Crítica Cinéfila: September 5

Durante los Juegos Olímpicos de Múnich de 1972, el equipo de periodistas deportivos estadounidenses de la ABC que cubrían los juegos se vieron de repente obligados a cubrir la crisis de los rehenes de los atletas israelíes secuestrados por un grupo terrorista.

Una historia que no parece nueva (y que ya se exploró en “Munich” de Steven Spielberg) puede ser una barrera de entrada para algunos espectadores. Pero “September 5” del director suizo Tim Fehlbaum, que lleva al público al interior de la sala de control de ABC News, hermética y con poco aire acondicionado, mientras los terroristas se apoderaban de los Juegos Olímpicos de Verano de 1972 a escasos metros de distancia, es una representación cautivadora y singular que se sostiene por sí misma.

En 94 minutos, Fehlbaum pasa del caos que se desata en el exterior a centrarse únicamente en el puñado de productores y técnicos deportivos que se ven obligados a improvisar mientras ocho militantes palestinos, conocidos como Septiembre Negro, toman como rehenes al equipo olímpico israelí. Los 11 rehenes son asesinados. Sin embargo, abordar la película con esa perspectiva histórica no impide la tensión en pantalla, aunque la indagación psicológica de “September 5” sobre la crisis y cómo transformó las noticias de televisión, y cómo esa misma cobertura televisiva puede haber impulsado una pesadilla hacia su peor horizonte posible, es ocasionalmente superficial y menos penetrante.

El argumento principal es la actuación convincente y acertada del incondicional John Magaro como Geoff Mason, un productor advenedizo que de repente se encuentra al mando de toda la cobertura de una cadena, y mucho más allá de su nivel salarial. En otro lugar del equipo de noticias estadounidense está Peter Sarsgaard como Roone Arledge, que moviliza a su personal una vez que se escuchan disparos mientras los Juegos Olímpicos de Múnich entran en su segunda semana. La toma de rehenes ocurrió el 5 y 6 de septiembre, cuando los juegos comenzaban el 26 de agosto, y en un momento en el que Alemania todavía estaba tratando de renovar su imagen global después de las secuelas persistentes de la Segunda Guerra Mundial.

Leonie Benesch, la maravillosa actriz que dirigió la nominada al Oscar al mejor largometraje internacional de 2024, “The Teachers' Lounge”, interpreta a la única miembro del equipo que habla alemán, asignada para actuar como traductora, pero que sus colegas masculinos la dejan de lado repetidamente. En un momento dado, le piden que traiga café para los muchachos, mucho después de que ya se haya establecido como una presencia esencial en la sala. “September 5”, escrita por Fehlbaum con el escritor alemán Moritz Binder, roza apenas ligeramente la dinámica de género regresiva en retrospectiva que era de rigor en la sala de redacción y más allá. Sin embargo, Marianne (Benesch) nunca se derrumba bajo las fuerzas de una olla a presión mientras un equipo de noticias dominado por hombres grita las órdenes.

De arriba a abajo, “September 5” es una proeza técnicamente impresionante, con el director de fotografía Markus Förderer filmando en lo que parece ser un celuloide que se empalma casi a la perfección con el metraje de archivo real en 16 mm del presentador de Wide World of Sports Jim McKay y de la propia crisis de los rehenes. La parte inferior del realismo fabricado solo desaparece en los momentos en que la cámara de mano de Förderer hace un zoom rápido y brusco sobre los rostros en primer plano; llamémoslo el estilo de filmación de docudrama de Adam McKay que definió series como “Succession”, colocándonos directamente en el punto de vista de los personajes y, al mismo tiempo, aunque sin intención, resaltando su artificio debido a ello.

“September 5” plantea un intrigante problema ético sobre la complicidad involuntaria de ABC News en lo que sucedió, ya que finalmente se revela que los terroristas de Septiembre Negro estaban viendo la transmisión de ABC desde la habitación del hotel donde habían atrapado a los atletas israelíes. ¿Geoff y Roone están ayudando o perjudicando la causa al enfocar sus cámaras al terror, exigiendo la siguiente gran toma?

Como revelan los títulos de cierre, 900 millones de personas vieron la cobertura informativa de la situación de los rehenes de 1972, que terminó en una masacre en Fürstenfeldbruck, la base aérea de la OTAN en Alemania Occidental, incluso después de que informes de noticias falsas y editados por Alemania sugirieran lo contrario. “Munich” de Steven Spielberg de 2005, su drama protagonizado por Eric Bana como el agente judío alemán del Mossad asignado para liderar la carga para acabar con los terroristas, se sumergió en el derramamiento de sangre visceral y moral en el terreno. “September 5” apenas sale de la sala de control, que se convierte en un microcosmos de las responsabilidades éticas de la cobertura informativa del tipo “si sangra, lidera” contra un reloj que corre.

