Crítica Cinéfila: Moana

Moana (Catherine Lagaʻaia) responde a la llamada del océano y, por primera vez, viaja más allá del arrecife de su isla de Motunui con el semidiós Maui (Dwayne Johnson) en un viaje inolvidable para devolver la prosperidad a su pueblo.

“Moana” es un remake de acción real de Disney que escapa a la melancolía de los remakes de acción real de Disney; de hecho, los supera con creces. Es la mejor de estas películas que he visto. Hay que admitir que no estamos hablando de un árbol muy difícil de subir. Y es un árbol bastante extraño, ya que este es toda una categoría en la que la definición es que es completamente innecesaria. Estas películas no aportan nada (excepto a los ingresos de Disney). En casi todos los casos, los remakes restan. Todas han tenido cualidades en común: son realistas, son torpes, son entretenidas, te hacen añorar la original. Se podría decir que son existencialmente mediocres. Pero en el caso de "Moana", quizás por primera vez, si me dijeran que un niño que nunca ha visto la versión animada va a ver la nueva versión, diría: "Todo bien". Porque la nueva "Moana" realmente captura la esencia de "Moana": la belleza, la personalidad cómica, el encanto de los cuentos de hadas.

Es muy probable que no sea la persona más adecuada para criticar imparcialmente a Moana, porque la versión original está en el top 5 de mis películas favoritas de todos los tiempos. Pero hay varias razones para decir por qué esta nueva versión está muy bien hecha. En la lamentable historia de los remakes de acción real de Disney, existe una escala de éxito (o fracaso), y puede parecer que todo se reduce a la suerte. "La Bella y la Bestia" fue pesada a nivel narrativo. "Aladdín" tenía el carisma de Will Smith, pero carecía del genio de Robin Williams. "Little Mermaid" no pudo competir con la magia de la animación submarina. "Snow White", aunque criticada por muchos, fue para mí uno de los remakes más interesantes, con un lírico vibrante que emanaba del brillo de Rachel Zegler (y también disfruté de los Siete Enanitos, así que ódienme).

Las escenas iniciales de la nueva “Moana”, ambientada en la isla polinesia de Motunui, tienen un toque de esa sensación de números musicales con actores en vivo que funcionaban mejor en la original. Pero en cuanto Rena Owen toma el protagonismo como Tala, la enérgica abuela de Moana (una anciana rebelde que pondrá en marcha esta historia), su chispa juguetona de hippie madura conecta con el público. Y entonces Catherine Laga'aia, la actriz australiana que debuta en la pantalla como Moana, sube al escenario para cantar “How Far I'll Go”. Su voz resuena como una campana, sus rasgos delicados irradian expresividad a la vez que lucen exquisitamente estilizados, y la canción es tan conmovedora que logra su cometido: transportarnos a la imaginación de una niña isleña.

Y aquí reside la clave del éxito de la película. Pensé que el remake de "The Lion King" de 2019 había funcionado bien, porque incluso ese remake era, en esencia, una película de animación versión Animal Kingdom. En la nueva "Moana" hay muchísimos efectos especiales generados por ordenador, ejecutados con gran maestría, lo que ayuda al director, Thomas Kail, a crear una atmósfera vibrante y llena de vida: las olas de cristal que se reúnen para "hablar" con Moana, los piratas de coco conocidos como los Kakamora, el tatuaje ilustrativo en constante movimiento en el pectoral izquierdo de Maui, el gigantesco cangrejo Tamatoa, que acumula joyas (con la voz de Jemaine Clement), y la capacidad de Maui para transformarse en animales. Todo ello crea un universo fluido que se sitúa a medio camino entre la acción real y los efectos visuales.

Pero el arma artística definitiva es el propio Maui. Es un personaje magnífico, y en la “Moana” original era una estilización explícita de Dwayne Johnson, quien a su vez es una especie de ser humano estilizado. En aquel entonces, era como si estuviéramos viendo a Dwayne Johnson y escuchándolo (su interpretación de “You’re Welcome” tenía una majestuosidad natural). Así que cuando el verdadero Dwayne Johnson ahora se mete en la piel de Maui, con su cuerpo absurdamente musculoso, su larga melena rizada y su actitud de monomanía cascarrabias, decir que encaja a la perfección es decir que estamos presenciando una epifanía en una nueva versión de acción real: un semidiós rápido pero contagiosamente obstinado, tan inolvidable como siempre. De hecho, el verdadero Johnson no puede evitar proyectar un toque más de rebeldía, lo cual es excelente. Que Maui y Moana tengan una verdadera batalla de voluntades es el corazón dramático de “Moana”.

Los musicales envejecen bien, o no, y la década transcurrida desde el estreno de "Moana" ha sido más que benévola con las canciones de Lin-Manuel Miranda y Opetaia Foa'i. Las canciones de "Moana" son amigables, con un éxtasis que te sorprende. Y la historia de Moana aventurándose más allá del arrecife, desafiando el odio tribal arraigado de su padre, el jefe Tui (John Tui), para convertirse en la guía que lleva dentro, se presenta con una complejidad que la convierte en algo más que una parábola convencional de empoderamiento femenino, porque es cuestionada a cada paso: por Maui, por sí misma, por el universo oceánico. El gigantesco demonio de fuego Te Kā, al que Moana debe vencer para devolver el corazón de Te Fiti, es prácticamente idéntico al de la película original, lo cual es ideal. Y también lo es la explosión de vegetación en la isla al final, cortesía de Te Fiti, quien en realidad es la madre tierra. 

"Moana" nunca logra que la acción real sea más cautivadora que la animación. En cierto modo, estas películas siempre serán innecesarias. El remake de "Moana" no va a reemplazar a la original (porque esa es perfecta). Pero se gana un lugar junto a ella.

Crítica Cinéfila: Lilo & Stitch

Narra la historia de una niña hawaiana solitaria y un extraterrestre fugitivo que la ayuda a recomponer su rota familia.

Ohana significa familia, y familia significa que nadie se queda atrás. Ese parece ser el lema de Disney al adaptar sus éxitos animados a nuevas versiones de acción real con distintos grados de éxito. Afortunadamente, la película de 2002, "Lilo y Stitch", ha sido de las codiciadas con una adaptación vibrante, caprichosa y sincera. Quizás se deba a que "Lilo & Stitch" siempre ha sido una excepción en el mundo de la animación de Disney, llegando con el último aliento del renacimiento del estudio. 

