Crítica Cinéfila: The Roses

La vida parece fácil para la pareja perfecta que forman Ivy y Theo: carreras de éxito, un matrimonio feliz y unos hijos estupendos. Pero detrás de la fachada de su supuesta vida ideal, se avecina una tormenta: la carrera de Theo se desploma mientras que las ambiciones de Ivy despegan, lo que desencadena una caja de Pandora de competitividad y resentimiento ocultos.

Esta es una idea divertida para una nueva versión de una de las sátiras más amargas y oscuras sobre los dolores del matrimonio: ¿Qué pasaría si pasáramos un tiempo serio en los días de gloria de nuestra relación central? Tal es la idea un tanto audaz de " The Roses " de Jay Roach, una reimaginación de la novela de Warren Adler "La guerra de los Roses" y, en menor medida, la increíblemente divertida película de 1989 de Danny DeVito del mismo nombre. En el papel, esto puede sonar tonto y extraño, pero Roach y sus estrellas Benedict Cumberbatch y Olivia Colman encuentran tanta diversión en los días felices que casi distraen de lo que es inevitable.

Con un guion de Tony McNamara (“The Favourite”, “Poor Things”), la película de Roach arranca lejos de esos días felices, con Theo Rose (Cumberbatch) e Ivy Rose (Colman) enfrentándose en una sesión de terapia de pareja que alcanza su máximo esplendor cuando Ivy insulta a su marido. ¡Ah, el humor británico! Pero mientras su terapeuta se horroriza ante la tensión y los insultos, llegando incluso a anunciar que los Rose no tienen solución, los dos no pueden evitar reírse disimuladamente.

Retrocediendo en el tiempo, pronto vemos cómo empezó todo: con un encuentro inolvidable, pero que también insinúa lo que podría separarlos en los próximos años. Theo es un arquitecto decepcionado por el estado de su obra, obligado a celebrar la finalización de un edificio de apartamentos sin alma en una elegante comida con sus compañeros de trabajo. Cuando se escapa para un descanso, termina en la cocina, justo delante de una sonriente chef, Ivy, ocupada preparando un carpaccio de salmón y lidiando con sus propias preocupaciones profesionales. A los pocos segundos de conocerse, se preguntan si simplemente se van juntos a Estados Unidos. Si estás dispuesto a creerte ese particular (y peculiar) giro argumental, probablemente te entusiasmes con lo que está por venir. Diez años después, la pareja británica ha dado sus frutos. Felizmente instalados en el condado de Mendocino, California, la carrera de Theo está en auge, tienen un par de gemelos que parecen felices, e Ivy se ha dedicado a cocinar por diversión.

Y, sin embargo, han empezado a aparecer pequeñas grietas. Theo aún mantiene la esperanza de construir algún día la casa de sus sueños, la vida de Ivy parece relegada principalmente a ser esposa y madre, y sin duda parece que la pareja tiene ideas discordantes sobre la crianza de los hijos. McNamara entrelaza estos detalles a la perfección, y Cumberbatch y Colman, tan naturalmente entusiasmados el uno con el otro, poco a poco empiezan, si no a distanciarse, al menos a criticarse.

Cuando Theo decide gastar el dinero de su casa en un restaurante de mariscos para Ivy, es el primer paso hacia su ruina. Y cuando el último proyecto de Theo —un enorme museo dedicado a la vida marina con forma de barco— se derrumba durante una tormenta particularmente fuerte (un evento que se viraliza de inmediato), poniendo fin a sus propios sueños profesionales, es solo otro clavo en el ataúd. Mientras que el libro de Adler y la película de DeVito imaginaban a la Sra. Rose como una estrella emergente de la restauración, la película de Roach la convierte en una marca culinaria masiva, y el éxito de Ivy la catapulta a la cima del mundo gastronómico. Un día está haciendo galletas con forma de Big Ben en casa, y al siguiente, está viajando con David Chang.

Esto no le sienta bien a Theo. Mientras que en versiones anteriores de la historia los Rose tenían dos hijos casi adultos, el guion de McNamara reduce la edad de los niños (Hattie y Roy, interpretados por Delaney Quinn y Ollie Robinson, de diez años, y Hala Finley y Wells Rappaport al cumplir los 13), lo que aporta una nueva dimensión a los problemas de Theo e Ivy. Mientras ella se dedica a abrir nuevos restaurantes —con la ayuda de sus empleados de toda la vida, interpretados por Sunita Mani y Ncuti Gatwa —, Theo, recién convertido en padre a tiempo completo, se dedica a criar a los niños a su imagen. Eso significa mucha actividad física y menos postres azucarados.

Son esos desacuerdos aparentemente insignificantes los que empiezan a erosionar su matrimonio. Y aunque mucho de esto pueda parecer muy serio, la película de Roach suele ser muy divertida. Los momentos en los que los Rose se critican entre sí —un momento con unas donas desafortunadas es genial— contrastan con escenas cómicas más significativas que los unen, como una visita a un club de tiro local con sus locos amigos estadounidenses (Andy Samberg, Kate McKinnon, Zoë Chao y Jamie Demetriou). Pero si bien estas secuencias son inteligentes y divertidas, también socavan constantemente los aspectos más amargos de la historia original en el corazón de la película.

Pero si bien la cena, realmente aterradora y a la vez divertidísima, que posiblemente lo pone todo patas arriba se encuentra entre las mejores obras cómicas de Roach, Cumberbatch y Colman, lo que sigue contrasta con todo lo anterior. Que McNamara haya escrito una versión completamente nueva de la novela de Adler es realmente refrescante, pero el tono más ligero y la mayor dependencia del romance real entre sus protagonistas hacen que lo que está por venir sea aún más difícil de digerir.

La película de DeVito no temía ser oscura, profunda y cruel desde el principio, pero en el último acto de la película de Roach, los ataques que Theo e Ivy se lanzan entre sí sorprenden, y no siempre de forma entretenida. Puede parecer absurdo preguntarse si esta versión de "La Guerra de los Roses" es demasiado cruel, pero así es precisamente como se siente. Demasiado cruel, demasiado directa y demasiado extravagante, al menos en el mundo que Roach y McNamara han tejido previamente. Todo es diversión y juegos, hasta que alguien sale lastimado.

Crítica Cinéfila: The Phoenician Scheme

El magnate Zsa-zsa Korda es un rico empresario europeo que se ve envuelto en una trama de espionaje junto a su hija Liesl, una monja con la que mantiene una relación difícil y a la quiere dejar el negocio familiar.

Hubo una época en que empresarios adinerados como el ficticio Zsa-zsa Korda de Wes Anderson se saltaban las reglas, amasaban fortunas y urdían discretamente los planes de sucesión de las dinastías que habían forjado. Hoy en día, estos hombres gobiernan países, aunque no se debe interpretar un mensaje político demasiado fuerte en la última obra de Anderson, "The Phoenician Scheme". Es una mirada irónica a uno de estos titanes donde esta saga densa pero innegablemente entretenida funciona también como una conmovedora historia paternal, y en última instancia parece mucho más interesada en explorar el espíritu de barón ladrón del capitalismo del siglo XX que sus consecuencias.

Inspirada en figuras como J. Paul Getty, JP Morgan y el difunto suegro de Anderson, el magnate libanés de la construcción Fouad Mikhael Malouf, "The Phoenician Scheme" eleva a Benicio del Toro de actor secundario (el genio artístico encarcelado en "The French Dispatch" de 2021) a protagonista en el universo de Anderson. Mientras tanto, Mia Threapleton marca la incorporación más significativa a la compañía en constante expansión del director, interpretando a Leisl, la hija de rostro de porcelana de Zsa-zsa (y monja novicia).

