Crítica Cinéfila: Flow

Un gato se despierta en un mundo cubierto de agua, donde la raza humana parece haber desaparecido. Busca refugio en un barco con un grupo de otros animales. Pero llevarse bien con ellos resulta ser un reto aún mayor que superar su miedo al agua. Todos tendrán que aprender a superar sus diferencias y adaptarse a este nuevo mundo en el que se encuentran.

Sin ánimos de exagerar el asunto, hay una pureza en las grandes historias animadas que puede destrozar el corazón y luego volverlo a llenar. El cautivador segundo largometraje del director letón Gints Zilbalodis, "Flow", es ese tipo de maravilla, una aventura de supervivencia vívida y vivencial que se desarrolla en un mundo al borde de la ruina. Contada completamente sin diálogos, esta historia de un gato que evoluciona desde la autopreservación a la solidaridad con un grupo heterogéneo de otras especies es algo bastante especial.

"Flow" es una pieza de la aclamada ópera prima de Zilbalodis de 2019, "Away"; ambas son esencialmente películas mudas y ambas tienen una deuda con los lienzos pictóricos del maestro de la animación Hayao Miyazaki. La nueva obra coloca personajes diseñados en un estilo de dibujos animados clásicos en deslumbrantes entornos fotorrealistas, que a veces recuerdan los paisajes boscosos del artista danés Peder Mørk Mønsted. Las imágenes de la naturaleza brillan con luz y color, aunque la sombra del peligro nunca está lejos.

El gato que protagoniza la historia es un felino gris de género indeterminado que parece estar en algún punto entre la etapa de cachorroz y la madurez completa. Es inteligente y resistente, pero también asustadizo, una criatura pequeña en un bosque grande y aterrador, extrañamente salpicado de esculturas de gatos a gran escala, incluido un gato gigante que se eleva por encima de las copas de los árboles. Los andamios indican que es una obra que quedó sin terminar, una de las muchas señales a lo largo de la película de que la vida humana ha desaparecido.

Tras burlar a cinco perros que lo perseguían durante una persecución llena de suspenso, el gato descubre el origen de esas obras de arte en una cabaña aislada con un taller de tallado de madera. El animal entra por una ventana rota y rápidamente se acurruca en una cama para dormir.

Más tarde, el gato se aventura de nuevo al bosque y escapa por poco de ser pisoteado por una estampida de ciervos. A esto le sigue, segundos después, una inundación torrencial que arrasa el bosque con una fuerza devastadora. A medida que las aguas siguen subiendo, el gato sigue trepando a terrenos más altos y finalmente escala la escultura que domina el horizonte, trepando hasta la parte superior de la cabeza y luego hasta la punta de una oreja.

Lo que sigue es un viaje lleno de acontecimientos, con un ritmo acelerado y sin prisas, incluso en sus rápidos 86 minutos, que da espacio tanto para interludios emocionantes como para momentos más conmovedores. El gato se sube a un velero destartalado y navega por un río crecido, adaptándose gradualmente a los desafíos de este nuevo mundo acuático.

Los expresivos ojos de platillo del animal se abren con cada nuevo encuentro: un capibara que ladra una vez y luego se deja caer para dormir, sin representar ninguna amenaza; un lémur adquisitivo que recolecta afanosamente una serie de objetos brillantes en una canasta que guarda con irritación; un labrador dulce y no demasiado brillante separado de la jauría de perros; y un pájaro secretario que inicialmente parece una amenaza pero pronto se posa en la proa del bote, ocupándose principalmente de sus propios asuntos.

A medida que los bosques dan paso a una vegetación más tropical, los animales pasan por ruinas de lo que parece ser una gran ciudad antigua con un enorme anfiteatro que alberga una colonia de lémures, cada uno de ellos luciendo sus propios tesoros encontrados como accesorios.

Todos los animales del barco han cambiado a raíz de sus experiencias, con la excepción del capibara, que sigue siendo prácticamente el mismo grandulón y tranquilo durante todo el viaje. Incluso el labrador, que se desentiende de la mentalidad de manada de los otros perros, se vuelve más inteligente y más atento a la seguridad de sus compañeros de viaje.

Ninguno cambia más perceptiblemente que el gato; sus encuentros con la muerte probablemente superan en número a las nueve vidas estándar y su cohabitación con las otras especies fomenta un espíritu comunitario a diferencia de su comportamiento más distante y circunspecto anterior en la historia.

Se trata de una película maravillosa para niños, un ejemplo de la relación de intercambio que existe entre la amistad y la importancia de la confianza mutua, que se integra de forma orgánica en la narrativa con claridad pero sin exagerar. No es menos una película para adultos, con sus cautivadoras imágenes y personajes llenos de encanto e individualidad. Hay un encantador elemento espiritual sutil, una emotividad que resuena profundamente con el destino de una gigantesca criatura marina o la salida celestial de un miembro del grupo del barco.

Zilbalodis y el director de animación Léo Silly-Pélissier evocan un mundo de libro ilustrado, prácticamente aniquilado por un desastre natural y ensombrecido por el espectro de la muerte, pero aún repleto de imágenes de una belleza impresionante. La animación en 3D reproduce los fondos forestales con texturas increíblemente vibrantes y las escenas submarinas son encantadoras, incluso cuando se teme por la vida del gato, un novato acuático. La estética visual está pulida, pero la película de alguna manera se las arregla para parecer a la vez técnicamente lograda y hecha a mano.

La atención al movimiento es extraordinaria, captada con una cámara elegante y controlada mientras el gato se desplaza a toda velocidad por el bosque. El detalle de los personajes es claramente el resultado de un estudio exhaustivo del comportamiento y la fisicalidad de cada animal; parece especialmente seguro asumir que el equipo creativo pasó incontables horas viendo videos de gatos, sin duda el mayor regalo de la era de Internet.

La banda sonora de Zilbalodis y Rihards Zal pasa de pasajes magníficos de melodías percusivas a pasajes de cuerdas conmovedoras, al mismo tiempo que la narrativa entrelaza observaciones humorísticas con momentos de gran ansiedad o tragedia. "Flow" es una experiencia placentera, pero también una historia profundamente conmovedora, obra de un talento único que merece estar entre los grandes artistas de animación del mundo.

Crítica Cinéfila: Soul

¿Alguna vez te has preguntado de dónde provienen tu pasión, tus sueños y tus intereses? ¿Qué es lo que te hace ser... tú? Pixar te lleva en un viaje desde las calles de Nueva York a los reinos cósmicos para descubrir las respuestas a las preguntas más importantes de la vida.

