Crítica Cinéfila: If I Had Legs, I'd Kick You

Con su vida literalmente derrumbándose a su alrededor, Linda intenta lidiar con la misteriosa enfermedad de su hija, su marido ausente, una persona desaparecida y una relación cada vez más hostil con su terapeuta.

La idea que la mayoría de la gente tiene de una ama de casa de los Hamptons probablemente sea una versión de un personaje de Nancy Meyers: rica, realizada y atrapada en una vertiginosa confusión romántica de hogar, decorada con buen gusto y bañada por el sol. Linda, la psicóloga de Montauk interpretada con una tensión al borde del delirio por una fenomenal Rose Byrne, no es esa mujer. En "If I Had Legs, I'd Kick You", de la guionista y directora Mary Bronstein, Linda es básicamente un nudo de estrés constante, inmune a las obviedades de "no es tu culpa" de una terapeuta familiar que advierte contra la "trampa del pensamiento" de la vergüenza y la culpa.

La causa principal de la espiral de ansiedad de Linda es la misteriosa y aparentemente intratable enfermedad de su pequeña hija (Delaney Quinn), a quien no se le ha dado nombre, de la que se ha oído hablar pero que no se ha visto casi en todo momento, salvo por la bolsa conectada a su sonda de alimentación intravenosa. O sus piececitos colgando del inodoro mientras el agua inunda la habitación principal de la casa familiar. Resulta que el diluvio se extiende a gran parte del piso superior, provocando un agujero considerable en el techo de la sala de estar de la planta baja, que empieza a supurar una sustancia viscosa extraña y sirve como portal a visiones nivel Lynch del gran vacío.

¿Es esa la parte más surrealista del colapso de Linda, o es el hámster salvaje, empeñado en escapar de la caja de la tienda de mascotas? ¿O el bebé llorón con el que se encuentra atrapada tras ser abandonado por su inquieta madre Caroline (una Danielle McDonald casi histérica), una de sus pacientes? ¿O la revelación de una abertura corpórea extrañamente parecida al agujero que gotea en su apartamento? 

El esposo de Linda, Charles, es capitán de crucero en alta mar, así que ella debe cuidar de su hija enferma, atender a sus pacientes y lidiar con un contratista, quien avanza muy poco con la reparación del techo antes de abandonar el trabajo debido a una emergencia familiar. O porque no puede con la agitación extrema de Linda. Contactado por teléfono, Charles responde con una actitud defensiva y santurrona a la furiosa diatriba de Linda sobre el caos que consume su vida, preguntando: "Bueno, ¿cómo crees que me siento teniendo que estar fuera trabajando todo el tiempo?". Es prácticamente lo mismo que dice el agresivo esposo de Caroline por teléfono mientras culpa a Linda de la desaparición de su esposa. Su propio terapeuta (Conan O'Brien, en un cómico debut como actor), que trabaja en el mismo centro de terapia, se muestra igualmente antipático, mostrando una paciencia cada vez menor.  

Seguro no seré la única en describir esta película como una mezcla de "Nightbitch" y "Uncut Gems", y esta última alusión no es del todo irrelevante. El esposo de la directora, Ronald Bronstein, quien se encuentra entre los productores junto con Josh Safdie, ha coescrito casi todas las películas de los hermanos Safdie. "If I Had Legs I'd Kick You" recuerda a trabajos tempranos como "Daddy Longlegs" y "Heaven Knows What" en su crudeza emocional, su estética descuidada y su energía descontrolada, y a películas posteriores más populares como "Good Time" y "Uncut Gems" en su volatilidad adrenalínica.

Pero el humor morboso aquí es todo de Bronstein, incluso en la canción de cuna favorita de los niños, “Think About Your Troubles” de Harry Nilsson, cuya letra presenta una ballena muerta y un océano contaminado por lágrimas.

La clínica donde Linda lleva a su hija a tratamiento cada día presenta más dolores de cabeza, entre ellos el altercado diario con el encargado del estacionamiento (Mark Stolzenberg). La directora del programa, la Dra. Spring (interpretado por la directora per sé), le advierte que si su hija no empieza a mostrar suficiente aumento de peso como para que le retiren la vía intravenosa, no podrá continuar en la clínica. Esto, por supuesto, alimenta la culpa de Linda, que ya es insoportable cada vez que deja sola a su hija.

La situación en casa no invita a la tranquilidad en el motel donde el casero reubica a Linda y a su hija mientras se realizan las reparaciones. La recepcionista, Diana (Ivy Wolk), es una punk tosca que se muestra crítica cada vez que Linda va a recepción por otra botella de vino. El superintendente residente, James (el artista de hip-hop A$AP Rocky, que irradia carisma y amabilidad), es todo lo contrario. Es apacible, amigable y servicial, e incluso le consigue a Linda una bolsa de cocaína a través de la red oscura cuando fumarse su porro habitual por la noche ya no calma sus demonios. Pero el comportamiento errático de Linda termina por distanciarse también de James.

A pesar de todo esto, la actuación de Byrne en la cuerda floja sigue siendo fascinante, analizada durante largos tramos de la película con los primeros planos del director de fotografía Christopher Messina. Es una actuación contundente, que profundiza en la intensa presión y el aislamiento que a veces acompañan a la maternidad, con una crueldad que hace que Nightbitch parezca dócil, sin excluir la poca autocompasión. Uno se compadece de Linda mientras lucha por no estallar cuando hombres con ceguera no comprenden lo desquiciante que puede ser la responsabilidad de una niña pequeña.

La agitación mental de Linda se refleja en la desorientación y aturdimiento del paisaje sonoro de Filipe Messeder, en particular el zumbido punzante de la intravenosa de la niña. Y la película vira ligeramente hacia el horror corporal en el acto final, cuando la crisis de Linda alcanza su clímax, poco después de que se pregunte si se deshizo del bebé equivocado en un aborto anterior. No es frecuente que las madres en el cine estadounidense digan estas cosas, pero Bronstein se muestra vigorizantemente desinhibida.

Por muy cautivadora e imaginativa que sea la experiencia, hay que decir que absorber dos horas de la ansiedad ajena puede resultar agotador. Si no te gusta el espectáculo desenfrenado con un toque surrealista, puede que esta no sea la película para ti. A menos que te tomes un tranquilizante muscular para arrancar.

Crítica Cinéfila: Jay Kelly

Jay Kelly es una gran estrella de cine que a sus sesenta años se encuentra en crisis vital y que, ante el homenaje que le va a brindar un importante festival de cine, tendrá que enfrentarse a un ajuste de cuentas personal volviendo a entrar en contacto con todos aquellos que han formado parte de su vida. Y es que todo el mundo conoce a Jay Kelly, pero Jay Kelly no se conoce a sí mismo.

Al ser una estrella importante durante la mayor parte de su vida adulta, Jay Kelly se ha sumergido tanto en su clásica personalidad cinematográfica —sonriente, elegante, heroico— que ya no parece saber quién es fuera del set. Lo más inquietante es que el actor mundialmente famoso ha llegado a disfrutar de esa forma. Como escribió Sylvia Plath: «Es una enorme responsabilidad ser uno mismo. Es mucho más fácil ser otra persona o nadie en absoluto». 

Esa cita sirve como un epígrafe casi opresivamente apropiado para la película de Netflix que Noah Baumbach ha hecho sobre una de las últimas verdaderas estrellas de Hollywood, o dos de ellas, debería decir, ya que Jay Kelly es un sustituto tan transparente para el actor que lo interpreta, que él y George Clooney comparten el mismo corpus de trabajo. Las palabras de Plath ayudan a enmarcar "Jay Kelly" como la historia de un apuesto sexagenario que es conocido por todos y por nadie en igual medida, pero el guion inusualmente precioso de Baumbach, coescrito con Emily Mortimer, no tiene problemas para articular ese dilema en sus propios términos. 

