Crítica Cinéfila: The Roses

La vida parece fácil para la pareja perfecta que forman Ivy y Theo: carreras de éxito, un matrimonio feliz y unos hijos estupendos. Pero detrás de la fachada de su supuesta vida ideal, se avecina una tormenta: la carrera de Theo se desploma mientras que las ambiciones de Ivy despegan, lo que desencadena una caja de Pandora de competitividad y resentimiento ocultos.

Esta es una idea divertida para una nueva versión de una de las sátiras más amargas y oscuras sobre los dolores del matrimonio: ¿Qué pasaría si pasáramos un tiempo serio en los días de gloria de nuestra relación central? Tal es la idea un tanto audaz de " The Roses " de Jay Roach, una reimaginación de la novela de Warren Adler "La guerra de los Roses" y, en menor medida, la increíblemente divertida película de 1989 de Danny DeVito del mismo nombre. En el papel, esto puede sonar tonto y extraño, pero Roach y sus estrellas Benedict Cumberbatch y Olivia Colman encuentran tanta diversión en los días felices que casi distraen de lo que es inevitable.

Con un guion de Tony McNamara (“The Favourite”, “Poor Things”), la película de Roach arranca lejos de esos días felices, con Theo Rose (Cumberbatch) e Ivy Rose (Colman) enfrentándose en una sesión de terapia de pareja que alcanza su máximo esplendor cuando Ivy insulta a su marido. ¡Ah, el humor británico! Pero mientras su terapeuta se horroriza ante la tensión y los insultos, llegando incluso a anunciar que los Rose no tienen solución, los dos no pueden evitar reírse disimuladamente.

Retrocediendo en el tiempo, pronto vemos cómo empezó todo: con un encuentro inolvidable, pero que también insinúa lo que podría separarlos en los próximos años. Theo es un arquitecto decepcionado por el estado de su obra, obligado a celebrar la finalización de un edificio de apartamentos sin alma en una elegante comida con sus compañeros de trabajo. Cuando se escapa para un descanso, termina en la cocina, justo delante de una sonriente chef, Ivy, ocupada preparando un carpaccio de salmón y lidiando con sus propias preocupaciones profesionales. A los pocos segundos de conocerse, se preguntan si simplemente se van juntos a Estados Unidos. Si estás dispuesto a creerte ese particular (y peculiar) giro argumental, probablemente te entusiasmes con lo que está por venir. Diez años después, la pareja británica ha dado sus frutos. Felizmente instalados en el condado de Mendocino, California, la carrera de Theo está en auge, tienen un par de gemelos que parecen felices, e Ivy se ha dedicado a cocinar por diversión.

Y, sin embargo, han empezado a aparecer pequeñas grietas. Theo aún mantiene la esperanza de construir algún día la casa de sus sueños, la vida de Ivy parece relegada principalmente a ser esposa y madre, y sin duda parece que la pareja tiene ideas discordantes sobre la crianza de los hijos. McNamara entrelaza estos detalles a la perfección, y Cumberbatch y Colman, tan naturalmente entusiasmados el uno con el otro, poco a poco empiezan, si no a distanciarse, al menos a criticarse.

Cuando Theo decide gastar el dinero de su casa en un restaurante de mariscos para Ivy, es el primer paso hacia su ruina. Y cuando el último proyecto de Theo —un enorme museo dedicado a la vida marina con forma de barco— se derrumba durante una tormenta particularmente fuerte (un evento que se viraliza de inmediato), poniendo fin a sus propios sueños profesionales, es solo otro clavo en el ataúd. Mientras que el libro de Adler y la película de DeVito imaginaban a la Sra. Rose como una estrella emergente de la restauración, la película de Roach la convierte en una marca culinaria masiva, y el éxito de Ivy la catapulta a la cima del mundo gastronómico. Un día está haciendo galletas con forma de Big Ben en casa, y al siguiente, está viajando con David Chang.

Esto no le sienta bien a Theo. Mientras que en versiones anteriores de la historia los Rose tenían dos hijos casi adultos, el guion de McNamara reduce la edad de los niños (Hattie y Roy, interpretados por Delaney Quinn y Ollie Robinson, de diez años, y Hala Finley y Wells Rappaport al cumplir los 13), lo que aporta una nueva dimensión a los problemas de Theo e Ivy. Mientras ella se dedica a abrir nuevos restaurantes —con la ayuda de sus empleados de toda la vida, interpretados por Sunita Mani y Ncuti Gatwa —, Theo, recién convertido en padre a tiempo completo, se dedica a criar a los niños a su imagen. Eso significa mucha actividad física y menos postres azucarados.

Son esos desacuerdos aparentemente insignificantes los que empiezan a erosionar su matrimonio. Y aunque mucho de esto pueda parecer muy serio, la película de Roach suele ser muy divertida. Los momentos en los que los Rose se critican entre sí —un momento con unas donas desafortunadas es genial— contrastan con escenas cómicas más significativas que los unen, como una visita a un club de tiro local con sus locos amigos estadounidenses (Andy Samberg, Kate McKinnon, Zoë Chao y Jamie Demetriou). Pero si bien estas secuencias son inteligentes y divertidas, también socavan constantemente los aspectos más amargos de la historia original en el corazón de la película.

Pero si bien la cena, realmente aterradora y a la vez divertidísima, que posiblemente lo pone todo patas arriba se encuentra entre las mejores obras cómicas de Roach, Cumberbatch y Colman, lo que sigue contrasta con todo lo anterior. Que McNamara haya escrito una versión completamente nueva de la novela de Adler es realmente refrescante, pero el tono más ligero y la mayor dependencia del romance real entre sus protagonistas hacen que lo que está por venir sea aún más difícil de digerir.

La película de DeVito no temía ser oscura, profunda y cruel desde el principio, pero en el último acto de la película de Roach, los ataques que Theo e Ivy se lanzan entre sí sorprenden, y no siempre de forma entretenida. Puede parecer absurdo preguntarse si esta versión de "La Guerra de los Roses" es demasiado cruel, pero así es precisamente como se siente. Demasiado cruel, demasiado directa y demasiado extravagante, al menos en el mundo que Roach y McNamara han tejido previamente. Todo es diversión y juegos, hasta que alguien sale lastimado.

Crítica Cinéfila: Wonka

Basada en el personaje que protagoniza 'Charlie y la fábrica de chocolate', el libro infantil más emblemático de Roald Dahl y uno de los más vendidos de todos los tiempos, 'Wonka' cuenta la historia de cómo el mayor inventor, mago y chocolatero del mundo se convirtió en el querido Willy Wonka que conocemos hoy en día, centrándose en su juventud y en cómo conoció a un Oompa-Loompa en una de sus primeras aventuras.

