Crítica Cinéfila: MaXXXine

Maxine, superviviente de los sangrientos incidentes de X, continúa su viaje hacia la fama para ser actriz en el Los Ángeles de la década de 1980.

MaXXXine, un glorioso himno a la sensualidad escabrosa y el exceso sangriento del "sexploitation" y el terror de los años 80, completa la trilogía de Ti West de exhibiciones estelares para su intrépida musa Mia Goth con una nota deliciosa. Al igual que sus predecesoras, "X" y "Pearl", se trata de una alegre inmersión en los tropos del cine retro con una vívida evocación de la época, esta vez con un reparto secundario de lujo. Como dice la cineasta británica fría como Elizabeth Debicki que le da a Maxine Minx la oportunidad de saltar del estrellato del porno a una carrera más legítima sobre su proyecto de largometraje: "Es una película B con ideas A". Esto se aplica igualmente a la última película psicosexual de West. Si bien nunca descuida el derramamiento de sangre y las vísceras derramadas del terror slasher de manual, cada una de las tres películas distintivas pero cohesivas (el guionista y director no ha descartado una cuarta) funciona como un homenaje cariñoso a la estética cinematográfica de una era en particular.

"X", ambientada en el país de La Masacre de Texas con un aire oscuro y sucio a grindhouse, cuenta la historia de un equipo de filmación amateur que filma una película porno en una casa rural a fines de los años 70, hasta que sus marchitos anfitriones de Holy Roller se enteran de lo que está sucediendo en el granero. "Pearl" retrocedió en el tiempo hasta 1918 para conocer la historia de fondo de la esposa del granjero, cuando la juventud y la belleza estaban de su lado y sus sueños de estrellato aún estaban intactos, mezclando el estilo exuberante de un melodrama de mediados de siglo con el de los musicales en Technicolor.

Goth cumplió una doble función en "X", interpretando a Maxine, la novia y estrella del director de películas para adultos, y a la bruja homicida Pearl. En la siguiente película, se metió en la piel de la joven Pearl, que se irritaba bajo las restricciones de su madre opresiva mientras anhelaba la fama y descubría su voraz libido. En un momento memorable, se sube a un espantapájaros para divertirse sexualmente, una escena típica de la inclinación de West por los guiños, dado que la obra porno de "X" se titulaba "The Farmer's Daughter".

La nueva entrega, ambientada en 1985, retoma la historia de Maxine, una mujer de unos 30 años que está en la cima como una auténtica estrella del floreciente mercado del porno en vídeo y que se pasea por Hollywood en un descapotable con matrícula de vanidad “MaXXXine”, aunque todavía tiene que complementar su trabajo en el cine para adultos con un espectáculo erótico. Tomó como base el caso de un asesino en serie apodado "the Night Stalker" que aterrorizaba Los Ángeles, atacando a mujeres jóvenes. Pero Maxine insiste en que puede cuidar de sí misma, lo que demuestra dándole una dolorosa lección a los testículos de un asaltante que le apunta con un cuchillo vestido de Buster Keaton (Zachary Mooren). 

Los asesinatos de Night Stalker han avivado las llamas de los cruzados de los valores familiares que protestan contra la violencia y la obscenidad que inundan el mercado del entretenimiento, y West (que también editó) enfatiza ese clima de histeria moral al incluir un clip rápido del líder de Twisted Sister, Dee Snider, llegando a testificar ante un comité del Senado en oposición a la censura de la industria musical.

El atractivo de la celebridad y la intersección pegajosa entre lo carnal y lo espiritual han sido una corriente subyacente que recorre la trilogía. Es lógico que la película casera en blanco y negro que sirve de prólogo a MaXXXine (en la que una niña baila mientras su padre predicador, fuera de cámara, le asegura que será la estrella de su iglesia) tenga ecos espantosos de la actualidad. “No aceptaré una vida que no merezco”, dice la niña, repitiendo obedientemente el credo de su padre. 

La película propiamente dicha comienza mientras observamos desde el interior de un estudio de sonido a oscuras cómo Maxine abre las puertas y entra con confianza bajo una cascada voluminosa de cabello, en un top de mezclilla con escote halter y jeans a juego con botas de tacón de aguja. Lee para el papel principal en "The Puritan 2", un thriller de posesión demoníaca que la ambiciosa directora Liz Bender (Debicki) pretende que sea su trampolín desde los videos desagradables a los proyectos convencionales. Maxine también lo ve como su vehículo de transición. Naturalmente, clava la audición, burlándose alegremente de la fila de rubias afuera diciéndoles que están perdiendo el tiempo. Liz exige el compromiso total de Maxine, pero eso resulta un desafío cuando siguen apareciendo distracciones no deseadas, y entre ellas, los destellos de recuerdos traumáticos del pasado.