Pixar nunca ha rehuido los temas filosóficos... pero con Soul, el estudio se familiariza con algunos temas realmente importantes, con un efecto sorprendente. ¿Cuál es el propósito de la vida? ¿Es una pasión lo mismo que una vocación? ¿Y qué hace que una existencia humana sea significativa? Oportunamente, dado que la fuerza vital de la película es el jazz, hay una inventiva de enfoque libre que baila en torno al hecho de que la historia se desarrolla, al menos parcialmente, en un tono menor pensativo. Visualmente gloriosa, con frecuencia muy divertida y genuinamente profunda, esta es una película que clama por ser vista en la pantalla grande. Pero saben qué: no importa. Comoquiera funciona.

Con sus temas de aspiración musical y mortalidad, Soul tiene un parentesco con la producción de Pixar de 2017, Coco; en otros lugares hay una superposición narrativa con imágenes como Here Comes Mister Jordan y Heaven Can Wait. Pero lo más cercano en términos de construcción de mundos y fascinación por el funcionamiento de la mente humana es la película anterior del director Pete Docter, Inside Out. Aquí, Docter comparte las funciones de dirección y escritura con Kemp Powers, el guionista detrás de One Night In Miami de Regina King.

El protagonista es Joe (Jamie Foxx), el primer personaje central afroamericano de Pixar, un maestro escolar de música de mediana edad que, en un cruel giro del destino, pierde fatalmente el equilibrio en el mismo momento en que parecía que su vida estaba a punto de tornarse más interesante. Joe tiene la oportunidad de hacer realidad la ambición de su vida y tocar en el club de jazz Half Note de Manhattan junto a una de las grandes, la saxofonista Dorothea Williams (Angela Bassett). Ciertamente, no está listo para morir.

En su búsqueda por sacar su alma del "Great Beyond" y reunirla con su cuerpo en la Tierra, Joe se encuentra arrojado junto con el malcriado 22 (Tina Fey), un alma aún por nacer que ya está harta de la vida. Un residente permanente de “The Great Before” - el mundo de nubes abstracto donde las pizarras en blanco de almas no nacidas puras e inmaculadas obtienen sus personalidades esbozadas - 22 ha puesto a prueba la paciencia de cientos de mentores, entre ellos la Madre Teresa, Muhammad Ali y Galileo. Con la voz de una mujer blanca de 40 y tantos años, elegida arbitrariamente por el porque parecía molestar a la gente, 22 no está tan en la idea de nacer.

Todo eso cambia cuando, debido a la interferencia psíquica por parte de una alma perdida que viaja astralmente expresada por Graham Norton, 22 llega a ver el mundo de primera mano, a través de los ojos de Joe, o al menos de los ojos del cuerpo de Joe. Mientras tanto, el alma de Joe está atrapada en un corpulento gato de terapia de hospital llamado Mister Mittens.

Al igual que con Inside Out, la historia se desarrolla en dos mundos distintos. El "Great Beyond" es una (des)realidad elástica que no está sujeta a las leyes de la física o, por lo tanto, a la razón. Pero es en las bulliciosas calles de Nueva York donde la película encuentra su núcleo de magia y su enfoque, a través de momentos trascendentales y edificantes que podrían ser desencadenados por cualquier cosa, desde un piano de jazz hasta una semilla de sicomoroo una porción de pizza realmente grandiosa. Los realizadores citan los dibujos del dibujante Ronald Searle y la animación de Disney de 1961 101 Dalmatians como referencias visuales, pero también hay un guiño a la sorprendente calidad gráfica de las portadas de álbums de Blue Note y el beat art de los años 50.

Los dos mundos también se definen por su música. Trent Reznor y Atticus Ross proporcionan una musicalización fluida y descabellada para el Great Beyond. Pero es el músico de jazz John Batiste quien captura la personalidad de Joe y le da a la película su ritmo interior. La animación y el jazz siempre han tenido una relación simbiótica: la poesía rítmica del piano de Joe suenan como las relaciones descarriadas de la partitura de Vince Guaraldi para A Charlie Brown Christmas. Y aunque esta imagen podría inclinarse hacia una audiencia un poco mayor que la demográfica habitual de Pixar, se podría crear una generación completamente nueva de fanáticos del jazz junior como resultado del verdadero don de Joe, no solo en tocar la música, sino también en su contagiosa pasión por ella.

Crítica Cinéfila: I Lost My Body

Una mano cortada se escapa de un laboratorio con un objetivo crucial: volver a encontrar su cuerpo. A medida que avanza por los escollos de París, recuerda su vida con el joven al que una vez estuvo apegado... hasta que conocieron a Gabrielle.

¿Cuál es la mejor parte de hacer una película animada? La cantidad de reglas sobre lógica que puedes romper y que funcionarán, sin importar si son creíbles o no. Lo hemos visto desde animés como Spirited Away hasta las películas de Tim Burton como Nightmare before Christmas. Pero sin duda alguna, todo el que vea I Lost My Body va a quedar impactado por la manera tan inteligente en que la historia se desarrolla, marcando el debut en la categoría de animación para el escritor-director francés Jeremy Clapin.

Estrenada en la Semana de la Crítica de Cannes, la película sigue a una mano tratando de reconectarse con su cuerpo mientras hace sentido de su "vida". A su vez, sigue a Naoufel, un joven que ha anda perdido sin saber cuál es su verdadera pasión, hasta que conoce a Gabrielle y decide ir por ella, encontrando finalmente algo de felicidad en el camino. Es una historia sobre la pérdida a nivel original, bastante conmovedora, tanto física como emocional, con un tipo de animación madura que podría encontrar tracción más allá del circuito festivo.  

Adaptado por Clapin y el guionista de Amelie Guillaume Laurant de la novela de este último, el guión retrata la existencia problemática de Naoufel (expresado por Hakim Faris), un niño que pasó una infancia feliz en el norte de África hasta que sus padres murieron en un accidente automobilístico y fue enviado a vivir con un tío en París.

Tímido y todavía traumatizado por el incidente que lo dejó huérfano, Naoufel pasa a ser un humilde repartidor de pizzas sin planes reales para el futuro. Pero cuando se enamora perdidamente de la bibliotecaria Gabrielle (Victoire Du Bois) durante un parto fallido, decide perseguirla, conseguir un trabajo en el taller de carpintería de su tío (Patrick D'Assumcao) y, tal vez por primera vez, tomar su vida en sus propias manos.