Combinando la cultura hawaiana con la ciencia ficción, narra la historia del Experimento 626, un alienígena peligroso y caótico que se estrella en la Tierra. No es una película de princesas de Disney ni un relato cargado de mitos como "The Lion King", "Mulan" o "Hercules". En cambio, es una película peculiar sobre la familia encontrada, la conexión y la importancia de encontrar a la gente. Stitch, como rebautiza a 626 la precoz y solitaria Lilo (Maia Kealoha), fue creado para sembrar la destrucción, pero prospera bajo el cuidado amoroso (y anárquico) de Lilo.

En esencia, esta nueva versión de Lilo & Stitch es igual a su predecesora animada, pero lo más importante (y sorprendente) es que también está interesada en contar una historia más profunda que matiza gran parte del dolor de Lilo y Nani con colores que infunden al proyecto una riqueza gloriosa. Parte de esto se debe, sin duda, al trabajo del director Dean Fleischer Camp, conocido por dirigir la igualmente encantadora y melancólica "Marcel the Shell With Shoes On". Camp toma los aspectos más disparatados de las travesuras de Stitch, como su afición por destrozar cosas y su deseo de comerse todo lo que ve, y los suaviza con la desgarradora situación de Lilo y Nani. Por muy salvaje o asqueroso que se vuelva Stitch, nunca extingue por completo la melancolía que impregna la película.

Al igual que en la película original, Nani (Sydney Agudong) es la única tutora de Lilo tras la muerte de sus padres. Si bien la pérdida de un padre es un tema frecuente en las películas de Disney, es la conmovedora dirección de Camp la que pone el dolor y la confusión a la luz, convirtiendo a Stitch en una figura sanadora en la vida de Lilo, tanto como ella en la de él. Los guionistas Chris Kekaniokalani Bright y Mike Van Waes dividen sabiamente al trabajador social asignado al caso de Lilo y al agente Cobra Bubbles en dos personajes distintos. Tia Carrere, quien prestó su voz a Nani en la película original, aporta una sensible compasión a la Sra. Kekoa, una trabajadora social que es menos una villana amenazante y más una auténtica funcionaria. Mientras tanto, Courtney B. Vance emplea su austera capacidad dramática en su interpretación de Cobra Bubbles, un agente de la CIA que rastrea a Stitch y otras señales de vida extraterrestre. Todo ello sin perder nunca el dinamismo que sustenta cada decisión que toma. Zach Galifianakis y Billy Magnussen se deleitan con su ridiculez como el malvado científico Dr. Jumba y el investigador Agente Pleakley, respectivamente. La alegría desenfrenada de Magnussen ante los caprichos de la Tierra es oro en comedia, mientras que Galifianakis despliega su inexpresividad característica con eficacia como el verdadero antagonista de la película. 

Aun así, nada de esto importa sin el vínculo fraternal central de la película, entre Nani y Lilo, que Agudong y Kealoha plasman con naturalidad. Kealoha es una estrella en ciernes, tan traviesa, inteligente y sabia como el personaje que interpreta. Kealoha le ofrece a Lilo un manantial de tristeza y dolorosa soledad, justo debajo de sus rasgos más traviesos. Con un brillo en los ojos, Kealoha deja claro que gran parte del mal comportamiento de Lilo se debe a su dolor y a su incapacidad para comprenderlo. Como le dice Nani, Lilo no es mala, pero a veces hace cosas malas. Con Kealoha en el personaje, eso finalmente se siente real. Kealoha se complementa con la encantadora, exasperada y profundamente amorosa interpretación que Agudong hace de Nani. Con una historia de fondo más profunda, que incluye sueños universitarios postergados, Nani logra ser ella misma, más allá de la simple hermana oprimida que de repente se siente perdida. El amor y el cariño genuinos entre Agudong y Kealoha se reflejan en la pantalla, lo que amplifica nuestra conexión emocional como espectadores. 

Pero ¿qué sería de la película sin su Stitch, animado con un efecto adorablemente esponjoso en esta representación más realista? Ahora en 3D, en lugar de solo pluma y tinta, se ve abrazable al instante, tanto que ni siquiera puedo envidiarle a Disney los miles de peluches de Stitch que seguro venderá. Chris Sanders, quien coescribió la película de 2002 y prestó su voz a Stitch, regresa al micrófono, y los años transcurridos solo han hecho que las ahora icónicas vocalizaciones de Stitch, a voz en cuello, sean más resonantes y conmovedoras. Los reto a no conmoverse cuando declara con tristeza: "Stitch es malo". Y su discurso final sobre la familia que encontró, "pequeña y rota, pero aún buena", toca una fibra sensible con mucha ternura. 

Uniendo todo esto está el personaje mudo crucial de la película: las islas de Hawái. Es imposible ignorar el impacto del entorno a la película. Lilo y Stitch siempre ha sido una carta de amor a Hawái: su gente, su cultura y su entorno. Si bien la película no es un musical en el mismo sentido que muchos de los clásicos animados, captura las tradiciones musicales de las islas en su banda sonora. Poder mostrar todo eso en acción real, en lugar de exuberantes representaciones animadas, convierte a esta película en la rara aventura de Disney que supera a la versión original. Ahora, se puede disfrutar de las vistas al mar y los paisajes tropicales que Lilo y su familia consideran su hogar, o las olas con Nani y David mientras surfean. Camp aprovecha al máximo las locaciones, sumergiendo al público en la exuberante belleza natural.

A pesar de su atmósfera intergaláctica y su ambientación paradisíaca, "Lilo & Stitch" es una película sobre temas mucho más cercanos a nuestra vida cotidiana que las aventuras audaces o los finales felices. Esta nueva entrega pone en primer plano los poderosos temas de la película, especialmente en su clímax, que reemplaza algunas de las teatralidades de la nave espacial de la película animada con una secuencia que resalta conmovedoramente el vínculo de Stitch con Lilo y la bondad que este ha cultivado en ambos. Aquí, es menos una montaña rusa hawaiana y más una película encantadora y reconfortante sobre lo que significa encontrar a la propia familia y, a su vez, ser encontrado.