En un momento dado, Geoff prácticamente se encarga de la dirección artística de la cobertura, y uno de sus colegas lo califica en broma de “Kubrick”. Pero, ¿cuán lejos está eso de la realidad cuando Geoff es el director de la colocación de las cámaras y de los cortes? Magaro, que se pudre bajo el calor de su propio cuello bien abotonado, es un protagonista cautivador, aunque por lo demás un enigma más allá de quién es en esta misma sala. Fehlbaum te invita a replantear estos acontecimientos, y el conocimiento que aportas a ellos, a través de los acontecimientos que actualmente han tomado lugar en Gaza por cuestiones que parecen muy similares: aquí, la causa de Septiembre Negro es exigir que la nación israelí libere a 200 de sus propios rehenes palestinos, o de lo contrario asesinan a un rehén israelí por cada hora que no se les paga su rescate. Al igual que la película en sí, la investigación de Fehlbaum sobre la crisis israelí-palestina no sale de esta sala, y “September 5” es mejor por ello.

Lo más cautivador son los fragmentos de noticias reales capturados por ABC (ganadores de un Emmy), que el editor Hansjörg Weißbrich combina en la recreación dramática. Una imagen de un terrorista enmascarado asomándose desde el balcón del hotel es tan inquietante como cualquier otra puesta en escena en esta película. El actor Benjamin Walker interviene para interpretar al presentador de noticias Peter Jennings, quien observó la situación de los rehenes de cerca incluso cuando la policía alemana amenazó con detenerlo y finalmente cerró todo el equipo de noticias. Los fragmentos de la voz real de Jennings, junto con la de Jim McKay, se suman al realismo de la película. Lo que hace que los eventos actuales que ya están en primer plano desde el primer cuadro sean aún más escalofriantes.

No hay mucho que “September 5” pueda lograr en una sala, en un metraje tan (inteligentemente) económico. Los espectadores que esperan declaraciones grandilocuentes sobre los medios y cómo la cobertura puede distorsionar o contextualizar una tragedia (y a menudo nunca sabríamos las diferencias) se quedarán con las manos vacías, o al menos con su propia tarea moral que hacer. En cambio, “September 5” funciona más poderosamente como un thriller a puerta cerrada en una sola sala, incluso cuando lo que vemos en una pared de monitores es casi demasiado irreal para creerlo. En un momento, las imágenes se cortan de los Juegos Olímpicos que aún se están desarrollando, sus atletas lo ignoran, a la escena de los rehenes en cuestión, con Jim McKay comentando: “Ahora volvamos al mundo real, aunque esto parezca irreal”. Lo que estábamos viendo era real, y eso no se puede inventar, incluso con todo el complicado trabajo de cámara vérité en mano del mundo que busca dramatizarlo.

Crítica Cinéfila: The Batman

En el segundo año de su lucha contra el crimen, Batman investiga la corrupción que recorre Gotham City y cómo conduce hasta su propia familia, mientras se enfrenta a un asesino conocido como Enigma.

¿Qué tan sombría puede llegar a ser una película de Batman? En la década de 1960, las aventuras del hombre murciélago eran muy caricaturescas sobre todo por los calzoncillos sobre las mallas. Pero luego Tim Burton demostró que podían ser góticos y malhumorados; Christopher Nolan demostró que podían ser políticos y contemporáneos; y Zack Snyder hizo todo lo posible para lograr una versión apocalíptica. 

The Batman, dirigida y coescrita por Matt Reeves, es la más sombría de todas. Después de todo, tiene el "el" adicional en el título y, como te dirán los creadores de The Wolverine y Joker, si quieres demostrar que tu película de superhéroes es seria, agregar o restar un "el" es el camino idóneo. Esta es una película en la que el humor está estrictamente prohibido. Hay tan poco color que bien podría ser en blanco y negro. Y en lugar del jingle "Batman" de Neal Hefti, la música consiste en Something in The Way de Nirvana, Ave Maria de Schubert y un riff fúnebre de cuatro notas, del compositor Michael Giacchino, que recuerda tanto a Tiburón como a Darth Vader. Definitivamente pudo haber sido la mejor y más atmosférica interpretación cinematográfica de Gotham City hasta el momento, pero no lo fue y por tanto, no es la más original.