Mientras tanto, la mano sigue su camino por reconectar con su dueño. De momentos nos delata a quien pertenece, por algunos lunares que ya hemos visto en alguien y por los recuerdos que mantiene entre sus huellas; toda la historia se cuenta a través del punto de vista de la extremidad desmembrada, ya que lenta pero seguramente se arrastra hacia su maestro. En el camino, se encuentra con una serie de obstáculos que se convierten en verdaderos escenarios de películas de acción en miniatura, desde un feroz ataque de paloma hasta un enfrentamiento con ratas en el metro. Esas escenas, compuestas de dibujos realistas en 2D, se entrelazan con flashbacks impresionistas: dedos que tamizan la arena en una playa o tocan el piano; sangre que mana de un pulgar, donde la mano recuerda los eventos clave que condujeron a su situación actual.

Clapin utiliza esos momentos de memoria sensorial para revelar cómo Naoufel, que alguna vez fue un niño despreocupado con gusto por la música y la grabación de sonido, se transformó en alguien inseguro por un trauma que lo ha llevado a un trabajo sin salida. Cuando se encuentra con la pensativa Gabrielle, durante una reunión ingeniosamente organizada donde se comunican a través del intercomunicador de su edificio, de repente hay un destello de luz en su desesperada existencia. Es una manera inteligente de conectar personajes y mostrar la química incómoda de tratar de acercarte a personas que no conoces porque allí ves algo de esperanza.

Además de la animación que parecerá sencilla pero en realidad es bien agradable para la historia, la musicalización ayuda para establecer el tono y punto de vista de la historia, enfocándose en el sufrimiento de la soledad y la pérdida de contacto con las personas cercanas a tí. Clapin hace un buen trabajo para conectar cada punto técnico con su historia y llevarnos a emociones que nadie esperará sentir.

A la vez espeluznante y melancólico, I Lost My Body emplea su improbable escenario de horror para canalizar algo más profundo y oscuro, yendo más allá de lo simple para llegar a lo personal. La película trata tanto de una mano que llora la pérdida de su cuerpo como de que Naoufel acepta las pérdidas que ha experimentado en su corta y triste vida. Si de alguna manera puede reconstruir las cosas, finalmente puede volverse completo nuevamente.

Crítica Cinéfila: Abominable

Yi es una adolescente más en la enorme ciudad de Shanghai. Un día, se encuentra a un joven yeti en la azotea de su edificio. La supuestamente “abominable” criatura, que se ha escapado del laboratorio donde estaba encerrado, está siendo buscada por toda la ciudad. Junto con sus ingeniosos amigos Jin y Peng, Yi decide ayudarle a huir, le bautizan como “Everest” y los cuatro se embarcan en una épica aventura para reunir a la mítica criatura con su familia en el pico más alto del mundo. 

Con el pasar de los años, el subgénero animado de monstruos mitológicos se hace más fuerte con el pasar de los años. Y mientras más desconocidos sean para el ojo humano, más interés tienen las productoras y estudios de traerlo con un punto de vista más inocente. Ahora Dreamworks trae Abominable, una historia que encuentra a un grupo de niños enfocados en llevar a un yeti bebé a su hogar en el Everest.

Diferente a Missing Link, que se enfoca en el cambio climático y cómo el ser humano se ha convertido en su principal antagonista, Abominable retrata una dinámica reconocible de películas familiares sobre villanos codiciosos que quieren explotar la naturaleza con fines de lucro y los niños inocentes que quieren preservarla y protegerla. En Abominable, esos niños son Yi, Jin y Peng, amigos y vecinos de toda la vida que viven en el mismo edificio de apartamentos de Shanghai.

El padre de Yi murió poco antes de que comenzara la película, y la pérdida la alejó de sus amigos y familiares. En lugar de sentarse a cenar con su madre y su abuela, Yi pasa más tiempo en un santuario improvisado a su padre en el techo del edificio de apartamentos en el que está llena de fotos de todos los lugares a los que irían en un viaje por China. Y durante el día, se la pasa haciendo trabajos informales de todo tipo para así poder algún día visitar cada uno de estos lugares.

Una noche, encuentra a un visitante inesperado en el santuario: un joven yeti, a quien Yi nombra Everest después de que reconoce la gran montaña del Himalaya en una cartelera de Shanghai. Yi pronto se da cuenta de que Everest ha sido separado de sus padres, por una oscura fuerza de policía secreta cuyos jefes realmente son científicos y cazadores furtivos. Yi decide escoltar a Everest de vuelta a casa en un camino muy parecido al que su padre quería mostrarle, pero de esto no se percata hasta más adelante en la trama.

Jill Culton, quien ha tenido un historial cinematográfico que carga grandes obras, como Toy Story y Monsters' Inc, Shrek y A Bug's Life, trae la fórmula perfecta de Pixar al guión de Abominable, pero en lugar de sentirse como el mismo estilo aplicado, crea una narrativa diferente, donde el antagonista no es quien uno cree que es, y los personajes crecen de manera aún más orgánica. Con 97 minutos, hace que cada elemento de la historia se comporte coherentemente a lo largo de la película, dándole un viaje a la audiencia no solo alrededor del trayecto interno de la protagonista, pero también hacia los puntos más visualmente impresionantes de China.

Y a pesar de que la audiencia hace una mayor inversión emocional junto al arco de Yi y Everest, la guionista nos da la oportunidad de también conocer la historia y los conflictos de los demás personajes, y permitirnos sentirnos involucrados en sus propios decisiones y su trayectoria emocional. Esto va de la mano con entender las pasiones de cada uno y como se unen en un todo.

A pesar del título de la película, Everest es cualquier cosa menos abominable. Sale como una mezcla de un oso de peluche y un mono juguetón, pero lo más divertido de él podrían ser sus habilidades mágicas. Uno de los aspectos más destacados de la película es cuando Everest y los niños deambulan por el bosque, desesperadamente hambrientos. Everest comienza a canalizar energía mágica que hace que los arándanos broten en los arbustos cercanos, lo que resuelve el problema del hambre, al menos hasta que la espiral mágica se descontrola, los arándanos siguen creciendo y los niños corren por el bosque tratando desesperadamente de esquivar la fruta gigantesca, lloviendo sobre ellos desde el cielo, rociándolos con jugo morado.

