Crítica Cinéfila: TÁR

La mundialmente famosa Lydia Tár está a solo unos días de grabar la sinfonía que la llevará a las alturas de su ya formidable carrera. La notablemente brillante y encantadora hija adoptiva de Tár, Petra, de seis años, tiene un papel clave en la tarea. Y cuando los elementos parecen conspirar contra Lydia, la joven es un apoyo emocional importante para su madre en apuros.

No es hasta una hora después de “Tár” que se reconoce al personaje del título, una directora de orquesta clásica conocida en todo el mundo como Lydia Tár, aquí interpretada por Cate Blanchett, quien hace lo que nació para hacer. Es una actuación asombrosa anidada dentro de otra: en una toma, Lydia se eleva como un coloso sobre el podio y la cámara, su rostro es visible solo para los músicos sentados fuera de la pantalla, sus brazos abiertos como si estuviera abrazando, incluso parece que está poseyendo el mundo. Los aficionados a la música clásica, que tendrán la oportunidad de sentirse identificados con esta película, también tendrán observaciones más agudas sobre los méritos de la técnica de la postura y la batuta de Blanchett. Pero esta actriz ni siquiera necesita levantar una batuta, o acercarse a un podio, para que su audiencia sienta que está en presencia de un cuerpo y una mente musical singularmente dotados.

Uno de los extraños placeres de "Tár" es que no se puede dejar de imaginar la película como un origen del personaje, presentando a Lydia en una introducción al mundo de los "maestros musicales", para convencer de su genialidad al principio. Pero el guionista y director Todd Field da por sentada esa genialidad y confía en que el público lo reconocerá inmediatamente; respeta la inteligencia de la audiencia con tanta seguridad como la magnificencia de su estrella. Y ese respeto queda claro en la larga y burlona revelación de una secuencia de apertura: una sesión de preguntas y respuestas en el escenario moderada por el escritor neoyorquino Adam Gopnik (interpretándose a sí mismo) que lleva a la audiencia, con risas de buen gusto y aplausos suaves como la radio, a la peculiar esfera cultural de Lydia.

Gopnik recita una lista impresionantemente variada (y hábilmente expositiva) de los logros profesionales de Lydia: no solo todas las prestigiosas orquestas que ha dirigido, sino también los honores que ha recibido como pianista, compositora, maestra, autora, estudiosa de la música indígena peruana y una extraordinaria triunfadora cuyo trabajo abarca la música, la televisión, el cine y el teatro (sí, ella es una ganadora de EGOT ).

Lydia, casualmente resplandeciente con un sencillo traje negro y una camisa blanca con el cuello abierto, se toma un momento para registrar todos estos elogios antes de desviarlos suavemente. Ella describe su amor por sus héroes como Mahler y Leonard Bernstein, y se posiciona en una pequeña y orgullosa tradición de directoras, incluidas Nadia Boulanger y Antonia Brico. Hay una nota delicada de metaplacer en la actuación de Blanchett: puede que esté interpretando el papel de directora con un aplomo impecable, pero también lo es, por supuesto, la propia Lydia.

La capacidad de realizar la grandeza es en sí misma un componente clave de la grandeza, como lo sabe esta gran película. También lo es la ilusión de accesibilidad: en sus apartes autocríticos y charlas posteriores a las preguntas y respuestas, Lydia extiende la noción halagadora para la audiencia de que incluso se podría comenzar a entender lo que hace. Puede describir, con impresionante precisión y seguridad en sí misma, la belleza de una composición o la metodología detrás de los movimientos de sus manos. Pero lo que distingue a “Tár” de tantas películas buenas y malas sobre artistas es su comprensión de que lo que se hace llamar genialidad nunca puede realmente ser conocido, y mucho menos filmado. Solo se puede imaginar realmente.

Y ahora, Field, poniendo fin a una ausencia de 16 años en el cine, ha imaginado los mundos interior y exterior de Lydia con una claridad y un rigor que hacen que 158 minutos pasen volando como un sueño. Si “el tiempo es la pieza esencial de la interpretación”, como afirma Lydia desde el principio, entonces vale la pena destacar el dominio del tiempo cinematográfico de este cineasta. También lo son la sombría precisión de la fotografía de Florian Hoffmeister, la fluidez de la edición de Monika Willi y el elegante y lujoso diseño de producción de Marco Bittner Rosser. Si hay una razón por la que esta película fluye tan absorbentemente, incluso con su ritmo decididamente suave, puede ser que la narración de Field no establece una distinción artificial entre lo grande y lo pequeño, lo importante y lo mundano; todo lo que se ve y se escucha importa.

Si hay una lógica que rige la historia, es que en casi todas las escenas, Lydia está actuando, y en cada actuación, revelará algo que no necesariamente pretendía. Eso es cierto ya sea que esté tomando un trago obligatorio con un inversionista adinerado (Mark Strong) o enseñando en Juilliard, donde humilla cruelmente a un estudiante, Max (Zethphan D. Smith-Gneist), en un virtuoso monólogo extendido. La interpretación de Lydia no termina cuando deja Nueva York y regresa a Alemania, donde se desempeña como directora principal de la Filarmónica de Berlín, otro papel que interpreta con una habilidad perfecta, cautivando a sus colegas y subordinados con su ingenio seco y afable autoridad inquebrantable.