No esperes ninguna ligereza de Batman tampoco. Haciendo otra de sus elecciones de actuación admirablemente audaces, Robert Pattinson parece estar aún más incómodo, exhausto y con náuseas que en Crepúsculo, con los ojos medio cerrados y la voz como un murmullo, como si se estuviera recuperando lentamente de un fin de semana de intoxicación. Cuando Batman está husmeando en los bajos fondos de Gotham con el teniente Jim Gordon (Jeffrey Wright), parece que preferiría estar en casa. Y cuando está en casa como Bruce Wayne, es un recluso hosco y pálido que ni siquiera tiene una palabra amable para Alfred (Andy Serkis), su mayordomo cojo y lleno de cicatrices. En su voz en off de apertura, Wayne dice que "el miedo es una herramienta", pero no hay nada más aterrador en un luchador contra el crimen que siempre parece preferir estar debajo del edredón con una taza de chocolate.

Aún así, tal vez eso es lo que le hace la vida en Gotham City a cualquier persona que habite allí. Aparte de algunos distritos dudosos aquí y allá, Gotham era una metrópolis próspera en las películas de Batman de Nolan, pero aquí es una jungla urbana sucia y desesperada, plagada de vicio y corrupción desde sus sórdidos funcionarios hasta sus matones callejeros. Siempre llueve, el cielo siempre está gris e incluso en el interior las lámparas son demasiado débiles para disipar las sombras. 

Insisto... pudo haber sido la mejor ciudad de Gotham antes vista; ciertamente puedes ver por qué el lugar necesita los servicios de Batman, pero no es recordable. La inspiración obvia es Se7en de David Fincher, otra película ambientada en una realidad alternativa donde no hay bombillas de 100 watts. La voz en off de Batman parece estar inspirada en el diario de Rorschach de los cómics de Watchmen, y hay similitudes inevitables con las películas anteriores, pero The Batman toma tanto prestado de Se7en que apenas califica como una película de superhéroes. Es más un misterio de asesino en serie sombrío y discreto en el que uno de los detectives está disfrazado sin ninguna razón en particular porque tampoco actúa como superhéroe lo suficiente para justificarse.

El Acertijo (Paul Dano) no es un tonto extravagante con un bombín y un leotardo verde brillante, es un sádico con gafas y traje impermeable sacado aparentemente de la franquicia Saw. El Pingüino (Colin Farrell, irreconocible bajo su maquillaje protésico) aún tiene que adoptar su característico monóculo, sombrero de copa y paraguas, por lo que es más un aspirante a Al Capone que un supervillano cacareante como alguna vez lo logró el clásico Danny DeVito. Y Catwoman (Zoë Kravitz), una camarera ruda y astuta con una actividad adicional en robos, no se parece en nada a las seductoras teatrales ronroneantes interpretadas por Michelle Pfeiffer, Anne Hathaway o Halle Berry. En cuanto a la trama, no estoy segura de haberla seguido en su totalidad, pero tiene algo que ver con la vendetta de Riddler contra los grandes y "buenos" de Gotham, y algo que ver con una picadura de drogas que sucedió años antes e involucró a un jefe de la mafia llamado Carmine Falcone (John Turturro). Esta es en gran medida una historia de Batman de bajo riesgo, sin un peligro significativo para Gotham City, y mucho menos para el resto del mundo. La única amenaza fue una posible inundación que aparentemente ocurrió.

La mayor parte de la acción es lenta, los giros no son exactamente impactantes, y Riddler no es tan aterrador o tan ingenioso como lo fue el Joker de Heath Ledger. Pero, a su manera, The Batman sigue siendo impresionante. Por sombrías que fueran las películas de Burton, Nolan y Snyder, Reeves y su equipo han creado su propia variedad distintiva y elegante de severidad, y se comprometen a hacerlo durante tres horas enteras, a pesar de que una hora está de más y no hay suficiente sangre para justificar la oscuridad y tono de la historia. 