Por otro lado, la química de Yi y Everest va más allá del vínculo de amistad o incluso romance. Ambos crean una empatía mutua tras seguir casi el mismo conflicto emocional; ambos amantes de la música, que no solo emocionan con su sintonía, sino que también crean (literalmente) lo que ha muerto en la naturaleza; ambos buscan el mismo sentido de familiaridad, desde perspectivas distintas: mientras Everest se quiere reencontrar con sus padres, Ji quiere llegar a los lugares que alguna vez prometió a su padre visitar junto a él.

La animación que se muestra aquí no rompe moldes, pero hace un trabajo hermoso al resaltar el paisaje natural de China mientras los niños viajan a su destino montañoso. Los dos temas principales de la animación de Abominable son naturaleza y magia, las cuales se unen en una hermosa escena hacia el final de la película, ambientada en la magnífica estatua del Buda Gigante de Leshan.

Los temas y el arco de Abominable son películas familiares para niños, con solo un giro real de la trama. Pero su actitud reverente hacia la naturaleza y la maravilla es una adición bienvenida al canon de dibujos animados.

Crítica Cinéfila: Missing Link

Sir Lionel Frost se considera a sí mismo el mayor investigador de mitos, monstruos y leyendas. Estos calificativos han sido cuestionados por su círculo más cercano, lo que le anima a comenzar una investigación por el noroeste americano en busca del Eslabón Perdido, una misteriosa criatura mitad humano, mitad bestia.

Aunque la mayoría son unos arrogantes, Sir Lionel Frost no encaja en el molde de otros héroes de aventuras clásicas, ya sea animado o no. En "Missing Link", el cazador de monstruos de mayor peso (Hugh Jackman) hace una cosa notable al descubrir un Sasquatch raro en el desagradable Pacífico Noroeste de Estados Unidos: escucha.

Compare la historia de Lionel Frost con Indiana Jones y los demás antropólogos que el cine nos ha brindado, que destruyen alegremente sitios antiguos en su búsqueda del tesoro, y se darán cuenta de lo inusual que es la reacción de Sir Lionel. Aunque se propuso probar la existencia de este primitivo hombre mono, al tropezar con el Sasquatch en la naturaleza, en lugar de arrastrar a la criatura de vuelta a la civilización como una especie de trofeo, a la "King Kong", se detiene para preguntar al bestia (Zach Galifianakis) lo que quiere, y ajusta sus planes en consecuencia.

Ahora, la mayoría de las audiencias pueden que ni siquiera registren este matiz, que es solo una de las múltiples formas en que el escritor y director Chris Butler extrae una narrativa más progresista de este género tan retrógrado. Sin embargo, como prueba de que los humanos pueden evolucionar, "Missing Link" es un caso excelente. Y eso ni siquiera cuenta la tecnología de vanguardia necesaria para obtener una hazaña tan hiper-detallada y visualmente deslumbrante como esta.

"Missing Link" marca la quinta película de Laika, el meticuloso estudio de animación stop-motion responsable de "Coraline" y "Kubo and the Two Strings", aunque el tono de esta es muy diferente de las cuatro canteriores, todas Dibujos animados oscuros, relativamente intensos que pueden causarle pesadillas a los niños pequeños: que los fanáticos adultos de la compañía puedan rechazarlos al principio. Tarde o temprano, Laika estaba obligada a diversificarse, lo que hace que esta película más colorida y divertida sea el vínculo que anteriormente faltaba entre el pasado de estilo gótico de la compañía y lo que venga después.

Desde la escena inicial, Sir Lionel Frost hace que la caza de monstruos parezca fácil. Ha arrastrado a su asistente a Loch Ness, donde le cuesta poco atraer la extraña leyenda a la superficie, donde procede a fotografiarla, la prueba que necesita para ganarse el respeto de sus compañeros en el Optimates Club de Londres, aunque, extrañamente, el hecho de que sea un "señor" sugiere que ya ha sido validado por personas más importantes que esta sociedad presumida de exploradores y "grandes hombres".

Desafortunadamente para Sir Lionel, Nessie destruye la evidencia en una escena que está concebida y filmada tan dinámicamente como cualquier otra cosa que Laika haya hecho antes, una prueba temprana de que Butler está presionando al medio. El resto de la película lo confirmará, ya que "Missing Link" no solo expande la geografía de las películas anteriores de Laika, sino que amplía el repertorio de cómo la cámara navega por estos espacios (el mejor ejemplo es un disparo desglosado en los créditos finales, en la cámara gira en torno a un portero de elefante, mientras que las extensiones de conjuntos digitales le dan a la selva circundante una sensación de profundidad).

Al ver "Missing Link", las audiencias ya no pueden decir dónde terminan los títeres prácticos y los efectos de computadora. Eso puede sonar como un cumplido, aunque el extraño enfoque híbrido sirve para ocultar el aspecto de la película hecho a mano. La verdad es que mucho más de lo que parece de "Missing Link" fue creado en el mundo real, a pesar de que la atención de la audiencia probablemente se fijará en la trama y los personajes, como debería ser.

Todos los humanos cuentan con una apariencia memorable y visualmente humorística, con una piel de color zapote y largas narices rojizas, que emiten un brillo rosado cuando son iluminadas por el sol. De hecho, se ha prestado tanta atención al diseño, el rendimiento y las expresiones faciales divertidamente asimétricas de estos personajes que el guión se siente anémico en comparación. En ese departamento, la película parece un poco familiar, apoyada demasiado en el juego de palabras tonto y en un flujo constante de bromas, como si fuera una compensación excesiva por una cierta falta de entusiasmo.

Una vez que Sir Lionel encuentra su Sasquatch, se ve obligado a lidiar con el hecho de que su rival de Optimates Club, Lord Piggot-Dunceby (Stephen Fry), se alistó en una varmint del estilo Yosemite llamado Willard Stenk (Timothy Olyphant) para frustrar su búsqueda, incluso como esa búsqueda pasa a estar cambiando de forma. Cuando Sir Lionel se detiene para preguntarle al Sr. Link lo que quiere, la criatura propone una aventura completamente nueva: desea que lo lleven por todo el mundo, a Shangri-La, donde sus primos de clima frío - una tribu perdida de blancos como la nieve- mejor conocidos como yetis, han construido una sociedad muy alejada de la amenaza de la humanidad.