Porque si Lydia siempre está actuando, también siempre está dirigiendo, coordinando, manipulando sin piedad y, a veces, silenciando a las personas en su vida como si fueran miembros de su propia orquesta personal. A algunos de ellos, como el asistente de dirección de Lydia (Allan Corduner) y el mentor envejecido y jubilado (Julian Glover), se les concede un solo breve momento de brillar.

La más conmovedora de ellas proviene de Sharon (Nina Hoss), la violinista de la orquesta y compañera de Lydia, con quien comparte un apartamento maravillosamente cavernoso y una hija pequeña. Hoss, cuya mirada tranquila y comprensiva puede registrar incluso los cambios más sutiles en la temperatura emocional, aquí sublima su personalidad estelar de la misma manera que Sharon reprime sus propias necesidades. Conoce los sacrificios emocionales que ha hecho para vivir y cuidar a una celebridad.

Eso significa hacer la vista gorda ante algunos de los secretos menos deseosos de Lydia, cuya ocultación recae en gran medida en una ambiciosa asistente personal, Francesca (Noémie Merlant). Los detalles de las indiscreciones de Lydia son ambiguos, pero las conclusiones que se pueden sacar de ellas son casi banales y prácticas. A medida que varias mujeres jóvenes y encantadoras aparecen y desaparecen del radar de Lydia, como una estudiante de dirección a la que repentinamente eclipsa o una violonchelista rusa de prodigioso talento (Sophie Kauer), "Tár" se convierte en un estudio fríamente modulado sobre el abuso de poder y los impulsos depredadores de los famosos y influyentes, incluso en una era en la que los correos electrónicos, las entradas de Wikipedia y los videos de TikTok conllevan amenazas cada vez mayores de exposición pública.

Lydia, con su profunda reverencia por las tradiciones musicales centenarias, es previsiblemente ajena a estos escollos tecnológicos modernos y se sorprende ante la perspectiva inminente de su propio merecido. Pero en otros aspectos, es un instrumento extraordinariamente perceptivo. Blanchett enfatiza la aguda sensibilidad de Lydia al sonido, ya sea que esté silenciando el tic físico nervioso de alguien o detectando perturbaciones espeluznantes en su apartamento a altas horas de la noche. ¿Alguien la está acechando a ella y a su familia, o su culpa por sus fechorías pasadas finalmente la están alcanzando? “Tár” no es exactamente una película de terror, pero a veces su desconcertante tensión psicológica puede hacer referencia a thrillers de este estilo.

En "Tár", Lydia se deshace en parte por su desafío a los vientos culturales cambiantes en las esferas superpuestas de la música, la industria y la academia que ocupa. Como una mujer lesbiana rara en una profesión dominada por hombres, es sin duda una pionera, aunque como tantos testaferros bien establecidos, también es una ferviente defensora del status quo. Se burla de las iniciativas de diversidad, minimiza las barreras de género e insiste en que las políticas de identidad, lo que ella llama "el narcisismo de las pequeñas diferencias", no tienen cabida en la evaluación del arte.

Pero si "Tár" hurga en algunas burbujas de pensamiento amigables con el discurso como "#MeToo" y "cancelar la cultura", y deja caer algunas referencias deliberadas a músicos caídos en desgracia como Plácido Domingo y James Levine, es demasiado inteligente para ser reducida a ellos, rechazando las comodidades del absolutismo moral y la indignación fácil. Field coloca a Lydia Tár, la magnífica artista, y a Lydia Tár, el monstruoso ser humano, una al lado de la otra, e insiste en que las dos podrían, de hecho, estar simbióticamente conectadas.

El gran arte se nutre de la transgresión de los límites, tanto morales como estéticos. Si bien a Lydia la llaman con muchos nombres desagradables, es revelador que su insulto favorito sea "robot", como si un autómata que respeta las reglas fuera lo peor que una persona podría ser. Lo que hace que "Tár" sea tan vigorosamente honesta es hasta qué punto está de acuerdo con ella. Su tono, fríamente discreto pero no exactamente neutral, deja espacio tanto para la exasperación como para la admiración. Esta puede ser una obra moral sobre la caída de una mujer poderosa, pero hay algo en la negativa de Field y Blanchett a abandonar a Lydia en su punto más bajo que subvierte el aparato dramático habitual de crimen y castigo.

El final de la película es oscuramente divertido e inquietantemente ambiguo, no debido a una confusión real sobre lo que está sucediendo, sino porque se niega a instruir a la audiencia sobre cómo uno debe sentirse al respecto. Lydia es y siempre ha sido una artista incansablemente prolífica e inventiva, un gigante del medio que la eligió. Y ella también puede, contra todo pronóstico, tener un regreso triunfal bajo la manga.

Crítica Cinéfila: Nightmare Alley

Un buscavidas (Bradley Cooper) se compincha con una psicóloga (Cate Blanchett) para estafar a millonarios.

La primera mitad de Nightmare Alley, la joya de una saga de Guillermo del Toro, se desarrolla dentro de la subcultura itinerante de los feriantes, al final de la Gran Depresión. “La gente aquí, no les importa quién eres o qué has hecho”, le asegura el ladrador de feria de Willem Dafoe a un novato, Stanton Carlisle. Esas son buenas noticias para Stan, interpretado por Bradley Cooper con una frialdad inigualable, y que ha llegado a la feria después de un largo viaje en autobús por algunas razones que preferiría olvidar.

