enfrentó al asesino original detrás de la máscara de Ghostface en el primer final. Pero los detalles de terror ya no son una novedad, neutralizados por innumerables imitaciones y parodias.

El nuevo giro en el guión de James Vanderbilt y Guy Busick es la versión que llamaré "fandom tóxico". "¡Alguien tiene que salvar la franquicia!" grita un personaje antagónico justificándose mientras se ocupa de matar parte del reparto; “Hollywood está totalmente sin ideas”, lo cual no es mentira. Ya sea que lo encuentre divertido o tan metido en su propio ego, que su humor parpadeante se vuelva irritante será una cuestión de gusto personal.

Es difícil involucrarse demasiado en el peligro de los personajes cuya vida está en juego pero que no les impide exponer las diferencias entre la vieja escuela y el terror artístico elevado. Mientras Ghostface la amenaza y la interroga en su teléfono fijo, el primer objetivo que es Tara (Jenna Ortega) ruega que no la interroguen sobre la franquicia Stab que realmente son las películas de Scream aquí. “¡Pregúntame cualquier cosa sobre It Follows o Hereditary o The Witch!” ella suplica. Otro adolescente en una discusión que sigue a tres ataques, uno de ellos con una muerte, señala: “¿Qué tiene de malo el horror elevado?". Un poco de estas cosas se alarga demasiado durante toda la película. A diferencia del primer Scream, donde las disertaciones sobre las reglas del terror eran predominantemente dominio de Randy Meeks de Jamie Kennedy, casi todos aquí ofrecen comentarios sobre algún arquetipo u otro.

Al menos, es un placer ver a Campbell nuevamente en buena forma como Sidney, regresando a Woodsboro para ocuparse de los asuntos pendientes. También regresa la reportera de noticias de televisión de Courteney Cox, Gale Weathers, ahora presentadora de un programa matutino de Nueva York, y David Arquette, bastante conmovedor como el ex alguacil Dewey Riley, quien fue expulsado de la fuerza y ​​​​ahogándose en el alcohol para calmar su dolorido corazón después de separación de Gale. El guión extrae momentos conmovedores de la relación dentro y fuera de cámara de Cox y Arquette en un par de dulces escenas de reunión. Un puñado de otros personajes (y sus actores originales) de entregas anteriores aparecen brevemente, entre ellos una figura importante cuya conexión con uno de los recién llegados es un factor importante en la trama.

Es una lástima que el grupo de caras nuevas deje tan poca impresión. Después del ataque a Tara, su hermana separada Sam (Melissa Barrera) regresa a toda prisa a la ciudad, acompañada por su novio Richie (Jack Quaid), quien dice no estar familiarizado con las películas de Stab pero se sumerge en un curso acelerado de visualización de Netflix y foros de fans. El grupo muy unido de amigos de la escuela secundaria de Tara incluye a su mejor amigo, Amber (Mikey Madison); los gemelos de Randy, Mindy (Jasmin Savoy Brown) y Chad (Mason Gooding); la novia de Chad, Liv (Sonia Ammar); y Wes Hicks (Dylan Minnette), cuya madre Judy (Marley Shelton) ha sido ascendida de ayudante a sheriff desde la salida de Dewey.

Los codirectores Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett manejan el terror creciente con una habilidad razonable a medida que los miembros del conjunto comienzan a caer como moscas. El problema es que no pueden dejar de hablar sobre la mecánica de la trama de las películas slasher por lo que no dejan tiempo suficiente para dejar que se apodere de mucha tensión. Las primeras apariciones sorprendentes de Ghostface contienen una sacudida o dos. Pero a medida que avanza la acción, los cineastas comienzan a provocarnos con pistas musicales agudas y tomas preparadas para hacernos anticipar al antagonista asesino, encapuchado y enmascarado detrás de cada puerta. Eso le da a las reapariciones de Ghostface, cuando suceden, la sensación de un juego en lugar de un encuentro de vida o muerte.

El asesino siempre vuelve al pasado, se nos dice, por lo que es obvio que todos los caminos conducen a Sidney, junto con Sam. Esas conexiones se establecen hábilmente en un guión positivamente intoxicado con la tradición de Scream; las pistas sobre la identidad del asesino se presentan con un humor astuto y la desorientación suficiente para mantener el interés, y la cadena de asesinatos que se multiplica no escatima en sangre. Pero no hay mucha invención para reflejar el paso del tiempo desde los orígenes de la franquicia. Si bien los teléfonos celulares son omnipresentes, todavía son los viejos teléfonos fijos los que brindan los saltos más grandes, y una aplicación de localización familiar agrega solo un mínimo de suspenso para retrasar un cuchillo inevitable.

