Crítica Cinéfila: The Fabelmans

Película semiautobiográfica de la propia infancia y juventud de Spielberg. Ambientada a finales de la década de 1950 y principios de los años 60, un niño de Arizona llamado Sammy Fabelman, influido por su excéntrica madre artista (Michelle Williams) y su pragmático padre ingeniero informático (Paul Dano), descubre un secreto familiar devastador y explora cómo el poder de las películas puede ayudarlo a contar historias y a forjar su propia identidad.

Ningún director ha hecho más por deconstruir el mito de la familia americana suburbana que Steven Spielberg. Se han escrito disertaciones y se han realizado documentales sobre el tema. Y ahora, a sus 75 años, el propio Spielberg opina sobre el origen de sus preocupaciones en "The Fabelmans", un relato personal de su crianza que se siente como escuchar dos horas y media de una lista de anécdotas de fiestas, sólo que mejorado, ya que se ha tomado la molestia de escenificarlas todas para nuestro beneficio. Spielberg es un narrador nato, y estas son posiblemente sus historias más preciadas.

Desde la primera película que vio ("The Greatest Show on Earth") hasta los recuerdos de su encuentro con el cineasta John Ford en el lote de Paramount, este relato entrañable y ampliamente atractivo de cómo Spielberg quedó amarrado a la industria del cine y por qué el prodigio casi abandonó la industria antes de que comenzara su carrera, contiene las claves de gran parte de la filmografía del maestro. Más similar a la autobiográfica "Radio Days" de Woody Allen que a películas de arte europeas como "The 400 Blows" y "Amarcord", "The Fabelmans" invita al público a la casa y el espacio mental del director vivo más querido del mundo, una zona extrañamente higienizada donde incluso el trauma, que incluye el antisemitismo, la desventaja financiera y el divorcio, parece mejorar si es visto como un entretenimiento.

Ahora, el que ha crecido con las películas de Spielberg, seguro se ha dado cuenta de ciertos temas recurrentes, especialmente en la forma en que los padres se relacionan con sus hijos. Ya sea que se trate de un padre emocionalmente distante que deja que su familia se desmorone en "Close Encounters of the Third Kind" o de un Peter Pan adulto que lucha por sus hijos en "Hook", esos lazos claramente importan en las ficciones en pantalla de Spielberg porque las mismas conexiones se rompieron en su realidad fuera de la pantalla. Aquí, el director comparte cómo era su propia familia, mientras deja espacio para una cierta cantidad de licencia creativa.

Papá es un ingeniero llamado Burt (Paul Dano) cuyo trabajo inicial en el campo de la informática obliga a los Fabelman a mudarse de casa varias veces durante unos años, desde Nueva Jersey hasta Arizona y el norte de California. Michelle Williams interpreta a su madre más emocionalmente sensible, Mitzi, que podría haber sido una concertista de piano, haciendo todo lo posible para fomentar los intereses creativos de su hijo Sam (Gabrielle LaBelle). 

Mamá tiene una capacidad similar para psicoanalizar a sus hijos, reconociendo cómo el pequeño Sammy (interpretado por Mateo Zoryon Francis-DeFord en las primeras escenas) parece no poder manejar un choque de trenes que presenció en "The Greatest Show on Earth". Todo es solo una película, por supuesto, pero antes de que pueda continuar, el niño se ve obligado a reconstruir cómo se logró el efecto utilizando un tren modelo, grabándolo con su cámara de 8 mm. Y así nace un cineasta, con una anécdota que relaciona los orígenes de Spielberg con la historia apócrifa de la “The Arrival of a Train” de los hermanos Lumière que asombró a las primeras audiencias del cine y las hizo saltar de sus asientos.

Qué divertido debe haber sido para el director recrear sus primeros experimentos frente a la cámara, desde envolver a sus hermanas en papel higiénico para una película de momias hasta "Escape to Nowhere", la película de guerra de 40 minutos que el Boy Scout hizo con sus amigos. Al verlo filmar este último, es difícil no pensar en "Super 8", producido por Spielberg, que presentaba a un grupo de cineastas aficionados menores de edad aprendiendo por sí mismos las cuerdas (o mejor aún, "Raiders!", el encantador documental de 2015 sobre niños que intentaron hacer una nueva versión toma por toma de la primera película de “Indiana Jones”).