Cambiando de la fantasía romántica de la Guerra Fría The Shape of Water, del Toro se adentra profundamente en los márgenes, tanto bajos como altos, con su nueva película. Su adaptación, con la coguionista Kim Morgan, de la novela Nightmare Alley de William Lindsay Gresham, es una versión más expansiva que la primera versión cinematográfica del libro, una película en blanco y negro de 1947 que es una de las novelas negras más distintivas jamás realizadas. Tyrone Power encabezó ese proyecto, decidido a dejar atrás la aventura liviana con la que se identificaba y profundizar en un territorio más complejo, y entregó su mejor actuación en pantalla. Pero el público no estaba listo para verlo en modo antiheroico, un obstáculo que Bradley Cooper, quien ha interpretado tipos de ese estilo, no tendrá inconveniente.

Es verdad que su actuación tarda un tiempo en afianzarse por completo, y cuando lo hace es fascinante, a la vez seductora y repelente, ocupando el centro de un excelente elenco. Stanton no es solo un estudio rápido, sino uno fríamente agresivo. Pero independientemente de las artimañas y los juegos de manos de los feriantes, no es hasta que Stanton se convierte en una estrella en la gran ciudad, donde conoce a una psicóloga increíblemente glamorosa llamada Lilith Ritter e interpretada por Cate Blanchett, donde realmente él comienza a darle más ritmo a la película.

La historia comienza en 1939, cuando las heridas de la Gran Guerra todavía están haciendo sufrir a algunos y otra conflagración se vislumbra en el horizonte. Una de las primeras lecciones de Stan en el carnaval involucra vigilar a la bestia. Los clientes pueden presenciar esta pura degradación humana: el alcohólico desesperado que ha sido atraído al trabajo y llevado a la locura, obedientemente muerde la cabeza de un pollo vivo.

El ladrador Clem Hoatley (Dafoe), que ha reunido una colección de fetos en escabeche, la mayoría de ellos humanos, le muestra a Stan las cuerdas del carnaval. La lectora de mentes Zeena (Toni Collette) le da a Stan una bienvenida muy personal, mientras que su dipsomaníaco esposo, Pete (David Strathairn), advierte sobre los peligros de creer sus propias mentiras, palabras sabias que Stan ignora. En cambio, su atención se centra en el libro que contiene el elaborado código verbal que Zeena y Pete desarrollaron para un acto mentalista que ya no realizan. Su ambición se enciende por su atracción por Molly (Rooney Mara), quien es tan discreta y sincera como su acto de alto voltaje es extravagante, y siempre bajo la mirada protectora de Bruno (Ron Perlman).

Stan encontrará su boleto para salir del circuito de carnaval, y con Molly creará un acto de lectura mental, realizado para la clase alta en un elegante club nocturno de Buffalo. Si la primera mitad de la película explica demasiado el mundo de los feriantes, la segunda, ambientada en 1941, irrumpe en un noir ultra estilizado. La Lilith de Blanchett entra en el drama como una retadora enfundada en terciopelo para el acto de Stan, con los labios rojos como la sangre y relucientes, su doble sentido con una voz sombría y, en ocasiones, al filo de la navaja.

La actuación de Cooper toca una vena más profunda cuando Stan reconoce un espíritu afín. En poco tiempo están poniendo su conocimiento confidencial de la vida emocional de la élite de Buffalo para usar en costosas consultas psíquicas privadas como la esposa de un juez (Mary Steenburgen) que está de luto por su hijo soldado. Stan sabe que se ha ganado el premio gordo cuando el industrial Ezra Grindle (un casi irreconocible Richard Jenkins) busca sus servicios. Grindle es un hombre tan rico e hipócrita que cree que puede comprar su redención y, en última instancia, representa todo lo que Stan odia.

El sinuoso trabajo de cámara de Dan Laustsen y los expresivos diseños de Tamara Deverell y Luis Sequeira crean dos mundos vívidos, comenzando con el polvo y la suciedad del carnaval a mitad de camino, con sus trajes teatrales y las luces de la rueda de la fortuna contra un cielo nocturno. La visión de la película del Buffalo nevado, con sus imponentes edificios de ladrillo, es un escenario cinematográfico refrescantemente desconocido, y uno que Del Toro usa con elocuencia para transmitir una sensación de poder y riqueza municipal, y de un mundo que se acerca a Stanton Carlisle precisamente cuando él cree tenerlo en la palma de su mano. Los interiores que Deverell y su equipo crearon para esta parte de la película son exquisitos, en particular los exuberantes tonos de jade de la suite de hotel de Stan y Molly y la asombrosa geometría de la oficina de Lilith, con sus paneles de madera bruñida.

El vestuario de Sequeira va desde lo sencillo hasta lo extravagante y elegante, y cuando encontramos a Stan con trajes hechos a la medida y chaquetas de esmoquin, ha olvidado el código ferial, con su sentido de familia e integridad personal, y le da un aire diferente al personaje. En la actuación encantadora y discreta de Mara, sabemos que Molly no pierde de vista estos valores.

Parte del poder de la historia de Gresham y de la película de Del Toro es el reconocimiento de que las artimañas y los engaños del mundo del espectáculo no impiden una conexión espiritual real. Las lecturas de cartas del tarot de Zeena, por ejemplo, exponen el destino de Stan con una claridad asombrosa (y la actuación fuerte de Collette profundiza esa claridad). De regreso a la mitad del camino, Stan mostró un talento impresionante para leer a la gente, pero en la gran ciudad ha sido cegado por la luz de su propio éxito, sin mencionar el resplandor de la sonrisa falsa de Lilith.