Un afeitado y un corte de pelo le sientan de maravilla a Del Toro: el actor resulta muy digno como Korda, un comerciante culto con un toque de rufián. Con trajes cruzados a medida, el pelo canoso engominado hacia atrás y una caja de madera llena de granadas de mano dondequiera que vaya, Korda no pertenece a ningún país en particular, pero tiene negocios en muchos. Es una figura controvertida, buscada muerta por al menos uno de sus innumerables rivales.

La película comienza con el compositor Alexandre Desplat inyectando una dosis de suspense al estilo de Lalo Schifrin en un vuelo a baja altitud, mientras Korda lee con calma el tipo de libro de no ficción altamente especializado que dejaría a la mayoría dormido, cuando una explosión destroza el fuselaje de su avión privado. Es un comienzo relativamente espectacular para los estándares de Anderson, incluso si el accidente se representa en uno de esos travellings donde la cámara sigue los restos humeantes del avión con la suficiente lentitud como para que el público se ría al ver las pertenencias de Korda esparcidas por un maizal.

Este último roce con la muerte ha dejado a Korda con dos prioridades: reconciliarse con su hija, de quien está distanciada y quien aún no ha perdonado a Zsa-zsa por su participación en la muerte de su madre, y sacar adelante su proyecto más ambicioso hasta la fecha. Se trata de un proyecto de infraestructura de tres partes que consiste en un túnel locomotora transmontano, una vía fluvial transdesértica y un terraplén hidroeléctrico transcuenca, cuyos detalles son tan interesantes como sus tres nombres los hacen parecer.

Mientras Korda intenta cubrir un déficit de financiación que podría hundir sus planes, la mayor parte de "The Phoenician Scheme" transcurre recorriendo un país ficticio (la Gran Fenicia Independiente Moderna) vagamente inspirado en la Península Arábiga, con Leisl y su despampanante tutor sueco Bjorn (Michael Cera) a cuestas. Corre el año 1950, aproximadamente a medio camino entre las fechas de estreno de "Citizen Kane" y "Lawrence of Arabia", y el espíritu de esos dos iconos resuena aquí, aunque a una escala miniaturista que le sienta mejor a Anderson. Como tantos de las influencias del cineasta, desde Royal Tenenbaum hasta Steve Zissou, Korda es una figura que suscita tanto admiración como burla: una postura irónica que permite a Anderson colar una dosis de sinceridad junto con la caricatura.

Menos peculiar conceptualmente que la reciente "Asteroid City" del excéntrico autor (con su metaencuadre, una película dentro de un ensayo teatral dentro de un especial de televisión al estilo de "Playhouse 90"), pero no menos profunda, "The Phoenician Scheme" encuentra una vez más a Anderson incorporando cuestiones existenciales en una forma aparentemente satírica. No pasa un fotograma sin una mirada de detalles cómicos que divierten a su público, y sin embargo, en el fondo, el director se atreve a abordar cuestiones de la mortalidad. En el centro de todo esto se encuentra el dilema de Korda: si ha dedicado toda su energía a amasar riqueza, pero no ha tenido familia, ¿de qué le sirvió su fortuna?

Cuando Liesl regresa a su vida, Zsa-zsa aún no ha recapacitado. La sienta y le explica que, si uno de sus enemigos logra eliminarlo, la herencia de Korda pasará a ella; aunque esta futura monja no lo necesite mucho, pues tiene la plena intención de renunciar a todas sus posesiones terrenales al tomar los votos. Luego procede a mostrarle el alcance de sus operaciones, cuidadosamente clasificadas en una serie de cajas de zapatos y dispuestas en el suelo con el estilo geométricamente simétrico de Anderson. (El director se supera con algunas de sus meticulosas composiciones, incluyendo un plano cenital del baño de Korda que llena perfectamente el encuadre).

¿Qué interés podría tener para Leisl acompañar a Zsa-zsa en un viaje de negocios de seis paradas? ¿O para nosotros, en realidad? Por momentos, "The Phoenician Scheme" puede resultar tan divertido como ver a un talentoso contable sorteando las lagunas legales del impuesto de sociedades, dada la nueva preocupación de Anderson por las complejidades contractuales y los complejos acuerdos financieros, que en la película se renegocian constantemente mediante partidos de baloncesto y acuerdos secretos. Pero no olvidemos que eso es solo el MacGuffin, mientras que el acercamiento entre Leisl y su padre es el principal atractivo.

El director recluta a estrellas de primera línea con las que ya ha trabajado (Tom Hanks, Bryan Cranston, Mathieu Amalric, Scarlett Johansson y Benedict Cumberbatch) para interpretar a los diversos personajes a los que Korda debe convencer para que cubran parte del hueco. Pero Korda, cuyos diálogos del Toro interpreta con la misma cadencia mesurada que Bill Murray ha aportado a varios papeles de Anderson, está demasiado perturbado por visiones místicas como para centrarse por completo en la tarea en cuestión. En cinco ocasiones, generalmente provocadas por situaciones cercanas a la muerte, Zsa-zsa se imagina a sí mismo en secuencias de sueños en blanco y negro.

Antes de descartar estos interludios como absurdos, consideren el cuidado que Anderson ha puesto en cada composición. Todo significa algo, aunque la mayoría de los espectadores no logran descifrar el simbolismo críptico del director. Lo mismo podría decirse de las obras de arte de calidad museística que salpican la película. "Nunca compres buenas películas. Compra obras maestras", decreta Korda, hablando en nombre de todos esos magnates (desde Getty hasta Hearst) que gastaron sus fortunas acumulando tesoros.

Ese es un tipo de legado, aunque Anderson parece dirigir la indagación de la película sobre el sentido de la vida hacia sí mismo, como artista y padre. El estilo de Anderson es, por excelencia, personal, ya que nadie más que él podría imaginar mundos tan elaborados; sin embargo, esta historia está enriquecida por lo que ha faltado en sus primeras películas, más superficiales: un poco de introspección que ponga los negocios infernales de Korda en la perspectiva adecuada.

Crítica Cinéfila: Eric

Nueva York años 80. Narra la búsqueda desesperada que emprende un padre cuando Edgar, su hijo de nueve años, desaparece por la mañana de camino al colegio. A Vincent, uno de los marionetistas más destacados de Nueva York y creador de una popularísima serie televisiva infantil, le cuesta horrores lidiar con la pérdida de Edgar y está cada vez más angustiado e inestable. Se odia a sí mismo y se culpa de la desaparición. En ese estado, se aferra a los dibujos que hacía su hijo de un monstruo azul, una marioneta llamada Eric, convencido de que si logra que Eric salga por la tele, Edgar volverá a casa. 

En la serie limitada de Netflix "Eric", del guionista Abi Morgan ("Shame", "The Hour"), el famoso titiritero Vincent Anderson (Benedict Cumberbatch) y su esposa, Cassie (Gaby Hoffmann), se ven obligados a lidiar con lo que puede ser la pesadilla de cualquier padre: la desaparición de su hijo de 9 años, Edgar (Ivan Morris Howe). Mientras Cassie se apoya en el detective de la policía de Nueva York encargado del Equipo de Personas Desaparecidas, Michael Ledroit (McKinley Belcher III), Vincent comienza a desmoronarse. Desesperado por encontrar a Edgar, se vuelve cada vez más volátil a medida que se obsesiona con los dibujos realizados por su hijo, inspirándole a crear un monstruo títere llamado Eric. Aunque en primera instancia la serie visibiliza cómo Vincent está convencido de que Edgar regresará a casa si logra darle vida a Eric, va más allá proyectando la angustia de los casos de personas desaparecidas. “Eric” obliga a su audiencia a mirarse en el espejo y enfrentar la intolerancia y los prejuicios que utilizamos como armas unos contra otros.