Crítica Cinéfila: Snow White

Una adaptación en acción real del clásico cuento de hadas sobre una hermosa joven princesa que, mientras es acosada por una reina celosa, busca refugio en la casa de siete enanos en la campiña alemana.

La película animada de Disney, Blancanieves y los siete enanitos (1937), se estrenó hace casi 90 años, por lo que es lógico que necesitara una actualización considerable para este remake de acción real. Con toda la agitación que asedia al mundo real, uno pensaría que podría haber cosas más importantes que los alborotos previos al estreno que han plagado a "Blancanieves". Resulta que esta es una adaptación bastante decente de un largometraje animado de Disney. En el fondo, todavía no entiendo realmente la idea de que Disney extraiga su propiedad intelectual animada, y lo hace no porque haya algo inherentemente atractivo en convertir dibujos animados de cuentos de hadas pictóricos en versiones de la vida real menos sublimes y forzadas de sí mismos. Lo que venden los remakes es la novedad de la transformación.

Dicho todo esto, "Snow White" es una película alegre, vivaz y lo suficientemente romántica para ser creíble como para pasar desapercibida, que demuestra ser una excepción a la regla, en gran parte de su trama. Dirigida por Marc Webb ("The Amazing Spider-Man", "500 Days of Summer"), a partir de un guion de Erin Cressida Wilson ("The Girl on the Train"), la película es más ligera, más juguetona, y menos torpe que los remakes de acción real de Disney.

La versión renovada comienza con una joven princesa, Blancanieves (Rachel Zegler), confinada a una vida de servidumbre cuando el rey viudo se casa con una malvada hechicera (Gal Godot). Tras la desaparición del rey, la malvada reina, celosa de la belleza de Blancanieves, envía a su hijastra al bosque con el cazador para que este la mate. En cambio, él le permite que escape y ella es acogida por un grupo de siete desconocidos en el bosque. A partir de aquí, la trama añade nuevos fragmentos que le dan más capas de profundidad a los personajes que ya conocemos, aunque en ocasiones estas capas se superponen con otras sin llegar a un fin. Rachel Zegler, como Blancanieves, tiene un brillo alegre y atractivo, y Gal Gadot, como la Reina Malvada, brilla divinamente con su elegante capa de color púrpura oscuro (corona de vitral, uñas como dagas, labios y ojos negros a juego), como la dominatrix más furiosa del mundo. 

En esta trama, Blancanieves es una joven fuerte que quiere reclamar su corona y liderar a su pueblo, en lugar de una ingenua e indefensa joven que hace tareas domésticas para extraños mientras espera a que un príncipe la rescate. Sus canciones sobre desear amor han sido reemplazadas por otras sobre simplemente desear. Sin embargo, la reina todavía se deja llevar por la vanidad pura y el terror a envejecer. El sexismo está tan arraigado en Blancanieves que no se puede erradicar por completo sin destruir la premisa. Igualmente, la reticencia de Disney a usar personas con enanismo para el alivio cómico parece completamente correcta, pero entonces, ¿qué haces con las otras siete personas del título? ¿Aparte de, en este caso, eliminarlas del título? Aquí la respuesta es crear un septeto de seres no especificados usando CGI, lo cual inicialmente es muy espeluznante, pero con el tiempo te acostumbras. 

La historia de amor sigue bastante intacta. El legendario príncipe ha desaparecido, reemplazado por un noble rufián, Jonathan (Andrew Burnap), a quien Blancanieves conoce por primera vez cuando intenta robar patatas de la despensa del castillo. Su flirteo es muy Disney contemporáneo; me recordó al romance de "Frozen", donde el amor se debate con la tentación del empoderamiento. Es revelador que en una película que revive con exuberancia la mayoría de las canciones clave de la "Blancanieves" original ("Heigh-Ho", "Whistle While You Work"), los cineastas hayan descartado "Someday My Prince Will Come". Esto tiene sentido literal, ya que el príncipe ya no es un personaje.

Sin embargo, el viaje emocional de nuestra heroína sigue siendo vibrante, al igual que el diseño encantador, abierto y siniestro de la historia: la relación de la Reina Malvada con su Espejo Mágico (el rostro de su narcisismo maligno); y la forma en que Blancanieves, después de que su madre, la Reina Buena (Lorena Andrea), muere y su padre, el Rey Buen (Hadley Fraser), es enviado a la guerra (nunca regresa), se convierte en una sirvienta como Cenicienta, solo para descubrir quién es en compañía de sus siete alegres amigos del bosque y el impulso de querer algo mejor, una vez se da cuenta de que no es tan frágil como otros parecen pensar de ella.

Crítica Cinéfila: Wish

Asha y una pequeña bola de energía ilimitada llamada Star demuestran que cuando la voluntad de un ser humano valiente se conecta con la magia de las estrellas, pueden suceder cosas maravillosas.

¿Una joven valiente que se destaca a través de un "peligro" que ataca a su familia/comunidad a través de números musicales enérgicos? Listo. ¿Animales que hablan? Listo. ¿Un adorable compañero de origen indeterminado? Listo. ¿Un malhechor amenazador que trafica principalmente con aterradora magia verde? Listo. ¿Un mundo poblado casi exclusivamente de ciudadanos adorables que continuamente cantan? Listo. ¿Pariente cercano muerto? ¡Listo! Para su último lanzamiento animado original, Disney se apega a los elementos habituales con algunos giros aquí y allá, la mayoría de ellos atractivos para familias cinéfilas desesperadas por una nueva película para entretener a los niños durante las vacaciones.

Codirigida por el veterano de Pixar, Chris Buck (“Frozen”), y la directora Fawn Veerasunthorn (artista de cuentos desde hace mucho tiempo, conocida por su trabajo en “Moana” y “Raya and the Last Dragon”), “Wish” se siente superficialmente familiar, pero contiene algunos elementos contemporáneos astutos que insinúan una nueva dirección para Disney. Coescrita por Buck, Jennifer Lee (directora creativa de Disney Animations y maestra de “Frozen”) y Allison Moore, “Wish” realza algunos elementos clásicos (¡autodeterminación! ¡Cuidado de los demás! ¡Música!) y acentúa en otros novedosos (nuestra heroína es una chica de 17 años sin un interés amoroso a la vista; lo que más le interesa es su familia y su círculo increíblemente grande de amigos).