A todo fan de “Willy Wonka y la fábrica de chocolate” del 1971 le encanta la escena en la que Gene Wilder, como el místico fabricante de dulces, lleva a sus invitados a un viaje psicodélico por un túnel, recorriendo las entrañas de la fábrica de chocolate mientras canta un pequeño verso “No hay forma terrenal de saber en qué dirección vamos…”, volviéndose más enojado y más histérico a cada segundo durante la películ. El Wonka de Wilder era un amor, pero tenía un lado maníaco oculto. Y en “Charlie y la fábrica de chocolate”, la majestuosamente loca versión de Tim Burton de 2005, Johnny Depp, entonces en la cúspide de su estrellato cinematográfico, se volvió completamente Depp, interpretando a Wonka como un cruce vampírico entre Anna Wintour y Michael Jackson.

Pero en “Wonka”, la precuela musical divertida, conmovedora, impecablemente escenificada y asombrosamente estelizada del legendario cuento de Roald Dahl, Timothée Chalamet interpreta al personaje principal como el alma radiante de bondad efervescente. Su pasión por el chocolate está ahí (está prácticamente definido por eso), pero los problemas han desaparecido; también lo es cualquier rastro de un lado oscuro. Willy, un joven de unos 25 años, llega a Londres después de siete años de navegar alrededor del mundo, durante los cuales recorrió tierras oscuras en busca de las raras delicias que le darán a sus dulces su trascendente sabor. Tiene sus recetas de dulces (como el hoverchoc, un huevo de chocolate con un insecto en su interior que te hace levitar) y tiene su estilo (abrigo largo morado, chaleco, pañuelo, sombrero de copa arrugado). Pero, sobre todo, tiene su sueño: levantar el mundo llevando la maravilla de sus dulces a todos los que lo habitan.

Para Willy, el chocolate no es un simple dulce. Es una religión, algo que te elevará y cambiará tu día, tu estado de ánimo, tu vida. Y esa creencia se encarna en la actuación delirantemente contagiosa de Chalamet. Es un truco interpretar a alguien tan entusiasta, inocente y ansioso y hacerlo magnéticamente encantador y creíble, y Chalamet tiene el carisma de estrella para lograrlo. Como Willy, es el alma de la dulzura juvenil, aunque con un toque de tristeza (extraña a su difunta madre, interpretada en un flashback por Sally Hawkins), quien le inculcó su amor por la fabricación de chocolate y que se expresa en el delgado y la pensativa mirada de cejas oscuras que nos sigue indicando lo que está pensando. Es como PT Barnum interpretado por el hijo de Daniel Day-Lewis. Chalamet canta con un tono de barítono puro y sincero, comprometiéndose con líneas como "¡Pon tu mano dentro de tu bolsillo, consigue un poco de chocolate Wonka!" Y no es sólo el personaje el que está sano hasta un centímetro de su vida. Como película, “Wonka” puede ser el musical de Hollywood de mayor escala en décadas.

¿Qué tan cuadrado es? En una era que nos ha brindado musicales visionarios de siguiente nivel como “La La Land”, “Moulin Rouge!” y la sorprendentemente subestimada “The Greatest Showman”, así como adaptaciones de Broadway tan modernas y vibrantes como “Chicago”, “Hairspray”, “In the Heights”, “Mamma Mia!”, “Les Misérables” y “Rent”, “Wonka”, dirigida y coescrita por Paul King (quien hizo las películas de “Paddington”), interpretan como una versión visualmente más ágil de alguna reliquia de canto y baile de la era tardía del sistema de estudio de “Oliver!” (1968) y “Scrooge” (1970). Es tan cuadrado que hace que “Mary Poppins Returns” parezca vanguardista.

Willy ha venido a Londres para montar su primera tienda de chocolates, algo que planea hacer en las Galleries Gourmet, un vasto y ornamentado centro comercial que alberga las tiendas de los tres chocolateros reinantes (y corruptos) de la ciudad: Slugworth (Paterson Joseph), el untuoso cabecilla con sonrisa de serpiente; el snob Fickelgruber (Matthew Baynton), a quien literalmente le dan arcadas cada vez que escucha las palabras "los pobres"; y el pomposo Prodnose (Matt Lucas), quien no sabe filtrar información. Willy tiene 12 soberanos de plata a su nombre, que utiliza en un solo día. Sabe que tan pronto como la gente pruebe su chocolate, tendrá el dinero para abrir la tienda de sus sueños. Pero cuando nuestro trío de villanos lo prueba, saben que tendrán que acabar con él utilizando al Jefe de Policía (Keegan-Michael Key), un tonto adicto al chocolate que cumple sus órdenes para obtener una gran recompensa clandestina de dulces.

Como si este sindicato del chocolate no fuera impedimento suficiente, el destino de Willy es aterrizar en una pension dirigida por la Sra. Scrubbit (Olivia Colman), un ogro dickensiano que atrapa a sus clientes con un contrato de por vida, encarcelándolos en el sótano como esclavos trabajadores. Colman y Tom Davis, como el corpulento secuaz de la señora Scrubbit (que se convierte en su ridículo novio vestido con un kimono de seda), se burlan y gruñen como si salieran de una producción itinerante suburbana de "Sweeney Todd". Quizás tengas que volver al Child Catcher en “Chitty Chitty Bang Bang” (1968) para encontrar villanos musicales en este nivel de cobardía.

Da la casualidad de que Willy puede entrar y salir del cautiverio escondiéndose en un carrito de lavandería. Organiza a las otras víctimas de Scrubbit, como la triste huérfana Noodle (Calah Lane) y el contable Abacus (Jim Carter), en un equipo para ayudarlo a derrotar las fuerzas de la maldad al estilo de la vieja escuela. También se enfrenta a un ladrón que se convierte en su comodín: un Oompa-Loompa de piel naranja y pelo de paje verde, interpretado por Hugh Grant con un irresistible toque aristocrático y hosco. Todo esto es absolutamente disfrutable, al igual que el lujoso estilo victoriano del backlot de la película, y “Wonka”, con un poco de suerte, se convertirá en el éxito navideño que los dueños de salas de cine ahora están desesperados.

Sin embargo, apuesto a que podría haber sido un éxito aún mayor si hubiera sido un poco menos pulido para los niños y se hubiese aprovechado más la esencia de Roald Dahl (que estuvo presente en la animada adaptación del año pasado de “Matilda” de Dahl). Las canciones de la película, escritas por Neil Hannon, te llevan, aunque con más energía bulliciosa que éxtasis, al menos hasta que llegas a la canción icónica retomada de “Willy Wonka and the Chocolate Factory”, “Pure Imagination”, que hace un hermoso trabajo de hacernos cosquillas en nuestro gusto por lo dulce de la nostalgia. 

Crítica Cinéfila: The Mitchells vs. The Machines

El viaje por carretera de la familia Mitchell se ve interrumpido por una insurrección tecnológica que amenaza a la humanidad.