Sir Lionel acepta la misión, y le atribuye al Sr. Link una especie de ayuda de cámara glorificada, y juntos se ponen en marcha, como los compañeros de viaje más conspicuos del mundo. Pero el éxito depende del robo de un mapa de la mujer que alguna vez estuvo casada con el fallecido compañero de aventuras de Sir Lionel, Adelina Fortnight (Zoe Saldana). Al igual que con el Sasquatch, Sir Lionel rechaza el fanatismo de sus compañeros y da la bienvenida a Adelina para la caminata.

Aquí, uno puede esperar que la película sirva para una serie de desafíos de películas de aventuras clásicas, pero en lugar de eso, sigue un libro de jugadas más vaudeviliano, escupiendo risas de disfraces divertidos y elaborados gags de comedia física. La torpeza del Sr. Link casi nunca es divertida, por desgracia, aunque su uso literal del idioma inglés puede ser bastante encantador. Cuando el trío finalmente llega a Shangri-La (donde Emma Thompson interpreta al líder matriarcal de los yetis, "el Viejo"), solo entonces "Missing Link" desvela una serie de rompecabezas para que los personajes los resuelvan, construyéndose de forma bastante literal.

En este punto de la evolución de Laika, el estudio ha alcanzado un punto en el que cada fotograma es una obra de arte, que es más de lo que se puede decir para la mayoría de las funciones animadas por computadora. Y, sin embargo, aunque "Missing Link" sin duda avanza en la estética y las posibilidades de historia para la empresa, tiene un precio. La ilusión se ha vuelto tan sofisticada, que damos por sentado el oficio.

Esta puede ser la razón por la que los animadores de Aardman no hacen todo lo posible para eliminar todas las huellas dactilares de su trabajo, o la razón por la que “Anomalisa” optó por no ocultar las costuras que el equipo de Laika pinta en el post: parte de lo que hace que las películas sean tan impresionantes es el hecho de que todavía están esculpidos, posados, iluminados y fotografiados a mano. Hablando en términos que Sir Lionel podría apreciar, las Grandes Pirámides de Egipto sorprenden no solo por su belleza y forma, sino también porque no podemos comprender cómo se hicieron. Aunque parezca poco intuitivo, en el futuro, Laika podría hacer un buen paso atrás.

Crítica Cinéfila: How to Train Your Dragon, the Hidden World

En esta nueva entrega, Hiccup y Toothless descubrirán finalmente su verdadero destino: para uno, gobernar Isla Mema junto a Astrid; para el otro, ser el líder de su especie. Pero, por el camino, deberán poner a prueba los lazos que los unen, plantando cara a la mayor amenaza que jamás hayan afrontado... y a la aparición de una Furia Nocturna hembra.

Habiendo aprendido desde hace mucho tiempo con una historia conmovedora de Vikingos y Dragones, la franquicia de DreamWorks se ha convertido en una temática más grande de lo que seguro esperaba y, como resultado, ha mejorado. Rara es la secuela animada que no forma parte de los mitos para justificar su existencia a nadie más que a los niños, y aún así "Cómo entrenar a tu dragón: El mundo oculto" logra hacer eso al terminar la trilogía ahora completa en una nota alta.

Eso es en parte porque la serie se ha tomado su tiempo. Han pasado casi cinco años desde "Cómo entrenar a tu dragón 2", que siguió al original por cuatro años. Ahora hemos estado viendo Hiccup Horrendous Haddock III y su dragón Toothless durante casi una década, y las películas han madurado con ellos. Dirigido una vez más por Dean DeBlois, "The Hidden World" toca un acorde agridulce al recordar a su joven audiencia que todas las cosas buenas, incluida la edad de los dragones, deben llegar a su fin.

Hiccup, ahora el líder de su tribu, ha ayudado a crear "la primera utopía del vikingo-dragón", pero esas cosas nunca duran. Hay dos desarrollos principales en esta ocasión: el plan de Hiccup para trasladar su colonia al Mundo Oculto, un mítico paraíso de los dragones, y Toothless se enamora de una Night Fury. Las secuencias más cautivadoras involucran su cortejo sorprendentemente dulce, un momento casi silencioso en el que aparecen solo ellos.

No es que Hiccup y su cohorte quieran moverse. La peregrinación es estimulada por las malas acciones de Grimmel, un cazador de dragones cuya visión de las criaturas es considerablemente menos utópica que la de Hiccup. La existencia de Toothless está en riesgo, por no decir nada de su estilo de vida, lo cual pone a la defensiva de un joven líder para enfrentar el desafío y sacar a su gente del camino del peligro.

Ahí radica el mayor problema con "El mundo oculto": su héroe. Hiccup se convierte en un protagonista mucho menos convincente que su amigo volador, entre otras cosas porque el joven advenedizo hace que sea fácil estar de acuerdo con su miedo profundo de que es un líder poco inspirador, quien no estaría en ninguna parte sin Toothless. No ayuda que el trabajo de voz de Baruchel sea más adecuado para un niño valiente que el líder de una tribu vikinga, lo que solo se ve subrayado por el hecho de que el padre de Hiccup es interpretado por Gerard Butler. También prestan sus voces a esta entrega Cate Blanchett, Craig Ferguson, America Ferrera, Jonah Hill, Kit Harington, Justin Rupple, Kristen Wiig y Christopher Mintz-Plasse. Sin embargo, y a pesar de la voz adolescente y "congestionada" del protagonista, las decisiones que toma demuestra que no solo sabe tomar sacrificios, sino también puede convertirse en un líder sin necesidad de estar acompañado por su dragón.

Por otro lado, el villano es digno de desprecio. Grimmel, que se parece un poco a la era de Drácula, cree que el único dragón bueno es un dragón muerto, no que le importe usar un pequeño ejército de ellos para lograr este fin depredador. Expresado con el estilo apropiado de Abraham, es lo suficientemente siniestro como para hacerte olvidar brevemente, a veces, que no hay forma de que "Cómo entrenar a tu dragón" termine con la extinción de todos los dragones (¡pero qué clímax sería!).

Luego está el propio Mundo Oculto, un lugar brillante y edénico que cobra vida con algunos de los CGI más llamativos de la memoria reciente. La animación en sí es sorprendente: una secuencia temprana en la que el cielo está lleno de dragones es un signo temprano de las delicias visuales por venir, y termina siendo el punto culminante de la película.