A pesar de su comienzo literal como un libro de cuentos, “Wish” ofrece una isla mágica sin ataduras a otros cuentos de hadas. La gente de Rosas es un elenco diverso de personajes; son inmigrantes que buscan una nueva vida en esta próspera ciudad del Mediterráneo. Su amado Rey Magnífico (con la voz de Chris Pine) promete nuevas oportunidades a través de sus propias habilidades mágicas (se nos dice que adquirió sus poderes a través de su pasión personal y erudición ilimitada, inspirada por algún ligero trauma infantil desconocido).

Si bien la promesa de Rosas suena genial en el papel, cuéntale tu deseo al Rey Magnífico cuando cumplas 18 años, y tal vez él te lo conceda. Hay reglas en torno a esta concesión de deseos que hacen que todo empiece a parecer mucho menos mágico. Resulta que una vez que le cuentas al rey tu deseo, lo olvidas. Esto inevitablemente imbuye a la mayoría de los felices habitantes de Rosas con una suave tristeza que no pueden nombrar. Y, como pronto aprende nuestra heroína Asha (con la voz de Ariana DeBose) durante la peor entrevista de trabajo del mundo con el rey (una parte de revelaciones impactantes, dos partes de encantadores cantos a dúo), Magnifico solo concederá los deseos que crea que son buenos para Rosas. Los deseos, representados aquí como orbes azules flotantes y brillantes, no pertenecen a Magnifico, pero él parece pensar que está a cargo de ellos.

Asha, una residente de toda la vida de Rosas que ama tanto a su comunidad que da vertiginosamente recorridos turísticos a posibles nuevos ciudadanos y espera conseguir un trabajo como aprendiz del rey (el mejor trabajo en la isla, dicen), se da cuenta del mal latente de este plan casi de inmediato. Después de todo, su amado abuelo (con la voz de Victor Garber) acaba de cumplir 100 años y su deseo nunca se ha cumplido, a pesar de que es un sueño encantador, hermoso y de corazón puro que principalmente implica preparar a Rosas y su generación más joven para el éxito. ¿Qué podría estar mal con eso? Para el fanático del control Magnifico, "mucho".

Horrorizada por la verdad de su reino, Asha, con el corazón roto (y su compañero cabrito Valentino, finalmente expresado por Alan Tudyk) se dirige a su lugar favorito en la isla (uno que ella, naturalmente, asocia con su amado y fallecido padre), un enorme árbol que sobresale sobre la tierra, prácticamente hasta el cielo. Y, cuando Asha expresa su propio deseo, toda la fuerza y ​​el poder de su súplica atrae una estrella del cielo (representada como un ente risueño y blando que inevitablemente engendrará toda una serie de risueños y blandos), con Estrella aterrizando en Rosas, esta estará empeñada en ayudar a Asha y su gente.

Los propios poderes de Estrella son un poco confusos, pues lo primero que hace es esparcir polvo (de estrellas) por toda Asha, Valentino y toda una maraña de flora y fauna del bosque (hongos, árboles, conejos, ciervos, búhos, osos y más) haciéndolos que puedan hablar, conduciendo a una canción y baile verdaderamente psicodélico (y ligeramente alucinógeno) que, lo mejor que podemos decir, hará maravillas para enseñar a los niños que todos estamos hechos literalmente de material de estrellas. (Suponemos que también impulsará a algunos niños traumatizados a interesarse tempranamente por el veganismo). “I'm a Star” es una de las mejores canciones de “Wish”, que alterna entre un nuevo clásico y una canción olvidable con sorprendente regularidad (cualquier cosa que cante Pine es memorable, al igual que cualquier cosa que cante DeBose suena increíble). Pero las técnicas de Estrella se aclaran cuando se logra interpretar que puede hacer cualquier deseo realidad. Lamentablemente, para lograr esto, debe recuperarlos de la guarida de Magnífico.

El equipo de Disney utilizó el sistema de dibujo digital Meander, galardonado con el premio Academy Sci-Tech, para crear “Wish”, que a menudo parece pictórico y hecho a mano (especialmente cuando se centra en Asha y sus adorables pecas, sus trenzas realistas y su apariencia general genuinamente encantadora). También deslumbra durante los escenarios más importantes, pero se vuelve confuso cuando se trata de momentos más tranquilos y secuencias que involucran a multitudes más grandes. Manténgase concentrado en Asha, Star y el cada vez más loco Magnifico (Pine claramente se lo está pasando genial), y "Wish" será fácil de entender.

Quizás demasiado fácil. Mientras Disney celebra su centenario, “Wish” sirve como un retroceso al pasado, una celebración del presente y un suave empujón hacia el futuro. Dicho esto, hay un sinnúmero de referencias de otros clásicos de Disney, incluyendo por alguna extraña razón a Peter Pan y Wendy. El viaje de Asha es clásico, pero su origen birracial, la historia de los inmigrantes en el centro, su grupo diverso de amigos y saltarse un amor, la hace aún más moderna. La subtrama de interés insinúa algo más subversivo, algo más oportuno, algo más interesante en marcha en la Casa de Walt Disney. Eso es lo que deseamos ver más, y pronto.

Crítica Cinéfila: The Little Mermaid

Ariel, la más joven de las hijas del Rey Tritón y la más desafiante, desea saber más sobre el mundo más allá del mar y, mientras visita la superficie, se enamora del apuesto Príncipe Eric. Si bien las sirenas tienen prohibido interactuar con los humanos, Ariel debe seguir su corazón. Así, hace un trato con la malvada bruja del mar, Úrsula, que le da la oportunidad de experimentar la vida en la tierra, lo que pone en peligro su vida y la corona de su padre.