Además, el enfoque decididamente severo de Reeves es extrañamente relajante. En un momento en que el éxito de taquilla estándar de superhéroes presenta alienígenas omnipotentes que amenazan la Tierra, el Universo e incluso el multiverso con la destrucción, es un alivio sumergirse en una fantasía noirish que es más cercana en escala y tono a un episodio de un policía de televisión prestigioso. Esta es en gran medida una historia de Batman de bajo riesgo, sin un peligro significativo para Gotham City, y mucho menos para el resto del mundo. Todo lo que nuestro héroe tiene que hacer es resolver algunos acertijos simples y golpear a algunos asaltantes de clubes nocturnos, y así, a pesar de la atmósfera siniestra, nunca tendrás que preocuparte de que pueda fallar. Puedes simplemente relajarte y dejar que siga adelante. Pero es muy difícil hacerlo sin quejarse en el camino. La química entre Zoë y Robert en escena es extremadamente incómoda, hay escenas innecesarias y la exposición no permite a la audiencia predecir nada en el supuesto misterio.

La película tiene algunos destellos de diversión en la oscuridad. La puntiaguda Gatúbela de Kravitz y el bullicioso Pingüino de Farrell son lo suficientemente caricaturizados como para contrarrestar la melancolía de Batman; es una pena que no tengan más que hacer. Hay algunos guiños inteligentes a la historia del personaje, y el diálogo tiene algunas líneas concisas sobre el privilegio de clase y las diferencias entre un justiciero y un héroe. La historia también termina con una nota conmovedoramente optimista, lo cual es inusual para una película de Batman. Quién sabe, tal vez el próximo no sea tan sombrío. Pattinson podría incluso esbozar una sonrisa. Pero yo no apostaría por ello ni por una secuela.

Crítica Cinéfila: The Lost Daughter

Las vacaciones en la playa de una mujer madura toman un giro oscuro cuando comienza a obsesionarse con otra mujer y su hija, lo que la obligará a tener que enfrentarse a problemas de su pasado y de su primera maternidad.

No sería una sorpresa que Olivia Colman vuelva a recibir nominaciones y galardones en múltiples premiaciones por su rol en The Lost Daughter, su más reciente proyecto dirigido por Maggie Gyllenhaal; lo que sí es una grata sorpresa es el trabajo de Gyllenhaal aquí. Los fanáticos de The Deuce, la serie dramática de HBO sobre el comercio de carne en la ciudad de Nueva York antes de Giuliani, recordarán la determinación con la que el personaje de Gyllenhaal pasó de trabajadora sexual a directora de películas para adultos y luego a autora de arte. Una confianza paralela distingue su debut como directora con esta adaptación sensible aunque aguda de la novela de 2006 de Elena Ferrante. Los temas familiares de la solitaria autora italiana sobre las relaciones femeninas, la sexualidad, la maternidad y la lucha de las mujeres por hacerse un espacio profesional fuera de ser madres se sirven maravillosamente en esta película de carácter intransigente, iluminado por las actuaciones brillantes de Olivia Colman y Jessie Buckley como su yo más joven.

Podando parte de la historia de fondo de la novela para sumergirse directamente en la rocosa vida interior de su personaje central, la película comienza con la llegada de Leda (Colman), una profesora británica divorciada de literatura italiana, a una isla griega. Parece tentada y desanimada por la alegre familiaridad de Lyle (Ed Harris), el cuidador estadounidense de su espaciosa casa de vacaciones. Al principio de la temporada, tiene la playa prácticamente para ella sola, lo que parece adaptarse a ella.

Cualquier apariencia de tranquilidad se evapora en un instante con la llegada de una familia estadounidense grande, ruidosa y vulgar. La atención de Leda se centra en una mujer joven, Nina (Dakota Johnson), que no parece del todo cómoda en su papel de madre. Mientras observa atentamente a la extraña y a su hija, Elena, Leda se emociona y su mente viaja de regreso a su propia experiencia temprana de la maternidad, hace más de 20 años. Buckley entra en esas escenas de recuerdos, con los espinosos intentos de Leda de concentrarse en su trabajo mientras se ocupa de las demandas de atención de dos niñas, rápidamente transmitiendo la ambivalencia de una mujer que ama a sus hijas pero está ansiosa porque la alejen así ella puede tener su propio lugar en el mundo.

En la isla, Leda tiene un comienzo poco amistoso con la familia cuando se niega a mover su sombrilla y silla de playa para dejar espacio para ellos. Pero la cuñada embarazada de Nina, Callie (Dagmara Dominczyk), viene con una ofrenda pacífica de pastel de cumpleaños. Cuando menciona al hijo que está esperando, Leda responde con frágil finalidad: "Los niños son una responsabilidad abrumadora".