Cuando Pixar lanzó Toy Story al mundo, Disney de repente parecía dinosaurios en comparación, no solo por esos gráficos en 3D, sino por la inteligencia creativa de narración que los acompañaba. Se necesitaron más de dos décadas para que cualquier otra película animada importante se sintiera tan revolucionaria, pero Spider-Man: Into The Spider-Verse, del poderoso dúo de productores Phil Lord y Christopher Miller, en colaboración con los cineastas Peter Ramsey, Rodney Rothman y Bob Persichetti, era una película de superhéroes deslumbrante tan sofisticada que se sentía como si hubiera llegado desde otro universo por completo. Ahora, The Mitchells Vs The Machines, producido por Lord y Miller, y añadiendo los escritores y directores Michael Rianda y Jeff Rowe, demuestra que no fue casualidad. Estos caballeros realmente están años luz por delante de la competencia.

Al igual que con Spider-Verse, lo primero que te golpea son las imágenes, una combinación dinámica de texturas 2D y 3D, aquí adornadas con una capa adicional de dibujos animados que se derraman de los pensamientos y emociones de los personajes, salpicando la pantalla y la acción, resultando hipercinético e hipercinematográfico. Y al igual que con Spiderverse, su concepto central parece no estar obstaculizado por las convencionalidades, una forma elegante de decir que su trama es una locura. Los Mitchells son una familia nuclear disfuncional al estilo de Los Simpson que lucha por conectarse entre sí en el mundo de la tecnología moderna, obligados a derribar a PAL, una aparato de Inteligencia Artificial malvada similar a Alexa (una alegre Olivia Colman) que ha esclavizado a la humanidad en cubos flotantes; fue creada originalmente como una asistente de bolsillo al estilo de Siri que se vuelve rebelde tras "su" inventor de Silicon Valley (Eric André) la deja a un lado en la última presentación de producto de la compañía al estilo de Steve Jobs. De alguna manera, esta combinación de forma burbujeante y función despreocupada encaja a la perfección: piense en la metaexplosión de Scott Pilgrim absorbida por el ingenio creativo de The LEGO Movie, con una revisión visual de Spider-Verse .

Aquí, Katie, quien, en uno de los conceptos más inspirados de "The Mitchells" (y que parece un personaje inspirado en su cinéfila aquí presente), parece ser la autora de esta película de desastres a medida que avanza, se refiere a su tribu como la "peor familia de todos los tiempos". Eso es obviamente una hipérbole, pero también una representación justa de cómo se siente. Katie acaba de ingresar a la universidad en California y no puede esperar para irse de casa a un lugar donde las personas "capten" su inadaptado sentido de la creatividad, como se ve en una serie de videos caseros de baja fidelidad (la mayoría de ellos protagonizados por el perro de la familia, Monchi). A esta artista incomprendida le encanta garabatear, y su estética de arte encuadernador se filtra en la película, una mezcla entre memes de Internet, corazones y arcoíris adornados a mano.

A los guionistas de Hollywood les gusta describir a las familias impulsadas por conflictos como "disfuncionales", pero ese eufemismo general en realidad se refiere precisamente a lo que las hace dramáticas. Katie desearía que su padre la apoyara más, pero Rick no entiende YouTube, lo que lleva a una ruptura potencial en el vínculo padre-hija. En un último intento por arreglar las cosas, Rick cancela el vuelo de Katie y se compromete a llevarla a la escuela en su lugar, metiendo a todos en la destartalada camioneta naranja quemada. Esta habría sido una idea desacertada en circunstancias normales. Agregue a continuación un apocalipsis de robots y las probabilidades de salvar a esta familia, y mucho menos a toda la humanidad, se desploman bastante precipitadamente.

En medio del caos, The Mitchells Vs The Machines nunca pierde de vista su núcleo emocional: la relación fracturada entre Katie (Abbi Jacobson), que vuela del nido, y su amado padre Rick (Danny McBride). A lo largo del tiempo de ejecución, Rianda y Rowe crean espacio para escenas de padre e hija delicadamente dibujadas: sus perspectivas sobre su cambiante dinámica familiar se muestran igualmente válidas pero crucialmente desalineadas. También tiene matices su versión de la tecnología: que Rick la ve como una distracción y que Katie la ve como una herramienta para dar rienda suelta a su creatividad en un mundo que se siente mucho más real que cualquier polémica.

Y aunque muchos dirán que les faltarán detalles de identidad a Katie (les aseguro que la comunidad LGBTQ+ la clamará como queer), no le resta ni un solo detalle a este acomplejado e imperfectamente perfecto personaje, además que todo lo que presente se suma a la aventura animada más rápida, divertida y futurista en comparación a Spider-Verse. 

Por supuesto, es una broma que las máquinas estén tratando de apoderarse de la tierra, ya que la película reconoce tácitamente que los humanos hemos estado dejando que la tecnología nos convierta en zombis todo el tiempo. En una escena temprana divertida pero real, Rick intenta llamar la atención de su familia en la mesa, pero están demasiado distraídos por las pantallas brillantes como para prestarle atención.

Las películas animadas de estudio a menudo se trabajan hasta la saciedad, y uno tiene que sospechar que alguna versión de la historia imaginaba la supervivencia de los Mitchell (mientras que los robots capturan al resto del mundo) debido a una regla en la que todos acordaron desconectarse por el Duración del viaje por carretera. Pero Katie necesita su cámara para documentar los momentos más extravagantes de la película, y ni Netflix ni Sony están realmente interesados ​​​​en convencer a los consumidores de que se desconecten por completo, por lo que la advertencia sobre la tecnología se entrega entre comillas.

"The Mitchells" a menudo se basa más en un ritmo rápido que en una lógica inquebrantable para salir adelante de todos modos. Como tal, nos conformamos con una versión extremadamente comprimida de la Tercera Guerra Mundial, en la que la humanidad sucumbe rápidamente a las máquinas voladoras que disparan láser. Las similitudes están ahí en todo, desde el sentido del humor (donde lo que primero se lee como un desapego irónico resulta estar basado en un sentimiento genuino al final) hasta el estilo de animación (observa los globos oculares y cómo el ajuste más sutil de dos pupilas negras puede decir tanto). Se necesita mucho cuidado para hacer que un esfuerzo tan superficialmente tonto resuene con el público, y este talentoso equipo pone atención en todo, desde el aspecto general, que injerta los encantos retro de la animación de cel dibujada a mano en un rico mundo renderizado en 3D, hasta el ingenioso truco de sembrar detalles que dan sus frutos en el tercer acto como si fueran gags desechables en todo momento.