“Eric” comienza en 1985, 48 horas después de la desaparición de Edgar. Los Anderson se sientan en una mesa frente a la prensa, suplicando al público el regreso de su hijo. A instancias de un detective, Vincent se inclina hacia el micrófono y dice: "Edgar, si estás viendo esto... lo siento, amigo". Este inquietante mensaje permanece en el aire mientras la serie retrocede en el tiempo hasta dos días antes. Edgar deambula detrás del escenario del popular programa infantil de Vincent, "Good Day Sunshine". La personalidad de Vincent, sin embargo, no podría estar más reñida con su profesión. Cruel, insensible y desdeñoso, es lo opuesto a alegre. A medida que el primer episodio avanza hacia la mañana de la desaparición de Edgar, la audiencia descubre que el temperamento de Vincent se extiende más allá del lugar de trabajo y se filtra en la casa que comparte con Cassie y Edgar.

Cuando Edgar no llega a la escuela, Ledroit se encarga del caso. Aún atormentado por un adolescente negro desaparecido, Ledroit se ve impulsado a lograr que los Anderson obtengan un resultado diferente. Esto no es tarea fácil en una ciudad decidida a descartar lo que se considera desagradable, y todos los involucrados en el caso ocultan algo. Mientras Ledroit persigue pistas, frenado por la tecnología inadecuada, la burocracia y su propio dolor, los horrores de las políticas gubernamentales de Nueva York salen a la luz. Queda claro que la mala conducta y la violencia en los niveles más altos son cómplices de dañar a los ciudadanos más jóvenes y vulnerables de la ciudad.

Aunque es extremadamente difícil de ver, “Eric” es excepcional. Hoffmann, en particular, es apasionante en su descripción de una madre que se quiebra bajo el peso de lo que ha perdido y un marido que se niega a conectarse con ella. A lo largo de seis episodios, la serie desentraña los peligros de la adicción y el autodesprecio mientras se centra en los resultados injustos nacidos del racismo, la homofobia y la codicia capitalista. 

Pero hay una cuestión evidente. A medida que Vincent se desquicia, comienza a visualizar a un Eric de la vida real que se burla de él y lo sigue a todas partes. Aunque el peludo monstruo azul es una manifestación del tormento interior del titiritero, es una distracción. El tono de “Eric” es tan áspero y oscuro como su ambientación de la ciudad de Nueva York de los años 80. Por tanto, una versión visualizada del títere socava la tristeza de la serie. Además, Cumberbatch, que regresa a la televisión después de una temporada en películas taquilleras, es capaz de representar la autodestrucción de Vincent sin imponer algo tan literal a la audiencia.

En última instancia, “Eric” es mucho más que un niño desaparecido. La serie gira en torno a la corrupción y la inhumanidad, temas que resonarán en la mente del espectador mucho después del episodio final. Inquietante pero profundo, la serie cuestiona por qué solo a ciertas personas se les permiten finales felices y qué significa eso para aquellos que nunca verán justicia.

Crítica Cinéfila: Doctor Strange in the Multiverse of Madness

Viaja a lo desconocido con el Doctor Strange, quien, con la ayuda de tanto antiguos como nuevos aliados místicos, recorre las complejas y peligrosas realidades alternativas del multiverso para enfrentarse a un nuevo y misterioso adversario.

Uno de los planos de "Doctor Strange in the Multiverse of Madness" presenta un vórtice arremolinado que tiene un parecido definitivo con uno que sale igualmente en un teaser "Everything Everywhere All at Once", y es una desafortunada coincidencia, ya que la audaz inventiva de los Daniels anuncia mucho ingenio, nervio y carácter, la mayoría de los cuales faltan de manera prominente en esta última aventura del universo de Marvel. El seguimiento de "Doctor Strange" de 2016 alcanza las marcas de exclamación que esperamos de una aventura de Marvel bien diseñada, pero incluso con Sam Raimi a la cabeza, esta entrada es pesada de seguir y ligera de humanismo.

El éxito de Raimi con la trilogía original de "Spider-Man" sentó las bases, para bien o para mal, para la ola contemporánea de sagas de superhéroes, y aunque su marca de estilo visual y sacudidas aterradoras sirven bien al material, el guion de Michael Waldron (Loki) acumula tantos universos alternativos, nuevos personajes y libros de hechizos (tanto buenos como malos) que no queda espacio para respirar.

“Multiverse of Madness” es una secuela de “Doctor Strange”, con el ex-hechicero supremo (interpretado por Benedict Cumberbatch) asumiendo una nueva amenaza a la realidad misma. Los espectadores probablemente también deberían estar al tanto de la serie de Disney+ "WandaVision", en la que Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) usó sus propios poderes mágicos para crear una realidad artificial en la que su esposo Vision no había muerto y los dos tenían gemelos en un suburbio perfecto dentro de un sitcom.

La arrogancia de Strange abrió una parte del multiverso en “Spider-Man: No Way Home”, y ahora ese multiverso aterriza en su propia puerta en la forma de América Chavez (Xochitl Gomez). Esta adolescente aparece por primera vez en los sueños de Strange, donde no logra salvarla a ella ni a sí mismo, y luego en el medio de Manhattan, donde está siendo perseguida por un monstruo ocular gigante con tentáculos, muy Sam Raimi. 

Resulta que América es el único superhéroe que puede saltar de un universo a otro, solo que no tiene idea de cómo controlarlo (realmente funciona por sí solo cuando ella tiene miedo). Naturalmente, es el tipo de poder que nunca debería caer en las manos equivocadas, por lo que, por supuesto, las manos equivocadas están haciendo todo lo posible para tomarlo por sí mismas, lo que lleva a América y al Dr. Strange saltar de un universo a otro hasta que puedan descubrir cómo proteger a la niña y sus habilidades. 

Los poderes de Doctor Strange (como se manifiestan en su primera película y apariciones posteriores en otros proyectos de Marvel) permiten a los cineastas crear vórtices coloridos donde se puede presenciar una realidad que se derrumba, y Raimi aprovecha absolutamente las oportunidades para enviar a todos a refugiarse. Hay un montaje memorablemente alucinante de Dr. Strange y América cayendo a través de un universo tras otro, con diferentes estilos de arquitectura, cinematografía e incluso la composición física de los propios personajes. "Multiverse of Madness" está en su mejor momento en los que aparece esa locura, con la partitura perfecta de Danny Elfman que ofrece el apoyo adecuado tanto para el heroísmo como para la locura.

“Doctor Strange” nos presentó a un personaje brillante y arrogante, un hombre que pierde todo lo que tiene pero se reinventa a sí mismo, transformándose de un cirujano legendario a un maestro de las artes místicas. El buen doctor no tiene tanto para jugar esta vez, aparte de algunos pensamientos sobre su relación fallida con Christine (Rachel McAdams), y aunque América parece una adición potencialmente interesante al universo de Marvel, ella gasta tanto de esta película en angustia activa, que en realidad no hay exposición de quién es ella en absoluto. Y así como se aprovecha y desaprovecha a la vez el personaje de América, así mismo se castiga demasiado a Wanda/Bruja Escarlata, quien definitivamente merecía un mejor trato después de los distintos sufrimientos que ha tenido desde Avengers: Infinity War.