Para cierto tipo de personalidad, el cine es una compulsión contagiosa, y es entretenido ver cómo le picó el gusanillo del interés a Spielberg, aunque una dosis de irreverencia podría haber sido más eficaz, apoyándose en lo adorablemente torpes que fueron esos esfuerzos. En cambio, Spielberg y el director de fotografía Janusz Kaminski dan la impresión de que estas primeras películas estaban mucho más pulidas. Aquellos que buscan huevos de Pascua probablemente se deleitarán con la forma en que algunas de las técnicas características de Spielberg (como mostrar una cara que reacciona ante algo increíble antes de cortar con lo que la persona está viendo) se remontan a estos experimentos. ¿Quién hubiera pensado que la apertura de Normandy Beach de "Saving Private Ryan" podría tener sus raíces en "Escape to Nowhere", por ejemplo?

La película toma un giro serio cuando Sam hace un descubrimiento alarmante entre las imágenes que tomó de un viaje de campamento familiar, como si el pequeño Spielberg hubiera entrado temporalmente en "Blow Up" de Antonioni o algo así. Este dilema moral surge al mismo tiempo que el tío abuelo de Sam, Boris (Judd Hirsch), llega para dar una charla sobre cómo el arte y la familia no se mezclan, una de esas maravillas de una sola escena, como Bradley Cooper en "Licorice Pizza", que deja una impresión imborrable. Lo siguiente que se sabe es que los Fabelman se están mudando de nuevo, abandonando al tío honorario Bennie (Seth Rogen) en Arizona, solo para volver a conectarse con la malhumorada abuela Hadassah (Jeannie Berlin) una vez que llegan a California.

Mudarse nunca es fácil para los niños, pero a menudo es más difícil cuando sucede durante el último año, como lo experimenta Sam. Hasta ahora, Spielberg no ha compartido gran parte de la vida escolar, pero durante la próxima hora, "The Fabelmans" sigue a Sam a clase. Imagine un cruce entre la nostálgica y fantástica “American Graffiti” de George Lucas y la ligeramente caricaturesca “Back to the Future”, producida por Spielberg. En su nueva escuela secundaria de California, Sam es acosado por deportistas que le hacen la vida complicada por ser judío; se enamora superficialmente de una chica cristiana rica llamada Monica (Chloe East), y se da cuenta de algo notable sobre el poder del cine para influir en el público, un superpoder que promete mantener en secreto, "a menos que haga una película sobre eso" algún día, dice Sam, ganándose la risa más grande de la película.

Durante años, Spielberg responsabilizó públicamente a su padre por la ruptura del matrimonio de sus padres, pero "The Fabelmans" pinta un cuadro muy diferente. El recién llegado LaBelle de diecinueve años está bien como Sam, aunque Spielberg ha tenido un historial tan bueno con actores jóvenes (Henry Thomas, Haley Joel Osment, Tye Sheridan) que esta elección se siente un poco plana. Claramente está más centrado en hacer lo correcto por sus padres, haciendo todo lo posible para darle a Williams las grandes oportunidades de actuación: un delirante baile nocturno, múltiples recitales de piano y una escena de reconciliación madre-hijo donde ella le dice al niño: “Haces lo que tu corazón dice que tienes que hacer para no deberle la vida a nadie”.

Al analizar las otras películas de Spielberg, uno tiene la sensación de que ha estado ocultando los hechos de su propia educación detrás de familias ficticias. Irónicamente, por la forma en que se presentan, los Fabelman en realidad se sienten bastante "normales", incluso al estilo de Norman Rockwell. Con ese fin, la forma conservadora y ligeramente artificial de Kaminski de filmar esta película, se inspira en los dramas domésticos de mediados de siglo. ¿Fueron Arthur y Leah Spielberg (a quienes está dedicada la película) realmente tan tradicionales como aparecen aquí, o al hacer “The Fabelmans”, no pudo resistirse a torcer la realidad más cerca del tipo de familia nuclear funcional que ha estado idealizando todo el tiempo?

Crítica Cinéfila: The Batman

En el segundo año de su lucha contra el crimen, Batman investiga la corrupción que recorre Gotham City y cómo conduce hasta su propia familia, mientras se enfrenta a un asesino conocido como Enigma.