Esa hostilidad límite hacia las expectativas tradicionales de la maternidad resuena a través de las escenas del pasado y el presente, particularmente cuando la joven Leda intenta negociar el avance profesional sin descuidar a sus hijos. Buckley es excelente para rastrear esos sentimientos bifurcados: el terrible miedo al confinamiento doméstico que bloquea todo su potencial, chocan contra la vergüenza por no cumplir con sus obligaciones maternas. Ese conflicto se profundiza cuando un encantador profesor de literatura mayor (Peter Sarsgaard) expresa admiración por su trabajo, abriendo una ventana a una escapada romántica.

Gyllenhaal y el exitoso editor Affonso Gonçalves sostienen un fluir de ida y vuelta entre el pasado y el presente de Leda, donde sus momentos de sensualidad liberada chocan con sentimientos que pueden ser remordimiento o culpa, pero que rara vez son tan cortados y secos en la enigmática actuación de Colman.

Cuando Elena se aleja de la playa para jugar cerca, la familia entra en pánico y Leda se hace querer por ellos al encontrar a la niña desaparecida. Pero ella roba algo precioso que pertenece a la niña, dejando a Elena inconsolable y manteniendo a su familia atrapada en modo de búsqueda. El impulso detrás del acto de Leda sigue siendo ambiguo, quizás desconcertante incluso para ella misma, aunque fragmentos del pasado y sugerencias de la distancia emocional que la separa de sus hijas adultas insinúan las razones de su comportamiento desordenado.

Los coquetos encuentros de Leda con Lyle y el trabajador temporal irlandés Will (Paul Mescal) la devuelven al presente. Pero la conexión más fuerte que se forma es con Nina. Johnson hace uno de sus mejores trabajos en la pantalla hasta la fecha como una mujer que parece hacerse preguntas similares a las que se hacía Leda 20 años antes: ¿se contentará con tener su vida definida por la maternidad, interpretando a la esposa recatada para el desagradable marido (Oliver Jackson-Cohen)?

Desde su primer encuentro, ella parece hechizada por Leda, como si instintivamente la identificara como un alma gemela. Nina la convierte en una confidente cuando planea una transgresión fuera de su matrimonio, y la busca para pedirle a Leda respuestas que ella misma no tiene. Y Leda claramente siente una ternura por Nina que parece arraigada en el reconocimiento.

Eso hace que su continuo engaño sea aún más inquietante, como una especie de sabotaje que apunta a la culpa, el disgusto y el autocastigo por sus acciones de hace mucho tiempo, pero también posiblemente al desafío en la caracterización atrevida de Colman, que se niega a suavizar el desapego de Leda. Incluso su rabia cuando un grupo de jóvenes alborotadores interrumpen la proyección de una película parece desproporcionada, lo que indica un estado de ira que se filtra tanto hacia ella como hacia cualquier otra persona. Cuando ella suelta "¡Soy una madre antinatural!" en medio de una acalorada confrontación, la admisión parece a la vez impactante y extrañamente liberadora.

Rodeándose de colaboradores independientes de primer nivel, Gyllenhaal modula el estado de ánimo con gran habilidad, manteniendo al espectador adivinando hacia dónde se dirige la historia y creando un suspenso genuino a partir del robo de Leda y la constante amenaza de descubrimiento. La directora de fotografía francesa Hélène Louvart se vuelve aún más íntima con sus primeros planos de prueba aquí. También hay ecos del color exuberante y casi violento que trajo a la vida invisible criminalmente oculta de Karim Aïnouz.

Como primer largometraje, The Lost Daughter es ciertamente ambiciosa, con una protagonista definida por su interioridad turbia y naturaleza extraña, a menudo ilegible, de las relaciones que establece con todos los que encuentra. Pero Gyllenhaal y su elenco impecablemente elegido lo convierten en un drama psicológico fascinante.

Crítica Cinéfila: The Guilty

En el transcurso de una jornada en una central de emergencias del 911, el operador Joe Bayler (Gyllenhaal) intenta salvar de un grave peligro a una mujer que ha llamado.

El hecho es que Fuqua cambia muy poco en lo que equivale a un remake bastante directo de una película ansiosa y de gestión de crisis de adrenalina, una que rastrea un secuestro más complejo de lo que parece desde la perspectiva limitada de los servicios de emergencia en conflicto.

Transferido de Copenhague a Los Ángeles, donde se desarrolla en medio de un enorme incendio forestal, "The Guilty" está protagonizado por Jake Gyllenhaal y casi nadie más (Riley Keough, Paul Dano y Ethan Hawke prestan sus voces, pero son los grandes ojos azules de Gyllenhaal los que estamos observando durante la mayor parte de los 90 minutos). La cámara casi nunca deja a Gyllenhaal, que interpreta a Joe Baylor, un policía que ha sido degradado temporalmente de patrullar las calles a responder llamadas en un centro de comunicaciones del 911 después de un incidente donde un civil resulto muerto.