Una frase pegadiza que se aferra a la misma idea: "Todos mis recuerdos son películas". Jay la pronuncia hacia el principio de la película, tan poco después de terminar la producción de una nueva película policial, que bien podría estar leyendo un guion. Hay una punzada de arrepentimiento inmediatamente perceptible en la voz de Clooney, como ese dolor punzante que no puede significar nada serio mientras elijas ignorarlo, pero la verdadera herida de ese diálogo de doble filo no se sentirá hasta mucho después. 

El problema para Jay no es que sus películas sean recuerdos, y que haya ido de un lado a otro durante tanto tiempo que haya olvidado cómo actuar sin las cámaras rodando; eso es un problema, pero también uno que siempre ha logrado resolverse solo. No, el problema para Jay es que sus recuerdos son películas: están congelados en el tiempo, compartidos por todos los que los han visto, y prácticamente imposibles de cambiar una vez que se han cimentado en la imaginación del público. En el set, Jay tiene el poder de volver a ir. De hacer otra toma. De conseguir una más solo por seguridad. En la vida, sin embargo, tiene que vivir con las decisiones que ha tomado. Y a medida que Jay llega a cierta edad y comienza a ser amenazado con homenajes a su carrera, de repente se ve obligado a ver esas decisiones en un verdadero supercorte de gran éxito y profundo recelo. 

Es decir, sí, "Jay Kelly" es un melodrama forzando arrancar algunas lágrimas de la insoportable levedad de ser rico y famoso, pero también es una historia más cercana sobre las compensaciones que todos nos vemos obligados a hacer en esta vida: los caminos sin retorno que tomamos en el largo y circular viaje hacia convertirnos en nosotros mismos. Baumbach carece de la singular habilidad de Sofia Coppola para aprovechar la riqueza de un personaje para el deseo que revela de él, pero él, Mortimer y Clooney comparten una vívida comprensión de los resentimientos que pueden formarse en el espacio entre quiénes somos y cómo nos ven, y de cómo el estrellato puede ampliar ese espacio hasta el punto de que las amistades y las familias pueden caer en él sin ser notadas. 

Es un espacio que Baumbach explora aquí con una delicadeza inusual. Por un lado, el director de "The Meyerowitz Stories" nunca ha sido tan alérgico al sentimentalismo como su obra más quisquillosa podría sugerir, y me resulta difícil reprocharle a los grandes cineastas que se ablanden con la edad; todos deberíamos tener la suerte de llegar a la segunda mitad de nuestras vidas y sentir que el mundo es un lugar más amable y amoroso de lo que alguna vez imaginamos. Por otro lado, ver a un director tan bronco como Noah Baumbach hacer una película tan tiernamente introvertida como "Jay Kelly" puede ser como ver cómo un cuchillo de yugular se desgasta hasta convertirse en una esponja vegetal. 

Aquí, Baumbach compensa esa emotividad a veces exagerada arraigando su película en un lecho de tristeza, uno que añade la melancolía constante de "estaba demasiado ocupado teniendo sexo con estrellas de cine para pasar tiempo con mis hijas". Esa tristeza está arraigada en la historia desde el principio, ya que "Jay Kelly" comienza con la muerte de su mentor llamado Peter (Jim Broadbent), quien dirigió el éxito rotundo de Jay 30 años antes. Peter estaba luchando desesperadamente contra la irrelevancia la última vez que hablaron, y le había rogado a Jay que lo ayudara a sacar adelante su proyecto. Jay sintió que el proyecto era demasiado crudo y vulnerable para su marca, y no le conmovió la apelación de Peter a su deber filial. Al final, Peter no logró financiar la película, y Jay no puede evitar sospechar que eso literalmente lo mató.

Esa sospecha urga algo profundo detrás de los ojos de Jay; es una arruga seria en el rostro de alguien cuyo trabajo le requiere ser una pizarra en blanco con hoyuelos en las mejillas en todo momento, lo suficientemente flexible para desempeñar una variedad de papeles, pero siempre reconociblemente "él mismo". Todo un equipo de personas ha dedicado los mejores años de sus vidas a asegurarse de que Jay nunca tenga que sentir nada peor que una leve incomodidad, su autodestructivo manager Ron Sukenick (Adam Sandler) entre ellos, pero no se dan cuenta de las secuelas de la muerte de Peter hasta que es demasiado tarde. No saben qué va a pasar cuando Jay es atraído a un bar para tomar una copa después del funeral con su viejo amigo de la escuela de actuación Timothy (Billy Crudup), quien se ha convertido en un terapeuta infantil con un serio resentimiento.

Lo siguiente que Ron sabe es que Jay tiene un ojo morado, se retira de la gran película que debe comenzar en unos días y está metiendo a todo su equipo en un avión rumbo a Francia como parte de un plan descabellado para arruinar las vacaciones europeas de su hija adolescente y pasar tiempo de calidad con ella antes de que se vaya a la universidad en otoño. Es el escenario perfecto para una desventura por el continente, pero "Jay Kelly" —más frenético que divertido, y cada vez más inclinado a la revelación melancólica— está más interesado en explorar la vida de la mente bajo una risa irónica continua. Y así, un viaje nocturno en tren que sitúa a Jay entre la gente común se convierte en el escenario de un viaje mental por el carril de los recuerdos, con flashbacks que se burlan de la estrella de cine negándole otra toma. 

Por diseño, "Jay Kelly" logra un equilibrio difícil entre avanzar y quedarse anclado en el pasado. Los largos y emocionalmente imprecisos flashbacks —que muestran a Jay revisitando la audición crucial donde eclipsó a Timothy, un romance que tuvo con una de sus coprotagonistas y una sesión de terapia más reciente a la que asistió con su hija adulta (Riley Keough), de quien está distanciado— buscan servir de contrapeso a la historia sobre un hombre que pierde el control, pero ninguno de ellos brilla con el ingenio habitual de Baumbach, y todos adolecen de un tono ligeramente elevado que solo contribuye a la "irrealidad" de la vida de Jay, haciendo que cada detalle sea aún más difícil de creer. 

Que Clooney simplemente interprete una versión más triste y limitada de sí mismo —alguien que nunca encontró un amor duradero ni formó una familia que le interesara conservar— parecería resolver cualquier problema de verosimilitud, y hay varias secuencias en "Jay Kelly" donde su fama real añade credibilidad al caos que vemos en pantalla (la mayoría relacionadas con un miembro del público fascinado por las estrellas). También hay varios momentos en los que la autorreflexión de la elección de Clooney nos hace creer que el Cary Grant de su época desnuda su alma para nuestra edificación. Que nos saluda tras bambalinas y confiesa la terrible verdad que una parte de nosotros siempre buscó tras cada sonrisa en la alfombra roja y discurso de aceptación de los Globos de Oro. Que no es tan feliz. Que su vida no es perfecta. Que el dinero, la apariencia y una carrera impecable a lo largo de las seis mejores temporadas de cualquier drama televisivo jamás realizado no lo hacen mejor que nosotros, aunque esa tercera cosa objetivamente sí lo haga. 

El último de esos momentos es de una trascendencia desgarradora, ya que Baumbach aplica todo el peso de la iconografía de Clooney a las inquietudes más íntimas de Jay. El problema es que los demás se basan en la personalidad de Clooney para lograr su objetivo y, en marcado contraste con la honestidad implacable de "Funny People", no son lo suficientemente crueles como para convencernos de que Jay pudiera ser un cocker spaniel tan indeciso en su vida privada (hay una razón por la que Ron siempre lo llama "cachorro", además de que Ron se dirige así a todos sus clientes).

No tiene sentido criticar a Clooney por su actuación, ya que nadie lo interpreta mejor, y su atractivo de protagonista pocas veces se ha utilizado con tanta intensidad como en esta película. Por desgracia, su inefable incredulidad también tiene el efecto perverso de hacer que "Jay Kelly" sea menos convincente al mismo tiempo, al menos en la medida en que su personaje principal es interpretado por un hombre que hace que todas sus debilidades sean mucho más difíciles de creer. Estoy seguro de que George Clooney tiene sus propios problemas, pero a nadie le costaría vivir los problemas que se supone que tiene Glooney en esta película. Que los defectos de Jay Kelly choquen con los encantos de George Clooney es precisamente la cuestión, por supuesto: uno simplemente no es rival para el otro. 