Stan es un personaje desagradable, y uno que no ofrece redención en esta narración, cuyo final es más fiel al material original que la película de Tyrone Power. Si alguna vez apoyamos a Stan, es solo en los momentos en que se enfrenta a Lilith. Cooper nunca busca la simpatía del público, lo que hace que los momentos finales de la película sean aún más crudos, poderosos y necesarios.

El guión a veces puede ser demasiado literal, pero la partitura de Nathan Johnson nunca falla, creando una potente fusión de lo majestuoso y lo inquietante, y encapsulando los impulsos de duelo en la visión de Del Toro. Con un guiño a la película Detour de 1945, Nightmare Alley rinde homenaje al cine negro. Pero también es su propia bola de nieve oscura, luminosa y finamente facetada, y una de las cinematografías más fluidas de Del Toro.

Crítica Cinéfila: Don't Look Up

Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), estudiante de posgrado de Astronomía, y su profesor, el doctor Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) hacen un descubrimiento tan asombros como terrorífico: un enorme cometa lleva un rumbo de colisión directa con la Tierra. El otro problema es... que a nadie le importa.

Las películas de Adam McKay suelen ser difíciles de digerir. “The Big Short” nos dio una bofetada cuando utilizó a una Margot Robbie desnuda para explicar qué era la crisis de las hipotecas de alto riesgo, y el sobrevalorado “Vice” contó la historia de la vida de Dick Cheney con impresiones de “Saturday Night Live”. Sin embargo, el estilo informativo del director y el oscuro sentido del humor contrastan en "Don't Look Up", una divertida sátira sobre un cometa que está a punto de chocar con el planeta Tierra. La película no es explosiva, pero la trama sí lo es.

Leonardo DiCaprio y Jennifer Lawrence interpretan a Randall y Kate, dos astrónomos que ven una roca espacial de 10 kilómetros de ancho que se precipita hacia el mundo y determinan que tendrá un impacto en seis meses, 14 días, un evento a nivel de extinción. 

El dúo alarmado lleva sus hallazgos a la presuntuosa presidenta de los Estados Unidos (Meryl Streep), y se sorprenden al descubrir que ella se ríe de la situación. Luego, un periódico de Nueva York publica la historia, pero nadie hace clic en ella. Entonces, van a un programa de noticias parecido a “Scarborough Country” llamado “The Daily Rip”, donde un productor les dice que los presentadores (Cate Blanchett y Tyler Perry) aman los segmentos de ciencia. Pero cuando el cometa se vuelve visible a simple vista, la población finalmente cree la historia, y se forman dos hashtags en competencia: #Justlookup y #Dontlookup. Sí, el mundo ha logrado politizar su propia destrucción inminente.

Obvio, estos eventos en cascada son probablemente una metáfora de la pandemia. Pero es entretenido y divertido. 

Si hubiera categoría en los Oscars para casting, Francine Maisler sería una apuesta segura para el 2022. Porque ha reunido indiscutiblemente, el elenco más envidiable del año para Don't Look Up. Actores identificables solo por el nombre de pila: Leo, Meryl, Cate, Jonah, Timothée. El poder de atracción es tanto el director Adam McKay (The Big Short y Vice) como la premisa. Don't Look Up es esencialmente Deep Impact conoce a Armageddon. Puede que muerda más de lo que puede masticar, pero con frecuencia es un alimento para el cerebro divertido y muy ambicioso. 

Hay muchas risas y a lo largo de su viaje hay un grupo de celebridades, las mejores de las cuales se acercan de puntillas a “Dr. Strangelove”. Mark Rylance interpreta a un titán tecnológico y orador motivacional llamado Peter Isherwell con una sonrisa enyesada y la voz inquietantemente tranquila de alguien que está a punto de sufrir un colapso mental. Ariana Grande es una estrella del pop que es un riff de sí misma. Y Timothée Chalamet es un gamer evangélico de Illinois que se besa con Kate.

Si McKay elaboró ​​las partes más divertidas de su sátira con un bisturí, alguien debería haberle entregado un machete para cortar un poco el guión. La película dura casi dos horas y diez minutos, y nos agotamos cuando las sorpresas se detienen y el final se vuelve inevitable. No obstante, DiCaprio y Lawrence tienen una buena química natural.

Lawrence y DiCaprio son guías agradables y especialmente complejas a través del caos: la primera con todo el corte de pelo y la actitud de Lisbeth Salander, el segundo una bola de nervios y dolencias. La dirección de McKay a veces se mueve al ritmo de una película de desastre y en otras ocasiones se detiene para realizar montajes que representan la vida en marcha frente a la destrucción inminente (un estilo muy bien establecido por el director en sus presentaciones anteriores). Es una película sobre malestares muy modernos: cómo no asumimos la responsabilidad personal, ya sea en las relaciones o en el escenario político; cómo se socava constantemente la experiencia; y cómo muere la verdad en las noticias. Quizás están sucediendo demasiadas cosas y no todo funciona. Aún así, McKay pega el final maravillosamente, agregando una picadura asesina que ojalá no muchos esquiven gracias a los créditos cortados de la plataforma de Netflix.