En un momento, Sam le dice a su novio: “¿Conoces esa parte de las películas de terror en la que quieres gritarles a los personajes que sean inteligentes y se vayan? ¡Esta es esa parte, Richie!". En cambio, es posible que desee gritarles que se callen sobre las películas de terror y que sean más inteligentes a la hora de elaborar estrategias para evitar al asesino, o a los asesinos, para ser coherentes con los episodios anteriores, en medio de ellos.

El nombre de la película incluye todo, desde The Babadook hasta Halloween, Friday the 13th y Psycho, con una escena de ducha. Claro, hay algo de diversión en todo esto. Pero también hay una jocosidad que se desgasta y se entromete en la ola de asesinatos, lo que a menudo me hace desear estar viendo alguna de las películas superiores a las que se hace referencia.

Crítica Cinéfila: The Forever Purge

Para los miembros de un movimiento clandestino, ya no es suficiente una noche anual de anarquía y asesinatos, así que deciden devolver a Estados Unidos el caos y las masacres sin fin, donde nadie volverá a estar a salvo... jamás.

Lo hicimos. ¡Hemos sobrevivido a la Purga! Nuestra larga y falsa pesadilla nacional ha terminado.

La serie de películas de terror sobre una América distópica en la que es legal matar a quien quieras por una noche al año, supuestamente llega a su fin con la quinta entrada, "The Forever Purge". Espero que sea cierto, aunque no me sorprendería si tenemos "The Purge VI: The Purge Awakens" en un par de años.

Desde que la sangrienta franquicia debutó en 2013, se ha convertido en un "The Help" para los más débiles y los más pobres de su historia. La premisa: Estados Unidos ha llegado a su punto de ebullición del crimen y la discordia social, por lo que un partido político insurgente llamado los Nuevos Padres Fundadores de Estados Unidos instituye un período de 12 horas por año en el que es perfectamente legal cometer cualquier crimen, incluido el asesinato. Y dicen que Washington, DC, no puede hacer nada. Esa idea fue divertida una vez, tal vez incluso dos, pero en la quinta salida la fórmula ha dado paso a la predicación y la previsibilidad. Y a la ironía.

“The Forever Purge” comienza, como lo hicieron sus predecesores, con un noticiero que explica el estado de la unión. Esta vez, el tema es la inmigración ilegal y el muro fronterizo. Con la esperanza de sobrevivir la noche ilesos, están una pareja de inmigrantes ilegales de México, Juan (Tenoch Huerta) y Adela (Ana de la Reguera), que viven en el sur de Texas se asilan en lo que parece un búnker para mexicanos en medio de la noche de purgas. Mientras tanto, una familia adinerada de ganaderos para la que trabaja Juan, liderada por un patriarca racista (Josh Lucas), también intenta cabalgar la noche en su casa que se convierte en su propio búnker.

Doce horas después, las sirenas suenan y la purga termina. Todo está bien y nuestros protagonistas han salido completamente ilesos a toda la noche, ¿verdad? Equivocado. Pues al parecer a un grupo se les ocurrió que la matanza iba a continuar sin ley aún pasado el tiempo. Nos enteramos de que un grupo de extremistas que utilizan Reddit o algo así han proclamado la "The Forever Purge", un desfile interminable de muerte hasta que logran sus sueños nazis de una América blanca.

Para quienes protestan en contra de este grotesco acto, la única solución es buscar asilo en Canadá o México. Y así, nuestros héroes se dirigen a El Paso. Ahí llega la ironía de toda la historia donde Estados Unidos y lo que es planteado por muchos como el sueño americano se derrumba ante los ojos del mundo por su propia creación y debe buscar asilo en países que ellos se niegan rotundamente a darle asilo a sus inmigrantes. Y continúo insistiendo como cada vez que lanzan una nueva película de The Purge, es el futuro que se le ve venir a este país.

La trampa obvia de tener tramas casi idénticas en cinco películas, con protagonistas que se oponen a la Purga (ya sea porque fueron víctimas/sobrevivientes o por oposiciones políticas) que terminan teniendo sus vidas amenazadas por ella, es que las películas se vuelven cada vez menos aterradoras. A pesar de mi fanatismo y mi obsesión de ver las nuevas maneras en que a estos gringos se les ocurre matarse los unos con los otros, "The Forever Purge" fue fácil de digerir.

Pero, aunque su camino está muy trillado, Huerta y de la Reguera llevan el sombrero protagónico y autoridades morales comprensivas con habilidad. Siempre es una ventaja cuando apoyas a los clientes potenciales para que no mueran, y gracias al hecho de que supieron muy bien vender narrativamente de donde ambos sacan sus habilidades de defensa -ambos habiendo luchado en guerrillas mexicanas- es muy fácil apoyarles y seguirles a lo largo de la trama. En algunas películas de slasher, los personajes son tan molestos que eliges #TeamSerialKiller, pero en esta ocasión somos #TeamEnchiladas.