Depende del resto del elenco ayudar a nivelar el campo de juego, pero lo único que "Jay Kelly" hace con su circo ambulante es reducirlos uno a uno a medida que se cansan de las travesuras de Jay. Él es el niño grande que los separa de sus verdaderos hijos, indiferente a que él significa más para ellos que ellos para él. Algunos empleados, como su publicista (Laura Dern), se dan por vencidos ante la primera señal de un problema serio. Otros, como Ron, sufren una falacia de costos hundidos demasiado grande como para dejarlo ahora. Sandler es divertido al verlo liderar con resignación silenciosa en lugar de una rabia desenfrenada, pero aquí está protagonizando una película que le da muy poco de qué hacer. Si bien Baumbach usa a Ron para señalar las complicaciones típicamente hollywoodenses de mezclar negocios con placer, y para referirse a la gran cantidad de personas que se ven absorbidas por la identidad personal de una sola estrella de renombre ("Tú eres Jay Kelly", se lamenta Ron, "pero yo también soy Jay Kelly"), el personaje nunca se desarrolla más allá de la tierna encarnación de todo lo que su jefe ha perdido en el camino, incluyendo la autoconciencia, una familia unida y una esposa interpretada por Greta Gerwig. 

Acercarse a otras personas era algo que Jay siempre planeó hacer más adelante, y la perspectiva de recibir un homenaje en un festival de cine toscano es una señal inevitable de que se le acaba el tiempo. Pero los demás siempre iban a ser secundarios ante lo que realmente importa de "Jay Kelly", una película agridulce que impacta con más fuerza como una advertencia sobre los peligros de intentar evitarse a uno mismo en un mundo que solo nos permite actuar como si existiera alguien más. Ser estrella de cine simplemente facilita mucho dejar pasar los papeles para los que se nació, y a luchar eternamente con el "ser, no ser y aparentar ser". 

Crítica Cinéfila: K-Pop Demon Hunters

Las superestrellas del pop coreano Rumi, Mira y Zoey forman parte de la banda de K-pop HUNTR/X de día, pero tienen una identidad secreta como cazadoras de demonios por la noche. Las famosas cantantes siempre intentan proteger a la humanidad y en especial a sus fans de una oscura amenaza sobrenatural y sus demonios usurpadores de almas. La última amenaza es una joven boyband rival llamada Saja Boys, formada por cinco demonios disfrazados con un motivo oculto.

En el K-pop, los fans son lo primero, o eso es lo que los pegadizos artistas surcoreanos dicen constantemente a las legiones de fieles seguidores que los han catapultado al estrellato internacional. Si no fuera por los fans, la boy band BTS no habría llenado el SoFi Stadium cuatro veces, y Blackpink nunca habría sido invitada a abrir Coachella, ni habría ninguna razón para ver una película como "K-Pop Demon Hunters".

El título lo dice todo en esta comedia de acción sobrenatural llena de energía y alto concepto de Sony Pictures Animation, el versátil estudio de animación responsable de realizar “Spider-Man: Into the Spider-Verse” y “The Mitchells vs. the Machines”: tres protectoras sobrenaturales ultra talentosas usan su popularidad como superestrellas de bandas femeninas para defender al mundo mortal del rey demonio Gwi-Ma (Byung Hun Lee).

Conocidas mundialmente como Huntrix, la rebelde Mira (May Hong), portadora de un woldo, la rapera Zoey (Ji-young Yoo), criada en Burbank, y la huérfana Rumi (Arden Cho), con trenzas moradas, son lo que se podría llamar una tripleta perfecta: cantan, bailan y aniquilan demonios. Cuando no están destrozando a los espíritus malignos con sus armas rosa fluorescentes, la banda aprovecha el cariño que les demuestran sus fans para construir una barrera, conocida como la Golden Honmoon, que bloqueará a los demonios de una vez por todas.

Pero Jinu (Ahn Hyo-seop), uno de los discípulos más atormentados de Gwi-Ma, tiene una idea genial: junto con cuatro demonios increíblemente guapos, fundará un grupo rival, los Saja Boys, para intentar atraer a los fans de Huntrix al lado oscuro. Lo que ni Jinu ni Rumi prevén es lo irresistibles que se encontrarán las estrellas del pop. La trama resultante, una comedia romántica entre humanos y demonios, podría ser predecible, pero no el giro que coloca a "K-Pop Demon Hunters" como una de las mejores películas animadas en lo que va del año.

Esto se debe a que los codirectores Chris Appelhans ("Wish Dragon") y Maggie Kang utilizan su premisa absurda, sin complejos, para dar rienda suelta a un enfoque de animación mucho más lúdico que el que cualquiera de los estudios han intentado. El equipo creativo se inspira en webtoons y manhwa (novelas gráficas coreanas), priorizando las siluetas dinámicas sobre la fluidez del movimiento intermedio. ¿No te queda claro qué significa eso? Observa cómo los personajes adoptan y mantienen poses clave animadas mientras la cámara se desliza y hace zoom a su alrededor. Lo que empezó como una medida de ahorro en series animadas como "Speed Racer", ahora le da a "K-Pop Demon Hunters" un marcado sabor asiático, embellecido con adorables toques de cómic.

Cuando Huntrix ve por primera vez a los Saja Boys, las chicas se quedan paralizadas mientras sus pupilas se hinchan hasta convertirse en corazones rojos. Al ver lo musculosos que se ven, los ojos de Zoey cambian de forma varias veces, desde abdominales marcados hasta mazorcas de maíz cremosas (hasta palomitas de maíz de cine). La reacción de la joven enamorada ofrece una alternativa inolvidable al lobo lujurioso de la serie animada "Caperucita Roja" de Tex Avery, mientras dos chorros de palomitas brotan como lágrimas de felicidad de su rostro enrojecido.

En lugar de ser agresiva, la violencia resulta visualmente igual de atractiva. Las armas del trío son tan afiladas que rebanan a los demonios (fácilmente identificables por las marcas moradas dentadas en su piel de aspecto zombi), o bien los hacen explotar en confeti. Más tarde, invaden una grieta en Honmoon, galopando a cuatro patas como Gollums, mientras absorven las almas de los humanos cercanos (más implícito que aparente).

Rápida y eficiente, la película atraviesa un primer acto cargado de exposición en menos de 15 minutos, justo cuando descubrimos el secreto de Rumi: es hija de una cantante pop y un demonio, marcada por las mismas huellas moradas que los espíritus que juró eliminar. La única persona que conoce el estado híbrido de Rumi es la entrenadora de confianza de Huntrix, Celine (Yunjin Kim), quien cree que Rumi puede controlar sus genes demoníacos. Pero la mentora del grupo nunca previó que su protegida se enamoraría de un pecador como Jinu, quien también guarda un par de secretos bajo la manga.

Una subtrama que involucra problemas con la voz de Rumi no funciona del todo bien, aunque ralentiza la narrativa lo suficiente como para incluir algunos momentos divertidos con los personajes, como una visita al spa llena de acción y unas breves vacaciones en casa con té de burbujas y bingsu incluidos. Hoy en día, es imposible tener una caricatura generada por computadora sin adorables animales acompañantes, como un demonio tigre sonriente y un pájaro negro con un pequeño sombrero, ambos diseñados para parecer salidos directamente del folclore coreano.

El ángulo del K-pop establece un desafío obvio para los cineastas, ya que este dibujo animado necesita algunas melodías originales para hacerlas cantar, además de una coreografía pegadiza para distinguirlo de programas clásicos como "Josie and the Pussy Cats" y "Jem and the Holograms". Compilada por una gama de productores musicales de primera lista, la banda sonora (que mezcla letras en inglés y coreano) incluye tres éxitos de Huntrix, interpretados por Ejae, Audrey Nuna y Rei Ami: "How It's Done", "Golden" y "Takedown" (este último versionado por Twice durante los créditos finales). Mejor aún es "Free", un dueto destacado entre Ejae y Andrew Choi (las voces de Rumi y Jinu, respectivamente).