Dos de sus amigas del mundo del porno, Amber (Chloe Farnworth) y Tabby (Halsey), son vistas por última vez cuando se dirigen a una fiesta en Hollywood Hills, organizada por un misterioso productor. Maxine recibe una grabación anónima en video de una violencia perturbadora, y dos detectives, Williams (Michelle Monaghan) y Torres (Bobby Cannavale), comienzan a presionarla para que comparta información mientras las víctimas relacionadas con ella comienzan a multiplicarse.

Peor aún, el sórdido investigador privado de Louisiana John Labat (Kevin Bacon) se convierte en una molestia, actuando como mediador para un cliente misterioso que inicialmente solo se ve como un par de manos apretadas con guantes de cuero negro. El abogado de Maxine, Teddy (Giancarlo Esposito), demuestra ser útil para lidiar con las plagas, lo que resulta en una de las muertes más espectaculares de la trilogía. Pero la valentía de Maxine finalmente la lleva a una situación donde se enfrenta cara a cara con su pasado.

La sensibilidad de West para el tiempo y el lugar es impecable, desde la sordidez vulgar y llamativa del Hollywood Boulevard de aquella época, con su variedad de punks, fenómenos e imitadores de famosos, hasta el “pánico satánico” de fuego y azufre del demente clímax. Hay humor en el uso de lugares famosos, desde una acción estratégica que se desarrolla alrededor del cartel de Hollywood hasta un estreno llamativo en el Chinese Theater; desde la casa de Psicosis que todavía se encuentra en el backlot hasta una toma de la bota de Maxine apagando un cigarrillo en una estrella del Paseo de la Fama.

Cuando dos víctimas de asesinato aparecen en el cementerio Hollywood Forever, un policía informa a Williams y Torres: “Un par de homosexuales que rondaban la tumba de Judy Garland encontraron los cuerpos”. Ese es uno de los muchos diálogos que recuerdan a la época (aunque es históricamente incorrecto dado que los restos de Garland recién fueron trasladados allí en 2017). Las habilidades de West en el género se combinan con su preferencia por el aspecto y la sensación de las películas B de los años 80, una referencia inequívoca que, no obstante, trasciende el pastiche.

Cuenta con la inestimable ayuda del director de fotografía de la trilogía, Eliot Rockett, que consigue algunas secuencias fascinantes, sobre todo al principio, cuando Maxine sale de su coche y entra en un estudio pornográfico, sacando una dosis de cocaína de un tarro de galletas de gran capacidad mientras se prepara para rodar una escena de enfermera traviesa. Otra gran secuencia muestra a Liz y Maxine dando vueltas por el estudio en un carrito de golf, ofreciendo comentarios casuales sobre las líneas borrosas entre la realidad y la ilusión en Hollywood. La película cambia atmosféricamente entre la abrasadora luz del día y los sombríos paisajes nocturnos, marcados aquí y allá con luces de neón.

El hábil uso de cortinillas, pantalla dividida y cambios de relación de aspecto también evocan el estilo cinematográfico de la época, al igual que la sabrosa escenografía y el diseño de vestuario de Jason Kisvarday y Mari-An Ceo, respectivamente. Los nostálgicos devorarán los éxitos de la banda sonora, entre ellos los temas de ZZ Top, New Order, Judas Priest y Kim Carnes, junto con el indispensable ritmo synth-pop de “Obsession” de Animotion. Y la escalofriante banda sonora de Tyler Bates ayuda a aumentar el suspenso.

La película saca mucho partido de su reparto. Debicki es una mujer decidida, determinada a dejar su huella en un mundo que sigue siendo de hombres; Esposito, un agente sospechoso que protege paternalmente a su cliente; Monaghan y Cannavale establecen una dinámica vivaz entre los socios de la ley, con Williams como la inteligente y sensata, y el actor fracasado Torres como el más impetuoso; y Bacon le da un mordisco al sucio y sudoroso Labat con gusto y un gran acento N'Awlins, mientras bebe un Bloody Mary o un trago de una botella de Pepto Bismol.

Halsey es una buena Debi Mazar en su breve papel, mientras que Lily Collins es divertida como una trasplantada de un barrio residencial de North Yorkshire que tuvo su oportunidad en la primera película puritana, el músico y actor Moses Sumney tiene un atractivo relajado como el amigo de Maxine de la tienda de videos de abajo, y Simon Prast se destaca con un papel clave que es mejor mantener como una sorpresa.

En definitiva, por supuesto, este es el show de Mia Goth y los fans no lo cambiarían por nada. Es una presencia magnética que fortalece su autoridad como una nueva raza de reina del grito, lo suficientemente dura para repartir castigos y también para recibirlos.