Aunque obviamente dirigido a los niños, este capítulo de "Cómo entrenar a tu dragón" podría ser mejor apreciado por los entusiastas de las historias medievales. Puede ver cada centavo en la pantalla, a menudo con más detalles que el viaje interno de Hiccup. Eso es suficiente para llevar a "The Hidden World" más allá de la línea de meta, y hacer que esperes que se mantenga terminado.

The Grinch

Envidioso de la alegría de los Quien, el Grinch planea bajar al pueblo, y robar todos los adornos y regalos navideños, y así impedir que llegue la Navidad.

Existen muchos clásicos de Navidad, pero el que siempre será popular y mi favorito de todos es el cuento de Dr. Seuss sobre el Grinch. Esta se convierte en su tercera adaptación del personaje, lo cual podría crear cuestionamientos de si es necesario o no crear otra versión, y la verdad, al igual que las anteriores Illumination ha creado una historia con detalles que en las demás fueron omitidos.

El Grinch es un ser gruñón y peludo de color verde que vive en una cueva oculta en lo alto de la montaña a 3000 pies al norte de Villaquién, el hogar de los felices y afectuosos Quien. Él mismo asegura que su corazón es muy pequeño y que ese es el motivo por el cual es un cascarrabias que siempre está quejándose de todo y no hay nada que le parezca bien. Su único amigo es un perrito llamado Max, y esto para el Grinch es más que suficiente porque él no necesita a nadie. 

Cada año, en Navidad, los lugareños perturban su pacífica soledad con celebraciones cada vez más desmesuradas, luminosas y ruidosas. Un día, desde su guarida, en lo alto del Monte Crumpit, empieza a escuchar ruidos procedentes de la ciudad de Villaquien, donde sus habitantes, los Quien, se encuentran entusiasmados organizando los preparativos para celebrar la Navidad. A él tanta alegría le provoca una rabia y una envidia que es incapaz de controlar. 

Pero, cuando los Quién declaran que ese año van a preparar una Navidad el triple de grande, el Grinch se da cuenta de que solo hay un modo de recuperar algo de paz y silencio: robar la Navidad. Para ello, decide hacerse pasar por Santa Claus en Nochebuena, haciéndose con un reno muy peculiar para tirar de su trineo. Mientras tanto, en Villa Quién, una dulce niña llamada Cindy-Lou, desbordante de espíritu navideño, planea con sus amigos atrapar a Santa Claus durante su visita en Nochebuena para darle las gracias por ayudar a su trabajadora madre. Sin embargo, a medida que se acerca la noche mágica, sus buenas intenciones amenazan con chocar con las del Grinch, mucho más perversas.

Hay que admitir que el equipo de animación de Illumination hizo un excelente trabajo con la escenografía y los trabajos visuales en esta película. Es una experiencia interactiva, donde la cámara es el avión de la audiencia, llevándola a cualquier punto de Villaquién de una manera impresionante. Revivieron esos colores y extravagancia que el cuento de Dr. Seuss siempre describió sobre Villaquién. Así mismo, le dieron aún más creatividad a sus personajes, sobretodo al Grinch y su cueva, que ahora sí se ve como un verdadero laboratorio y justifica aún más cómo es que este ser puede planear el robo de la navidad.

Benedict Cumberbatch hace la voz del Grinch, y lo hace con una elegancia/arrogancia que solo por eso se debe reconocer que es una de las mejores interpretaciones de esta criatura que se han hecho. Con ayuda de un guión bien elaborado, Benedict no solo le da voz, sino personalidad y actitud. No solo lo hace completamente malvado sino que justifica sus acciones y sus decisiones. Y lo aún más interesante sobre el personaje es que el hace lo que hace en reacción a su ambiente. Tiene toda la razón de que demasiado fanatismo por la navidad puede llevar a cualquier persona al borde de la locura.

Pero además del personaje del Grinch, otros agregados bien interesantes fueron Max, quien ahora es un personaje aún más importante que en sus versiones anteriores y que tiene una relación simplemente hermosa con el Grinch (así mismo, el Grinch es débil por Max y es lo único que trata bien la mayoría del tiempo). Así mismo, el personaje de Cindy-Lou tiene un verdadero objetivo en esta película: la niña tiene su historia separada del Grinch, con la meta de conocer a Santa y pedirle que ayude a su mamá a tener más tranquilidad y que no trabaje tanto. Y no se puede dejar de mencionar la narración, que fue un verdadero TBT con los clásicos del Grinch, con la voz de Pharrell Williams, y una rima divertida y melancólica.

Ahora, ya que este filme está basado en un cuento corto de navidad, hace muy bien con demostrar que puede tener la longitud de una película completa, agregando momentos divertidos y escenas que anunciaban los cambios de secuencias y actos. Sin embargo, mientras agregaba más momentos del Grinch preparándose para el acto final de robar la navidad, y Cindy-Lou preparándose para atrapar a Santa, la película perdió un punto muy importante (spoiler alert): enseñar a Santa repartiendo los juguetes, y al perder esa escena, se cuestiona si de verdad fue o no, sobretodo cuando el Grinch llega a la casa de Cindy-Lou y la trampa que ella ha dejado está intacta. Es un error narrativo que muchas personas notarán, porque le quita un peso importante al climax. Es verdad, si Santa hubiese caído en la trampa de Cindy, el Grinch no hubiese recibido ese mensaje que le hubiese engrandecido el corazón, pero la lógica de la secuencia perdió mucho valor.

No obstante a esto, el resto de la historia se mantuvo entretenida gracias a una banda sonora elaborada por Danny Elfman, quien revive algunos de los mejores clásicos de la película y crea otros más adaptados a la audiencia de hoy y a estos tiempos. 

A pesar de algunos errores en el guión, la experiencia visual de The Grinch es divertida y adorable, maquillando todo ese color que Dr. Seuss creó y trayéndolo de una manera que servirá de entretenimiento para toda la familia. La música te hará cantar junto con los Quién y la personalidad del Grinch gritará en lo alto que esta versión podría ser mejor que la que se hizo hace unos años atrás.