Crítica Cinéfila: Where'd You Go, Bernadette?

Bernadette Fox (Cate Blanchett) es una mujer de Seattle que lo tiene todo: un marido que la adora y una hija brillante. Cuando desaparece sin dejar rastro de forma inesperada, su familia se embarca en una aventura emocionante para resolver el misterio de dónde puede haber ido Bernadette.

De punta, apasionada, feroz y rota, la heroína titular de la hilarante y conmovedora novela de Maria Semple "Where'd You Go, Bernadette" es uno de los grandes personajes de la ficción literaria reciente. Y tan fascinantemente capaz de crear un humor raro, perspicaz y cruel en cada una de sus conversaciones, ella es el forraje perfecto para los talentos de Cate Blanchett, quien irradia análisis de otro mundo en la adaptación cinematográfica generosamente humana de Richard Linklater.

Cuando conocemos a Bernadette Fox, ella vive en la lluviosa ciudad de Seattle con su esposo, el ingeniero Elgin (Billy Crudup) y su hija, Bee (Emma Nelson), ignorando los estatutos que la sociedad quiere a nivel general y tratando desesperadamente de evitar las otras madres en la escuela de Bee, mientras dicta listas maníacas de tareas a su asistente virtual en India y alimenta un odio obsesivo hacia la ciudad donde vive. Por el estado de su entorno, desmoronándose pero lleno de ingeniosos elementos de diseño que involucran libros, lápices y una lámpara de araña que parece hecha de cuencos para perros, está claro que Bernadette, una arquitecta alguna vez famosa, es una mujer al borde ya sea de un colapso o un avance. Cuando Bee sugiere un viaje familiar a la Antártida para celebrar sus perfectas calificaciones, Bernadette deberá decidir si seguirá con el plan del viaje o encontrará una manera de escaparse de este.

Lo que llevó a Bernadette a este lugar se enfoca a través de monólogos y un útil video explicativo, segmentos de los cuales aparecen a lo largo de la película según sea necesario. Al principio, parece que "Where'd You Go, Bernadette" será un envío rápido de la cultura de la madre privilegiada a la par de "Big Little Lies", especialmente cuando Blanchett se enfrenta cara a cara con una vecina que se esfuerza mucho. interpretado por Kristen Wiig. Pero las cosas no son lo que parecen en una historia que está tan atenta al dolor, la angustia y los sueños demolidos cómo lo es a las costumbres burguesas liberales en su forma más superficial y molesta.

"Where'd You Go, Bernadette" está en su mejor momento como un estudio de personajes en la ambición femenina y la maternidad en su forma más apasionada y ambivalente. Con sus pómulos de hoja de acero y su mirada de alambre de púas, Blanchett parece un extraterrestre junto a Crudup y Nelson, cuyos personajes prueban los límites de su propia lealtad a medida que Bernadette se vuelve más loca.

Es cuando la trama se vuelve más turbulenta cuando la película comienza a dar giros que solo cuestionan la realidad de la historia. Algunos artilugios que funcionan en la página se ven forzados y esquemáticos en la pantalla, a pesar de algunas impresionantes fotografías de ubicación en medio de las aguas serenas y los paisajes de hielo de Groenlandia.

Si la dinámica familiar se siente superficial y demasiado bien resuelta para el final de "Where'd You Go, Bernadette", la descripción matizada de Blanchett de la creatividad obstaculizada, el gusto exigente y las sensibilidades demasiado audaces y bien juzgadas para un mundo despreocupado se las arregla para ser divertido e intolerable en igual medida. En sus manos capaces, Bernadette Fox no termina siendo agradable, una cualidad que ella seguramente detestaría, pero de todos modos es digna de amor.

Crítica Cinéfila: How to Train Your Dragon, the Hidden World

En esta nueva entrega, Hiccup y Toothless descubrirán finalmente su verdadero destino: para uno, gobernar Isla Mema junto a Astrid; para el otro, ser el líder de su especie. Pero, por el camino, deberán poner a prueba los lazos que los unen, plantando cara a la mayor amenaza que jamás hayan afrontado... y a la aparición de una Furia Nocturna hembra.

Habiendo aprendido desde hace mucho tiempo con una historia conmovedora de Vikingos y Dragones, la franquicia de DreamWorks se ha convertido en una temática más grande de lo que seguro esperaba y, como resultado, ha mejorado. Rara es la secuela animada que no forma parte de los mitos para justificar su existencia a nadie más que a los niños, y aún así "Cómo entrenar a tu dragón: El mundo oculto" logra hacer eso al terminar la trilogía ahora completa en una nota alta.

Eso es en parte porque la serie se ha tomado su tiempo. Han pasado casi cinco años desde "Cómo entrenar a tu dragón 2", que siguió al original por cuatro años. Ahora hemos estado viendo Hiccup Horrendous Haddock III y su dragón Toothless durante casi una década, y las películas han madurado con ellos. Dirigido una vez más por Dean DeBlois, "The Hidden World" toca un acorde agridulce al recordar a su joven audiencia que todas las cosas buenas, incluida la edad de los dragones, deben llegar a su fin.