En el espacio de tan solo dos años, la actriz y su director han preparado una trilogía de películas de terror sumamente entretenida que hace guiños al pasado mientras avanza hacia el metafuturo, ensartando deliciosamente la búsqueda de la fama y el atractivo del deseo con una visión subversiva de la cosificación femenina y una efusión de amor por el arte de hacer películas. Mientras Maxine se corta una raya de cocaína con su tarjeta de SAG, es posible que desees que no hayamos visto lo último de ella.

Crítica Cinéfila: Mank

Biopic sobre Herman Mankiewicz, guionista de 'Ciudadano Kane', que repasa el proceso de rodaje de la obra maestra de Orson Welles, dirigida y estrenada en 1941.

Mank, el décimo primer largometraje de David Fincher, termina con las palabras "la magia de las películas". Pero no se deje engañar; esta es una carta de amor clara a Hollywood, tanto con el glamour como con las realidades desordenadas de la industria del cine y el acto de creación en sí, todo envuelto en algunas de las artes cinematográficas más inimaginables.

El guión fue escrito por su difunto padre antes de que el director hiciera Alien 3. Es un trabajo denso y rico sobre la intersección entre el cine y la política, el alcoholismo, la manipulación de los medios, la tradición de Hollywood, el talento desperdiciado y la lucha por mantener la integridad. Es un regreso triunfal al cine para el director después de su paso por la pantalla chica en el drama asesino en serie Mindhunter y la antología animada Love, Death + Robots.

Han habido dramatizaciones de la producción de Citizen Kane antes, principalmente el RK0 281 producido por Ridley Scott, llamado así por el número de producción de Kane, pero Mank adopta un enfoque más granular. En lugar de un 'making of' de la película, es una inmersión profunda en la mentalidad y los eventos que la crearon, tejida en dos líneas de tiempo distintas. El tiempo presente ve al guionista fracasado Herman J. Mankiewicz (Gary Oldman), con un ingenio agudo pero mayormente borracho, que se refugió en un rancho en el desierto de Mojave a instancias del niño prodigio teatral Orson Welles (Tom Burke) para escribir un guión que ensartara al magnate de los periódicos William Randolph Hearst (Charles Dance). Convaleciente después de un accidente automovilístico y en reposo, tiene solo 90 días (o como dice Welles, 60 días con 30 días para reposar el borrador) para dictar la obra a Rita Alexander (Lily Collins), una secretaria inglesa que puede tomar dictado veloz. Lo que sigue es una pieza de cámara bellamente escenificada e interpretada, una batalla de ingenio entre Mank y el cohorte de Welles, John Houseman (Sam Troughton) para cumplir su fecha límite, entre Mank y Rita para mantener seco al escritor, y entre Mank y él mismo para permanecer fiel a su talento.

Fincher usa el Welles de Burke con moderación, a menudo como una presencia incorpórea en el teléfono, pero el actor captura la voz reconocible al instante de Welles y el encanto de seguirlo a cualquier parte. La película solo insinúa la controvertida batalla por el crédito en la pantalla: Mankiewicz originalmente no iba a recibir ningún reconocimiento, pero al final el escritor y Welles compartieron el crédito y ganaron los Oscar, aunque ninguno de los dos recogió las estatuillas, y aunque está claro que la película llega al lado de Mank, también presenta un retrato imparcial del director. Estas secciones también se benefician de una excelente Collins, que le da a Rita una columna vertebral mientras agrega notas más vulnerables cuando se entera de que su novio ha desaparecido en batalla durante la Segunda Guerra Mundial.

El segundo hilo de la película, que va y viene de la carrera anterior de Mank en el Hollywood de los años 30, es complicado y exigente. En la sección más animada de la película, las primeras aventuras de Mank son una evocación alegre (pero aún fundamentada) del Hollywood de los años 30, ya sea Mank y su grupo de escritores escupiendo ideas de películas de terror para David O. Selznick (Toby Leonard Moore) y Josef Von Sternberg (Paul Fox), o una gloriosa caminata y conversación con Louis B. Mayer (Arliss Howard), suturada con detalles internos y anécdotas sobre la Edad de Oro; ya sea Mayer diciéndole a los talentos de MGM que deberían aceptar un recorte salarial, o enojo por los hermanos Marx asando perritos calientes a la parrilla en el fuego abierto en la oficina de Mayer. Desde la grandilocuente, tarjeta de título de la vieja escuela en adelante, todo es el sueño de un cinéfilo, las escenas de la industria del cine a menudo infectadas con la entrega de un estilo noir que ya se ve muy poco. El guionista de Forrest Gump, Eric Roth y el propio Fincher, se inspiran tanto con el lenguaje como la pirotecnia verbal de Aaron Sorkin para The Social Network.