Smallfoot

"Smallfoot" da un giro a la leyenda de Bigfoot cuando un Yeti joven y listo se encuentra con algo que pensaba que no existía: un ser humano. La noticia de este "humano" le trae la fama y la oportunidad de conseguir a la chica de sus sueños. Asimismo, provoca una conmoción en la sencilla comunidad de Yetis al preguntarse qué otras cosas pueden existir más allá de su aldea nevada. (FILMAFFINITY)

Existen tantas leyendas que el cine continúa explorando, a pesar de la cantidad de preguntas sin responder que hay sobre estas. La raza de la mítica criatura del Himalaya, llámese Yeti o Pie Grande –aunque algunos dicen que no son la misma criatura- es el centro de esta nueva animación de Warner Bros., que con eficaz y divertido ingenio, narra esta historia desde la perspectiva de estos seres. Para ellos corren las leyendas de una aterradora monstruosidad a la que llaman Pie Pequeño, e ignoran si realmente existe porque las piedras dicen que son solo un mito.

Esta comunidad de Yetis, recluida en lo alto de una montaña, tiene toda una estructura social en la que cada Yeti debe hacer su trabajo para funcionar con efectividad y por el bien de todos. La audiencia sigue a Migo, quien con tanta alegría nos muestra la ingenuidad de estas criaturas al creer todo lo que las piedras dicen: que la montaña está levitando sobre una nuve y que bajo de ellas no hay más nada, que el sol sale porque suenan un gong al principio del día, entre otras historias. Hasta que un día Migo descubre a un humano, quien ha sido víctima de un accidente de avión. En ese momento, no sabe si creer en las piedras y decide bajar a encontrar al Pie Pequeño. Al mismo tiempo, la trama sigue a Percy, un reportero que está tratando de encontrar una buena historia para su programa de televisión y evitar que este sea retirado del canal. Una vez, la criatura y el humano se encuentran, comienzan una interesante amistad en que ninguno entiende al otro, pero que sus acciones tienen un mayor significado que las palabras.

La película es extremadamente divertida: es difícil evitar reirse con las ocurrencias de sus personajes o con la personalidad de cada uno. Pero a la vez, tiene un hermoso mensaje; uno de los temas principales de la película es no juzgar por su apariencia externa y no asumir que todo lo que ha escuchado es cierto. Los yetis creen que los humanos son criaturas malvadas que siempre matan. Así, las piedras yeti muestran imágenes de humanos con lanzas y pistolas. De manera similar, los humanos creen que los yeti son criaturas peligrosas que se comen a las personas. Es un malentendido que se arregla a sí mismo al final de la película. Smallfoot también tiene lecciones sobre el perdón, la reconciliación, la integridad y decir la verdad. Es una historia que sirve tanto para niños como para adultos.

Otro tema que trata la historia es el tratamiento sobre el manejo de la información como ejercicio de poder social, político y religioso, haciendo mucha referencia a la fama mediática a través de las redes sociales y el valor de la integridad. Pero, sobre todo en estos convulsionados tiempos, la reflexión sobre los prejuicios de la sociedad y cómo esto puede cambiar si la vemos con otros ojos.

Los personajes son el mejor aspecto de la historia, pues resultan ser el completo sentido y entretenimiento, a su vez por las analogías y la naturalidad de los mismos. Es interesante como, al final de la historia, vemos que dos personajes principales admiten fallas y trabajan para hacer las cosas bien. También vemos a los personajes reconciliarse. A pesar de que la historia no es únicamente sobre humanos, estos interesantes seres resultan ser más humanos que muchos otros.

Un aspecto completamente inesperado fue el manejo de la música que pasó de banda sonora a género musical, utilizando algunos ritmos ya conocidos para crear set pieces y mostrar las frustraciones y triunfos de los personajes. Ya fuese porque era una pieza bailable o porque quería servir como karaoke, funciona de manera tan efectiva que no importa si se sale del género y hace un híbrido con otro. 

Con una modesta animación, un excelente manejo de la comedia, los números musicales, personajes excelentemente desarrollados y necesarias moralejas para nuestros tiempos, Smallfoot resulta ser una inesperada y positiva sorpresa de este año, y una verdadera película para toda la familia.

Hotel Transylvania 3: Summer Vacation

Nuestra familia de monstruos favorita se embarca en un crucero de lujo para que por fin Drac pueda tomarse un descanso de proveer de vacaciones al resto en el hotel. Pero las vacaciones de ensueño se convierten en una pesadilla cuando Mavis se da cuenta de que Drac se ha enamorado de la misteriosa capitana de la nave, Ericka, quien esconde un peligroso secreto que podría destruir a todos los monstruos. (FILMAFFINITY)

Desde el año 2012, Dracula y sus amigos mitológicos se han convertido en mis favoritos de Sony Animation, y quizás Hotel Transylvania no quedaría en el Top de las mejores películas sobre monstruos animados, pero no se le puede quitar el mérito de tener personajes sólidos y divertidos para seguir durante 100 minutos de película. Una vez más, Sony Pictures decidió sacarle provecho al concepto de monstruos animados para llegar con una tercera parte en la que estos personajes salen del Hotel Transylvania para tomar unas exóticas vacaciones en un crucero.  

En esta ocasión, Drácula, su hija Mavis, su yerno Johnny y su nieto Dennis, además de toda la troupe de monstruos, se van de crucero. Y es que Mavis sorprende a su padre con un viaje sorpresa en un crucero de lujo para monstruos, así que Drácula tendrá que tomarse unas vacaciones de su trabajo en el Hotel. Como no pueden resistirse a la tentación de ir, el grupo de amigos formado por Frankenstein, Murray, el hombre lobo y el gelatinoso Blandi, se unirán a esta aventura en barco. Una vez en alta mar, el conde Drácula conocerá a Ericka, la misteriosa capitana de la embarcación con la que vivirá un romance. O al menos lo intentará, ya que la sobreprotectora Mavis se esforzará por mantenerlos separados. Todo se complicará cuando descubran que Ericka es en realidad la descendiente de Van Helsing, el archienemigo de Drácula y de todos los monstruos.

A pesar de que esta es la saga que ha sido menos apoyada de Sony Animation, la idea de que Drac se toma un descanso de proveer de vacaciones al resto en el hotel es interesante por el simple hecho de que saca a todos los personajes de la zona de comfort que le han creado desde su primera película. Aquí ya no se trata de ser los mejores en su particular cualidad, sino de qué hacer cuando no tienen que hacer su trabajo diario. Los personajes continúan siendo tan eficacez como lo lograron ser en su primera entrega, y aún regresando con chistes y escenas que ya se han visto antes en esta franquicia, no dejan de ser divertidas y entretenidas para toda la familia. A su vez, mantienen el estilo de "burlarse de sí mismos", donde si la escena o algún comentario resulta ser exagerado o ridículo, otro personaje hace burla de esto.