Después de una serie de éxitos, la fórmula de Lord y Miller comienza a mostrarse y los chistes siguen funcionando, incluso si ahora reconocemos la estrategia, ya que todos están al servicio de una base emocional sincera. Una y otra vez, desde “Spider-Man: Into the Spider-Verse” hasta “The Mitchells”, su mensaje ha sido “está bien que seas extraño/a”. O bien, "abraza a tu bicho raro interior". Tal estímulo en realidad tiene credibilidad porque los cineastas han hecho exactamente eso en la narración.

Crítica Cinéfila: The Lost Daughter

Las vacaciones en la playa de una mujer madura toman un giro oscuro cuando comienza a obsesionarse con otra mujer y su hija, lo que la obligará a tener que enfrentarse a problemas de su pasado y de su primera maternidad.

No sería una sorpresa que Olivia Colman vuelva a recibir nominaciones y galardones en múltiples premiaciones por su rol en The Lost Daughter, su más reciente proyecto dirigido por Maggie Gyllenhaal; lo que sí es una grata sorpresa es el trabajo de Gyllenhaal aquí. Los fanáticos de The Deuce, la serie dramática de HBO sobre el comercio de carne en la ciudad de Nueva York antes de Giuliani, recordarán la determinación con la que el personaje de Gyllenhaal pasó de trabajadora sexual a directora de películas para adultos y luego a autora de arte. Una confianza paralela distingue su debut como directora con esta adaptación sensible aunque aguda de la novela de 2006 de Elena Ferrante. Los temas familiares de la solitaria autora italiana sobre las relaciones femeninas, la sexualidad, la maternidad y la lucha de las mujeres por hacerse un espacio profesional fuera de ser madres se sirven maravillosamente en esta película de carácter intransigente, iluminado por las actuaciones brillantes de Olivia Colman y Jessie Buckley como su yo más joven.

Podando parte de la historia de fondo de la novela para sumergirse directamente en la rocosa vida interior de su personaje central, la película comienza con la llegada de Leda (Colman), una profesora británica divorciada de literatura italiana, a una isla griega. Parece tentada y desanimada por la alegre familiaridad de Lyle (Ed Harris), el cuidador estadounidense de su espaciosa casa de vacaciones. Al principio de la temporada, tiene la playa prácticamente para ella sola, lo que parece adaptarse a ella.

Cualquier apariencia de tranquilidad se evapora en un instante con la llegada de una familia estadounidense grande, ruidosa y vulgar. La atención de Leda se centra en una mujer joven, Nina (Dakota Johnson), que no parece del todo cómoda en su papel de madre. Mientras observa atentamente a la extraña y a su hija, Elena, Leda se emociona y su mente viaja de regreso a su propia experiencia temprana de la maternidad, hace más de 20 años. Buckley entra en esas escenas de recuerdos, con los espinosos intentos de Leda de concentrarse en su trabajo mientras se ocupa de las demandas de atención de dos niñas, rápidamente transmitiendo la ambivalencia de una mujer que ama a sus hijas pero está ansiosa porque la alejen así ella puede tener su propio lugar en el mundo.

En la isla, Leda tiene un comienzo poco amistoso con la familia cuando se niega a mover su sombrilla y silla de playa para dejar espacio para ellos. Pero la cuñada embarazada de Nina, Callie (Dagmara Dominczyk), viene con una ofrenda pacífica de pastel de cumpleaños. Cuando menciona al hijo que está esperando, Leda responde con frágil finalidad: "Los niños son una responsabilidad abrumadora".

Esa hostilidad límite hacia las expectativas tradicionales de la maternidad resuena a través de las escenas del pasado y el presente, particularmente cuando la joven Leda intenta negociar el avance profesional sin descuidar a sus hijos. Buckley es excelente para rastrear esos sentimientos bifurcados: el terrible miedo al confinamiento doméstico que bloquea todo su potencial, chocan contra la vergüenza por no cumplir con sus obligaciones maternas. Ese conflicto se profundiza cuando un encantador profesor de literatura mayor (Peter Sarsgaard) expresa admiración por su trabajo, abriendo una ventana a una escapada romántica.

Gyllenhaal y el exitoso editor Affonso Gonçalves sostienen un fluir de ida y vuelta entre el pasado y el presente de Leda, donde sus momentos de sensualidad liberada chocan con sentimientos que pueden ser remordimiento o culpa, pero que rara vez son tan cortados y secos en la enigmática actuación de Colman.

Cuando Elena se aleja de la playa para jugar cerca, la familia entra en pánico y Leda se hace querer por ellos al encontrar a la niña desaparecida. Pero ella roba algo precioso que pertenece a la niña, dejando a Elena inconsolable y manteniendo a su familia atrapada en modo de búsqueda. El impulso detrás del acto de Leda sigue siendo ambiguo, quizás desconcertante incluso para ella misma, aunque fragmentos del pasado y sugerencias de la distancia emocional que la separa de sus hijas adultas insinúan las razones de su comportamiento desordenado.

Los coquetos encuentros de Leda con Lyle y el trabajador temporal irlandés Will (Paul Mescal) la devuelven al presente. Pero la conexión más fuerte que se forma es con Nina. Johnson hace uno de sus mejores trabajos en la pantalla hasta la fecha como una mujer que parece hacerse preguntas similares a las que se hacía Leda 20 años antes: ¿se contentará con tener su vida definida por la maternidad, interpretando a la esposa recatada para el desagradable marido (Oliver Jackson-Cohen)?

Desde su primer encuentro, ella parece hechizada por Leda, como si instintivamente la identificara como un alma gemela. Nina la convierte en una confidente cuando planea una transgresión fuera de su matrimonio, y la busca para pedirle a Leda respuestas que ella misma no tiene. Y Leda claramente siente una ternura por Nina que parece arraigada en el reconocimiento.

Eso hace que su continuo engaño sea aún más inquietante, como una especie de sabotaje que apunta a la culpa, el disgusto y el autocastigo por sus acciones de hace mucho tiempo, pero también posiblemente al desafío en la caracterización atrevida de Colman, que se niega a suavizar el desapego de Leda. Incluso su rabia cuando un grupo de jóvenes alborotadores interrumpen la proyección de una película parece desproporcionada, lo que indica un estado de ira que se filtra tanto hacia ella como hacia cualquier otra persona. Cuando ella suelta "¡Soy una madre antinatural!" en medio de una acalorada confrontación, la admisión parece a la vez impactante y extrañamente liberadora.

Rodeándose de colaboradores independientes de primer nivel, Gyllenhaal modula el estado de ánimo con gran habilidad, manteniendo al espectador adivinando hacia dónde se dirige la historia y creando un suspenso genuino a partir del robo de Leda y la constante amenaza de descubrimiento. La directora de fotografía francesa Hélène Louvart se vuelve aún más íntima con sus primeros planos de prueba aquí. También hay ecos del color exuberante y casi violento que trajo a la vida invisible criminalmente oculta de Karim Aïnouz.