Pero Mank no es solo una ensoñación nostálgica; también aprovecha las preocupaciones contemporáneas. La materia prima para Charles Foster Kane llega cuando Mank entra en la órbita de William Randolph Hearst. Mank tiene un asiento en el ring cuando Mayer y el subteniente Irving Thalberg (Ferdinand Kingsley), en connivencia con Hearst, comienzan a influir en la elección del gobernador de California a favor del republicano Frank Merriam, a través de noticieros falsos y transmisiones de radio que desacreditan al demócrata Upton Sinclair; los temores sobre el futuro de los cines hacen resonancia con el 2020. Mank encuentra un aliado en la anfitriona y compañera de Hearst, la actriz Marion Davies, inspiración para Susan Alexander en Kane. Una Amanda Seyfried, la mejor de su carrera, interpreta a Davies como una mujer mundana, más inteligente de lo que deja ver, con el control total de su persona, que se convierte en una mente similar a la que Mank se aferra. Desde caminar por los jardines zoológicos de Hearst discutiendo su rango, hasta suplicarle a Mank que sea fácil con Hearst en su guión, Seyfried confirma sus dotes dramáticas en cada momento.

Todo esto se captura en un impresionante blanco y negro, a la vez moderno y elegante. Fincher ha filmado en blanco y negro antes, pero aquí las imágenes suavizadas se sienten como si pertenecieran a los años 30/40, una llamada de regreso con unas transiciones muy al estilo de la vieja escuela. La cinematografía de DP Erik Messerschmidt es toda tinta negra y ventanas sobreexpuestas, capturando un mundo que es a la vez glamoroso y sucio, realzado por la partitura de Trent Reznor y Atticus Ross, cambiando entre jazz de alto tempo y la prole al estilo de Bernard Herrmann.

Mank está repleto de grandes actuaciones: Howard como Mayer y Tuppence Middleton como la sufrida esposa de Mank, la "pobre" Sara; Tom Pelphrey como el hermano menor y guapo de Mank, Joseph, que comparte las aspiraciones intelectuales de su hermano y el sentido de tener para vivir en los barrios bajos de Hollywood; Charles Dance como Hearst, con una increíble paciencia aún en los momentos más intensos. Pero esta es la película de Oldman. Prácticamente en todos los cuadros, es vibrante como un bufón de la corte, pero trágico como un hombre que lidia con sus dones, y poco a poco comienza a darse cuenta del peso de sus propias palabras. El actor puede dar una gran actuación - un arrebato de última instancia en una cena de disfraces es puro teatro - pero a través de las dos líneas de tiempo él graba perfectamente a un hombre que encuentra la determinación de mantenerse fiel a sus creencias e instintos que finalmente resulta en su mejor trabajo. En estas verdades y belleza, Mank ofrece la "magia de las películas" a su manera única.

Filmada en un impresionante blanco y negro, Mank ofrece Hollywood en una multitud de grises. Construido sobre una actuación imponente de Gary Oldman, es inteligente, sofisticado, emocionante y difícil por turnos, y uno de los mejores filmes de Fincher.

Crítica Cinéfila: Tolkien

Biopic del escritor, lingüista y profesor universitario J.R.R. Tolkien (1892-1973), autor de "El Señor de los Anillos" y "El hobbit".

Tolkien es popularmente conocido por sus obras El Señor de los Anillos y Hobbit, pero lo que pocos saben sobre este conocido escritor es que antes de cumplir los 15 años ya hablaba varios idiomas, antes de cumplir 18 años ya había creado un idioma, y a los 23 años se convirtió en subteniente de los Fusileros de Lancashire durante la Primera Guerra Mundial. Estas y cada una de sus vivencias durante su juventud fueron lo que lo inspiraron a convertirse en el poeta, filólogo y novelista que muchos admiran. 

La historia se narra desde dos puntos de vista: la niñez y juventud de Tolkien, y durante sus días en medio de la Primera Guerra Mundial en la península turca de Galípoli. Entre saltos de tiempo, vemos a Tolkien arrivando junto a su madre y hermano a Rednal, a la edad de 8 años. A pesar de las situaciones económicas de su familia, la madre de Tolkien tenía la rutina de contarle historias de fantasía a sus hijos antes de dormir, y cuando un día ella muere inesperadamente, Tolkien comienza a escribir y dibujar historias cortas con criaturas que se le aparecían en las sombras. Debido a la ausencia de una figura materna, Tolkien y su hermano se mudan en un internado y asisten a la escuela King Edward's. En el internado, él conoce a Edith, quien se convertiría en el amor de su vida, y una de las pocas personas a quién le contaría de sus escritos y sus invenciones. Mientras que en la escuela conocería a Geoffrey Smith, un poeta frustrado y quien se convertiría en el mejor amigo de Tolkien, al aspirante a dibujante Robert Gilson y el joven compositor Christopher Wiseman. Junto a ellos crearían el T.C.B.S., un club entre ellos donde presentaban libremente sus nuevas creaciones artísticas, la cual perduró hasta que estallase la guerra. 