Los fanáticos de Raimi disfrutarán de su travieso sentido de la diversión con las libertades que se le permite tomar con las reglas básicas y con la gravedad, y los fanáticos de Marvel saldrán encantados con pistas sobre dónde podría ir esta megafranquicia a continuación. Pero falta un nivel de drama humano en “Doctor Strange in the Multiverse of Madness”; la superficie de estos personajes está cargada de ingredientes, pero le falta cierto sabor, algo que los Avengers originales siempre tuvieron de manera natural.

Crítica Cinéfila: The Power of the Dog

Los acaudalados hermanos Phil (Cumberbatch) y George Burbank (Plemons) son las dos caras de la misma moneda. Phil es impetuoso y cruel, mientras George es impasible y amable. Juntos son copropietarios de un enorme rancho donde tienen ganado. Cuando George se casa con una viuda del pueblo, Rose (Dunst), Phil comienza a despreciar a su nueva cuñada, que se instala en el rancho junto a su hijo, el sensible Peter (Smit-McPhee).

Contada con una modesta grandeza, una pieza de época ambientada en un lugar remoto, "The Power of the Dog" devuelve a la directora Jane Campion a la realización de ficción más de una década después de "Bright Star". La Montana rural de 1925 (aunque en realidad filmada en su Nueva Zelanda natal) presenta este drama de secretos, ambivalencia romántica y dolor machista, adaptado de la novela de Thomas Savage de 1968.

El paisaje accidentado también proporciona el primer protagonista masculino de Campion: Phil Burbank (Benedict Cumberbatch), un vaquero mezquino que estalla en las costuras con el peso de la persona que no quiere ser. Señalando una saga de lo siniestro, la partitura fibrosa de Jonny Greenwood tiñe el aire con una atmósfera misteriosa a medida que la historia comienza con Phil y su hermano George (Jesse Plemons), un hombre sensato mucho menos preocupado por representar la virilidad. La pareja acomodada también son socios comerciales a cargo de la ganadería de su finca; una toma temprana de dos de los animales chocando cabezas hacen un buen contraste de la relación de los hermanos tan agraviada.

Hay una tensión silenciosa entre los hermanos, con George distanciándose de Phil cada vez que puede. El abismo emocional que los separa solo crece cuando la propietaria de un restaurante de un pequeño pueblo, Rose (Kirsten Dunst), y su hijo adolescente de genio, Peter (Kodi Smit-McPhee), se convierten en la nueva familia de George. El primer encuentro de Peter con Phil muestra el desdén del adulto por los rasgos delicados y los gestos del niño.  

Campion se deleita con la inmensidad de los pastos en su mayoría de color ámbar, al plantear a los individuos atribulados contra la inmensidad de la tierra salvaje y las montañas que la enmarcan. Su morada grita riqueza, una casa con amplias habitaciones donde siempre hay demasiada distancia entre las personas para que alguien se conozca de verdad. Esa es una transición notable de los pequeños cuartos de Rose y Pete, una vida contenida que les funcionó bien. En el momento en que los límites de su dominio se expanden, también lo hacen sus problemas.

Con un movimiento auspicioso, la cámara flota a través de estos escenarios, obedeciendo al director de fotografía Ari Wegner para atrapar a hombres a caballo o residentes que se escabullen para esconderse o presenciar una indiscreción. La construcción, aunque permite cierta complejidad adicional, vuelve a ensamblar una serie de pensamientos inacabados. La presencia de George domina desde el principio, pero en el segundo acto su influencia en los conflictos disminuye enormemente, ya que la historia se convierte en una batalla de tres bandas silenciosas y juegos mentales entre Pete, Rose y Phil.

En líneas de diálogo aparentemente innecesarias, Campion bombea exposición a las escenas. Así es como nos enteramos de la decisión de Phil de alejarse de las actividades intelectuales (habiendo sido un estudioso del latín y el griego) para sumergirse en la hipermasculinidad y retratar la imagen del rudo ranchero estadounidense cubierto de "buena tierra", el tipo que proviene del trabajo manual bajo el sol. Apesta a sudor y olor animal, pero se niega a ducharse, tal vez convencido de que su olor rancio realza la virilidad que quiere proyectar a como de lugar (y por razones que con detalles aprendemos en la medida que avanza la historia). Mantiene alejada a la gente, a aquellos que podrían ver a través de su fachada, quién realmente es. De paso, Campion introduce un aire de erotismo en la presentación luminosa de los cuerpos masculinos en la naturaleza.

Cuando Phil finalmente entra en contacto con el agua, se niega a lavarse o pelear juguetonamente en el río como el resto de los peones desnudos. Como ocurre con la mayoría de los temas de "Dog", los deseos de Phil yacen bajo la piel, pero la interpretación de Campion del texto de Savage adorna este laberinto de afectos sin palabras con suficientes toques concretos para que uno pueda entender los matices. A pesar de ciertas elecciones estructurales que no conducen tanto al impacto de la historia, la directora pone en escena varias instancias tan intensamente cargadas de sentimientos conflictivos para recordarnos su innegable habilidad para calibrar la modulación de una escena por parte de sus actores.

Con el Pete de Smit-McPhee, Campion apuesta por su inmutable cara inanimosa; el joven actor es terriblemente notable. Mirando este prisma del macho americano desde cualquier ángulo, lo que muestra es una incapacidad para comunicar las necesidades internas. Eso también se aplica a George, quien llora de alegría pensando que la soledad ya no lo atormentará con Rose a su lado, lo que agrega otra razón por la que Phil está empeñado en destruir esta imagen de normalidad. Burlarse de las actividades musicales de Rose y burlarse del comportamiento "debilucho" de Peter le dan la ventaja para recuperar el control una vez que se han mudado.

Una formidable Dunst, que también hace su gran reingreso al cine después de unos años de ausencia, se funde en el papel de una mujer debilitada por el acoso y conducida al alcoholismo. La creciente irracionalidad y debilidad física de Rose, cuanto más tiempo pasa sola en esa casa, salen de la actriz con una fuerza silenciosa. Ella es una flor que se marchita en tiempo real. Un monólogo pronunciado entre lágrimas y risas refleja sus miedos e impotencia, ofreciendo a Dunst un momento fértil para impresionar con su sorprendente compromiso. 

Cumberbatch libra una actuación trascendental, quizás la mejor de su carrera, con una bravuconería excesiva que parece consumir a Phil desde dentro. El fuego intolerable de su verdad reprimida se manifiesta como resentimiento. Está solo en el reconfortante recuerdo de Bronco Henry, un mentor que le enseñó la caballería, trenzar cuerdas y que probablemente le transmitió la capacidad de esconderse a plena vista. No son necesarios los flashbacks, ya que romperían el hechizo de lo que no vemos pero que, no obstante, podemos leer entre líneas.

El actor manifiesta una personalidad maleable, superficialmente rígida pero más suave ante la bondad, más notablemente cuando siente la esperanza de que alguien pueda comprender su tortuosa preocupación. Está en el descubrimiento de que otra persona además de él y Bronco puede ver una figura en la sombra proyectada por formaciones rocosas distantes que él siempre ha visto. Para Phil, la revelación es trascendental y eventualmente devastadora, y Cumberbatch sabe precisamente cómo llevar a su personaje de una aparente calma al borde de un colapso con una potencia creíble.