Hiccup, ahora el líder de su tribu, ha ayudado a crear "la primera utopía del vikingo-dragón", pero esas cosas nunca duran. Hay dos desarrollos principales en esta ocasión: el plan de Hiccup para trasladar su colonia al Mundo Oculto, un mítico paraíso de los dragones, y Toothless se enamora de una Night Fury. Las secuencias más cautivadoras involucran su cortejo sorprendentemente dulce, un momento casi silencioso en el que aparecen solo ellos.

No es que Hiccup y su cohorte quieran moverse. La peregrinación es estimulada por las malas acciones de Grimmel, un cazador de dragones cuya visión de las criaturas es considerablemente menos utópica que la de Hiccup. La existencia de Toothless está en riesgo, por no decir nada de su estilo de vida, lo cual pone a la defensiva de un joven líder para enfrentar el desafío y sacar a su gente del camino del peligro.

Ahí radica el mayor problema con "El mundo oculto": su héroe. Hiccup se convierte en un protagonista mucho menos convincente que su amigo volador, entre otras cosas porque el joven advenedizo hace que sea fácil estar de acuerdo con su miedo profundo de que es un líder poco inspirador, quien no estaría en ninguna parte sin Toothless. No ayuda que el trabajo de voz de Baruchel sea más adecuado para un niño valiente que el líder de una tribu vikinga, lo que solo se ve subrayado por el hecho de que el padre de Hiccup es interpretado por Gerard Butler. También prestan sus voces a esta entrega Cate Blanchett, Craig Ferguson, America Ferrera, Jonah Hill, Kit Harington, Justin Rupple, Kristen Wiig y Christopher Mintz-Plasse. Sin embargo, y a pesar de la voz adolescente y "congestionada" del protagonista, las decisiones que toma demuestra que no solo sabe tomar sacrificios, sino también puede convertirse en un líder sin necesidad de estar acompañado por su dragón.

Por otro lado, el villano es digno de desprecio. Grimmel, que se parece un poco a la era de Drácula, cree que el único dragón bueno es un dragón muerto, no que le importe usar un pequeño ejército de ellos para lograr este fin depredador. Expresado con el estilo apropiado de Abraham, es lo suficientemente siniestro como para hacerte olvidar brevemente, a veces, que no hay forma de que "Cómo entrenar a tu dragón" termine con la extinción de todos los dragones (¡pero qué clímax sería!).

Luego está el propio Mundo Oculto, un lugar brillante y edénico que cobra vida con algunos de los CGI más llamativos de la memoria reciente. La animación en sí es sorprendente: una secuencia temprana en la que el cielo está lleno de dragones es un signo temprano de las delicias visuales por venir, y termina siendo el punto culminante de la película.

Aunque obviamente dirigido a los niños, este capítulo de "Cómo entrenar a tu dragón" podría ser mejor apreciado por los entusiastas de las historias medievales. Puede ver cada centavo en la pantalla, a menudo con más detalles que el viaje interno de Hiccup. Eso es suficiente para llevar a "The Hidden World" más allá de la línea de meta, y hacer que esperes que se mantenga terminado.

The House with the Clock in its Walls

Tras quedar huérfano, un niño se muda a la vieja y rechinante casa de su tío, la cual tiene un misterioso reloj en sus paredes que suena todas las noches. Pronto, la aburrida y tranquila vida de su nuevo pueblo se ve interrumpida cuando accidentalmente, Lewis despierta a magos y brujas de un mundo secreto. (FILMAFFINITY)

Las historias sobre brujas, magos, hechizos y santerías son inagotables, sobretodo en esta época del año en que el resto del mundo se prepara para Halloween. Así parece ser que esta trama, basada en la novela de John Bellairs llega en buen tiempo, y las ventas de taquilla la han permitido posicionarse en el primer lugar del box office de la semana. Pero... por más momentos mágicos, o por más consejos de Cate Blanchett al resto del elenco, creo que la historia termina cayendo en una convencional película de fantasía.

Eli Roth (Hostel, The Green Inferno) dirige esta trama sobre Lewis, un niño que, después de que sus padres fallecen en un "trágico accidente", termina en manos de su tío, quien es un hombre bastante peculiar para el vecindario donde vive. Aunque muchas personas, incluyendo sus compañeros de clase, tachan su nuevo hogar como el centro de posibles homicidios, Lewis conoce que, en realidad, el gran secreto de su tío es que es un hechicero sin certificado y desde hace años trata de encontrar un reloj que uno de sus colegas escondió allí, justo antes de morir. La casa se vuelve aún más terrorífica cuando, de manera accidental, Lewis libera el alma del hechicero quien ahora tiene el plan macabro de regresar el tiempo y evitar que la raza humana se desarrolle (si no va así, eso fue lo que yo entendí).

El tema con esta película es quizás la filmografía de su director, quién ha dedicado sus años a desarrollar películas de gore, slasher o comedia de terror. Probablemente muchos dirán "eso no tiene que ver, él puede dirigir películas del género que le plazca", pero hay que tomar en cuenta que, cuando te caracterizas por hacer películas de un tipo, y de repente decides cambiar a algo que podría ser completamente opuesto, la inspiración para eso puede resultar de dos maneras: un completo desastre o una sorpresa exitosa. No digo que The House with the Clock in its Walls (por Dios, que nombre más largo) sea un desastre, pero tampoco puedo mentirles en la cara y decir que estuvo genial. Es más bien una película que podría caer facilmente en la categoría de aburrida pero se salva por algunos momentos que recuerdan los aspectos más interesantes de su género. 