El extracto de la historia relacionada a la guerra sigue a Tolkien tratando de encontrar a su amigo Geoffrey, quien está sirviendo de subteniente, pero de quien no ha escuchado en varios días. A pesar de tener la "fiebre de las trincheras", Tolkien temía la muerte de su mejor amigo y prefirió exponerse para poder encontrar a Geoffrey.

Aunque la historia no sigue con exactitud la línea cronológica de los eventos que sucedieron en la vida de Tolkien, esta película es narrada con una ternura y elegancia que provoca ignorar si los hechos son reales o no. Parece ser narrada en un estilo romántico y trágico, donde cada subtrama lleva su propia meta hacia el protagonista, pero que principalmente se enfoca en la fuerza de voluntad y dedicación que Tolkien le prestaba a cada persona y eventualidad que entrase a su vida.

A pesar de la carga narrativa que se produce entre ambos sucesos que se sigue, los guionistas David Gleeson y Stephen Beresford procuran no estresar a la audiencia con contenido que fuese a distraer o resultase innecesario para lo que realmente importa en esta historia: conocer cuáles fueron los momentos de su vida que realmente lo catapultaron a escribir esas increíbles obras que todavía marcan la imaginación de muchos amantes de la lectura. Muy diferente a lo que el trailer pudiese hacer creer, muy poco se muestra a Tolkien escribiendo estos libros. Solo es al final cuando Tolkien ya ha logrado parte de su cometido, que su cerebro comienza a procesar todo como la posibilidad de una buena historia para antes de dormir.

Además del trabajo majestuoso realizado por el dúo de guionistas, el crédito mayor se lo lleva Nicholas Hoult, quien logra con grandeza encarnar y llevar en alto la personalidad y carácter de Tolkien en esta película. Con una apariencia atrayente y atractiva que sin duda favorece al propio Tolkien y su comportamiento inteligente, el actor parece compatible con este personaje tan particular. Hoult interpreta a Tolkien como una figura de gran espíritu e idealismo con un genio obvio para el lenguaje.

Del mismo modo que Collins, quien también logra transportar ese sufrimiento y orgullo al hacer que Edith parezca una combinación perfecta para la futura luminaria inteligente. A pesar de la visión tan masculina que tuvo esta película y que quizás la vida interior de Edith sigue siendo un misterio (como quizás podría haber sido para Tolkien), la seriedad e idealismo de este y los demás personajes son refrescantes, mostrados desde un punto de vista artístico, dando la impresión de que los protagonsitas parecían vivir entre versos de un poema, que saltaba entre sus emociones y lo que los impulsaba a seguir adelante sin importar las tragedias.

El director finlandés Dome Karukoski junto con el equipo de producción de diseño recrea la Inglaterra de principios del siglo XX de una manera extraordinariamente lujosa. Ya sean los molinos satánicos y las fábricas de Birmingham industrial, los terrenos de la escuela pública de Tolkien, las agujas de Oxford o incluso los salones de té donde a él y sus amigos les gustaba reunirse, todo se representa con detalles amorosos y fetichistas. Y todo esto llega a una altura increíble gracias a la fotografía de Lasse Frank, quien se encarga de marcar cada escena como si fuese una pintura a enganchar en una pared, sin importar cuan triste o trágico que fuese el momento, pero a la vez se complementa con la narrativa para mostrar las visiones que tenía Tolkien en medio de la guerra, que ya hayan sido causadas o no por la fiebre que lo consumía, fueron imágenes importantes para un futuro narrativo prometedor.

Tolkien es una mirada meticulosa y perspicaz a la tumultuosa juventud del autor de El Hobbit y The Señor de los Anillos. Mientras encaja perfectamente dentro de las convenciones de los respetables dramas biográficos del período británico, la bella película destaca los enormes ensayos que soportó: perder a ambos padres muy jóvenes, una historia de amor bloqueada, el trauma de la guerra de trincheras de la Primera Guerra Mundial, la muerte de sus mejores amigos, y su brillantez como erudito y creador incipiente.

Crítica Cinéfila: Extremely Wicked, Shockingly Vile and Evil

Ted Bundy fue uno de los asesinos en serie más peligroso de los años 70 pero, además de asesino fue un secuestrador, violador, ladrón y necrófilo. Su novia, Elizabeth Kloepfer, se convirtió en una de sus más fieles defensoras, negándose a creer la verdad sobre él durante años. La historia de sus numerosos y terribles crimenes contada a través de los ojos de Elizabeth.