Debido a que la ágil película, que salta de un género a otro, está ambientada en el mundo del K-pop, es posible que a los fanáticos ni siquiera se les ocurra que están viendo un musical, aunque es difícil negarlo cuando te sorprendes cantando.

Crítica Cinéfila: Freakier Friday

La historia se desarrolla años después de que Tess (Curtis) y Anna (Lohan) sufrieran una crisis de identidad. Anna tiene ahora una hija propia y una futura hijastra. Mientras se enfrentan a los innumerables desafíos que surgen cuando dos familias se fusionan, Tess y Anna descubren que la venganza puede ser dulce.

Una comedia de intercambio de cuerpos ya se ha convertido en un recurso inagotable. Un actor, generalmente un adulto, fingiendo estar habitado por alguien totalmente diferente a él (generalmente un niño), también. La comedia que surge está impregnada de psicología humorística: sientes que estás viendo a un actor, pero apenas puedes ver a la persona que se esconde en su interior. En "Big", Tom Hanks no solo imitó los gestos y la mirada abierta de un entusiasta adolescente de 13 años; parecía penetrar en el alma del niño. Jennifer Garner hizo algo muy parecido en “13 Going on 30” (una de las comedias más inspiradas de los años 2000), y lo mismo, de forma menos elevada, hizo Jamie Lee Curtis en la nueva versión de 2003 de “Freaky Friday”, al igual que Lindsay Lohan, que con su ingenioso estilo interpretó a alguien que canalizaba a un personaje mayor (su madre) con una especie de perfecto aplomo pesado.

“Freakier Friday” duplica los intercambios de cuerpos y, en teoría, las complicaciones cómicas. Anna, interpretada por Lohan, es ahora madre soltera con una hija adolescente, Harper (Julia Butters, la joven revelación de “Once Upon a Time in Hollywood”). En la preparatoria de Harper, Anna conoce a Eric (Manny Jacinto), un atractivo viudo de Londres con una hija: Lily (Sophia Hammons), una chica ruda y amante de la moda. Harper y Lily no son precisamente amigas íntimas. Pero cuando Anna y Eric se comprometen, de repente se enfrentan a la posibilidad de convertirse en hermanastras.

Esto parece que podría convertirse en una familia infernal. Por eso, lo único que puede salvarla es un intercambio de cuerpos de dos niveles, que la directora de la película, Nisha Ganatra ("Late Night"), diseña sin muchas pretensiones de explicación fantástica (todo gira en torno a una psíquica chiflada, interpretada por Vanessa Bayer, escondida tras una máquina de refrescos). En cuanto ocurre la magia, Anna y Harper intercambian sus papeles: un intercambio madre-hija que evoca directamente al de la primera película. Pero para subir la apuesta, hay un segundo intercambio: Lily aterriza en el cuerpo de Tess (Jamie Lee Curtis), que es la abuela de Harper (pero prácticamente su segunda madre), mientras que Tess es tomada por la abrasiva y esnob británica Lily.

El escenario está preparado para una comedia aún más salvaje. Sin embargo, por alguna razón, no sucede exactamente así. Lo que anhelamos es ver esa magia performativa de adentro hacia afuera, la comedia primigenia e irreprimible de un actor que interpreta a un personaje que literalmente canaliza a otra persona. Queremos sentir esa tensión del intercambio de cuerpos. Pero esto se desarrolla de una manera extrañamente limitada, y por una confluencia de razones. 

No es un insulto para Lindsay Lohan decir que ha conservado un aura de niña; eso forma parte de su atractivo millennial. Mientras que Julia Butters, quien interpreta a su hija, actúa con la sabiduría indescriptible de una joven que lo tiene todo resuelto (al menos en su cabeza). El resultado es que estas dos, como personalidades, no son tan distintas. Así que, cuando se transforman, en realidad hay muy poca emoción cómica.

Un problema diferente aqueja el segundo intercambio. Lily tiene una personalidad distintiva, irritable y deprimente, propia de una princesa británica; en parte se debe a su acento, en parte a su actitud arrogante. Pero eso es lo que queremos ver trasladado a Jamie Lee Curtis. Y viceversa: Tess, con su aire de abuela áspera pero tierna, sería el contraste interior perfecto para la altivez exterior de Lily. Esto es lo que ocurre en cambio: Lily, incluso después del intercambio de cuerpos, sigue hablando con su acento británico (no sabía que la película establece que los acentos son parte de la constitución física de una persona); parece la misma persona que era antes. Si Curtis hubiera podido usar ese acento en su actuación, habría sido mucho más gracioso, pero en cambio se queda con Lily como una fuente de actitud inmadurez, que se fusiona con la propia inmadurez de Tess. En resumen, ninguno de estos personajes, después del intercambio, parece lo suficientemente diferente de sí mismo como para que la comedia detone.

Dicho esto, el doble intercambio le da a "Freakier Friday" un aire de malabarismo que desprende un agradable zumbido. Es divertido sortear las complicaciones de la película; sigue su propia lógica lo suficiente como para crear un paisaje Disney agradable. Y hay algunos momentos aislados donde la risa estalla: Lohan, como Harper, intentando coquetear con el hombre que cree que es el novio secreto de su madre, o saludando a los asistentes de Anna con un alegre "¡Hola, gente que veo a menudo!", o Lily (Curtis) comprando productos para la tercera edad en una farmacia.

La película termina siendo bastante conmovedora. Trata sobre cómo Harper y Lily, al intentar romper el compromiso de sus padres, descubren que realmente quieren ser hermanas, y sobre cómo Harper se entera de que su madre la ha estado cuidando de maneras que desconocía. "Freakier Friday" se perfila como un cuento de hadas familiar de Disney sesgado, aunque nunca llegue al nivel de su antecesora.    

Crítica Cinéfila: Sing Sing

Un pequeño grupo de presos encarcelados en el Centro Correccional Sing Sing, una de las prisiones de máxima seguridad más famosas del mundo, se propone montar su propia obra teatral como parte de un taller de teatro. A través de las artes escénicas, estos hombres consiguen ver el mundo como un lugar por el que luchar.

Las rejas no pueden contener la enorme cantidad de imaginación que ofrece “Sing Sing”, no solo por la forma en que el director Greg Kwedar y su coguionista Clint Bentley concibieron el drama ambientado en la prisión, sino también por la fuerza esperanzadora entre sus personajes. Aparte de Colman Domingo y algunos otros, la mayoría del elenco son ex-encarcelados del programa Rehabilitation Through the Arts, que presenta producciones teatrales en el Centro Correccional Sing Sing de Nueva York. Mientras están dentro de los muros de una penitenciaría, los actores aficionados tienen la oportunidad de salir de sus peores delitos y simplemente habitar otro personaje para variar, alguien que probablemente sea más revelador de quiénes son realmente de lo que les permite su uniforme de trabajo de la cárcel.

A partir de su experiencia como profesores voluntarios en centros penitenciarios, Kwedar y Bentley son conscientes del poder que supone ver a estos hombres transformarse ante nuestros ojos de prisioneros endurecidos en artistas juguetones. Es posible que algunas escenas duren un poco más de lo debido pero no la hace más pesada, considerando la mirada profundamente empática y sumamente cautivadora que ofrece “Sing Sing” del sistema penitenciario, donde nadie debería ser definido por su pasado ni descartado por la sociedad.