Como primer largometraje, The Lost Daughter es ciertamente ambiciosa, con una protagonista definida por su interioridad turbia y naturaleza extraña, a menudo ilegible, de las relaciones que establece con todos los que encuentra. Pero Gyllenhaal y su elenco impecablemente elegido lo convierten en un drama psicológico fascinante.

Temporada de Premios: Ganadores de los Primetime Emmy Awards 2021

Oficialmente la Academia de Televisión estadounidense concluye su Temporada de Premios con la 73va entrega de los Primetime Emmy Awards.

The Crown de Netflix reinó en la 73va entrega de los Primetime Emmy Awards anoche, con siete honores, incluida la Serie Dramática.

Mientras tanto, Ted Lasso de Apple TV+ se llevó a casa cuatro, mientras que los Hacks de HBO Max y Mare of Easttown de HBO  han obtenido tres victorias cada uno y The Queen's Gambit de Netflix ganó dos honores, incluida mejor Serie Limitada.

Los honores, que se llevaron a cabo en el centro de Los Ángeles al aire libre en el complejo de entretenimiento LA Live, se transmitieron en una transmisión en vivo por CBS y Paramount +. Cedric the Entertainer fue el anfitrión. 

Esta es la lista completa de los ganadores:

Drama Series: The Crown

The Boys

Bridgerton

The Handmaid’s Tale

Lovecraft Country

The Mandalorian

Pose

This Is Us

Comedy Series: Ted Lasso

Black-ish

Cobra Kai

Emily in Paris

Hacks

The Flight Attendant

The Kominsky Method

Pen15

Limited Series: The Queen’s Gambit

I May Destroy You

Mare of Easttown

The Underground Railroad

WandaVision

Lead Actress For a Drama Series: Olivia Colman, The Crown

Uzo Aduba, In Treatment

Emma Corrin, The Crown

Elisabeth Moss, The Handmaid’s Tale

Mj Rodriguez, Pose

Jurnee Smollett, Lovecraft Country

Lead Actor For a Drama Series: Josh O’Connor, The Crown

Sterling K. Brown, This Is Us

Jonathan Majors, Lovecraft Country

Rege-Jean Page, Bridgerton

Billy Porter, Pose

Matthew Rhys, Perry Mason

Supporting Actress For a Drama Series: Gillian Anderson, The Crown

Helena Bonham Carter, The Crown

Emerald Fennell, The Crown

Madeline Brewer, The Handmaid’s Tale

Ann Dowd, The Handmaid’s Tale

Yvonne Strahovski, The Handmaid’s Tale

Samira Wiley, The Handmaid’s Tale

Aunjanue Ellis, Lovecraft Country

Supporting Actor For a Drama Series: Tobias Menzies, The Crown

O-T Fagbenle, The Handmaid’s Tale

Max Minghella, The Handmaid’s Tale

Bradley Whitford, The Handmaid’s Tale

Michael K. Williams, Lovecraft Country

Giancarlo Esposito, The Mandalorian

John Lithgow, Perry Mason

Chris Sullivan, This Is Us

Outstanding Writing For a Drama Series: The Crown, Peter Morgan

The Boys, Rebecca Sonnenshine

The Handmaid’s Tale, Yahlin Chang

Lovecraft Country, Misha Green

The Mandalorian, Dave Filoni

The Mandalorian, Jon Favreau

Pose, Ryan Murphy, Brad Falchuk, Steven Canals, Janet Mock, Our Lady J

Outstanding Directing For a Drama Series: The Crown, Jessica Hobbs

Bridgerton, Julie Anne Robinson

The Crown, Benjamin Caron

The Handmaid’s Tale, Liz Garbus

The Mandalorian, Jon Favreau

Pose, Steven Canals

Lead Actress For a Comedy Series: Jean Smart, Hacks

Aidy Bryant, Shrill

Kaley Cuoco, The Flight Attendant

Allison Janney, Mom

Tracee Ellis Ross, Black-ish

Lead Actor For a Comedy Series: Jason Sudeikis, Ted Lasso

Anthony Anderson, Black-ish

Michael Douglas, The Kominsky Method

William H. Macy, Shameless

Kenan Thompson, Kenan

Supporting Actress For a Comedy Series: Hannah Waddingham, Ted Lasso

Rosie Perez, The Flight Attendant

Hannah Einbinder, Hacks

Aidy Bryant, Saturday Night Live

Kate McKinnon, Saturday Night Live

Cecily Strong, Saturday Night Live

Juno Temple, Ted Lasso

Supporting Actor For a Comedy Series: Brett Goldstein, Ted Lasso

Carl Clemons-Hopkins, Hacks

Paul Reiser, The Kominsky Method

Kenan Thompson, Saturday Night Live

Bowen Yang, Saturday Night Live

Brendan Hunt, Ted Lasso

Nick Mohammed, Ted Lasso

Jeremy Swift, Ted Lasso

Outstanding Writing For A Comedy Series: Hacks, Lucia Aniello, Paul W. Downs, Jen Statsky

The Flight Attendant, Steve Yockey

Girls5eva, Meredith Scardino

Pen15, Maya Erskine

Ted Lasso, Jason Sudeikis, Brendan Hunt, Joe Kelly

Ted Lasso, Jason Sudeikis, Bill Lawrence, Brendan Hunt, Joe Kelly

Outstanding Directing for a Comedy Series: Hacks, Lucia Aniello

B Positive, James Burrows

The Flight Attendant, Susanna Fogel

Mom, James Widdoes

Ted Lasso, Zach Braff

Ted Lasso, MJ Delaney

Ted Lasso, Declan Lowney

Lead Actress For a Limited Series, Movie or Anthology: Kate Winslet, Mare of Easttown

Michaela Coel, I May Destroy You

Cynthia Erivo, Genius: Aretha

Elizabeth Olsen, WandaVision

Anya Taylor-Joy, The Queen’s Gambit

Lead Actor For a Limited Series, Movie or Anthology: Ewan McGregor, Halston

Paul Bettany, WandaVision

Hugh Grant, The Undoing

Lin-Manuel Miranda, Hamilton

Leslie Odom, Jr., Hamilton

Outstanding Directing For A Limited Or Anthology Series Or Movie: The Queen’s Gambit, Scott Frank

Hamilton, Thomas Kail

I May Destroy You, Michaela Coel

I May Destroy You, Sam Miller

Mare Of Easttown, Craig Zobel

The Underground Railroad, Barry Jenkins

WandaVision, Matt Shakman

Outstanding Writing For a Limited Or Anthology Series Or Movie: I May Destroy You, Michaela Coel

Mare Of Easttown, Brad Ingelsby

The Queen’s Gambit, Scott Frank

WandaVision, Chuck Hayward, Peter Cameron

WandaVision, Jac Schaeffer

WandaVision, Laura Donney

Supporting Actress For a Limited Series, Movie or Anthology:  Julianne Nicholson, Mare of Easttown

Renée Elise Goldsberry, Hamilton

Phillipa Soo, Hamilton

Jean Smart, Mare of Easttown

Moses Ingram, The Queen’s Gambit

Kathryn Hahn, WandaVision

Supporting Actor For a Limited Series, Movie or Anthology: Evan Peters, Mare of Easttown

Daveed Diggs, Hamilton

Jonathan Groff, Hamilton

Lin-Manuel Miranda, Hamilton

Anthony Ramos, Hamilton

Paapa Essiedu, I May Destroy You

Thomas Brodie-Sangster, The Queen’s Gambit

Variety Talk Series: Last Week Tonight with John Oliver

Conan

The Daily Show with Trevor Noah

Jimmy Kimmel Live!