Estados Unidos tiene un historial de asesinos seriales que siempre entran en las mismas características: obsesionados con la necrofilia, coleccionistas de partes de cuerpo, asesinatos a un género en específico que pueden o no ir conectados con un suceso de su propio pasado. Ted Bundy fue uno de los casos más sobresalientes debido a su actitud tan "encantadora" y un atractivo que, en vez de aterrorizar, provocaba que otras mujeres desearan también haber sido víctimas en su lista. El físico de Bundy es lo que hace que Zac Efron, conocido por personajes románticones, encantadores y llamador de masas femeninas.

Cuando observas el trailer de esta película, da la sensación de que esta se concentrará en los asesinatos que cometió Bundy y cómo logró mantener una relación amorosa con dos personas diferentes sin estas haberse convertido en víctimas más del asesino; sin embargo, la historia se enfoca en lo que pasó después de su última víctima, cómo una de ellas logró escapar y reportarlo a la policía; cómo Ted se declaró inocente hasta el final y no fue hasta que después de su juicio y fuese declarado culpable, él le confesó a su novia Elizabeth que él sí había asesinado a estas mujeres.

La real protagonista es Elizabeth, interpretada por Lily Collins, quien fue la novia de Ted durante los años en que asesino a más de 30 mujeres. Sin embargo, Elizabeth nunca se enteró de esto pues para ella, Ted era un hombre cariñoso y bondadoso que nunca lastimaría a ninguna mujer. Y mientras más se desarrollaba el caso en su contra, más ella tenía la necesidad de saber de él y si todo lo que las víctimas decían era verdad. Mientras tanto, Ted Bundy trataba de mantener su discurso como el único y verdadero. Después de despedir a su abogado porque sentía que no era lo suficientemente capaz de llevar su caso, decidió ser su propio defensor y así, junto a sus conocimientos de leyes y su sonrisa tan hipnotizante, ser el protagonista de la televisión nacional durante varios meses.

Ted Bundy siempre insistió en que era inocente de los brutales asesinatos que se le había acusado de cometer: en lo que a él se refería, era simplemente víctima de un trabajo policial incompetente y un mal momento. Lo que es provocativo sobre esta película del director Joe Berlinger es que, esencialmente, ha elaborado un biopic que el asesino en serie convicto se habría hecho a él mismo. 

Esta película audaz pero desigual intenta romper la vida interior del mentiroso patológico narcisista y violento presentando su historia de la misma manera compasiva y autoengrandeciente en que Bundy trató de vendérsela a otros, centrándose en la relación a largo plazo del hombre con Madre soltera Elizabeth Kloepfer. Zac Efron proyecta la cantidad justa de elegancia nerviosa y vacía, pero la idea de la película no ofrece suficientes dividendos, especialmente cuando se trata de reconciliar las distorsiones de la realidad de Bundy con el terror real que causó en los años 70.

Berlinger es mejor conocido por documentales como Paradise Lost y Brother's Keeper (ambos codirigidos con su socio creativo recientemente fallecido Bruce Sinofsky), y hace unos meses atrás lanzó a través de Netflix una docu-serie sobre Bundy llamada Conversations With A Killer. Pero en esta película, él cuenta una historia sobre cómo Bundy (Efron) corteja a Liz (Lily Collins), quien es instantáneamente golpeada por este hombre caballeroso y guapo que no parece molestarle que tenga un bebé. Pero su felicidad romántica es eventualmente interrumpida por el arresto de Bundy bajo la sospecha de que podría tener algo que ver con una serie de asesinatos en todo el noroeste de Estados Unidos.

Extremely Wicked, Shockingly Vile and Evil no es la primera película que trata de ubicarnos en el espacio de cabeza de un psicópata, pero Berlinger normaliza su tema de manera intrigante, e irónicamente la convierte en una película tradicional de un hombre inocente y falsamente acusado, con Bundy como el noble del guión. Es revelador (y un poco decepcionante para mí) que solo al final de la película se vea a Bundy cometer sus crímenes; antes de eso, la película es un retrato directo de una pareja feliz, que coloca al espectador dentro de la burbuja del engaño de Bundy.

Efron nunca deja escapar la máscara de Bundy, siempre proyectando la absoluta confianza del hombre en su propia inocencia. Lo fascinante de la actuación del actor es que siempre creemos que Bundy creía que no había matado a esas mujeres. No hay conflicto interno dentro del personaje, y Efron lo interpreta con una convicción tan firme que es monstruoso, precisamente porque no vemos ningún indicio de monstruosidad.

La presentación de Berlinger sobre el engaño de Bundy necesita una explicación de cómo este asesino podría engañar a Liz. En consecuencia, Collins tiene que caminar sobre la cuerda floja, demostrando el amor de su personaje por Bundy sin hacer que Liz parezca tan ingenua que se la vea estúpida.