Los momentos más gratificantes llegan al final de la película, cuando Phil decide tomar a Pete bajo su protección; supuestamente, es para librar al niño de su comportamiento afeminado, no como una figura paterna temerosa de la potencial homosexualidad de Pete, sino como alguien que se reconoce a sí mismo en su sobrino. Phil cree que lo está salvando, pero ese plan y su afecto pueden no conducir a los resultados deseados. En sus fascinantes intercambios se esconde la dinámica de un hombre condenado por sus circunstancias y un verdugo que saca a un animal de su miseria. Cuando se rompe el cuello de un conejo herido, otra vida recibe su sentencia. 

Anclado en un salmo que habla de la idea de un enemigo claro empeñado en causar daño, la última película de Campion amplía los límites de la moralidad, impidiendo que nos pongamos del lado de cualquiera de las partes involucradas. Para una película que parece detenerse y comenzar a medida que cambia su enfoque varias veces, negándonos una introspección más prolongada en su relación de hombre a hombre más magnética, "The Power of the Dog" prospera al tener actores tan sumergidos en la ficción que están creando que se siente a una realidad. Su trabajo traduce lo que no se dice en gestos fugaces pero reveladores.

Crítica Cinéfila: Spider-man - No Way Home

Por primera vez en la historia cinematográfica de Spider-Man, nuestro héroe, vecino y amigo es desenmascarado, y por tanto, ya no es capaz de separar su vida normal de los enormes riesgos que conlleva ser un superhéroe. Cuando pide ayuda al Doctor Strange, los riesgos pasan a ser aún más peligrosos, obligándole a descubrir lo que realmente significa ser él. Secuela de 'Spider-Man: Far From Home'.

Donde hay una red, hay un camino.

Ah, pero ¿hay un camino a casa cuando ya no te sientes como en casa incluso cuando ESTÁS en casa, porque de repente todo el mundo sabe tu nombre y quiere una parte de ti? Qué telaraña tan enredada ha tejido este Spidey, aun cuando en realidad nunca tuvo la intención de engañar.

Si crees que hay mucho que analizar, será mejor que te pongas el cinturón y te quedes con la innovadora, emocionante, divertida y conmovedora "Spider-Man: No Way Home", el tercer capítulo de la trilogía que comenzó con “Homecoming” en 2017 y “Far From Home” en 2019 y, los demás capítulos del Universo Cinematográfico de Marvel donde Spiderman ha estado participando. No es un spoiler decir que esta no será su última aparición, y estoy interesada por ver cómo se desarrolla todo, porque al final de este arduo y a veces complicado viaje las cosas han cambiado en un camino bastante grande aunque reconocido para los verdaderos fanáticos del comic.

Analicemos juntos mientras trato de esquivar el revoltillo de giros y vueltas geniales que se experimentan en el transcurso de la inmersión profunda de Jon Watts en 148 minutos, alternativamente ventosa y existencial, o mejor conocida como el multiverso. 

"Spider-Man: No Way Home" retoma una semana después de los eventos de "Far From Home", con el mundo de Spidey explotando después de que el villano vencido Mysterio (Jake Gyllenhaal) ha dejado un video de despedida desde más allá de la tumba: la revelación de que Spiderman es un estudiante de secundaria de 17 años llamado Peter Parker.

El mundo y, en particular, la ciudad de Nueva York se divide rápidamente en dos campos: aquellos que continúan creyendo que Spider-Man es su vecindario amigable y un héroe local, y aquellos que lo etiquetan como un justiciero que debe ser llevado ante la justicia. Alimentando los fuegos para el equipo en contra está nada menos que J. Jonah Jameson de JK Simmons de las tres películas de Sam Raimi "Spider-Man" en la década de 2000, que ha pasado de ser editor de un periódico sensacionalista a un comentarista web desvariado y delirante como Alex Jones. Con vallas publicitarias que proclaman a Spider-Man "Public Enemy # 1" y helicópteros de los medios sobrevolando cada uno de sus movimientos, Peter, su novia MJ (Zendaya) y su mejor amigo/compinche Ned (Jacob Batalon) están devastados, principalmente y porque se han hecho controversia, están siendo rechazados por una universidad tras otra, incluyendo MIT.

Ese es el gran problema en el comienzo de "No Way Home", que Peter, MJ y Ned no pueden ingresar al MIT ni a ninguna de sus escuelas de backup porque están muy polarizados. El director Watts y los escritores Chris McKenna y Erik Sommers gastan demasiado en este punto de la trama, que eventualmente se usa como un trampolín para que Peter busque a Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) en su increíble historia de múltiples historias, con la esperanza de que el doctor haga un poco de magia con la línea de tiempo y reorganice las cosas para que solo aquellos que conocían la identidad de Spider-Man antes de la revelación de Mysterio retengan ese conocimiento. De esa manera, Peter, MJ y Ned pueden ir a la universidad, y Peter puede luchar un poco contra el crimen en el área de Boston en su tiempo libre. Suena bastante simple... si tan solo fuese así de simple.

La cuestión es que, cuando se tiene en cuenta todo el asunto de los multiversos, no solo MJ, Ned, la tía May y Happy son conscientes de la verdadera identidad de Spider-Man. Gente como Norman Osborn / Green Goblin (Willem Dafoe), Otto Octavius ​​/ Doctor Octopus (Alfred Molina) y Max Dillon / Electro (Jamie Foxx) conocen a Peter/Spidey, y de repente, todos están aterrizando en ESTE universo, y sí, es emocionante ver a estos grandes actores repitiendo sus memorables papeles de años y películas pasadas. El ambicioso plan de los jóvenes se desarrolla con mucha bondad, magia alucinante, humor peculiar, un poco de angustia y varias formas ingeniosas de unir el universo Marvel más grande.

Estos villanos están asombrados más allá de la comprensión de este nuevo mundo, que contiene a un Peter Parker que no se parece en nada al Peter Parker que conocen. Esto genera algunos momentos cómicos y también una pregunta dramática verdaderamente intrigante: ¿Qué pasa si es posible que estos monstruos resucitados regresen a su ser humano en este universo? Es un acertijo intrigante y un dispositivo de trama inteligente, ya que permite a Dafoe, Molina y Foxx traer a sus personajes de regreso como algo más que mutaciones infundidas por CGI.

Las secuencias de batalla en “No Way Home” son relativamente discretas, tienen lugar en la ciudad de Nueva York y sus alrededores, y la secuencia culminante transcurre de una manera bastante turbia debido al entorno nocturno. No hay nada nuevo o particularmente memorable sobre el CGI útil y los efectos prácticos, hasta que se tiene una batalla cargada de universos paralelos, y no es contra villanos. Aunque no es mi Spidey favorito, Tom Holland ha hecho una de las mejores interpretaciones de Spiderman en mucho tiempo, y quizás el más cercano al Peter Parker del comic. Y aunque sus películas no han sido mis favoritas, han sido las que me han traído los mejores recuerdos de mi niñez.

Y a pesar de lo extenso que se vuelve esto, "No Way Home" concluye satisfactoriamente la trilogía de Watts. Claro, hubo un extraño padre malvado y un viaje de verano que salió mal, pero el núcleo de esas películas fue que Peter intentaba descubrir cómo ser un adolescente y un superhéroe al mismo tiempo, y generalmente fallaba antes de aprender una lección más profunda. Watts mantiene ese aspecto como una constante en la nueva película, por lo que basa toda la gran MCU en una universalidad identificable, incluso cuando Spidey se encuentra con el extremo comercial de los tentáculos de Doc Ock y Green Goblin le arroja sus bombas a la cabeza.