Y aún así eso no compensa el mensaje político dominante que ya no es satírico, sofisticado o particularmente aterrador. Este es el momento adecuado para que The Purge se retire de las salas oficialmente antes de que Estados Unidos se inspire demasiado de sus tramas.

Crítica Cinéfila: A Classic Horror Story

Unos viajeros quedan atrapados en un bosque del sur de Italia, donde deben luchar desesperadamente para salir con vida de allí.

A Classic Horror Story es una nueva película de terror de Netflix de Italia... aunque fácilmente también podría ser Suecia o Texas. Dos de las principales inspiraciones son Midsommar con un toque de locura de Texas Chainsaw Massacre; sin embargo, tal vez no de la forma que cabría esperar. Además, algunos eventos se desarrollan en un campamento.

Realmente, el título lo dice todo porque esta película de terror está repleta de referencias a películas de terror. Y es más o menos el punto de sus cineastas. Sin embargo, esto no es de ninguna manera una parodia o una comedia de terror. Es una película de terror pura y simple. Y el final es muy meta que honestamente me encantó.

He estado esperando una nueva película de género protagonizada por Matilda Lutz desde que la vi en la  increíble película de venganza y supervivencia Revenge (2017). Y desde que la vi en su primera escena la reconocí, pero obviamente, se me había olvidado que ella es en realidad italiana. Hasta tuve que volver a ver Revenge para simplemente aceptar que es tan tremenda actriz que ni acento tiene.

Para aquellos que disfrutaron como yo viéndola vengándose de manera violenta (y casi morir) en Revenge, ya saben lo que les espera en esta ocasión. Matilda Lutz es (una vez más) tan increíblemente brillante en esta película de género. Y aunque de una manera muy diferente, acaba igual de ensangrentada. 

Interpreta a Elisa, una joven muy recatada y responsable. Ella está acompañada por dos viajeros enamorados que van hacia una boda, y un doctor deprimido que huye involuntariamente de un pasado tormentoso, más su conductor, un italiano sureño que sirve servicios parecidos a un uber hotelero en su casa rodante. Todo parece su tradicional viaje en carretera cuando tienen un accidente donde la casa rodante choca contra un árbol en medio de la noche, y al día siguiente están LITERAL en medio de un campo abierto cerca de una casa parecida a una choza de brujas. 

Desesperadamente por sus fracturas físicas y la total descomunicación, buscan ayuda hasta darse cuenta que están atrapados en lo que parece la propiedad de una comunidad ocultista donde sus seguidores torturan con extirpar ojos, oídos o lenguas para llamar a sus dioses... y luego pasa el final menos esperado de todos.

Los directores Roberto De Feo y Paolo Strippoli fueron muy inteligentes mientras escribían esta historia. Parecería que se sentaron con tres escritores más (quienes quiero pensar son fanáticos empedernidos del género del terror) e hicieron una lluvia de ideas de todo lo que funcionó en los clásicos terroríficos y lo incorporaron en una historia completamente original, con personajes que presentan propósitos muy distintos a los clichés del género, más una atmósfera que por más que se trate de comparar, simplemente se vuelve muy única en su propia esencia.

El horror comienza lenta y misteriosamente. Aunque, de ninguna manera eso significa que sea aburrido. Muy por el contrario, ese crescendo hace que la tensión narrativa eleve el resto de la película, el cuál se complementa de una manera visual aspera en cada una de las tonalidades rojizas que utiliza tanto en su cinematografía como la escenografía que refleja referencias de Midsommar, con el apoyo de una banda sonora que solo aumenta la tensión dentro. Pero la salida impactante debería mantener a la audiencia completamente entretenida. 

Me encantó el final, siéndoles muy honesta. Hizo que la película funcionara mucho mejor para mí en todos los sentidos. Créame, cuando digo que cuanto menos sepa sobre A Classic Horror Story, mejor. No querrás todos los spoilers ni leer ningún "final de una clásica historia de terror explicado" antes de verla. Puedes buscarlos después. El objetivo de la película, que es un punto muy real en el final, es ver y disfrutar las películas que elijas ver.

Para los fanáticos del género de terror desde hace mucho tiempo, esta película tiene éxito en hacer referencia a viejos clásicos. El comienzo de la película es similar a películas de slasher como Friday the 13th, mientras que una escena en particular en la primera mitad hace mucho énfasis en la franquicia Saw. La conclusión de la película tiene comparaciones con el éxito de terror The Cabin In The Woods. Con todo, A Classic Horror Story hace lo que algunas películas de terror no pueden, y es valerse por sí mismo mientras rinde homenaje a los clásicos queridos.

Hay un objetivo importante detrás A Classic Horror Story que va más allá de las historias que se han reciclado de alguna manera a lo largo de décadas. El final de esta película de terror comenta cómo algunas personas odian las películas de terror y luego se comen todas las noticias sobre muerte y asesinato. Como si eso fuera de alguna manera más legítimo, incluso si también lo tratan como entretenimiento.