The Late Show with Stephen Colbert

Outstanding Writing For a Variety Series: Last Week Tonight With John Oliver

The Amber Ruffin Show

A Black Lady Sketch Show

The Late Show With Stephen Colbert

Saturday Night Live

Variety Sketch Series: Saturday Night Live

A Black Lady Sketch Show

Competition Series: RuPaul’s Drag Race

The Amazing Race

Nailed It!

Top Chef

The Voice

Variety Special (Live): Stephen Colbert’s Election Night 2020: Democracy’s Last Stand Building Back America Great Again Better 2020

Celebrating America — An Inauguration Night Special

The 63rd Annual Grammy Awards

The Oscars

The Pepsi Super Bowl LV Halftime Show Starring The Weeknd

Outstanding Variety Special (Pre-Recorded): Hamilton

Bo Burnham: Inside

David Byrne’s American Utopia

8:46 – Dave Chappelle

Friends: The Reunion

A West Wing Special To Benefit When We All Vote

Crítica Cinéfila: The Father

Anthony, un hombre de 80 años que tercamente ha decidido vivir solo, rechaza todos y cada uno de las cuidadoras que su hija Anne (Olivia Colman) intenta contratar para que le ayuden en casa. Está desesperada porque ya no puede visitarle a diario y siente que la mente de su padre empieza a fallar y se desconecta cada vez más de la realidad. 

Películas como Amour, nominada al Oscar de Michael Haneke, una película devastadoramente sombría sobre la demencia, o Still Alice, ganadora del Oscar, que es un poco más dulce en su retrato pero sigue siendo horrible de ver, son algunos ejemplos fílmicos bastante desgarradores al tratar el tema de la degeneración cognitiva, pues de manera muy empática conectan con una gran variedad de personas en la audiencia. Todos de una manera u otra hemos sido testigos de esta enfermedad. Y ahora llega The Father, una mezcla de lo retorcido y lo elegante, todo anclado en lo que probablemente será una de las actuaciones más destacadas de este año.

El actor responsable de esta última nota es Anthony Hopkins acompañado de la muy talentosa Olivia Colman. The Father se convierte en la culminación de esta nueva era de Hopkins, una actuación imponente que es tan precisa y exigente como envolvente, recordándonos por qué Hopkins disfruta de la venerada estatura actoral que tiene durante tanto tiempo.

Por supuesto, es una ayuda inmensa que todo lo que lo rodea se realice de manera tan vívida e inteligente también. La película está dirigida por el debutante Florian Zeller, un elogiado dramaturgo francés que adapta aquí su propia obra de gran éxito producida internacionalmente. Es un debut auspicioso mientras el personaje de Anthony se desliza más en la niebla mental de su personaje (también llamado Anthony). Zeller mantiene su película tan íntima como una obra de teatro, pero hace un buen uso de las ventajas visuales del cine. Gran parte de la película trata sobre el reconocimiento del espacio físico: pinturas en las paredes y azulejos en las placas de la cocina, significantes rápidos que llevan a uno a un lugar familiar. En la película, esas cosas pueden cambiar rápidamente y sin problemas, lo que nos da una idea de lo terriblemente fácil que es para Anthony perder el rumbo. En cuanto al sonido, Zeller utiliza una mezcla de selecciones de ópera clásica y composiciones originales del gran Ludovico Einaudi para llenar la película de dolor y pavor. 

También acompañamos a la hija de Anthony, Ann, interpretada con preocupación y sensibilidad por Olivia Colman. Pero de vez en cuando cambia a otros personajes y el truco de la película es que la realidad de la trama cambia como lo hace la realidad mental de Anthony. Las escenas se repiten entre sí. Las caras y las ubicaciones cambian y luego se revierten. El tiempo se dobla, se condensa y se expande. Es difícil saber cuándo está sucediendo algo. Pero la confusión que uno debe de sentir hace empatía con la confusión que siente Anthony constantemente.

Zeller al menos nos permite a la audiencia reconstruir algún tipo de línea de tiempo vaga de eventos reales, pero la estructura lineal se evita en gran medida. Esta es una aproximación nerviosa de cómo se puede sentir realmente la demencia, lo mundano cambiando repentinamente hacia lo desconocido. Es un enfoque mucho más interesante del tema de lo que hubiera sido algo sencillo, permitiendo que las cosas aterradoras existan en un contraste con lo triste y desesperante.

A lo largo de toda esta distorsión, Hopkins atraviesa una amplia gama. Pasa de dulcemente vacilante a intimidante, encantador a asustado, obstinado y luego, a veces, resignado a los límites de su percepción defectuosa. Hopkins describe claramente los momentos en los que Anthony se da cuenta de que no sabe quién es alguien o qué está sucediendo exactamente, pero no quiere dejar ver que está ahogándose aún más en una situación degenerativa. Esta es una interpretación tan mordaz y dolorosamente precisa de cómo el Alzheimer puede manifestarse en sus etapas intermedias: momentos de claridad y orgullo que son intensos, fugaces y luego irrecuperables. A medida que la condición de Anthony empeora, Hopkins evita los clichés debilitados y, al mismo tiempo, comunica de manera potente lo lejos que está Anthony. Es algo devastador.

Aunque The Father es una situación difícil, Zeller no se enfoca en lo miserable. Hay una humanidad tan rica en su película que nada absolutamente torturador puede echar raíces. Cualquiera que haya vivido esta terrible experiencia con un ser querido sentirán sobre todo la profunda y sobria empatía de la película. The Father es un acto de comprensión, radical en su dureza y su generosa maestría.

Crítica Cinéfila: The Crown, 4ta temporada

Se acerca el final de la década de 1970 y la Reina Elizabeth II y su familia se encuentran preocupados por salvaguardar la línea de sucesión, encontrando una pareja apropiada para el Príncipe Carlos, que sigue soltero a los 30 años.