Seguro toda una generación sigue sintiéndose consternada por los grandes cambios que Disney Studios ha decidido establecer con los remakes a live-action de los clásicos animados de princesas y aventuras con los que muchos crecieron o se desarrollaron. Y la gran polémica de estos lanzamientos ha sido La Sirenita, basado en la caricatura de 1989, protagonizada por Jodi Benson como la sirena Ariel en bikini que debe encontrar el amor con el príncipe Eric para deshacerse de una maldición y el control tiránico de su padre. No particularmente por la cantidad de efectos visuales que tendrán que manejar para recrear toda esa vida marina o incluso darle "naturaleza visual" a las sirenas, sino más bien por el hecho de que ahora Ariel es interpretada por la joven Halle Bailey, una cantante afroamericana. El hecho de que Ariel no sea blanca porque se supone la historia ocurre en Dinamarca afectó a muchas personas que atacaron a la joven actriz por las redes anticipando que no se creerían su personificación de este ser ficticio.

La realidad es que este es el más reciente intento del estudio de reinventar su establo de clásicos amados pero problemáticos. Estos remakes no han sido del todo exitosos, y van desde sorprendentemente impresionantes a nivel visual pero no solicitada (como El libro de la selva de 2016) hasta lo inútil y que deja cicatrices en la infancia (como Dumbo de 2019). 

Felizmente, La Sirenita salta cómodamente del lote de mala suerte. Sirve como un hermoso homenaje a la niñez de muchos y al mismo tiempo hace un mayor enfoque a su mensaje de identidad y el lugar al que se uno pertenece, añadiéndole el punto de representar a una comunidad no representada anteriormente. Esta vez, Halle Bailey (quien tiene cinco nominaciones al Grammy) aporta una fuerza emocional indiscutible a los números musicales, llenándolos de un anhelo tempestuoso, pero aún más importante, ella sin lugar a dudas es Ariel. En la pantalla, tiene un vataje y naturaleza genuina, eclipsando a casi todos los demás personajes, sobre todo al Príncipe Eric de Jonah Hauer-King. 

Aquí, al pobre tipo se le da incluso menos que hacer que en la caricatura y, mientras que él ensaya valientemente una especie de afabilidad desafortunada, en su mayoría parece inútil (si no fuese por el romance entre él y Ariel, la historia no lo necesitaría). Es el tipo de papel que Hugh Grant alguna vez hizo suyo, pero que ni la canción ni los ojos enamoradizos lograron demostrar su destello en pantalla. 

En apoyo, Daveed Diggs y Awkwafina sí son un buen valor como los amigos peleones de Ariel, el cangrejo Sebastian y el alcatraz Scuttle. Y como el Rey Tritón, Javier Bardem se balancea y frunce el ceño con toda la seriedad que esperarías de un hombre que una vez hizo un corte de pelo aterrador; sin embargo, no miento que esperaba más de este personaje y su actorazo. Ahora, la única que se coloca al mismo nivel en pantalla de Halle es la Ursula de Melissa McCarthy. Ella interpreta a la bruja del mar cefalópodo con mucho cinismo, sarcasmo y a su vez un toque cómico muy particular. Su obra maestra intrigante "Poor Unfortunate Souls" es una alegría irónica. 

Con la música de Alan Menken, quien también compuso para la caricatura, la música no se aleja demasiado de la familiaridad que complace a los fans. Sin embargo, la presencia de Lin-Manuel Miranda agrega un rap bienvenido y un funk de acero a la banda sonora, que de otro modo sería decorosa, pero así mismo actualiza la lírica a un público que no es el mismo que el de los 90. Me hubiera gustado algo de la escala que aportó a la coreografía en películas como In the Heights; pero aceptamos que todo el nivel de CGI cargado en escena no podía saturarse con los coletazos y patas de animales marinos danzantes. 

Mi mayor preocupación con esta película era como mostrarían las criaturas marinas virtuales. En general, sin embargo, la fusión funciona bien. Las imágenes digitales dan a las secuencias de acción un esplendor envolvente y una emoción punzante. De hecho, puede ser demasiado aterrador para algunos espectadores jóvenes: la niña a mi lado se metió en el regazo de su madre durante la presentación de Úrsula. Y los animales parlantes son bastante creíbles por la naturalidad de sus acciones. 

Otro aspecto a destacar es la reformulación e incluso aclaración de muchos detalles narrativos de la historia que no cabían en la película animada por el mismo formato en que se hizo. La idea de que la historia se desarrolle en una isla del Caribe le da una ambientación más tropical y la acerca más a la naturaleza de su mundo imaginario, y el concepto que cada hija de Tritón nació en uno de los siete mares justifica la diversidad intercultural de sus personajes. Habrán otros que no serán muy aplaudidos (como el hecho de que Eric ahora es adoptado), o algunos no muy aclarados (como la riña entre Ursula y Tritón), pero esto no le resta al desenvolvimiento rítmico de esta trama de dos horas y media que no se sintieron.

Casada con música nueva y su encantadora protagonista, The Little Mermaid justifica su brillante remake. Después de años de ir a la deriva, parece que Disney finalmente ha tropezado con terreno firme. Verdaderamente: la vida es (en su mayoría) mejor bajo el mar.

Crítica Cinéfila: Pinocchio

Versión en acción real y CGI del aclamado cuento sobre una marioneta que se embarca en una trepidante aventura para convertirse en un niño de verdad. La historia también presenta a otros personajes, como Gepetto, el carpintero que fabrica a Pinocho y lo trata como a su propio hijo; Pepito Grillo, que hace las veces de guía y “conciencia” de Pinocho o el Hada Azul.

Pinocchio ha sido el outcast durante mucho tiempo dentro del universo clásico de Disney, a pesar de haber sido una de las primeras películas animadas que solidificaron la reputación de Walt Disney como un maestro narrador y formaron la base de los cuentos de hadas cinematográficos estadounidenses. Es difícil encontrar a alguien que reclamen hacer una adaptación del original de 1940, la segunda película animada jamás realizada por Disney, como su favorito. Muchos lo encontraron aterrador e inquietante. Es una historia extraña de un títere de madera inteligente que sueña con ser un niño de verdad, le crece la nariz cuando miente, y es testigo de cómo niños rebeldes se transforman en burros y son tragados por una ballena.

Por lo tanto, tiene sentido (e imaginemos que por razones comerciales) que la inevitable nueva versión live-action de Pinocho pase por alto los cines y se dirija directamente a Disney+. Es un ajuste extraño, menos publicitado que las demás versiones recientes, ni una película para niños ni una película para toda la familia. Hay una extrañeza en todo el procedimiento: un clásico no querido, lijado de la novela original de 1883 del autor italiano Carlo Collodi, visualmente estimulante pero emocionalmente aburrida.