¿Qué tan sombría puede llegar a ser una película de Batman? En la década de 1960, las aventuras del hombre murciélago eran muy caricaturescas sobre todo por los calzoncillos sobre las mallas. Pero luego Tim Burton demostró que podían ser góticos y malhumorados; Christopher Nolan demostró que podían ser políticos y contemporáneos; y Zack Snyder hizo todo lo posible para lograr una versión apocalíptica. 

The Batman, dirigida y coescrita por Matt Reeves, es la más sombría de todas. Después de todo, tiene el "el" adicional en el título y, como te dirán los creadores de The Wolverine y Joker, si quieres demostrar que tu película de superhéroes es seria, agregar o restar un "el" es el camino idóneo. Esta es una película en la que el humor está estrictamente prohibido. Hay tan poco color que bien podría ser en blanco y negro. Y en lugar del jingle "Batman" de Neal Hefti, la música consiste en Something in The Way de Nirvana, Ave Maria de Schubert y un riff fúnebre de cuatro notas, del compositor Michael Giacchino, que recuerda tanto a Tiburón como a Darth Vader. Definitivamente pudo haber sido la mejor y más atmosférica interpretación cinematográfica de Gotham City hasta el momento, pero no lo fue y por tanto, no es la más original.

No esperes ninguna ligereza de Batman tampoco. Haciendo otra de sus elecciones de actuación admirablemente audaces, Robert Pattinson parece estar aún más incómodo, exhausto y con náuseas que en Crepúsculo, con los ojos medio cerrados y la voz como un murmullo, como si se estuviera recuperando lentamente de un fin de semana de intoxicación. Cuando Batman está husmeando en los bajos fondos de Gotham con el teniente Jim Gordon (Jeffrey Wright), parece que preferiría estar en casa. Y cuando está en casa como Bruce Wayne, es un recluso hosco y pálido que ni siquiera tiene una palabra amable para Alfred (Andy Serkis), su mayordomo cojo y lleno de cicatrices. En su voz en off de apertura, Wayne dice que "el miedo es una herramienta", pero no hay nada más aterrador en un luchador contra el crimen que siempre parece preferir estar debajo del edredón con una taza de chocolate.

Aún así, tal vez eso es lo que le hace la vida en Gotham City a cualquier persona que habite allí. Aparte de algunos distritos dudosos aquí y allá, Gotham era una metrópolis próspera en las películas de Batman de Nolan, pero aquí es una jungla urbana sucia y desesperada, plagada de vicio y corrupción desde sus sórdidos funcionarios hasta sus matones callejeros. Siempre llueve, el cielo siempre está gris e incluso en el interior las lámparas son demasiado débiles para disipar las sombras. 

Insisto... pudo haber sido la mejor ciudad de Gotham antes vista; ciertamente puedes ver por qué el lugar necesita los servicios de Batman, pero no es recordable. La inspiración obvia es Se7en de David Fincher, otra película ambientada en una realidad alternativa donde no hay bombillas de 100 watts. La voz en off de Batman parece estar inspirada en el diario de Rorschach de los cómics de Watchmen, y hay similitudes inevitables con las películas anteriores, pero The Batman toma tanto prestado de Se7en que apenas califica como una película de superhéroes. Es más un misterio de asesino en serie sombrío y discreto en el que uno de los detectives está disfrazado sin ninguna razón en particular porque tampoco actúa como superhéroe lo suficiente para justificarse.

El Acertijo (Paul Dano) no es un tonto extravagante con un bombín y un leotardo verde brillante, es un sádico con gafas y traje impermeable sacado aparentemente de la franquicia Saw. El Pingüino (Colin Farrell, irreconocible bajo su maquillaje protésico) aún tiene que adoptar su característico monóculo, sombrero de copa y paraguas, por lo que es más un aspirante a Al Capone que un supervillano cacareante como alguna vez lo logró el clásico Danny DeVito. Y Catwoman (Zoë Kravitz), una camarera ruda y astuta con una actividad adicional en robos, no se parece en nada a las seductoras teatrales ronroneantes interpretadas por Michelle Pfeiffer, Anne Hathaway o Halle Berry. En cuanto a la trama, no estoy segura de haberla seguido en su totalidad, pero tiene algo que ver con la vendetta de Riddler contra los grandes y "buenos" de Gotham, y algo que ver con una picadura de drogas que sucedió años antes e involucró a un jefe de la mafia llamado Carmine Falcone (John Turturro). Esta es en gran medida una historia de Batman de bajo riesgo, sin un peligro significativo para Gotham City, y mucho menos para el resto del mundo. La única amenaza fue una posible inundación que aparentemente ocurrió.