En los primeros momentos de la película, Collins se hace la tarea de manera admirable, pero cuando comienza a centrarse en el juicio por asesinato de Bundy en Florida a fines de la década de 1970, Liz se convierte en una figura periférica cuya falta de voluntad para reconocer los crímenes de su novio se vuelve absurda. Collins y Berlinger quieren mostrar cómo Liz fue cegada por la devoción, pero el personaje no tiene suficiente dimensión para que podamos entender por qué todavía se siente atraída por él años después de que la relación terminó. Del mismo modo, nos presenta a otra persona importante en la vida de Bundy, su vieja amiga Carole Ann Boone (Kaya Scodelario), quien se convirtió en su amante y más ferviente defensora durante el juicio. Pero al igual que con Liz, Berlinger no puede elucidar lo que llevó a Carole Ann a ser su campeona. En lugar de humanizar estas relaciones, la película las hace aún más difíciles de creer.

Lo que queda es un concepto estructural muy inteligente que, en última instancia, no ofrece muchas ideas sobre la mente retorcida de Bundy. Berlinger se resiste a mostrar la naturaleza horrorosa de los asesinatos de Bundy hasta el acto final de Extremely Wicked para que la audiencia quede impactada por las cosas terribles que hizo este demonio guapo y encantador. En cierto sentido, Berlinger está tratando de acusarnos junto con personas como Liz y Carole Ann; Bundy nos ha seducido a todos. Pero a pesar de la convicción y la buena apariencia de Efron, nos da un inescrutable Bundy que nunca es comprensible. Este retrato, potencialmente nervioso, de un asesino en serie, demuestra ser extrañamente sangriento.

Hasta los Huesos (To the Bone)

Una joven anoréxica (Lily Collins) empieza un tratamiento poco convencional en un centro donde crea lazos con otros internos que también sufren trastornos alimentarios. (FILMAFFINITY)

El tema de la anorexia va más allá que un desorden alimenticio: es una enfermedad psicológica y social que afecta a miles de personas alrededor del mundo, quienes son motivados por otras miles de personas a través de las redes sociales. Si no me creen, entren a la página de Pro Ana y Pro Mía y admiren sus maravillosos consejos para adelgazar.

To the bone cuenta la historia de Ellen, una joven de 20 años que sufre de anorexia. Después de haber pasado por distintos doctores y haber sido suspendida de distintos centros de rehabilitación, su preocupada madrastra logra conseguirle un cupo con el grupo de rehabilitación del Dr. William Beckham, quien con sus métodos poco ortodoxos la obligará a recapacitar sobre su salud física y mental, y tratará de volver a encaminarla por el sentido de la vida. Una vez instalada en su nuevo hogar, conoce a otros jóvenes que, como ella, están ahí para no morir gracias a la anorexia, bulimia u otros desórdenes alimenticios.

De esta película es necesario resaltar la interpretación de Lily Collins, quien asumió el reto de adelgazar lo suficiente para poder aparentar ser una persona con problemas de este tipo. Con el físico adoptado, logra transmitir ese desgano y falta de fuerzas por las que pasan estas personas, pero también la actitud defensiva que posee el personaje y que saca totalmente a Lily de la zona de confort que ya ha establecido con sus demás papeles. Así mismo, la historia nos presenta otras personas con la misma problemática y técnicas particulares para poder adelgazar rápidamente, como vómito, ejercicios exagerados, almacenar la comida que deberían estar consumiendo, entre otros aspectos.

A pesar de que, en ocasiones, la historia se desenfoca de su idea original, no deja de ser un reflejo interesante sobre esta situación, cómo afecta al individuo y a las personas que le rodean, cómo es que las situaciones a su alrededor son contribuyentes de que él o ella sufran esta enfermedad, y cómo es influenciado por tantas vías, principalmente por el internet, para poder llegar a su cometido: tener la mínima cantidad de grasa corporal en el cuerpo.

El guión es la clave de esta historia, pero los aspectos técnicos pasaron desapercibidos por la sutileza y la sencillez de su desarrollo. En escenas claves para mostrar las personas huesudas y la delgadez extrema de sus protagonistas se utilizaron tomas de cámara específicas que fueron adecuadas y lo suficientemente realistas para mostrar la crudeza del asunto, pero ni la fotografía ni la musicalización tienen detalles en general que sean necesarios resaltar.

Esta película es una historia semiautobiográfica de la directora/guionista Martha Noxon, que aunque tiene escenas entretenidas y divertidas, también tiene sus momentos de reflexión. No tiene como propósito dar soluciones claves de cómo resolver esta problemática, pero sí a abrirle los ojos a su público y demostrar que no es una simple ñoñería de un niño o adolescente. El hecho de que sea narrada de una manera tan llana permite entender instantáneamente la travesía de Ellen y que su final siempre dependerá del camino que ella decida tomar: sus deseos por llegar a la delgadez extrema o el entendimiento de que quiere vivir.