La película le hace homenaje tanto a los clásicos personajes de Hotel Transylvania, como a otros para las generaciones anteriores, como los Gremlins, el Chupacabras y Van Helsing, dándole a la película una tonalidad aún más para toda la familia. Del mismo modo ocurre con la musicalización, donde se utiliza tanto canciones populares de los 90 hasta algunas más modernas.

La familia de Dracula sigue siendo uno de los principales atractivos de la historia, pero otros se integran a ser parte importante de la misma, como Frankenstein, Wayne, Jack y Murray, quienes tienen su propio plot separada de la historia principal, pero no completamente separada como para parecer dos películas en una. Esto le da la oportunidad a cada personaje a tener sus propios objetivos y necesidades en la historia.

En esta ocasión, la historia traslada a la audiencia a nuevos escenarios, como Atlantis, un volcán submarino, el Triángulo de las Bermudas y una playa de fango, cada uno dándole una tonalidad más colorida de lo que previamente se había visto en esta saga, por la sombriedad del historial de sus personajes (a pesar de que su actitud es todo lo contrario).

Hotel Transylvania es sin duda la más sólida de toda la franquicia. Aún con los clichés, estereotipos y humor quemado, la comedia sigue presente, complementándose de la propuesta visual que ofrece esta historia. Una vez más, los monstruos se resisten a morir.

Emoji

Los protagonistas habitarán la misteriosa tierra de Textopolis, donde todos los emojis favoritos de la gente cobran vida, mientras esperan ser seleccionados por el usuario del teléfono. Todos los personajes tienen una sola expresión facial a excepción de Gen (TJ Miller), un emoji que nació sin filtro y se llena de múltiples expresiones. Para lograr ser normal, Gen se embarcará en una aventura o “app-ventura”, junto a sus amigos Hi-5 (James Corden) y Jailbreak (Ilana Glazer). Pero pronto, una gran amenaza hará que el destino de estos personajes dependa de los tres amigos, teniendo que salvar su mundo antes que sea borrado por completo. (FILMAFFINITY)

Erasé una vez, cuando ya no habían más criaturas que se pudieran utilizar para el cine de animación, los emojis salieron al rescate, con un paquete de emociones exageradas, sátiras un poco ridículas y una historia que solo es apta para menores de 8 años.

Los emojis son uno de los mejores inventos que hay en el mundo digital: te pueden resolver cualquier conversación en segundos y pueden ahorrarte palabras que no quieres decir. Quizás en base a eso, el director Anthony Leondis se inspira para crear esta película, que narra como el emoji del Meh (todavía no descubro cuál es ese en mi celular) tenía una falla, y dado a eso el usuario del celular cree que es necesario formatear el aparato. Para poder evitar que todo su mundo sea eliminado, Meh junto a hi-5 y Lady Hacker deberán dirigirse a la nube para arreglar la falla y poder salvar Metrópolis. A mitad de camino se toparán con una serie de aplicaciones, spams, virus y demás que tratarán de mantener el ritmo por buen camino.

El tema con esta película radica en la misma historia: es literal solo para niños. A diferencia de otras películas animadas que en un sentido u otro son para todo tipo de público, el lenguaje y las acciones de Emoji es dirigido para un publico infantil, para que puedan seguirle el hilo y la puedan entender. No significa que sea aburrida, pero es ridícula y llega a desesperar. A parte, parece una eterna publicidad de todas las aplicaciones, como candy crush, Spotify, Dropbox, Just Dance e incluso WhatsApp, aunque no se le haga mención. Esto quizás a otros no les afecte, pero a mi sí.

Aunque consta de un tremendo elenco, que los personajes están muy claros de su trabajo dentro de la historia y uno mismo logra identificarse con algunos aspectos del mensaje principal, no deja de ser un poco infantil y arriesgada, principalmente cuando se trata de entretener a un público adulto.

Por otro lado, la fotografía y la animación es en esencia lo mejor de la película, lo cual servirá de atractivo para gran parte del público, complementada por una musicalización que, aunque son canciones populares, no dejan de ser un elemento fundamental para mantenernos atento a lo que ocurre.

Aún con todo el conflicto interno que ronda a lo largo de esta película, lo más importante y la esencia de la trama es entender la funcionabilidad de lo que tenemos dentro de nuestros aparatos y cómo cada ícono y cada emoji tiene su razón de ser para responder nuestros mensajes en segundos.

La Vida de Calabacín (My life as a Zucchini)

Calabacín es un niño valiente que después de perder a su madre tiene que ingresar en un hogar de acogida, con otros niños huérfanos de su edad. En un primer momento se esfuerza por encontrar su lugar en este nuevo medio hostil. Sin embargo, con la ayuda de sus nuevos amigos, Calabacín aprende a confiar, encuentra el verdadero amor y una nueva familia. (FILMAFFINITY)

Mientras existan las películas en stopmotion, el cine animado siempre será entretenido, por sus historias y sus diseños de producción. En el caso particular de La Vida de Calabacín, lo más importante no será únicamente el hecho de haberse realizado con esta técnica de producción.

El mensaje principal de esta historia se centra en la atención que prestan los niños cuando sus padres cometen errores que dejarán una marca en los más pequeños para toda la vida, como las violaciones infantiles, drogadicción, alcoholismo, asesinatos presenciados, deportaciones y maltratos.

El centro de la historia gira alrededor de Calabacín, un niño que ha perdido a su madre debido a un accidente que el mismo ha provocado. Esto hace que el niño se culpe a sí mismo de este hecho, otro punto que demuestra lo consciente que están de lo que sucede a su alrededor.

Pero esto no quiere decir que la película no sea dirigida al público infantil; al contrario. La producción de sus personajes y sus escenografías parecen haber sido creadas por niños de 4 años, y el lenguaje en que se manejan es el adecuado para la audiencia más joven, tanto en el manejo de los temas como en la inocencia que cada uno de los protagonistas transmiten con sus acciones. También, tocan otros puntos muy importantes para los niños de esta edad, como el amor de infancia, el significado de la familia (sin importar si es de sangre o por adopción) y la verdadera amistad. Por otro lado, esta historia tiene como propósito contarnos el lado optimista y abrir los ojos de los más adultos diciéndoles que siempre habrán personas que viven situaciones peores.

La Vida de Calabacín es una película visualmente divertida y emocionalmente reflexiva, llena de colores y mensajes que buscan tocar los más profundos sentimientos de su audiencia.