La mayor parte de la acción es lenta, los giros no son exactamente impactantes, y Riddler no es tan aterrador o tan ingenioso como lo fue el Joker de Heath Ledger. Pero, a su manera, The Batman sigue siendo impresionante. Por sombrías que fueran las películas de Burton, Nolan y Snyder, Reeves y su equipo han creado su propia variedad distintiva y elegante de severidad, y se comprometen a hacerlo durante tres horas enteras, a pesar de que una hora está de más y no hay suficiente sangre para justificar la oscuridad y tono de la historia. 

Además, el enfoque decididamente severo de Reeves es extrañamente relajante. En un momento en que el éxito de taquilla estándar de superhéroes presenta alienígenas omnipotentes que amenazan la Tierra, el Universo e incluso el multiverso con la destrucción, es un alivio sumergirse en una fantasía noirish que es más cercana en escala y tono a un episodio de un policía de televisión prestigioso. Esta es en gran medida una historia de Batman de bajo riesgo, sin un peligro significativo para Gotham City, y mucho menos para el resto del mundo. Todo lo que nuestro héroe tiene que hacer es resolver algunos acertijos simples y golpear a algunos asaltantes de clubes nocturnos, y así, a pesar de la atmósfera siniestra, nunca tendrás que preocuparte de que pueda fallar. Puedes simplemente relajarte y dejar que siga adelante. Pero es muy difícil hacerlo sin quejarse en el camino. La química entre Zoë y Robert en escena es extremadamente incómoda, hay escenas innecesarias y la exposición no permite a la audiencia predecir nada en el supuesto misterio.

La película tiene algunos destellos de diversión en la oscuridad. La puntiaguda Gatúbela de Kravitz y el bullicioso Pingüino de Farrell son lo suficientemente caricaturizados como para contrarrestar la melancolía de Batman; es una pena que no tengan más que hacer. Hay algunos guiños inteligentes a la historia del personaje, y el diálogo tiene algunas líneas concisas sobre el privilegio de clase y las diferencias entre un justiciero y un héroe. La historia también termina con una nota conmovedoramente optimista, lo cual es inusual para una película de Batman. Quién sabe, tal vez el próximo no sea tan sombrío. Pattinson podría incluso esbozar una sonrisa. Pero yo no apostaría por ello ni por una secuela.

Crítica Cinéfila: The Guilty

En el transcurso de una jornada en una central de emergencias del 911, el operador Joe Bayler (Gyllenhaal) intenta salvar de un grave peligro a una mujer que ha llamado.

El hecho es que Fuqua cambia muy poco en lo que equivale a un remake bastante directo de una película ansiosa y de gestión de crisis de adrenalina, una que rastrea un secuestro más complejo de lo que parece desde la perspectiva limitada de los servicios de emergencia en conflicto.

Transferido de Copenhague a Los Ángeles, donde se desarrolla en medio de un enorme incendio forestal, "The Guilty" está protagonizado por Jake Gyllenhaal y casi nadie más (Riley Keough, Paul Dano y Ethan Hawke prestan sus voces, pero son los grandes ojos azules de Gyllenhaal los que estamos observando durante la mayor parte de los 90 minutos). La cámara casi nunca deja a Gyllenhaal, que interpreta a Joe Baylor, un policía que ha sido degradado temporalmente de patrullar las calles a responder llamadas en un centro de comunicaciones del 911 después de un incidente donde un civil resulto muerto.

Mientras que los otros operadores hacen su mejor esfuerzo profesional y adecuado, Joe va más allá. Si un gato se queda atrapado en un árbol, puedes imaginarlo enviando a todo el departamento de bomberos para salvarlo (y no olvides que están muy ocupados lidiando con los incendios forestales que arrasan las pantallas de noticias de televisión), o bien transfiriendo la llamada a su iPhone y conduciendo hasta allí para rescatarlo él mismo. Al mirar, no puede evitar desear que los operadores de telefonía de U-verse fueran tan dedicados, en lugar de ponerlo en espera durante 45 minutos y seguir sin resolver su problema.