La rotación de acción en vivo de Disney ha dado como resultado, en el mejor de los casos, adaptaciones fieles que luchan por capturar la magia de la animación (El Libro de la Selva y Aladdin) y, en el peor, robos no solicitados que se adentran profundamente en el valle inquietante (Dumbo, The Lion King, Cenicienta). Pinocho, dirigida por Robert Zemeckis, quien la co-escribe con Chris Weitz, se inclina más hacia la primera versión, aunque se ve obstaculizada por el hecho de que nunca deja de ser extraño, a nivel visual, ver una marioneta de madera CGI interactuar con humanos reales.

El atractivo central de la película es el reencuentro de Zemeckis con Tom Hanks, como el solitario carpintero Geppetto, y Pinocho ofrece indicios de ese sentimentalismo que llevó a sus colaboraciones anteriores: Forrest Gump, Cast Away, The Polar Express. Hanks es el ideal platónico de una figura conmovedora para los niños, y no puedes evitar animarlo a actuar con valentía en medio del CGI, intentando y ocasionalmente logrando anclar esta historia de un títere parlante a la emoción humana real. La película es más efectiva cuando Hanks se entrega por completo al papel de un hombre solitario que ha perdido a su hijo (un niño real, una vez, y ahora uno de madera) y desea desesperadamente volver a ser padre, tratando a sus mascotas y creaciones como su familia inanimada (aquí una gran nostalgia hacia Cast Away).

Ese deseo, desde "lo más profundo de su corazón", se hace realidad a través de la magia del hada azul (Cynthia Erivo), envuelta en un brumoso brillo y entonando "When You Wish Upon a Star", la canción característica de las producciones de Walt Disney, que se originó en la película de 1940. Cricket (Joseph Gordon-Levitt) quien queda encargado del manejo de los deberes morales de Pinocho hasta que este sea un niño real, también actúa como narrador y, por lo tanto, como principal interlocutor entre el diálogo moderno y el escenario del siglo XIX, para niños y padres.

Otros momentos hacen referencia al presente, y en particular al espectro de la fama que destroza la conciencia. “Ser famoso es ser real”, le dice a Pinocho el estafador zorro Honest John (Keegan-Michael Key), atrayendo al niño con la fama y la oportunidad de “ser un influencer”. Una escena en la que Pinocho se agita en el escenario entre carcajadas en un espectáculo de marionetas dirigido por el monstruoso Stromboli (Giuseppe Battiston) sugiere un metacomentario sobre el espectáculo explotador. Se pueden ver ecos de una acumulación de Twitter en el “rincón del desprecio” de la engañosa isla del placer del cochero (un diabólico Luke Evans) para niños destructivos e inconscientes.

Ninguno de estos es ofensivo o desafinado, particularmente para una historia cuyo personaje central carece de mucha caracterización o encanto; hasta el acto final, el pobre Pinocho es golpeado principalmente por las maquinaciones de los demás. El personaje nunca guía la historia, y de paso se abandona ese mensaje moral de la historia original de las consecuencias que puede tener cuando actúas al contrario de lo que te dicen tus padres. La película de Zemeckis lo compensa un poco en el arte: el espectáculo de Pleasure Island es visualmente deslumbrante, y el escape de Geppetto de la ballena acelera a cualquier miembro de la audiencia. El gato CGI de Geppetto, Figaro, pasa de ser una distracción falsa a entrañable, al igual que una servicial gaviota llamada Sofia (Lorraine Bracco). Sobre todo, Kyanne Lamaya se destaca como Fabiana, un personaje inventado que se hace amiga de Pinocho en el show de Stromboli.

A menudo, es difícil saber a qué culpar cuando los remakes de acción en vivo de Disney fracasan. ¿Es que la animación permite una suspensión de creencias que los actores humanos no pueden sostener? ¿Un problema con el material de origen? ¿Un aire de estrategia corporativa a todo el asunto? En el caso de Pinocho, es una combinación de los tres. De cualquier manera, algo está mal: la película está elaborada de manera competente, debidamente actuada, claramente trabajada con alma y, sin embargo, como su estrella, carece de un corazón palpitante.

Crítica Cinéfila: Lightyear

La historia del origen de Buzz Lightyear, el héroe que inspiró el juguete, y que nos da a conocer al legendario Guardián Espacial que acabaría contando con generaciones de fans.

Pixar ha hecho que su audiencia se enamore de juguetes, animar a los insectos y registrar incontrolablemente a un amigo imaginario. Así que tal vez no debería ser sorprendente que el último lanzamiento del estudio de animación sea más efectivo cuando se centra en un gato robot de apoyo emocional llamado Sox.

Específicamente, Sox es un gatito de apoyo emocional para Buzz, el guardabosques espacial en el centro de Lightyear. La película comienza con una tarjeta de título que informa que Buzz de Toy Story se vendió en 1995 para promocionar la película favorita de Andy: "esta es esa película". Y advierte que, si Lightyear se hubiera estrenado en 1995, habría sido la película favorita de todos. La animación es impecable, como siempre, a veces tan realista y sobretodo innovadora.

El equipo de Pixar eligió los juguetes como temas de su primer largometraje porque aún no habían descubierto cómo hacer que los humanos parecieran realistas (un problema que han resuelto muy claramente a lo largo de los años). Sin embargo, la habitación de Andy albergaba a toda una comunidad de juguetes de plástico complicados y matizados, con la excepción de Buzz Lightyear de Tim Allen, que aún no había aceptado que era un juguete y no un guardabosques espacial en una misión singular: derrotar al emperador Zurg. Allen fue un codirector, pero realmente un personaje secundario de Woody, un vaquero egoísta cuya compleja relación con ser el "favorito" de Andy estaba en el corazón de una historia muy humana.

En Lightyear, Buzz ocupa el centro del escenario. Después de que la nave de su gran tripulación sea abandonada en un planeta extraño, se encarga de jugar al héroe, a pesar de ser el que los abarrocó en primer lugar. Cuando los robots se apoderan del planeta, trabaja a regañadientes con una banda de guardabosques voluntarios para salvar la colonia.