Hay muchos retornos bienvenidos en “No Way Home”, ¡la mayoría de los cuales deben ver por sí mismos! - pero ver a Dafoe deleitarse con tener otra oportunidad como el archienemigo loco de los cómics es un placer celestial, mientras que una segunda vez es sin duda el encanto para Electro de Foxx. Sin embargo, el corazón y el alma de la película, como fue el caso de las dos últimas películas, es Holland, quien en esta ocasión muestra un nuevo valor y seriedad.

"No Way Home" resulta ser también una película navideña, con una intrigante vibra de "It's a Wonderful Life" que le da una nueva perspectiva a su personaje central. Es una película de Spider-man por excelencia que rinde homenaje al pasado, marca todas las casillas de Marvel necesarias y aún se las arregla para dar un giro algo refrescante. Puntos para Marvel.

Crítica Cinéfila: The Mauritanian

Capturado por el gobierno de los Estados Unidos, Mohamedou Ould Slahi (Rahim) sobrevive en la prisión de Guantánamo donde lleva más de una década sin cargos ni juicio. Tras haber perdido toda esperanza, Slahi encuentra aliados en la abogada defensora Nancy Hollander (Foster) y su asociada Teri Duncan (Woodley). Juntos se enfrentan a innumerables obstáculos en una búsqueda desesperada de justicia.

Cuando Kevin Macdonald se propuso hacer "The Mauritanian", el director debió identificarse hasta cierto punto con la abogada defensora Nancy Hollander. La abogada, interpretada aquí por Jodie Foster, desafió los insultos y el desprecio cuando se hizo a cargo del caso de Mohamedou Ould Slahi, que fue arrestado a raíz de los ataques terroristas del 11 de septiembre. En ese momento y probablemente hasta el día de hoy, muchos en el ejército de los EEUU creían que Slahi estaba involucrado en ayudar y tal vez incluso en reclutar a los secuestradores que volaron los aviones en el World Trade Center. Lo había confesado bajo tortura, pero entonces, ¿quién no lo haría?

Para Hollander, ponerse del lado de Slahi fue una posición extremadamente impopular, y Macdonald, un cineasta escocés que se ha sentido atraído repetidamente por temas políticos candentes y personajes controvertidos, abraza la historia con fervor. Nadie puede acusar a Macdonald, que no es estadounidense, de ser antipatriótico, aunque ciertamente pueden rechazar una película que vaya en contra de su propio sentido de cómo las fuerzas armadas estadounidenses deberían haber respondido al 11 de septiembre. El desafío del director entonces es ofrecer el lado de la historia de Slahi, lo que él opta por hacer sin necesariamente profundizar en el complicado pasado que dio motivos a las autoridades estadounidenses para sospechar de él. Hay referencias a una llamada telefónica que recibió de la línea de Osama bin Laden y una historia abierta con Al-Qaeda, que había estado luchando del mismo lado que los estadounidenses cuando Slahi estaba afiliado a la organización, pero al final del día la convicción del guión es que el gobierno de Estados Unidos hizo un mal manejo de la persona que tenían detenida para solamente obtener la información que querían.

"The Mauritanian" es una película dura, y no fácil de disfrutar, que marca el polo opuesto de la actitud entusiasta de luchar contra el terrorismo a cualquier costo de producciones posteriores al 11 de septiembre, como "24" y " Zero Dark Thirty", en la que el fin justifica los medios. Pero encaja dentro de otros géneros bien establecidos de Hollywood, en particular, aquellos que se imaginan a sí mismos como un freno a la malversación del gobierno, y como tal, "The Mauritanian" ofrece la conmoción, la indignación y la recompensa final que el público espera.

Slahi está radiante cuando lo conocemos en la escena de apertura, asistiendo a una boda en Mauritania que es interrumpida con su arresto. A pesar de todo lo que sufrirá en los próximos años, Slahi nunca pierde la capacidad de sonreír. Este hijo/esposo increíblemente optimista es interpretado por el actor francés Tahar Rahim, un actor serio y de apariencia dulce con una profundidad y capacidad impresionantes para ocultar las verdaderas intenciones de sus personajes.

Rahim proyecta los prejuicios habituales inculcados por Hollywood sobre Slahi al principio para interpretar el papel, un personaje que nunca debemos conocer por completo y, sin embargo, se nos invita a identificarnos con el mismo, lo suficiente como para reconocer que nadie merece ser detenido durante ocho años sin ser acusado formalmente de un delito. No importa cuán complejo sea Slahi, la película sostiene que su situación es simple: a menos que se demuestre su culpabilidad, debe ser liberado.

Interpretando a la mujer que se atreve a enfrentarse a este presunto monstruo, Foster aporta diferentes asociaciones a su papel. Naturalmente, algunos recordarán "The Silence of the Lambs", en el que se encuentra cara a cara con un cerebro criminal, aunque "The Mauritanian" no fomenta la idea de que está siendo manipulada. Más bien, es Hollander quien se acerca a Slahi, cuya presencia en la bahía de Guantánamo es un aparente secreto.

La Bahía de Guantánamo sirve como una especie de agujero negro en el sistema de justicia estadounidense, un vacío sin ley al que se arroja a las personas sin que se les comunique ningún aviso con sus seres queridos. Su misión es brindar protección constitucional a esta prisión, donde el secretario de Defensa Donald Rumsfeld aprobó “medidas especiales” para interrogar a los prisioneros justo antes de que Slahi fuera entregado a la inteligencia militar. Y no se puede dejar de mencionar el hecho del control de las pruebas que tienen otros relacionado al caso, como el Coronel Stuart Couch (Benedict Cumberbatch. Estas pruebas están altamente clasificadas, lo que hace que sea casi imposible para Hollander y su socia, Teri Duncan (Shailene Woodley), defender a un cliente al que el ejército no ha acusado formalmente de un crimen.

Macdonald sigue enfocándose en este punto: el principio de hábeas corpus, según el cual un preso tiene derecho a comparecer ante un juez y ser informado del motivo de su detención. En los créditos finales, la película nos dice que de los 779 prisioneros detenidos en la Bahía de Guantánamo, solo ocho han sido condenados; los casos contra tres fueron anulados en apelación. Lo que muchos de estos hombres soportaron fue inconcebible, pero estos sospechosos difícilmente fueron elegidos al azar, y la película no tiene en cuenta la naturaleza de las actitudes posteriores al 11 de septiembre. Muchos temían que fueran inminentes más ataques terroristas.

“The Mauritanian” comienza lento, dejando espacio para el escepticismo de la audiencia hacia Slahi, ya que trenza múltiples líneas de tiempo con un efecto algo desorientador, intercalando cómo fue tratado bajo custodia militar con la cruzada de Hollander para liberarlo. Pero la historia gana impulso a medida que avanza, y al final, es positivamente apasionante. En las series de televisión estadounidenses, personajes como Jack Bauer usan tácticas extremas para obtener información rápida y precisa, pero eso no es lo que Macdonald muestra que está sucediendo aquí. Desde el submarino hasta las relaciones sexuales forzadas, los métodos están destinados a quebrar a los prisioneros, pero pueden destruir con la misma eficacia nuestra confianza en el sistema.