The Crown de Netflix continúa su reinado triunfal en la temporada 4 con otro lote de 10 episodios creados por el genio Peter Morgan que exploran las complejas relaciones de la familia real entre sí. Los nuevos miembros del elenco Emma Corrin como la princesa Diana y Gillian Anderson como Margaret Thatcher ayudan a reforzar lo que ya es un conjunto de primera categoría con actuaciones propias igualmente cautivadoras. Pero la temporada 4 también es agridulce, sabiendo que esta es la última vez que veremos a este elenco en particular encarnar a sus respectivos personajes. Afortunadamente, las últimas dos temporadas han demostrado que Morgan y su equipo saben cómo manejar una refundición para representar adecuadamente el paso del tiempo para los residentes del Palacio de Buckingham.

Lo primero y más importante (como siempre) es la interpretación dinámica de la reina Isabel II, con la ganadora del Oscar, Olivia Colman, como la inmortal. Hablaremos de todas las cosas jugosas de Charles (Josh O'Connor) y Diana en un momento, pero Morgan continúa anclando cada temporada en torno a la Reina y los eventos notables que afectan al Reino Unido y su imperio global. En la temporada 4, que tiene lugar desde finales de la década de 1970 hasta finales de la de 1980, se enfoca en la complicada relación de la reina con la recién elegida Primera Ministra Thatcher. 

Si bien las dos mujeres formidables no lanzan golpes reales, tienen algunos enfrentamientos memorables en el palacio con sus discursos. Anderson encapsula efectivamente los atributos más conocidos de Thatcher, como su espalda arqueada y su forma de hablar distinta y deliberada. Thatcher parece frágil, pero cuando habla hay una presencia poderosa detrás de cada palabra paciente. En una de sus reuniones programadas regularmente con la Reina, la Primera Ministra llama la atención sobre el hecho de que ella y Elizabeth tienen solo seis meses de diferencia. Cuando la Reina pregunta quién es el mayor, Thatcher (con una leve sonrisa) dice: "yo lo soy". Es un momento sutil de dejar en el aire la idea de que la diferencia de edad intrascendente se usa para socavar la autoridad de su oponente, y la expresión facial perturbada de Colman muestra cuán irritada está por la revelación. 

A medida que la década de 1970 llega a su fin, la reina Isabel (Olivia Colman) y su familia se preocupan por salvaguardar la línea de sucesión asegurando una novia adecuada para el príncipe Carlos (Josh O'Connor), que todavía no está casado a los 30 años. A medida que la nación comienza a sentir el impacto de las políticas divisivas introducidas por la primera primera ministra británica, Margaret Thatcher (Gillian Anderson), surgen tensiones entre ella y la reina que solo empeoran a medida que Thatcher lidera el país, como en la Guerra de las Malvinas, generando conflictos dentro del Commonwealth.  Mientras que el romance de Charles con una joven Lady Diana Spencer (Emma Corrin) proporciona un cuento de hadas muy necesario para unir al pueblo británico, mientras que a puerta cerrada la familia real se divide cada vez más.

Cuando Thatcher y Elizabeth no están peleando en la arena política, The Crown hace un trabajo admirable al comparar y contrastar sus vidas personales. En "Favourites", Morgan examina hábilmente cómo las dos madres tienen un hijo favorito, ya sea que lo sepan o no. No estropearemos los resultados aquí, pero el episodio es especialmente divertido para Elizabeth, quien hace todo lo posible para determinar qué hijo prefiere sobre el otro al pasar un tiempo de calidad con cada uno de ellos. Para un personaje que nunca ha mostrado mucho afecto por ninguno de sus hijos a lo largo de la serie, es incómodamente divertido verla intentar conectarse emocionalmente con sus hijos.

En términos de la historia de Charles y Diana, la temporada 4 cubre más de 10 años en solo 10 episodios; la totalidad de su compromiso se cubre en un episodio. Y aunque eso puede parecer mucha historia que digerir en poco tiempo, Morgan dedica suficiente tiempo de pantalla a la pareja para que podamos conocerlos adecuadamente, y al mismo tiempo que se extiende al resto del conjunto para evitar que la temporada 4 se convierta en "Charles y Diana".

Uno de mis episodios favoritos de Charles y Diana es el tercero, llamado "Fairytale", donde el guión de Morgan posee alguno de los arquetipos románticos de cuentos de hadas, como una joven encantadora que se enamora del apuesto príncipe y elige qué piedra ridículamente enorme llevar en el dedo. Pero también juega con las expectativas, mostrando que hay un lado más oscuro en su compromiso, incluyendo el hacerse la vista gorda ante el afecto continuo de Charles por su amante de toda la vida, Camilla Parker-Bowles (Emerald Fennell), y los sentimientos de aislamiento de Diana mientras se adapta a las intrincadas y a veces extrañas costumbres de la vida real. Ella es un pez fuera del agua y eso le pasa factura. Sin embargo, incluso cuando la pareja está en desacuerdo, la química en pantalla de O'Connor y Corrin es excelente. Corrin clava la exuberancia juvenil, adorable y juguetona de Diana, rasgos que a menudo chocan con la conducta menos afectuosa de Charles. O'Connor, por su parte, parece sentirse como en casa en la piel de Charles después de haber interpretado al personaje durante una temporada completa antes de entrar por completo en el centro de atención de la historia.

Asumí que Charles y Camilla serían pintados como los villanos en este conocido cuento, pero el recuento de The Crown no es blanco y negro, y crea simpatía alrededor de su historia. En una versión inesperada pero también bienvenida de su fatídico romance, Morgan destaca tanto los aspectos buenos como los malos de Diana y Charles como individuos. Cuando aparecieron los créditos en el final de la temporada 4, entendí de dónde venían ambos lados y los vi como humanos defectuosos en lugar de antagonistas.

No hay nada negativo que criticar sobre la cuarta temporada de The Crown, aunque hubiera sido bueno que la princesa Margaret de Helena Bonham Carter tuviera un papel más significativo. Carter fue muy bueno en la temporada 3, especialmente en "Margaretology" y "Cri de Coeur". En la cuarta temporada, Margaret sigue siendo tan atrevida como siempre, y Carter parece haber nacido para interpretar su actitud despreocupada y su ingenioso encanto. En esta ocasión, sin embargo, Margaret recibe un solo episodio, "The Hereditary Principle", en el que brilla mientras asume el papel de detective y descubre un oscuro secreto en el pasado de su familia. Si bien es lo suficientemente entretenido, si tuviera que elegir un episodio como el menos significativo de la temporada, este sería el indicado. Eso no es un desprecio hacia el desempeño de Carter, pero cuando tienes personajes dinámicos como Thatcher, Diana y la misma reina, el episodio se siente más como un desahogo el drama político y social, y más una oportunidad ligera de rescatar a Margaret de la crisis emocional que vivía en ese episodio de su vida.