Joe anhela la acción, y estar atrapado en un escritorio no le impedirá rastrear a los malos. No se equivoque: esta es una película de acción, incluso si la acción se limita en gran medida a las yemas de los dedos de Joe: la forma en que el pánico atiende una llamada, los botones de marcación rápida que presiona para llamar a la Patrulla de Caminos de California o al Departamento de Policía de Los Ángeles. Sus dígitos se mueven constantemente. Mientras tanto, Joe suda, jura, frunce el ceño y flexiona los brazos. Se supone que debes estar mirando su rostro, pero incluso todo su cuerpo actúa.

"The Guilty" sigue siendo una versión fiel del debut del director Gustav Möller en la tarjeta de presentación, una ruptura del Festival de Cine de Sundance 2018 que fue seleccionada como presentación de Dinamarca (y luego preseleccionada) en la carrera internacional de largometrajes a los Oscar. El proyecto se originó como un escrito ajustado: un truco astuto en un solo lugar que nos coloca en la posición de mucho estrés de escuchar pero no ver una situación aterradora de abuso doméstico a medida que se desarrolla. Comienza con una llamada de socorro de una mujer secuestrada (en este caso, Emily de Keough) que finge hablar con su hija de 6 años y, al permitirnos escuchar ambos lados de la conversación, hace girar todo un escenario en nuestro imaginaciones.

Cuanto menos sepa el público sobre los cambios que se avecinan, mejor. Como "Buried" o "Searchinv", la película aprovecha al máximo sus limitaciones. Pero hay un gran error de cálculo en la forma en que Gyllenhaal la interpreta, muy diferente de la energía de “mantener la calma y continuar” de la actuación de Jakob Cedergren en la película anterior. Fuqua no aborda esto como una llamada al 911 como de costumbre, sino como una emergencia de vida o muerte en toda regla. Los Ángeles puede estar ardiendo en el fondo, pero Joe Baylor ha optado por tratar el secuestro con la urgencia de un final de temporada.

¿Por qué está tan comprometido con resolver esta crisis en particular? ¿Por qué insiste, cuando habla con la hija de Emily, en decirle a la niña preocupada que la policía “protege a la gente”? La película se titula "The Guilty", recuerde, y Fuqua duplica la noción de que la conciencia de Joe está alborotada y que esta llamada podría marcar la diferencia al decidir la audiencia en la corte en la que está programado para comparecer al día siguiente.

La sociedad necesita policía, parece decir el subtexto políticamente comprometido de esta película, pero ¿qué sucede cuando el contrato social se rompe? Sí, se supone que la policía debe ayudar a la gente, pero a veces no lo hace, más a menudo que el sistema está dispuesto a admitir. ¿Y cómo recuperan la confianza del público cuando eso sucede? Dejando a un lado las mejores intenciones, tal vez Joe Baylor no sea un policía héroe claro. Quizás la emergencia de Emily no sea tan sencilla como parece.

Al igual que el personaje de Gene Hackman en "The Conversation" de Francis Ford Coppola, Joe podría estar interpretando la situación para que se adapte a su propia agenda, respondiendo a lo que necesita oír para redimirse. Ese es un giro complejo en la típica película de policías, que aporta capas a "The Guilty" que la convierten en algo más que una película policiaca. Gyllenhaal profundiza en el personaje, que es tan torturado como los más llamativos que interpretó en "Velvet Buzzsaw" y "Nightcrawler".

Gyllenhaal es impresionante, y "The Guilty" funciona gracias a su nivel de intensidad. Y la idea de que toda la emoción de esta noche pueda llevarlo a tomar la decisión que hace en su propia vida empuja la fantasía moral un paso más allá.