El dúo creativo, que alterna proyectos en la silla del director, se basa en el enfoque que adoptaron en “Jockey”, la colaboración de 2021 dirigida por Bentley que colocó a Clifton Collins Jr. entre los miembros de la comunidad de las carreras de caballos. En “Sing Sing”, la pareja ha ideado una historia con un anclaje claro en el personaje de Domingo, Divine G, uno de los fundadores en la vida real del programa RTA, que cumple una condena por un asesinato que jura no haber cometido. Dado el énfasis de la película en la imaginación, el objetivo final de montar una producción es mucho menos importante que los ejercicios de actuación que hacen a lo largo del camino. El público comparte una sensación palpable de catarsis con los prisioneros en los momentos en que surge una verdad emocional profundamente enterrada, normalmente bajo el manto de interpretar un personaje.

Paul Raci, que aportó una integridad y un sentimiento similar a “Sound of Metal”, también contribuye a la obra. En esta ocasión, interpreta a Brent, un director de teatro contratado para dirigir estos ejercicios y, finalmente, tratar de poner en forma una producción poco ortodoxa. Como los prisioneros no se ponen de acuerdo sobre qué obra representar, Brent diseña una extravagante comedia de viajes en el tiempo con papeles para todos, desde un príncipe egipcio hasta Hamlet y Freddy Krueger, además de enormes batallas de gladiadores y números musicales para todo el elenco.

El director de fotografía Patrick Scola no es el único que encuentra ángulos interesantes dentro de los confines industriales de “Sing Sing”. A medida que la película avanza diligentemente hacia el gran día del espectáculo, encuentra una tensión fascinante entre Divine G y otro prisionero, Divine Eye (Clarence “Divine Eye” Maclin), que se resigna a “ser un gánster cuando eso es lo que funciona”, aunque claramente es capaz de más. Divine G no habría iniciado la RTA si no creyera en el potencial reformador de personas como Divine Eye, pero su generosidad se pone a prueba cuando el nuevo recluta hace una audición para el papel que quería. De esta pequeña amenaza a su ego surge una amistad tentativa, ya que Divine G anima a Divine Eye a buscar una audiencia de libertad condicional, incluso cuando su propia apelación llega a un callejón sin salida.

Domingo ofrece una actuación imponente. Ver cómo la luz en los ojos de Divine G se apaga aunque sea un poquito es una tragedia que “Sing Sing” no necesita exagerar. Aunque Divine G se ve a sí mismo como una figura de autoridad entre los prisioneros, el actor también es cautivador cuando simplemente absorbe información, reconociendo instintivamente cuándo ceder el protagonismo a sus coprotagonistas no profesionales. Hay una energía viva en las escenas en las que participa todo el elenco, acentuada por el trabajo de cámara vertiginoso de Scola y la ágil y enérgica banda sonora de piano y cuerdas de Bryce Dessner durante las escenas de ensayo. A medida que estos actores poco convencionales desaparecen en sus papeles asignados en el escenario, “Sing Sing” demuestra que a menudo no están en el lugar adecuado para sus propias vidas.

Crítica Cinéfila: A Real Pain

Dos primos viajan a Polonia tras la muerte de su abuela para ver dónde vivió ella antes de la II Guerra Mundial y comprender de dónde viene su familia, incorporándose ambos a un tour sobre el Holocausto.

El delicado segundo largometraje de Jesse Eisenberg, "A Real Pain", se describe como una reflexión sobre el “dolor épico frente al dolor más moderno” y cómo reconciliar este último con algo tan monumental como el genocidio o el trauma histórico. Lo sorprendente es que lo logra con una hábil ligereza de toque en una película de viaje por carretera de una extraña pareja de primos que a menudo te hace reír a carcajadas y cuyo impacto emocional te sorprende y te deja sin aliento.

El perspicaz guión de Eisenberg, arraigado en la historia de su familia, comparte cierto territorio temático con la segunda obra del multifacético actor, "The Revisionist", en la que actuó en el off-Broadway con Vanessa Redgrave en 2013. Se trata del conflicto de los estadounidenses que lidian con sus propios problemas, por menores que sean, mientras intentan ser conscientes de la dura experiencia que sufrieron sus antepasados ​​de culturas traumatizadas: una película sobre el Holocausto con una perspectiva nueva.

En una película que trata, entre otras cosas, del legado del dolor, la pérdida y el sufrimiento, hasta la selección musical para cada fragmento impactan profundamente. Nunca deja de sumergir a su audiencia por completo, desde en los momentos íntimos hasta en los suaves cambios tonales de la película de Eisenberg, mientras se adentra en una existencia común de sus personajes con su cuota de dificultades y recompensas. Se necesita agudeza emocional y generosidad de espíritu para que un cineasta explore una historia dolorosa y al mismo tiempo proporcione vías de acceso sutiles para que audiencias de orígenes completamente diferentes encuentren su camino. Reconociendo la universalidad de sus temas subyacentes, Eisenberg lo hace con una madurez emotiva.

El guionista y director se presenta como David, un neoyorquino moderadamente tenso pero exitoso vendedor de publicidad digital con una bella esposa y un adorable hijo pequeño. Meses después de la muerte de su abuela, quien milagrosamente sobrevivió al internamiento en un campo de concentración, emigró a los EEUU y rehízo una vida formidable, David financia un viaje a su tierra natal, Polonia, para él y su primo Benji (Kieran Culkin), quien la adoraba. David y Benji alguna vez fueron cercanos, pero se distanciaron, no solo porque Benji se mudó de la ciudad sino por otros aspectos que se van dando a conocer en la medida que la película avanza.

La dinámica entre los primos, que son polos opuestos, se clava en las divertidas escenas iniciales en el aeropuerto. David es un tipo nervioso, ligeramente neurótico y necesita tener el control de cada situación. Benji es un extrovertido tranquilo y sin filtros; se niega a autocensurarse incluso en los comentarios inapropiados. Ambos actores son maravillosos, pero Culkin es una auténtica delicia. No podría haber elegido un papel mejor con el que mostrar su alcance después de "Succession", en particular a medida que avanza la historia y obtenemos una mayor exposición del lado melancólico de Benji.

El itinerario de los primos comienza con una reunión del grupo en Varsovia y continúa durante una semana, con tiempo en la pintoresca ciudad histórica de Lublin, seguida de una visita al campo de concentración de Majdanek. David y Benji se desviarán durante los dos últimos días para ir a la casa donde vivió su abuela por última vez antes de irse de Polonia.

El recorrido está diseñado específicamente para judíos estadounidenses, aunque el guía turístico británico James (Will Sharpe), un erudito en historia de Oxford, señala con frialdad que "no es judío, pero está obsesionado con la experiencia judía". El encuentro sirve como una forma esclarecedora de presentar a los distintos personajes que componen el pequeño grupo. Entre ellos se encuentran la divorciada Marcia (Jennifer Grey), la pareja mayor Diane (Liza Sadovy) y Mark (Daniel Oreskes, que también apareció en The Revisionist ) y Eloge (Kurt Egyiawan), que huyó del genocidio de Ruanda y más tarde se convirtió al judaísmo.

Las interacciones de Benji con todos ellos son hilarantes precisamente porque es tan indiferente a cualquier incomodidad. El personaje parece diseñado para avergonzar a David y fastidiar a todos los demás. Pero desde el primer día, cuando empieza a posar en escena para las fotos frente al monumento a los insurgentes del Levantamiento de Varsovia y luego, uno por uno, consigue que los demás se sumen, queda claro que su función será más compleja. Tener un grupo tan dinámico en una gira que puede ser un desencadenante pero que también sirve como una celebración de la resiliencia humana cambia la dinámica del grupo e incluso tiene un impacto en James.

El aspecto exterior de Benji es extraño (ha enviado un paquete de marihuana desde Nueva York a su hotel en Varsovia), pero nunca deja de reflexionar sobre los lugares que visita y su importancia histórica. Esto puede estallar en un repentino cambio de humor, como su problema ético con los judíos que viajan en primera clase en un tren interurbano cuando sus antepasados ​​habrían ido hacinados en el último vagón. 