Pero incluso cuando The Crown no está en su mejor momento desde la perspectiva de la historia, la serie sigue siendo uno de los programas más atractivos que existen, desde un punto de vista técnico. Morgan utiliza un equipo de directores y directores de fotografía para trabajar en varios episodios, pero hay muy poca diferenciación entre cada capítulo en lo que respecta a la alta fidelidad del rodaje, los diseños de escenarios y el vestuario. El equipo que dio vida a la Thatcher de Anderson y la Diana de Corrin definitivamente deberían ser nominados por hacerlas lucir tan convincentes sin exagerar. Los decorados en el lugar, desde las pintorescas Tierras Altas de Escocia hasta las bulliciosas calles de Londres, parecen genuinos, lo que da una sensación de autenticidad a todo en el marco.

The Crown de Netflix continúa demostrando por qué es uno de los mejores programas de televisión más destacados aún en la temporada 4, con increíbles actuaciones de su conjunto de personajes y excelente escritura del showrunner Peter Morgan y su equipo. Estos 10 episodios mantienen con éxito un enfoque equilibrado tanto en la complicada relación de la reina Isabel con Margaret Thatcher como en la exploración de lo que hace que la relación entre Carlos y Diana siempre ande en desbalance. La temporada 4 es otro logro culminante de la serie, aunque es agridulce decir adiós a un grupo tan talentoso, ya que Netflix reformulará sus roles con actores mayores durante las últimas dos temporadas.

The Favourite

Principios del siglo XVIII. Inglaterra está en guerra con los franceses. Una reina debilitada, Anne, ocupa el trono, mientras que su amiga Lady Sarah gobierna el país en su lugar, debido al precario estado de salud y al carácter inestable de la monarca. Cuando una nueva sirvienta aparece, Abigail (Emma Stone), su encanto seduce a Sarah.

Yorgos Lanthimos es del tipo de cineasta que se ha desarrollado sin posicionarse hacia un género en específico. Es cierto que sus películas siempre resultan ser bien inusuales y con un estilo muy particular, incluso entre ellas mismas, pero la verdad es que él nunca ha tenido una zona de comfort. Aún más lo comprueba con The Favourite, una película de época enfocada en la lucha por el favoritismo de las mujeres, y termina siendo una verdadera obra en esencia.

La historia sigue a dos mujeres: Sarah, una amiga cercana de la reina Anne, y quien siempre ha protegido a la reina de los bullicios de los hombres, al nivel de que termina manipulando a la reina con tal de conseguir lo que a ella le plazca; por otro lado está Abigail, quien había sido vendida por su padre a cambio de un pedazo de tierra, pero quien termina llegando a este palacio pidiéndole a su prima Sarah que la empleara, teniendo que hacer todo tipo de trabajos a los que nunca estuvo acostumbrada cuando tuvo una mejor vida en la nobleza.

La prematura confianza que se tenían se ve arrollada cuando Abigail comienza a interactuar con la reina, opacando la atención de Anne y dándole el cariño que aparentemennte nadie más ha sabido darle, ni siquiera su amiga Sarah. Es allí donde ambas mujeres batallan por la confianza de la reina; pero a pesar de que una termina destruyendo a la otra, ninguna se imagin las consecuencias que su batalla va a provocar en la reina.

La acción de The Favourite transcurre en el reinado de Anne de Inglaterra, a principios del siglo XVIII: su historia de alianzas y traiciones –al estilo de Juego de tronos, pero con verdadero ingenio– adquiere una dimensión intemporal gracias a un inspirado trabajo con los anacronismos: entre bailes palaciegos, coreografías modernizadas, una banda sonora que mezcla a Bach, Vivaldi y Elton John, y los diálogos, que además de estar abarrotados de frases contemporáneas, suenan al son de la comedia de la era dorada de Hollywood, a gran velocidad, siempre al borde del precipicio del absurdo.

En este escenario, tres mujeres más emotivas de lo que podría parecer a simple vista, participan en una contienda de amistades peligrosas: Emma Stone es una joven que su belleza compra a cualquiera; Rachel Weisz es la controladora del reino; y, por último, tenemos a la monarca, Olivia Coleman, probablemente el personaje más fascinante creado hasta la fecha por Lanthimos, por pasar de ser una reina dominada a un ser dominante hasta sus últimos días. Coleman –la hija de Margareth Tatcher en La dama de hierro y la sustituta de Claire Foy como Isabel II en la tercera temporada de The Queen– es la joya de la corona de The Favourite: una figura que, en un principio, se presenta puramente caricaturesca, acongojada por su gordura y atormentada por una mala circulación sanguínea, pero que poco a poco va revelando un complejo universo interior marcado por los traumas de múltiples abortos espontaneos, la soledad, los anhelos y los requerimientos autoritarios de su rol monárquico.

The Favourite explora la psicología de sus personajes de un modo relativamente tradicional, mostrando la manera en que cada capítulo les afecta y provoca a tomar decisiones que no parecían estar en su camino. La trama desarrolla el tema de abuso de poder y cómo cualquier persona puede convertirse en alguien totalmente distinto cuando saborean el poder por un instante. La originalidad de la narrativa, apoyada por una interesante fotografía (compuesta por panorámicas y composiciones con el lente de ojo de pez), ayudan a la audiencia entender el compendio de emociones que experimentan los personajes que se enriquecen con cada vivencia y emociones que van viviendo: de las múltiples seducciones a las negociaciones para prolongar o acabar con la guerra con Francia, los complots y traiciones al descubrimiento progresivo de las flaquezas y traumas de los personajes. 

Por otro lado, hay que destacar el trabajo de producción de diseño, que se tomó su tiempo en verdaderamente encarnar esas habitaciones reales, tal cual y cómo muchos museos hoy en día los presentan. Desde el detalle de las pinturas y fanatismo por el exceso de flores y colores vivos, hasta la exactitud del vestuario, maquillaje y hasta peinado. Todo fue muy bien pensado para que la película se sintiese como un viaje en el tiempo hacia tres siglos antes.

El tema sobre la lucha de género se presenta en carne viva, pero lo hace alineándose más hacia el empoderamiento de la mujer a la hora de la toma de decisiones. Resulta ser una buena demostración de que las mujeres siempre han sabido manejar sus propias situaciones sin mucha consulta a ojos masculinos. 

Al final, esta historia es una metáfora de cómo la cabeza de un reinado se da cuenta de las personas que la han estado tratando de manipular, y decide demostrarle a todos quien es la verdadera patrona. Así, The Favourite termina brillando como una absorbente exploración sobre la búsqueda del amor, un severo estudio del modo en que unos anhelos primitivos son destruidos por una estructura social proclive a la corrupción política, la violencia social y una endiablada guerra de sexos en la que termina prevaleciendo el todos contra todos.