Okja

Durante 10 idílicos años, la pequeña Mija (An Seo Hyun) ha sido la cuidadora y compañera de Okja, un gigantesco animal y una gran amiga, en su casa de las montañas en Corea del Sur. Pero todo cambiará cuando la gran multinacional familiar Mirando Corporation se lleve a Okja para trasladarla a Nueva York, donde la narcisista y egocéntrica CEO Lucy Mirando (Tilda Swinton) tiene grandes planes para la mejor amiga de Mija. Sin ningún plan pero con un claro objetivo en mente, Mija viaja a Estados Unidos y emprende una peligrosa misión de rescate que se complicará aún más cuando se tope con diversos grupos de capitalistas, manifestantes y consumidores que también luchan por controlar el destino de Okja. (FILMAFFINITY)

La fórmula de humor negro, aventura, thriller y denuncia social no pudo haberle quedado mejor a Bong Joon-Ho para su drama satírico titulado Okja. Me atrevo a decir que es una de mis películas favoritas de este año.

La trama está desarrollada desde dos perspectivas: la niña Mija y su supercerda Okja, quienes viven muy felices y libres en las montañas de Corea del Sur junto al abuelo de Mija. Y por otro lado está la compañía Mirando, liderada por la excéntrica Lucy Mirando, quien trata de limpiar el nombre de su familia creando una nueva línea de productos de consumo humano, hechos a base de (¡adivinen!) los supercerdos que “encontraron” en algún lugar de Chile (en realidad fueron una creación genética, como una mezcla de cerdos e hipopótamos). Para iniciar la producción se deberán esperar 10 años a que estos animales crezcan, se reproduzcan apropiadamente y realizar un concurso del animal que haya llegado a un crecimiento saludable próspero, y adivinen quién lo logró… El conflicto inicia cuando Okja es forzosamente separada de Mija, para ser trasladada a Estados Unidos y comenzar los procesos de producción, y Mija decide perseguirla y rescatarla, con la ayuda repentina del grupo Frente Liberal Animal (ALF/Animal Liberal Front). 

Cada personaje de esta historia tiene un tratamiento muy distintivo que a algunos los adorarán como a otros los odiarán. Exclusivamente debo resaltar la actuación de Ahn Seo-hyun, interpretando a Mija, que no solo tiene la tarea de mantener una química adorable y majestuosa con su Okja, sino también por su carácter determinante para recuperar a su animal, aunque esto signifique lanzarse de un puente hasta el camión donde está encerrado o entrarse al Mirando Corporation a impedir que sea asesinada. Por lo demás, el resto del elenco tiene interpretaciones que rondan entre lo satírico y lo grotesco. El papel de Jake Gyllenhaal será quizás el más odiado, pues se sale de lo que ha interpretado anteriormente; no obstante, me gusta que se sale de su zona de confort y hace un personaje bien extravagante que lo forza a cambiar hasta su forma de hablar. Por otro lado, no me gustó el personaje de Tilda Swinton, porque es muy confuso y no se termina de decidir de si es mala o es buena; no es hasta después de la mitad que descubrimos la verdad de todo este lío.

Esta es una película visualmente hermosa, gracias a las tonalidades brillantes que se utilizan en casi todas las escenas, lo cual hace la película atractiva, aún en los momentos gráficamente grotescos. Se nota el cuidado fotográfico y visual que tuvo el equipo de producción para montar cada una de las secuencias de este filme, especialmente aquellas que fueron desarrolladas en las montañas de Corea del Sur, el túnel en Seoul y la fábrica de Mirando Corporation. La fotografía está acompañada de una musicalización gitana que provoca tensión pero a la vez entretenimiento en medio de cada una de las persecusiones en busca y recuperación de Okja.

Aunque es una historia muy divertida, el verdadero propósito de este filme es una denuncia social en contra de las empresas productoras de alimentos procesados, por el maltrato animal que hay en cada uno de sus procesos. Por más grotesco y exagerado que parezcan algunas escenas, no es menos de lo que en realidad hacen grandes corporaciones que se han hecho famosas matando animales de la manera más cruel posible. A pesar de que el director se cuida bastante de no volver esta cinta un acto salvaje y caníbal, sí hace un llamado de atención de la situación y se encarga de mostrar los verdaderos responsables de esto.

Okja es una película responsable y merecedora de respeto, pues a través de su llamativa fotografía y musicalización, tiene el propósito de crear conciencia y enseñar que hasta el más extravagante animal siente y se da cuenta de cómo se convierte en parte de la pirámide alimenticia del ser humano.