En otra escena espectacular, interrumpe a James a mitad de camino para cuestionar el "bombardeo constante de estadísticas" mientras el guía proporciona contexto histórico en un cementerio judío. Esto da como resultado un reinicio rápido que da lugar a uno de los muchos interludios conmovedores. Mientras que todos están conmocionados por la visita a Majdanek en el último día de la gira de los primos, Benji está destrozado. Pero su estado de ánimo se repara instantáneamente con las amables palabras de despedida de James, interpretadas con verdadera sensibilidad por Sharpe, quien muestra un conjunto de habilidades diferentes a su trabajo en la segunda temporada de "The White Lotus".

Grey también tiene momentos como el miembro del grupo que establece el vínculo más sorprendente con Benji. Cuando ella comparte que su hija se casó con un hombre muy rico y ya no parece capaz de tener una conversación real, Benji responde: "Sí, el dinero es como la heroína para la gente aburrida". Todo el reparto es sólido, pero Egyiawan merece una mención especial por ser alguien que siempre escucha, observa, está dispuesto a mostrar calidez y compasión de una manera muy diferente a la de los estadounidenses de nacimiento.

Por supuesto, el tema principal es la cambiante relación entre David y Benji, con la frecuente exasperación, incluso la ira, del primero, a menudo en conflicto con el afecto que siente toda su vida por su primo. La revelación de un incidente preocupante en el pasado reciente de Benji se maneja con gracia, sin jugar con el sentimentalismo. Y la tensión que surge entre ellos llega a un punto crítico en una hermosa escena en la que comparten un porro en la azotea de un hotel. David admite que envidia el encanto natural de Benji, pero también que le molesta la forma en que su primo apaga la luz de repente y trata de detener su propia vida.

El director de fotografía Michal Dymek, que rodó la embriagadora película "EO" de Jerzy Skolimowski, realiza una elegante transición desde las composiciones de los escenarios de la ciudad hasta el verde campo abierto de camino a la antigua casa de la abuela del primo. Ese cambio también parece cimentar un nuevo entendimiento entre ellos, que resuena a lo largo de la finalización de su peregrinación y en su conmovedora despedida en el aeropuerto de Nueva York.

El primer largometraje de Eisenberg como director, "When You Finish Saving the World", tuvo una recepción mixta pero mostró ser prometedor. Con "A Real Pain", demuestra un criterio impecable y una gran habilidad para equilibrar el ingenio sardónico con una solemnidad penetrante en una película llena de sentimiento, en la que ninguna emoción es inmerecida.

Crítica Cinéfila: Thelma

Thelma Post, una abuela de 90 años, es engañada por un estafador telefónico que se hace pasar por su nieto y emprende una búsqueda para recuperar lo que le fue arrebatado.

Josh Margolin se inspiró en un intento de estafa en el que un interlocutor que se hacía pasar por él casi logró estafar a su abuela, cuyo nombre da título a la entretenida ópera prima del guionista y director, Thelma. A diferencia de la situación de la vida real, el personaje de 93 años interpretado con calidez, humor y formidable tenacidad por la maravillosa June Squibb cae en la trampa y le estafan 10,000 dólares antes de tener tiempo siquiera de pensarlo. Pero Thelma no es el tipo de mujer que se encoge de hombros ante el desagradable incidente, por mucho que su familia la subestime.

Ese escenario genera una comedia agradable y discreta con elementos de acción y suspenso, que se desarrolla como una travesura incluso si la anciana que desafía las expectativas persiguiendo criminales está del lado de la justicia. Ella solo quiere que la gente sea buena y haga lo correcto. La película reflexiona sobre cuestiones de envejecimiento y autonomía con un toque mayormente ligero, y su protagonista defiende con fuerza el espíritu perdurable de las personas mayores, a las que con demasiada frecuencia la sociedad y sus seres queridos infantilizan.

Uno de los actores clave de este atractivo reparto, junto a Squibb, es Fred Hechinger, que estuvo fantástico en la primera temporada de The White Lotus. Hechinger interpreta a Daniel, el nieto adorado de Thelma, a quien se presenta ayudándola pacientemente a abrirse paso a través de una maraña de correos electrónicos en una escena de apertura que establece los límites de su alfabetización informática.

Daniel está estancado, desempleado y sin rumbo, con su autoestima por los suelos desde que su novia (Coral Peña) puso en pausa su relación: "No estoy muy seguro de cuáles son mis puntos fuertes en este momento". Sin embargo, se toma en serio su papel no oficial como el "ángel guardián" de su abuela, y sus sentimientos de fracaso se profundizan cuando ella es víctima de una estafa telefónica y luego desaparece mientras él la vigila. Eso envía a sus inquietos padres, Gail (Parker Posey) y Alan (Clark Gregg), a una espiral de ansiedad, tan preocupados por la salud mental de su hijo como por la seguridad de la madre de Gail.

Pero aunque Thelma se tambalea y vive con miedo a caerse, no está indefensa. En un momento está haciendo punto de cruz mientras ve la televisión, admirando la forma atlética del sprint característico de Tom Cruise en "Misión: Imposible", y al siguiente está saliendo a toda velocidad de la residencia de ancianos donde vive Ben (Richard Roundtree), el amigo de su difunto marido, intentando huir con su scooter de movilidad. Ben la atrapa justo a tiempo y, como es demasiado caballero para dejarla enfrentarse sola al peligro, insiste en acompañarla a través de Los Ángeles hasta la dirección del apartado postal donde envió el dinero.

Gran parte del encanto de la película reside en el elemento de comedia de amigos que narra las desventuras de Thelma y Ben en la carretera. Thelma se enorgullece obstinadamente de seguir siendo independiente; echa de menos a su marido, pero al mismo tiempo disfruta de la experiencia de estar sola por primera vez en su vida. Ben, en cambio, reconoce de buen grado que ambos son viejos y están disminuidos: "No somos lo que éramos". Está agradecido por la seguridad que le proporciona la residencia de ancianos y las actividades que allí se ofrecen para alejar la soledad.

A veces, la escritura de Margolin se vuelve demasiado tierna, pero más a menudo resulta genuinamente conmovedora, fortalecida por la relajada relación entre Squibb y Roundtree y las alegres peleas entre sus personajes. La irritabilidad de Thelma y el brillo travieso en sus ojos se compensan muy bien con la amabilidad de Ben, en particular cuando sufre un problema físico.

Su odisea en busca del dinero de Thelma cobra vitalidad gracias a una potente banda sonora con aires retro de Nick Chuba, que hace un sutil guiño al tema clásico de "Misión: Imposible" de Lalo Schifrin y, en lo que parece un homenaje a la historia de Roundtree en las películas originales de "Shaft", tiene un aire de blaxploitation de los años 70. Ben es un papel encantador de despedida para el veterano actor, que murió el pasado octubre. Malcolm McDowell también aparece al final de la acción como una figura sombría que, no obstante, sirve para señalar un aspecto diferente de la lucha contra el envejecimiento.

A pesar de proporcionarle a Thelma una pistola y su propia versión de un dispositivo de espionaje en una aplicación de teléfono con audífonos, Margolin mantiene los paralelismos con Ethan Hunt más o menos dentro de los límites de lo realista. Incluso una descarada referencia al conocido arquetipo de los héroes de acción que se alejan de una explosión parece más arraigada en el personaje que en el género. La película hace del coraje natural de Thelma su arma más poderosa, lo que le permite estar un paso por delante de los aterrorizados Gail y Alan, enfrentar los problemas con la cabeza fría y pedir la ayuda de Daniel solo cuando es necesario.

La confianza mutua que se intercambian en la relación abuela-nieto está muy bien sutilizada por Squibb y Eichinger, lo que le da a la modesta película un verdadero sentimiento. "Thelma" es dulce y conmovedora, sentimental sin caer en la cursilería. El solo hecho de que le dé a Squibb el primer papel protagonista en la pantalla de sus siete décadas de carrera hace que sea una película satisfactoria.

Crítica Cinéfila: Players

La periodista deportiva neoyorquina Mack, que pasó años ideando con su mejor amigo Adam 'jugadas' exitosas para ligar, se enamora inesperadamente y aprende lo que se necesita para pasar de simplemente anotarse un ligue a jugar para siempre.