A su vez, la interpretación de Cate Blanchett como Mrs. Zimmermann salva al resto del elenco de caer en los estereotipos de las películas de fantasía, y se convierte en la mentora, no solo del personaje principal, sino del resto de los personajes, aún así cuando ella misma tiene sus propias debilidades y debe enfrentar sus peores miedos para poder ayudar al resto. Es el personaje más completo y mejor desarrollado de toda la película, dejando atrás al pequeño Lewis, interpretado por Owen Vaccaro quien toma la ardua tarea del personaje principal, y que aunque da todo lo mejor de sí, el guión no le ayuda en muchas ocasiones. Por su parte, Jack Black solo se queda como el tío divertido que podía entretener y contar historias, pero no más de ahí.

A pesar de los decentes efectos especiales (sobretodo en la escena de las calabazas o cuando Black se convirtió en un bebé -spoiler-), lo que verdaderamente está bien establecido es el diseño de producción, que hace énfasis a la época de los 50 en que se desarrolla la trama, donde desde carros anticuados hasta los colores y estilos de vestir apoyan la novela en que está basada esta película. Y no se puede dejar de mencionar el TICKTOCK del reloj que creó tremendos momentos de tensión, ya sea porque algo iba a pasar o porque realmente se eleva a sacar de quicio a cualquier persona.

Esta película es una visión adulta a las familias disfuncionales, sumergido en los miedos y desafíos de la infancia. Es lo más cercano que tendremos de ver a Blanchett como una heroína de acción fuera del universo de Marvel, ejecutando un escape de soporte perfecto desde un ataque de jack-o'-linternas con colmillos afilados. Las escenas que comparte con Black: "Te pondría una mirada fea, pero ya tienes una", le dice, una especie de bola de perlas, pero sin fricciones lo cual nos recuerda que a veces podemos tener un hombre y a una mujer en pantalla grande sin necesidad de forzar el romance. Gracias Eli Roth.

Ocean's 8

Debbie, hermana de Danny Ocean, decide cometer el atraco del siglo en la gala Met anual que se celebra en Nueva York, reuniendo el equipo criminal perfecto. (FILMAFFINITY)

Cuando una película que normalmente está protagonizada por hombres, se rediseña para mujeres, normalmente suceden dos situaciones: los hombres le cojen odio porque no es lo que a ellos le gusta ver, y consiguen una buena audiencia femenina que apoya la nueva historia y sus protagonistas. Ocean's 8 es víctima de este paradigma.

Ocean's 8 es la última película de la franquicia Ocean's, en esta ocasión reuniendo a la hermana de Danny Ocean, Debbie (Sandra Bullock), quien acaba de salir de la carcel, y decide llevar en ejecución un plan que parece tener un largo tiempo pensándolo (5 años, 8 meses y 12 días): robar joyas exclusivas durante el MET Gala. Debbie se reune con su amiga Lou (Cate Blanchett), para que le ayude a llevarlo en marcha. Juntas, van reclutando otras mujeres que, por necesidad y experiencia, serán parte importante del plan. Desde una diseñadora de joyas, hasta una hacker profesional. El principal requerimiento es que deben ser mujeres.

En su primera secuencia, esta película tiene una estructura muy similar a la primera película de Ocean's, pero ya desde una perspectiva femenina y con intenciones de venganza. De modo que no es la misma esencia que la franquicia estableció: con una tonalidad más sarcástica y fashionista, su historia tiene una temática que mezcla la profesionalidad del robo con el deseo de vengar un evento del pasado. A diferencia de Ocean's 11, tiene un conflicto mucho más poderoso y más real, en el que nadie está esperando que el plan falle. Quizás sí hubo ausensia de obstáculos para las protagonistas, pero la idea no era que las viéramos fallar, sino ver como ejecutaban ese plan con elegancia y estilo.

El mejor aspecto de la película son los personajes, donde cada uno cumple con su plan a la perfección: se reconoce cual es su objetivo físico, pero también cuál es su objetivo y necesidad emocional; que no solo se trata de conseguir el dinero, sino también mejorar su vida personal y profesional. Cada uno de los personajes está muy bien enfocado, con características que lo identifican con facilidad, y los diferencian del resto. Esto aplica exclusivamente para las ladronas, pero también se nota en el resto de los personajes que fueron complementando la trama. Mi personaje favorito fue el de Rihanna, pues tiene una personalidad y una actitud tan distintiva que se cree.

Del mismo modo, la película carga con una lista extensa de celebridades que son reconocidas por su presencia en el MET Gala, como las Kardashian, las modelos de Victoria Secret, deportistas, otros actores y demás, que sirven de rostro en esta secuencia de la película, agregándole aún más exclusividad y realismo al momento en que sucede el robo.

No se puede dejar de mencionar los twists del guión, pues aunque muchos esperaban los momentos en que el plan fallara, los guionistas Olivia Milch y Gary Ross se encargaron constantemente en demostrar por qué no podía fallar, sorprendiendo con cada situación y con el siguiente paso después de un suceso. Esta no era una película solo para sentir miedo por ellas, sino también para demostrar que sí se puede tener el plan perfecto.

Otro aspecto a destacar es el diseño de vestuario, pues Sarah Edwards diseño cada detalle del vestuario con el objetivo de que se retratara la personalidad del personaje, pero a la vez, con una visión de gala y de pasarela. Este elemento le agrega elegancia y estética a cada escena y cada acción de las protagonistas.