Mientras que los otros operadores hacen su mejor esfuerzo profesional y adecuado, Joe va más allá. Si un gato se queda atrapado en un árbol, puedes imaginarlo enviando a todo el departamento de bomberos para salvarlo (y no olvides que están muy ocupados lidiando con los incendios forestales que arrasan las pantallas de noticias de televisión), o bien transfiriendo la llamada a su iPhone y conduciendo hasta allí para rescatarlo él mismo. Al mirar, no puede evitar desear que los operadores de telefonía de U-verse fueran tan dedicados, en lugar de ponerlo en espera durante 45 minutos y seguir sin resolver su problema.

Joe anhela la acción, y estar atrapado en un escritorio no le impedirá rastrear a los malos. No se equivoque: esta es una película de acción, incluso si la acción se limita en gran medida a las yemas de los dedos de Joe: la forma en que el pánico atiende una llamada, los botones de marcación rápida que presiona para llamar a la Patrulla de Caminos de California o al Departamento de Policía de Los Ángeles. Sus dígitos se mueven constantemente. Mientras tanto, Joe suda, jura, frunce el ceño y flexiona los brazos. Se supone que debes estar mirando su rostro, pero incluso todo su cuerpo actúa.

"The Guilty" sigue siendo una versión fiel del debut del director Gustav Möller en la tarjeta de presentación, una ruptura del Festival de Cine de Sundance 2018 que fue seleccionada como presentación de Dinamarca (y luego preseleccionada) en la carrera internacional de largometrajes a los Oscar. El proyecto se originó como un escrito ajustado: un truco astuto en un solo lugar que nos coloca en la posición de mucho estrés de escuchar pero no ver una situación aterradora de abuso doméstico a medida que se desarrolla. Comienza con una llamada de socorro de una mujer secuestrada (en este caso, Emily de Keough) que finge hablar con su hija de 6 años y, al permitirnos escuchar ambos lados de la conversación, hace girar todo un escenario en nuestro imaginaciones.

Cuanto menos sepa el público sobre los cambios que se avecinan, mejor. Como "Buried" o "Searchinv", la película aprovecha al máximo sus limitaciones. Pero hay un gran error de cálculo en la forma en que Gyllenhaal la interpreta, muy diferente de la energía de “mantener la calma y continuar” de la actuación de Jakob Cedergren en la película anterior. Fuqua no aborda esto como una llamada al 911 como de costumbre, sino como una emergencia de vida o muerte en toda regla. Los Ángeles puede estar ardiendo en el fondo, pero Joe Baylor ha optado por tratar el secuestro con la urgencia de un final de temporada.

¿Por qué está tan comprometido con resolver esta crisis en particular? ¿Por qué insiste, cuando habla con la hija de Emily, en decirle a la niña preocupada que la policía “protege a la gente”? La película se titula "The Guilty", recuerde, y Fuqua duplica la noción de que la conciencia de Joe está alborotada y que esta llamada podría marcar la diferencia al decidir la audiencia en la corte en la que está programado para comparecer al día siguiente.

La sociedad necesita policía, parece decir el subtexto políticamente comprometido de esta película, pero ¿qué sucede cuando el contrato social se rompe? Sí, se supone que la policía debe ayudar a la gente, pero a veces no lo hace, más a menudo que el sistema está dispuesto a admitir. ¿Y cómo recuperan la confianza del público cuando eso sucede? Dejando a un lado las mejores intenciones, tal vez Joe Baylor no sea un policía héroe claro. Quizás la emergencia de Emily no sea tan sencilla como parece.

Al igual que el personaje de Gene Hackman en "The Conversation" de Francis Ford Coppola, Joe podría estar interpretando la situación para que se adapte a su propia agenda, respondiendo a lo que necesita oír para redimirse. Ese es un giro complejo en la típica película de policías, que aporta capas a "The Guilty" que la convierten en algo más que una película policiaca. Gyllenhaal profundiza en el personaje, que es tan torturado como los más llamativos que interpretó en "Velvet Buzzsaw" y "Nightcrawler".

Gyllenhaal es impresionante, y "The Guilty" funciona gracias a su nivel de intensidad. Y la idea de que toda la emoción de esta noche pueda llevarlo a tomar la decisión que hace en su propia vida empuja la fantasía moral un paso más allá.