Este Buzz (Chris Evans) no es un juguete, pero todavía tiene el objetivo singular de derrotar a Zurg. Y lo va a hacer solo, porque este Buzz no necesita la ayuda de nadie, ya que se recuerda a los que le rodean (y al público) en numerosas ocasiones durante toda la película. El director Angus MacLane (Finding Dory) y su coguionista Jason Headley (Onward) rodean a su personaje principal con voluntarios extravagantes (con la deliciosa voz de Dale Soules, Taika Waititi, Keke Palmer y más), pero Buzz no se molesta en aprender la mayoría de sus nombres, así que uno tampoco.

El guardabosques espacial establece una estrecha conexión con Sox, un compañero robot de ojos de cierva claramente incluido para derretir los corazones de la audiencia. El vínculo de Buzz con su gatito robot (Peter Sohn) se convierte en el centro emocional de la película. Sox es una de las pocas cosas más allá de la misión que nuestro héroe se preocupa durante el tiempo de la audiencia con él. Cuando el felino está en peligro, o usando una de sus habilidades aparentemente infinitas (y más allá) para salvar el día, la película crepita con esa magia de Pixar que hemos llegado a esperar en el último cuarto de siglo. 

La conexión de Buzz con los demás de la colonia rivaliza únicamente por su vínculo con el único guardabosques espacial que consideró su semejante, Alisha (Uzo Aduba). Buzz y Alisha comienzan la película lado a lado, pero, debido a un giro de trama oportuno y astuto que conduce a romper canones sin límites, Alisha sigue viviendo una vida plena mientras Buzz no envejece, física o emocionalmente.

El público, como Buzz, verá los hitos de su amigo a través de viñetas similares a la apertura universalmente elogiada de Up: Alisha conoce al amor de su vida, comienza una familia con su esposa, se convierte en madre y abuela, y celebra su 40 aniversario de boda. Gracias a las habilidades de telecomunicaciones de Sox, Buzz disfruta de un último momento con su amiga en un momento crucial de la película. En medio de lo que es esencialmente una película de acción, es una respiración profundamente conmovedora, una que hubiese sido bueno tener varias veces durante toda la película, en términos de tono, pero que a lo mejor no fue muy necesario porque le dio oportunidad al tema desarollarse en toda su totalidad, hasta incluir el gran significado de la famosa frase "al infinito y más allá".

Crítica Cinéfila: Turning Red

Mei Lee, una niña de 13 años un poco rara pero segura de sí misma, se debate entre ser la hija obediente que su madre quiere que sea y el caos propio de la adolescencia. Y por si los cambios en su vida y en su cuerpo no fueran suficientes, cada vez que se emociona demasiado (lo que le ocurre prácticamente todo el tiempo), se convierte en un panda rojo gigante.

Mei Lee, de trece años, tiene grandes problemas mucho antes de convertirse inesperadamente en un panda rojo gigante que camina y habla. Quiere pasar el rato con sus amigos, soñar anhelando a su banda de chicos favorita (4*Town, aunque inexplicablemente hay cinco miembros), reírse un poco, y todo esto simplemente por ser una niña. Pero en casa, ella tiene que ser otra persona, abotonada y adecuada, una estudiante perfecta y una hija cariñosa, no solo una adolescente en la edad del pavo. Ser un adolescente ya es lo suficientemente duro, extraño más allá de toda medida, confuso como cualquier cosa, muy hormonal y luego además de todo eso... convertirse en un panda rojo gigante que camina y habla.

Pixar nunca ha rehuido las cosas difíciles: hay generaciones enteras de niños que han sido guiados a través del frío terror de nada menos que la muerte, la destrucción mundial e incluso el más allá a través de las encantadoras producciones del gigante de la animación, pero lo que Domee Shi logra con "Turning Red" marca la primera vez que Pixar se ha metido de lleno en quizás la cosa más aterradora, divertida y extraña de todas: la pubertad.

Comenzando con una energía increíble e inquebrantable, Shi nos presenta a su maravillosa Mei (con la voz de la encantadora Rosalie Chiang), una nativa de Toronto que intenta navegar por la naturaleza de la escuela secundaria, siendo hija única y todo el poder de la fuerza de un primer amor. Sí, Mei a menudo puede sentirse dividida entre sí (piense en ellas como la Mei de la escuela y la Mei del hogar), pero también tiene un conocimiento firme de su espíritu central: es una orgullosa triunfadora, una genio de las matemáticas, un cerebro total y amable.

Eso está totalmente bien para Mei, porque tiene un equipo sólido de tres mejores amigas que la apoyan en todo lo que hace. Miriam es un poco marimacho, Priya es estoica y sarcástica, y Abby es propensa a gritar sin importar si está feliz, triste, enojada o cualquier otra cosa (un rasgo de carácter increíblemente específico y maravillosamente universal, porque todos conocían chicas como estas en la escuela secundaria).

Al igual que su estrella animada, Shi es una orgullosa chino-canadiense, y el afecto de la cineasta por su ciudad natal de Toronto es evidente en cada escena. Es una ciudad vibrante y multicultural, llena de gente y lugares interesantes (Shi y sus animadores incluso se las arreglan para hacer que el mini mercado del vecindario sea tan atractivo como el hermoso templo de los Lin), y Mei lo navega con facilidad. ¿El resto de su vida? Eso es un poco más complicado.

El templo de su familia es el más antiguo de Toronto, y esa no es la única razón por la que es especial: también es el único que honra a todos los ancestros del clan, particularmente a su matriarca, quien tenía un vínculo profundo con los pandas rojos que ejemplificaba tanto su valentía como su creatividad. La tensa madre de Mei, Ming (con la voz de Sandra Oh), administra el templo, un tesoro familiar y su principal fuente de ingresos (a los turistas les encanta, especialmente cuando Mei se viste con un disfraz casero de panda rojo).

En su impecable dormitorio, un trío de carteles le recuerdan a Mei cuáles son sus prioridades: "ESTUDIO", "TRABAJO" y "ESCUCHA". La cuestión es que Mei hace todo eso, con estilo y dedicación, pero también quiere más.