El trato que los militares dan a Slahi es muy difícil de aceptar. En el transcurso de las dos horas de duración de la película, llegamos a sentir empatía por este hombre, a quien Rahim interpreta con una gentileza poco común. La mayoría de la gente en su lugar se indignaría. En cambio, Slahi reza, escapa a recuerdos sobre su esposa y su familia, e intenta establecer algún tipo de conexión con sus captores. Pero lo más sorprendente es que los perdona. Imagínese eso: una película sobre la venganza, en la que el comandante en jefe pide "justicia dura", sostiene que la forma de escapar del ciclo del terror no es con la fuerza sino con el perdón.

Crítica Cinéfila: 1917

En lo más crudo de la Primera Guerra Mundial, dos jóvenes soldados británicos, Schofield (George MacKay) y Blake (Dean-Charles Chapman) reciben una misión aparentemente imposible. En una carrera contrarreloj, deberán atravesar el territorio enemigo para entregar un mensaje que evitará un mortífero ataque contra cientos de soldados, entre ellos el propio hermano de Blake.

La Primera Guerra Mundial terminó hace un siglo y un año, y ahora no puede quedar nadie que lo recuerde. La mayoría de la población actual del mundo probablemente no tiene idea de por qué se peleó y cómo eran las condiciones. Sin embargo, el cine no ha permitido que esta época y este importante hecho histórico de la humanidad no pasen por desconocido para nadie, trayéndolo a la vida con películas ficticias tan conocidas como The Great Dictator, Lawrence of Arabia y Tolkien, o documentales informativos como They Shall Not Grow Old y The Great War. 

A la velocidad de las nuevas tecnologías que hoy se adaptan al cine, ya no solo se trata de la historia, sino también de cómo se cuenta. 1917  no tiene interés en abordar las circunstancias que provocaron la guerra, es más inicia con ella bien avanzada; pero se dedica apasionadamente a describir las condiciones de sus soldados en términos visuales que llevan a la audiencia con la mano en el pecho en compañía de sus dos solddados protagonistas, que de casualidad pareciese que andan volando para darnos una buena visión de la realidad, aunque ocasionalmente dejan de aletear, cayendo en un infierno sangriento y fangoso.

Schofield (George MacKay) y Blake (Dean-Charles Chapman) son dos soldados atrapados con otros 1,600 soldados británicos en las trincheras de la línea Hindenburg el 6 de abril de 1917. Para su mala suerte, son enviados a entregar una carta del general Erinmore (Colin Firth). La misiva, que se entregará personalmente al coronel Mackenzie (Benedict Cumberbatch), comandante del segundo batallón, contiene órdenes de no proceder con un avance planeado desde el frente debido a la inteligencia que confirma que es una trampa enemiga. El viaje implica una caminata de alto riesgo durante la noche a través de un terreno ocupado recientemente por los alemanes, lo que significa que  las trampas explosivas y otros peligros ciertamente acechan en el camino. 

Schofield es un muchacho serio, de complexión clara y alto, del tipo que a menudo se asocia con los jóvenes ingleses de la época, mientras que Blake es más bajo y de cabello negro. En el camino, los dos hombres encuentran que los alemanes realmente han abandonado sus trincheras, aunque es bastante notable que sus estructuras subterráneas son mucho más ordenadas y mejor construidas que las de sus contrapartes británicas. Ni siquiera 45 minutos después, ocurre una ataque impactante y completamente inesperado, pero la odisea terrible debe continuar, y los personajes del camino harán que la aventura no sea completamente trágica.

Hay unos momentos de triste respiro y, con todo el caos, uno se pregunta fugazmente cómo es posible que tal viaje termine en el destino deseado. Aún así, la manera de contar historias sigue siendo una con el enfoque estético de todo el proyecto, que es mostrar y no contar, y el destino de todos los hombres finalmente está en manos del coronel que los dos viajeros fueron enviados a buscar. 

El objetivo puede implicar tantos riesgos y complicaciones como sus guionistas Sam Mendes y Krysty Wilson-Cairns se han dedicado a desarrollar a lo largo de la película. Pero la simplicidad de la configuración para fines cinematográficos posee un atractivo elemental innegable, y Mendes y su director de fotografía Roger Deakins se han propuesto el desafío de contarlo sin problemas, sin saltos en el tiempo o ediciones visibles, para representar una visión más realista del camino y los retos de nuestros protagonistas.

Sin embargo, logran el efecto de un continuo y singular plano secuencia durante toda la película, efecto visual que ha cautivado al cine en diversas ocasiones (algunas de mis favoritas son Gravity, Children of Men y Birdman) A medida que los hombres atraviesan una distancia considerable sobre un terreno que ofrece pocas comodidades, hay momentos en los que la cámara gira, entra en la oscuridad o pasa de un reino a otro, todo lo cual proporciona momentos para que un interludio termine (o mejor dicho, cantar Corte). Todas las "tomas" de la película están perfectamente conectadas, creando la sensación de que seguimos estos soldados a tiempo real, con Deakins y su equipo utilizando la nueva cámara Alexa Mini LF que proporciona el doble de resolución que el modelo anterior, con movimientos de cámara sobresalientes y la acción de formas extraordinariamente fluidas, elegantes y reveladoras que nunca antes se habían visto. 

Se podría argumentar que la posición de seguir adelante y hacer un simple corte de una perspectiva a otra no disminuiría de manera palpable el impacto del trabajo; ¿A quién le importaría si hicieras cortes juiciosos en lugar de esconderlos en la oscuridad o por algún otro medio? Pero es obvio que se plantearon un desafío y descubrieron una forma de lograrlo, obteniendo un magnífico resultado desde cualquier punto de vista. Aquí, indiscutiblemente, hay una película para ser vista en la pantalla grande como la naturaleza, o al menos los cineastas, pretendían.

A medida que la cámara de Deakins se desliza, se precipita, gira y parece ansiosa por investigar todo el espacio entre el cielo y el infierno, incluso cuando parece que ya han llegado a este último, los salarios incidentales de la guerra están por todas partes. De vez en cuando, surgen recuerdos de otras películas que involucran la vida en trincheras o largos viajes a través de paisajes peligrosos y llenos de muerte:  Paths of Glory,  Saving Private Ryan,  Full Metal Jacket, y A Very Long Engagement. Pero 1917 los supera a todos en términos de inmersión absoluta en un entorno ineludible, dominado por la miseria y la continua amenaza de muerte por muchos medios. Y si bien durante algún tiempo es difícil olvidarse de la complejidad de lo que el cinematógrafo y el director han logrado aquí, en cierto momento comienza a darlo por sentado y se involucra más en los detalles de la finalización del viaje. 

Pero, que la cinematografía no sea lo único que los motive a ir al cine: el guión está inteligentemente construído para que el diálogo entre caminatas extensas sirva como el proyector de la temática de la historia, introduciéndole a la audiencia cómo estos soldados, que han sido elegidos para la misión porque el hermano de Blake es uno de los soldados del Batallón que están tratando de salvar; pero la gran realidad de estos soldados es que están involucrados en esta guerra por la simple razón de que su país los necesita, a pesar de que no saben si tendrán la suerte de regresar con vida a sus hogares. El triste destino fatal de la guerra es uno de los temas que más trata la historia, con la cobertura de elementos visuales como los restos de soldados, ya sea británicos, franceses o alemanes, los terrenos destruidos y animales asesinados en el proceso, la constante angustia de si sobrevivirán y podrán volver a ver a sus seres queridos. Es una película que, tendrá una increíble fotografía, pero se preocupa por crear suficiente empatía con sus personajes y seguirlos hasta lugares de mala muerte.