Desde que Netflix declaró el regreso de la moribunda comedia romántica con su “Summer of Love” en 2018, la compañía ha producido un flujo constante de fórmulas para tarifa en casa. El género no se reinició sino que mutó para un nuevo hogar de streaming con un estilo ahora distintivo: básico, visible, brillante y desechable. Probablemente he revisado una docena de ellos y sólo recuerdo unos pocos. Los pocos que se han mantenido ("To All the Boys I’ve Loved Before", "Set It Up") han perdurado en gran parte gracias al carisma de sus estrellas, sin el cual una comedia romántica tiene pocas esperanzas. Tal fue el caso de "Someone Great" de 2019, una película mediocre elevada a memorable por el encanto alegre de Gina Rodríguez.

La antigua estrella de "Jane the Virgin" tiene una afinidad natural por la protagonista romántica: sonrisa pegajosa, ojos de cachorrito, energía con cafeína, una presencia sobrenaturalmente soleada que alcanza el preciado punto ideal entre lo bello y lo identificable. Ella es merecidamente la atracción principal de Players, una nueva comedia romántica de Netflix lanzada el día de San Valentín protagonizada por Rodríguez como Mack, una periodista deportiva con sede en Brooklyn que busca mejorar su manual de trampa romántica.

Al igual que "Upgraded", estrenada simultáneamente por Amazon, protagonizada por Camila Mendes, Players, dirigida por Trish Sie (Pitch Perfect 3) a partir de un guión de Whit Anderson, es otro caso en el que el magnetismo de una estrella veterana de la pantalla chica supera los elementos más discordantes o evidentemente ridículos de una película. En este caso, los muchos planes para conseguir una aventura de una noche dirigidos por Mack y su equipo: su colega periodista y entusiasta amigo heterosexual Adam (Damon Wayans Jr), el malicioso y carnal Brannagan (Augustus Prew) y el algo desventurado hermano de Brannagan, Little (Joel Courtney). Son deportistas (Mack especialmente es una fanática acérrimo de los Yankees) para quienes el sexo y el romance son pura estrategia y recompensa, X y O en la pizarra. "Players" es a veces demasiado sitcom en su abstracción: todo es entre paredes móviles, el sexo es el resultado, nada es para siempre. 

Es decir, hasta que Mack se acuesta con Nick Marshall (Tom Ellis de "Lucifer"), un galardonado periodista de guerra cuyos elogios, experiencia y dinero despiertan envidia, un sentimiento a veces indistinguible de la lujuria o el amor. De repente, son los playoffs: convertir una aventura de una noche en un romance porque, como dice Mack, "tengo 33 años y estoy exhausta y quiero un adulto". O como Brannagan describe la tarea en uno de los muchos fragmentos divertidos de la película sobre las citas modernas, "deshacer un simple cerebro pervertido".

Los esfuerzos a los que el equipo llega para bloquearlo, incluido el acecho y carpetas llenas de datos personales, son extravagantes (y ocasionalmente divertidos), pero lo que está en juego parece real. Aunque Mack es una caricatura de una chica de chicos, come comida china grasosa para llevar en caja, mira lucha libre, va al bar todas las noches luciendo sexy y tonificada pero nunca hace ejercicio, Rodríguez mantiene su anhelo por amor, éxito profesional, cambio y dirección en la superficie. El guión de Anderson es lo suficientemente inteligente como para presentar a Nick ni como un villano ni como un receptor perfecto: es una persona adulta y, como tal, más complicado que sus estadísticas. ¿Pero quién no ha confundido la idea de alguien con el amor?

Los jugadores también son lo suficientemente conscientes de sí mismos como para burlarse de sus propios agujeros, como que Mack no tiene amigas, lo que presenta a la recepcionista Ashley (YouTuber Liza Koshy) y a la nueva novia de Adam, Claire (Ego Nwodim) al equipo (para ser justos, como dice Mack, es difícil hacer amigos cuando eres adulto). La dirección de Sie, aunque a veces llega a demasiado estilo, es sólida e inusualmente fundamentada para este microgénero; Brooklyn de esta película, las boleras, los bares junto a las piscinas y el paseo cerca del puente son mapas del distrito real.

En la historia de las comedias románticas desconectadas de cualquier comprensión real del periodismo, "Players" tiene más sustancia que la mayoría: hay una verdadera determinación en la carrera de Mack como periodista deportivo local, aunque es difícil creer que haya un periódico completo en la oficina de Brooklyn con una sección de deportes en el año 2024; gran parte de la película, desde el periodismo hasta la moda y los intentos de combinar la estética de Netflix con la seriedad en el lugar, parece más adecuada para mediados de la década de 2010.

Aún así, algunas cosas son imperecederas. Es fácil apoyar a la Mack de Rodríguez; sus confusos intentos de asentarse cuando tenía poco más de 30 años, por muy descabellados que sean en la práctica, fueron vividos emocionalmente. Wayans, quien perfeccionó su ritmo cómico en la comedia de situación "New Girl", es ideal para interpretar al mejor amigo que durante mucho tiempo se pasó por alto y que se convirtió en una (im)posible interés amoroso. Ellis, como Nick, es adecuadamente guapo, afable y no tan bueno como parece. Así es el juego de las citas. Los jugadores a veces pueden tropezar con sus trucos, pero hay suficiente experiencia vivida debajo de las rápidas bromas para que funcionen. Para una comedia romántica de la economía del streaming, particularmente de la variedad Netflix, está por encima del promedio, aunque se quede corto por momentos en su vagancia y sus coincidencias.

Crítica Cinéfila: The Brothers Sun - 1ra temporada

Cuando un misterioso enemigo pone a su familia en el punto de mira, un miembro de una tríada de Taipéi va a Los Ángeles para proteger a su madre y a su hermano menor. 

Muchas personas tienen vidas familiares complejas. Los asuntos privados están escondidos en los rincones de los áticos, guardados en armarios o los mayores de la familia los mantienen en secreto, lo que sorprende a las generaciones más jóvenes cuando estas historias ocultas finalmente se revelan. Para los Suns, cuyos lazos familiares se extienden desde Los Ángeles hasta Taiwán, los secretos son sólo la punta del iceberg. Creada por Brad Falchuk y Byron Wu, “The Brothers Sun” es una comedia dramática brillante y emocionante sobre obligaciones familiares, esqueletos enterrados y vínculos que nunca podrán romperse. 

La serie de ocho episodios comienza en un lujoso ático en la brillante ciudad de Taipei. Charles (Justin Chien), el hermano mayor Sun, pasa la noche viendo “The Great British Baking Show” y perfeccionando su última receta de postre. Sin embargo, antes de que suene el cronómetro de su pastel, es atacado por asesinos. Aunque sale ileso de la lucha, a su padre, Big Sun (Johnny Kou), el líder de una tríada secreta de gangsters taiwaneses, los Dragones de Jade, recibe un disparo. Con Big Sun en coma y enemigos anónimos todavía en marcha, Charles emprende una búsqueda hacia Los Ángeles, donde su madre, Eileen (Michelle Yeoh) y su hermano menor, Bruce (Sam Song Li), han estado viviendo una vida "normal". durante los últimos 15 años. 

Mientras Charles, que parece una figura de acción hecha realidad, pasa sus días empuñando armas, perfeccionando patadas y siendo la mano derecha de su padre, Bruce ha vivido una existencia muy diferente. Un estudiante de medicina que conduce Lyft para ganar dinero extra y oculta su amor por el teatro de improvisación, que apenas se atreve a hablar con mujeres, y mucho menos defenderse. Totalmente protegido y ajeno al negocio familiar, Bruce es adoctrinado rápidamente en el mundo de la tríada cuando se encuentra con su hermano y su madre, desmembrando un cuerpo en su cocina. 