Okja

Durante 10 idílicos años, la pequeña Mija (An Seo Hyun) ha sido la cuidadora y compañera de Okja, un gigantesco animal y una gran amiga, en su casa de las montañas en Corea del Sur. Pero todo cambiará cuando la gran multinacional familiar Mirando Corporation se lleve a Okja para trasladarla a Nueva York, donde la narcisista y egocéntrica CEO Lucy Mirando (Tilda Swinton) tiene grandes planes para la mejor amiga de Mija. Sin ningún plan pero con un claro objetivo en mente, Mija viaja a Estados Unidos y emprende una peligrosa misión de rescate que se complicará aún más cuando se tope con diversos grupos de capitalistas, manifestantes y consumidores que también luchan por controlar el destino de Okja. (FILMAFFINITY)

La fórmula de humor negro, aventura, thriller y denuncia social no pudo haberle quedado mejor a Bong Joon-Ho para su drama satírico titulado Okja. Me atrevo a decir que es una de mis películas favoritas de este año.

La trama está desarrollada desde dos perspectivas: la niña Mija y su supercerda Okja, quienes viven muy felices y libres en las montañas de Corea del Sur junto al abuelo de Mija. Y por otro lado está la compañía Mirando, liderada por la excéntrica Lucy Mirando, quien trata de limpiar el nombre de su familia creando una nueva línea de productos de consumo humano, hechos a base de (¡adivinen!) los supercerdos que “encontraron” en algún lugar de Chile (en realidad fueron una creación genética, como una mezcla de cerdos e hipopótamos). Para iniciar la producción se deberán esperar 10 años a que estos animales crezcan, se reproduzcan apropiadamente y realizar un concurso del animal que haya llegado a un crecimiento saludable próspero, y adivinen quién lo logró… El conflicto inicia cuando Okja es forzosamente separada de Mija, para ser trasladada a Estados Unidos y comenzar los procesos de producción, y Mija decide perseguirla y rescatarla, con la ayuda repentina del grupo Frente Liberal Animal (ALF/Animal Liberal Front). 

Cada personaje de esta historia tiene un tratamiento muy distintivo que a algunos los adorarán como a otros los odiarán. Exclusivamente debo resaltar la actuación de Ahn Seo-hyun, interpretando a Mija, que no solo tiene la tarea de mantener una química adorable y majestuosa con su Okja, sino también por su carácter determinante para recuperar a su animal, aunque esto signifique lanzarse de un puente hasta el camión donde está encerrado o entrarse al Mirando Corporation a impedir que sea asesinada. Por lo demás, el resto del elenco tiene interpretaciones que rondan entre lo satírico y lo grotesco. El papel de Jake Gyllenhaal será quizás el más odiado, pues se sale de lo que ha interpretado anteriormente; no obstante, me gusta que se sale de su zona de confort y hace un personaje bien extravagante que lo forza a cambiar hasta su forma de hablar. Por otro lado, no me gustó el personaje de Tilda Swinton, porque es muy confuso y no se termina de decidir de si es mala o es buena; no es hasta después de la mitad que descubrimos la verdad de todo este lío.

Esta es una película visualmente hermosa, gracias a las tonalidades brillantes que se utilizan en casi todas las escenas, lo cual hace la película atractiva, aún en los momentos gráficamente grotescos. Se nota el cuidado fotográfico y visual que tuvo el equipo de producción para montar cada una de las secuencias de este filme, especialmente aquellas que fueron desarrolladas en las montañas de Corea del Sur, el túnel en Seoul y la fábrica de Mirando Corporation. La fotografía está acompañada de una musicalización gitana que provoca tensión pero a la vez entretenimiento en medio de cada una de las persecusiones en busca y recuperación de Okja.

Aunque es una historia muy divertida, el verdadero propósito de este filme es una denuncia social en contra de las empresas productoras de alimentos procesados, por el maltrato animal que hay en cada uno de sus procesos. Por más grotesco y exagerado que parezcan algunas escenas, no es menos de lo que en realidad hacen grandes corporaciones que se han hecho famosas matando animales de la manera más cruel posible. A pesar de que el director se cuida bastante de no volver esta cinta un acto salvaje y caníbal, sí hace un llamado de atención de la situación y se encarga de mostrar los verdaderos responsables de esto.

Okja es una película responsable y merecedora de respeto, pues a través de su llamativa fotografía y musicalización, tiene el propósito de crear conciencia y enseñar que hasta el más extravagante animal siente y se da cuenta de cómo se convierte en parte de la pirámide alimenticia del ser humano.