Por otro lado, el montaje de esta película tiene un estilo muy particular, pues complementado con la fotografía y la musicalización, va trasladando las acciones de una manera entretenida, en donde acelera las secuencias y le da aún más movimiento a las escenas aunque sean estáticas.

Quizás no será para todo el mundo, pero a mí me gusto Ocean's 8. Es una película que empodera y motiva a querer lograr cualquier objetivo, sin importar cuanto tiempo te tome o cuan difícil sea. La exquisitez de sus vestuarios y las acciones de sus personajes, junto con el elenco que se gastó, son sus principales atractivos, que con gran facilidad se roban la franquicia completa.

Pero imagino que no soy la única que se quedó esperando a George Clooney...

Thor: Ragnarok

Thor está encerrado en otro lado del Universo sin su martillo y se encuentra a sí mismo en una carrera en contra del tiempo para volver a Asgard y parar el Ragnarok -la destrucción de su hogar al final de la civilización asgardiana- que se encuentra en manos de una poderosa amenaza, la despiadada Hela. Pero primero debe sobrevivir a una competición letal de gladiadores que le enfrentará a su aliado y compañero de Los Vengadores: el increíble Hulk (Sensacine)

Por tercera ocasión, el Dios del Trueno se enfrenta a una situación de vida o muerte, en este caso en particular, que pone en peligro a la población de Asgard. Según Thor, ya había tenido una serie de sueños donde revelaban la profecía de Ragnarok, que explica que su civilización se arruinaría en llamas si Sutur unía su corona a la eterna llama que existe en la ciudad. Una vez que derrota Sutur, Thor regresa a Asgard y descubre que su padre ha sido envíado a la Tierra y su hermano adoptivo Loki se ha disfrazado de Odín para poder gobernar su pueblo.

Pero al llegar junto a su padre, se enteran de que su hermana Hela planea regresar a vengar su exilio y tomar el trono, destruyendo el famoso martillo de Thor y desviando el camino de los hermanos, quienes cuando eran transportados de regreso a Asgard, fueron atacados por Hela y terminaron aterrizando en Sakaar. Allí Thor tratará de escapar a su líder, participando en una competencia de pelea entre luchadores; uno de ellos, el poderoso Hulk.

Esto es tan solo los primeros 30 minutos de trama de esta película, que ya estaban cargados de mucha tensión y momentos graciosos. Y así fue evolucionando el resto de la película, que se caracterizó por su tono burlesco, mientras transcurrían las mejores escenas de batallas que había visto desde Avengers. 

En esta tercera entrega, los guionistas decidieron volverse locos y dejar que la historia fluyese como no lo había logrado perfectamente las primeras películas de Thor. Quizás por el hecho de que la audiencia ya estaba totalmente empapada de los términos, los personajes, la fantasía y las criaturas, hizo que fuese más fácil digerir todo lo que ocurría y dejarse llevar por la trama, que se entiende y se conecta con el resto de los sucesos que han ocurrido en otros universos de Marvel, pero que se relacionan a estos personajes.

Chris Hemsworth (como siempre) excede las expectativas y otorga una actuación exquisita; sin embargo, en esta historia variaron totalmente su personalidad. En los primeros filmes, vimos a Thor como un personaje más arrogante, impulsivo y reservado; sigue siendo arrogante, pero de una manera más seductora y menos por el hecho de demostrar que es el mejor. Además Thor tuvo muchas escenas de comedia, y casi terminó convirtiéndose en una comedia con acción, que viceversa. Quizás a muchos les guste este detalle, pero a mi me pareció excesivo e innecesario en algunas ocasiones. Lo mismo ocurre con Loki y Hulk, que ambos se han ganado la fama de ser personajes rudos y sombríos, principalmente Hulk; pero ahora se ven más tontos. No obstante, no dejan de ser un punto muy importante para la historia.

Otras importantes apariciones en la película son Doctor Strange, Odín y Heimdall. Y por supuesto Stan Lee.

Sin embargo, la historia crea un buen arco y evolución al personaje de Thor que demuestran: 1) el martillo era solo un accesorio, y es verdaderamente el Dios del trueno, y 2) tiene más voz verdadera de liderazgo y de toma de decisiones, como Odín siempre quiso.

Hela, interpretado por Cate Blanchett, es uno de los personajes más completos que he conocido de Marvel, ya que se entiende perfectamente cuál es su verdadera razón de ser la antagonista, cuál es su pasado y tiene un verdadero deseo de gobernar el trono de Asgard que no es solo por querer liderarlo, sino por "convertirlo nueva vez en lo que alguna vez fue".

La fotografía, la musicalización y el diseño de producción de los escenarios no decepcionan y son uno de los principales atractivos de la trama, junto con el juego de efectos especiales, que ahora más que nunca Marvel ha fortalecido para hacerlos más creíbles. Y sí que me los creí. Una de las mejores escenas es, sin duda, la batalla entre Hulk y Thor en Sakaar.

Thor Ragnarok es, sin duda, la mejor película de la trilogía de este personaje, y una de las más entretenidas que ha creado este universo de superhéroes, gracias a que no dejan ningún detalle abandonado y se guían de lo que ya nos han contado, pero con más humor, nuevos personajes interesantes y un futuro comprometedor por delante.