Las electrizantes secuencias de “The Brothers Sun” son divertidas y dinámicas, pero los episodios contienen mucho más que pura emoción. Dado que los adversarios persiguen a la familia Sun, Bruce rápidamente se ve arrojado a un mundo del que no sabe nada. Desesperado por impresionar a su hermano mayor y mantener a su madre a salvo, la serie está llena de un montón de momentos humorísticos en los que Bruce intenta entender el mandarín, se encoge de miedo ante cualquier visión de sangre (irónico, siendo él estudiante de medicina) y trata de seguir las severas instrucciones de Eileen de no faltar nunca a la escuela. 

Infinitamente entretenida, la serie tiene una especificidad cultural que revela comunidades que rara vez se ven en las representaciones de Los Ángeles (incluido el grupo de tías chinas que chismean en juegos de mahjong en el Korean Spa), donde una reunión entre los Suns y otra poderosa tríada sale terriblemente mal. La serie muestra cuán vitales son estos centros para sus comunidades y cómo un público en general los pasa por alto con tanta facilidad que a menudo intenta ignorarlos.

Mientras Bruce intenta desentrañar los secretos familiares, Charles considera una vida más tranquila lejos de la influencia de su padre. Incluso se reencuentra con una vieja amiga, Alexis (Highdee Kuan), que tiene sus propios motivos para acercarse a él. Si bien la serie se centra en el tenue vínculo entre los hermanos, “The Brothers Sun” también trata sobre Eileen, el verdadero cerebro detrás de los Dragones de Jade. Yeoh es feroz y despiadada en el papel, alternativamente maternal y cruel de un turno a otro. Incluso tiene intrincadas secuencias de lucha, mostrando sus habilidades con el cuchillo para que los niños no se diviertan solos. 

Con una narrativa que abarca solo unas pocas semanas, el público lo acompaña mientras Bruce intenta comprender el legado y la tradición, y cómo la emoción y la obligación influyen en ambos. Mientras Charles intenta decidir si debe vivir para él o para su familia, Eileen y Big Sun consideran las promesas que se hicieron mutuamente y cómo sus mentiras y ambiciones finalmente han herido a sus hijos. 

“The Brothers Sun” tiene la mezcla perfecta de comedia y drama. Es una narrativa sobre lo que se espera, lo que se puede soportar y cuánto estamos dispuestos a renunciar para que otros puedan vivir sus sueños. Aunque le brinda a Yeoh una muestra de que se lo merece con creces, la serie también presenta a Chien y Li como dos talentos que sin duda continuarán adornando nuestras pantallas. 

Crítica Cinéfila: Cruella

Explora los rebeldes comienzos de una de las villanas más conocidas del cine y famosa por su elegancia: Cruella de Vil. Ambientada en el Londres de los años 70, en plena revolución del punk rock, la película muestra a una joven estafadora llamada Estella, así como la serie de acontecimientos que la llevan a asumir su lado malvado y a convertirse en la estridente y vengativa Cruella.

Con un sentido de la moda perversamente impresionante, una banda sonora retro eléctrica y su personaje principal pecaminosamente entretenido, "Cruella" es la película de Disney más genial de todos los tiempos.

El director Craig Gillespie no es ajeno a antihéroes por lo que aquí se enfrenta a otro rebelde complicado en nada menos que la villana de "101 Dálmatas" que mata cachorros, Cruella de Vil . En la comedia criminal deliciosamente alocada ambientada en el Londres punk de la década de 1970, la reina de la maldad de todos los tiempos de Disney cobra nueva vida con Emma Stone dándole personalidad exagerada, con una Emma Thompson deliciosamente antipática como contraste que saca lo mejor y lo peor de ella.

Emma Stone interpreta el papel principal de "Cruella" como una joven diseñadora de moda en Londres.

“Cruella” rastrea a su personaje principal (cuyos característicos mechones de cabello en blanco y negro son totalmente naturales) desde una recién nacida despreciada hasta una estudiante acosada y una rufián británica huérfana. Estella crece como una estafadora con sus compañeros callejeros en Londres, los ladrones de buen corazón Jasper (Joel Fry) y Horace ( Paul Walter Hauser ), pero también anhela ser diseñadora de moda. Estella es contratada en una tienda departamental elegante como conserje, pero después de una noche de borrachera rehaciendo un escaparate que provoca su despido, su ídolo, el ícono de la alta costura, la baronesa Von Hellman (Thompson), se da cuenta de la creatividad sin explotar de Estella y le da un trabajo en su mansión de moda competitiva.

Demasiado alta para manejar y demasiado fría para la mayoría de sus empleados, la baronesa toma a Estella bajo su protección, por razones no del todo altruistas. Estella descubre que su jefe tiene un collar inconfundible atado a su pasado que desea desesperadamente recuperar. Actuando de incógnito como la "Cruella" enmascarada con sus amigos criminales para un atraco en un baile, nuestra protagonista también descubre una comprensión asombrosa sobre la baronesa y aprovecha un lado oscuro reprimido durante mucho tiempo.

Estella crea una leyenda urbana misteriosamente elegante para sí misma mientras busca destruir y reemplazar a la baronesa. Sin embargo, también aliena a los más cercanos a ella y se ve obligada a elegir qué tipo de Cruella realmente va a ser.

Los atuendos de la diseñadora de vestuario Jenny Beavan son absolutamente impresionantes y esenciales para el estilo nítido de la película, al igual que la música: una secuencia ambientada en "Stone Cold Crazy" de Queen muestra a Cruella corriendo por la calle en su auto Panther De Ville, encorvada y conduciendo como una loca en un divertido guiño a la caricatura "Dálmatas" de 1961. Los amantes de Disney de la vieja escuela notarán referencias sutiles ocasionales, pero afortunadamente Gillespie frena el servicio exagerado de los fanáticos. Y para aquellos preocupados por los muchos perros que andan por ahí considerando la reputación del personaje central, el guión de "Cruella" de Dana Fox y Tony McNamara juega con sus expectativas de maneras inteligentes y no asesinas.

Sin embargo, nada de esto funciona sin Stone. Tiene el momento cómico para las escenas más ligeras, así como las habilidades de actuación para lograr la transformación psicológica del personaje y el ajuste de cuentas personal: la película le da a Estella / Cruella una ramificación en el camino y buenas razones por las que podría ir por cualquier camino. La clave es que Stone tenga un compañero de escena tan mordaz como Thompson, cuya baronesa es un monstruo hilarantemente degradante con su propia razón de ser dramática.

Fry y Hauser son bastante agradables como pícaros moralmente arraigados, aunque la película se pierde al no darle un papel más importante a Kirby Howell-Baptiste como la columnista de chismes Anita Darling, la amiga de escuela de Cruella y, como Jasper y Horace, otro retroceso de los "dálmatas". Y a las dos horas y cuarto, “Cruella” tarda un poco en comenzar con una apertura con mucha exposición, aunque se asienta a buen ritmo una vez que Estella y su antagonista principal se encuentren.

El resultado es una historia de dos Emmas. En el centro, por supuesto, está Stone , que se burla de la maldad invasora de Estella mientras conserva toda la presencia carismática en la pantalla que ha definido su carrera hasta ahora, y tiene un acento británico decente para empezar. Entre la teatralidad y las pelucas de dos tonos, encuentra momentos de humanidad sin disminuir la deliciosa extremidad de Cruella. Pero es Emma Thompson que amenaza con robar la película como La baronesa, una jefa de la moda cuya naturaleza despiadada se extiende mucho más allá de la pasarela. Ya sea que esté cortando prendas con una navaja de afeitar, leyendo en voz alta sus propias críticas favorables o llamando a la gente "imbéciles" con niveles fatales de burla, es una creación asesina. Thompson lo interpreta a la perfección absoluta, huyendo con cada escena en la que se encuentra.

No hay forma de que Disney haga algo tan abiertamente nihilista como "Joker", aunque Gillespie, alegre (ya veces conmovedoramente), aprovecha temas similares de lucha de clases y hechos desafortunados para dar un refrescante mordisco a una manzana podrida. Esta Cruella no es del todo buena ni del todo mala, simplemente es Cruella.