A medida que los protagonistas se dirigen a su peligrosa misión, la justicia del día de primavera es superada por el barro y los cielos nublados, y acompañada por una música que enfatiza laboriosamente lo siniestro; la composición de Thomas Newman incrementa drásticamente en poco tiempo, así como el paisaje se transforma en un terreno árido y sin vida, adornado con alambre de púas.

A pesar de la gran complejidad de la técnica de narración de cuentos, el cuento en sí, escrito por Mendes y Wilson-Cairns es muy simple y satisfactorio, dependiendo de si no se evitará una masacre inevitable. Y todo viene previsiblemente envuelto en el inevitable lamento humanista sobre el trágico desperdicio, los millones de vidas perdidas, la destrucción innecesaria y el mal uso de la iniciativa creativa e industrial. 

¿Cuántas películas se tratan sobre la 1ra Guerra Mundial? El número es más específico que la cantidad de películas de las demás guerras, y muchos dirán que ya casi no quedan historias que contar, pero a lo largo del tiempo la industria del cine sigue rebuscando en el librito negro de la historia humana, aún enfocados en qué trata, pero también en su perspectiva y cómo se presenta en pantalla. En el caso de 1917, la película está tocando principalmente notas familiares en términos de historia y tema, expresando una visión concisa, enfocada y expertamente manejada con la cual hay poco que objetar, y el estilo extraordinario representa el fruto de un sueño largamente imaginado por parte de muchos directores y cinematógrafos. De ahora en adelante, cuando la discusión se centre en grandes obras de cinematografía y funcionamiento de cámaras,  1917  siempre tendrá que estar en lo más alto de la lista.

The Grinch

Envidioso de la alegría de los Quien, el Grinch planea bajar al pueblo, y robar todos los adornos y regalos navideños, y así impedir que llegue la Navidad.

Existen muchos clásicos de Navidad, pero el que siempre será popular y mi favorito de todos es el cuento de Dr. Seuss sobre el Grinch. Esta se convierte en su tercera adaptación del personaje, lo cual podría crear cuestionamientos de si es necesario o no crear otra versión, y la verdad, al igual que las anteriores Illumination ha creado una historia con detalles que en las demás fueron omitidos.

El Grinch es un ser gruñón y peludo de color verde que vive en una cueva oculta en lo alto de la montaña a 3000 pies al norte de Villaquién, el hogar de los felices y afectuosos Quien. Él mismo asegura que su corazón es muy pequeño y que ese es el motivo por el cual es un cascarrabias que siempre está quejándose de todo y no hay nada que le parezca bien. Su único amigo es un perrito llamado Max, y esto para el Grinch es más que suficiente porque él no necesita a nadie. 

Cada año, en Navidad, los lugareños perturban su pacífica soledad con celebraciones cada vez más desmesuradas, luminosas y ruidosas. Un día, desde su guarida, en lo alto del Monte Crumpit, empieza a escuchar ruidos procedentes de la ciudad de Villaquien, donde sus habitantes, los Quien, se encuentran entusiasmados organizando los preparativos para celebrar la Navidad. A él tanta alegría le provoca una rabia y una envidia que es incapaz de controlar. 

Pero, cuando los Quién declaran que ese año van a preparar una Navidad el triple de grande, el Grinch se da cuenta de que solo hay un modo de recuperar algo de paz y silencio: robar la Navidad. Para ello, decide hacerse pasar por Santa Claus en Nochebuena, haciéndose con un reno muy peculiar para tirar de su trineo. Mientras tanto, en Villa Quién, una dulce niña llamada Cindy-Lou, desbordante de espíritu navideño, planea con sus amigos atrapar a Santa Claus durante su visita en Nochebuena para darle las gracias por ayudar a su trabajadora madre. Sin embargo, a medida que se acerca la noche mágica, sus buenas intenciones amenazan con chocar con las del Grinch, mucho más perversas.

Hay que admitir que el equipo de animación de Illumination hizo un excelente trabajo con la escenografía y los trabajos visuales en esta película. Es una experiencia interactiva, donde la cámara es el avión de la audiencia, llevándola a cualquier punto de Villaquién de una manera impresionante. Revivieron esos colores y extravagancia que el cuento de Dr. Seuss siempre describió sobre Villaquién. Así mismo, le dieron aún más creatividad a sus personajes, sobretodo al Grinch y su cueva, que ahora sí se ve como un verdadero laboratorio y justifica aún más cómo es que este ser puede planear el robo de la navidad.

Benedict Cumberbatch hace la voz del Grinch, y lo hace con una elegancia/arrogancia que solo por eso se debe reconocer que es una de las mejores interpretaciones de esta criatura que se han hecho. Con ayuda de un guión bien elaborado, Benedict no solo le da voz, sino personalidad y actitud. No solo lo hace completamente malvado sino que justifica sus acciones y sus decisiones. Y lo aún más interesante sobre el personaje es que el hace lo que hace en reacción a su ambiente. Tiene toda la razón de que demasiado fanatismo por la navidad puede llevar a cualquier persona al borde de la locura.

Pero además del personaje del Grinch, otros agregados bien interesantes fueron Max, quien ahora es un personaje aún más importante que en sus versiones anteriores y que tiene una relación simplemente hermosa con el Grinch (así mismo, el Grinch es débil por Max y es lo único que trata bien la mayoría del tiempo). Así mismo, el personaje de Cindy-Lou tiene un verdadero objetivo en esta película: la niña tiene su historia separada del Grinch, con la meta de conocer a Santa y pedirle que ayude a su mamá a tener más tranquilidad y que no trabaje tanto. Y no se puede dejar de mencionar la narración, que fue un verdadero TBT con los clásicos del Grinch, con la voz de Pharrell Williams, y una rima divertida y melancólica.

Ahora, ya que este filme está basado en un cuento corto de navidad, hace muy bien con demostrar que puede tener la longitud de una película completa, agregando momentos divertidos y escenas que anunciaban los cambios de secuencias y actos. Sin embargo, mientras agregaba más momentos del Grinch preparándose para el acto final de robar la navidad, y Cindy-Lou preparándose para atrapar a Santa, la película perdió un punto muy importante (spoiler alert): enseñar a Santa repartiendo los juguetes, y al perder esa escena, se cuestiona si de verdad fue o no, sobretodo cuando el Grinch llega a la casa de Cindy-Lou y la trampa que ella ha dejado está intacta. Es un error narrativo que muchas personas notarán, porque le quita un peso importante al climax. Es verdad, si Santa hubiese caído en la trampa de Cindy, el Grinch no hubiese recibido ese mensaje que le hubiese engrandecido el corazón, pero la lógica de la secuencia perdió mucho valor.

No obstante a esto, el resto de la historia se mantuvo entretenida gracias a una banda sonora elaborada por Danny Elfman, quien revive algunos de los mejores clásicos de la película y crea otros más adaptados a la audiencia de hoy y a estos tiempos. 

A pesar de algunos errores en el guión, la experiencia visual de The Grinch es divertida y adorable, maquillando todo ese color que Dr. Seuss creó y trayéndolo de una manera que servirá de entretenimiento para toda la familia. La música te hará cantar junto con los Quién y la personalidad del Grinch gritará en lo alto que esta versión podría ser mejor que la que se hizo hace unos años atrás.