Como cualquier niña apasionada de 13 años, eso involucra a sus amigos y música pop y sí, una banda de chicos compuesta por cinco miembros igualmente atractivos. Impulsada tanto por su deseo de asistir a un concierto masivo de 4*Town con sus mejores amigas como por la posibilidad de que sienta algo por el empleado adolescente de ojos saltones en el mini mercado, Mei parece estar a punto de hacer algo grande. Sin embargo, sigue siendo toda una sorpresa cuando se despierta una mañana como un panda rojo gigante.

Mientras Mei, desesperada y totalmente adorable, trata de ocultar su condición a sus padres, es totalmente comprensible que Ming pregunte: "¿Floreció la peonía roja?". en un portazo del baño, un momento que me trajo recuerdos tan viscerales de mi propia juventud femenina. Mei, siempre ingeniosa y extremadamente inteligente, pronto descubre que, si puede calmarse a sí misma, puede deshacerse de sus cosas de panda. Sin embargo, la escuela secundaria no es exactamente el mejor lugar para mantener la calma.

Incluso cuando está completamente de vuelta en su cuerpo humano, el cabello que alguna vez fue negro de Mei sigue siendo de un rojo vibrante; su interior revuelto parece muy visible en el exterior: el panda rojo siempre amenaza con soltarse y causar estragos en el mundo. Pronto, Mei se da cuenta de que su dolencia podría no ser del todo exclusiva de ella, y "Turning Red" revela una nueva mitología fresca, divertida y centrada en la familia destinada a convertirse en un icono.

Pero lo más inspirador y especial de la película es cómo Shi, junto con la coguionista Julia Cho, logra unir los elementos fantásticos de la historia con las reglas de películas de coming-of-age. Y debe tenerse en cuenta que la banda sonora de la película, completa con una gran cantidad de improvisaciones falsas de 4 * Town, es literalmente perfecta.

Los fans del gran éxito de Shi, el cortometraje ganador del Oscar "Bao", también encontrarán mucho que les encantará aquí. Sí, hay exuberantes secuencias animadas centradas en la comida (en este caso, preparada con amor por el padre de Mei, Jin, con la voz de Orion Lee) que harán babear a cualquiera, pero es la respuesta multifacética de Shi a las tensiones de las familias divididas culturalmente lo que golpea más fuerte. Mei, a pesar de toda su fanfarronería inicial, quiere complacer a su familia, pero las reglas rígidas de Ming y su naturaleza mojigata dejan poco espacio para que Mei sea su adolescente loca, salvaje y extraña.

Esa tensión, más toda la confusión de las adolescentes, multiplicada por la manía del panda rojo, se manifiesta en animaciones brillantes, coloridas y enérgicas, con Shi y sus animadores a menudo desplegando gráficos de estilo más clásico para contar escenas de cuentos o para contextualizar el legado de lo que está soportando Mei. Es emotivo, impresionante y un placer para la vista. Eso se puede decir de toda la película, que marca el rumbo de cómo puede (y debe) verse, sonar y obsesionarse una película moderna de Pixar. Las lecciones son del tipo habitual: cómo ser sincero contigo mismo, cómo honrar a tu familia y amigos, el valor de la cultura en todas sus formas, la necesidad de encontrar el humor, pero se vuelven frescas y nuevas, convirtiéndose en una de las mejores películas de Pixar no solo sobre el dolor de la vida, sino también sobre su alegría.

Crítica Cinéfila: Jungle Cruise

 Un grupo de super villanos se encuentran encerrados en Belle Reve, una prisión de alta seguridad con la tasa de mortalidad más alta de Estados Unidos. Para salir de allí harán cualquier cosa, incluso unirse al grupo Task Force X, dedicado a llevar a cabo misiones suicidas bajo las órdenes de Amanda Waller. Fuertemente armados son enviados a la isla Corto Maltese, una jungla repleta de enemigos.

En "Jungle Cruise", una aventura de Disney que demuestra cómo basar una película de una atracción en un parque temático puede ser ahora una ocurrencia más natural que adaptarla de una novela.` Emily Blunt interpreta a la Dra. Lily Houghton, una investigadora-exploradora de Londres que es tan intrépido, a su manera recatada, como Indiana Jones, y Dwayne Johnson es Frank Wolff, el amistoso capitan ambulante de un barco fluvial que la transporta por el Amazonas en el apogeo de la Primera Guerra Mundial en búsqueda de una flor mágica que podría curar cualquier enfermedad.

Él usa un sombrero como el que usó Humphrey Bogart en "The African Queen", y ella usa pantalones, que, por supuesto, fueron una adaptación temprana de Katharine Hepburn. Para cualquier persona lo suficientemente mayor, o lo suficientemente centrada en películas antiguas, como para preocuparse, se podría decir que las bromas entre estos dos evocan a Bogart y Hepburn. Frank es un charlatán que llama a Lily "Pantalones" y le cuenta chistes horribles. Ella lo llama "Skippy" y le frunce el seño. Y mientras se atacan con entusiasmo y un toque de veneno, puedes sentarte y sentir, en algunos momentos, como si estuvieras en una comedia romántica.

Pero es como ver una comedia romántica atada a una montaña rusa con un visor de realidad virtual. "Jungle Cruise" es una historia de amor, una película de acción hecha para 4DX, un cuento de hadas al estilo de "Piratas del Caribe" con un conquistador fantasmal Edgar Ramírez y su secuaces mitad criaturas de jungla, y Dios sabe qué más. Blunt hace picadillo a Frank, pero te deja saber que a ella le gusta de todos modos, y Johnson sabe cómo ofrecer un desprecio genial que todavía duele. Tienen química, de eso no hay duda, pero de una manera divertida el toque romántico de “Jungle Cruise” juega como un truco más nivel Disney. Prácticamente puede tocar las frases ingeniosas cuando salen de la pantalla.

Disfruté la película más que las dos películas recientes de “Jumanji”, porque puedes notar que hay algo en juego, y el director, Jaume Collet-Serra, lo escenifica todo con cierta bravura. Dejando el muelle en la jungla brasileña donde Frank interpreta a PT Barnum para turistas incrédulos, nuestros héroes partieron en su barco de vapor apenas apto para navegar, solo para tener que apartarse del camino de un torpedo lanzado por el príncipe Joachim, un megalómano teutónico interpretado por Jesse Plemons con una sonrisa burlona.

Hay una secuencia turbulenta en la que el barco acelera hacia una cascada, y una divertida escena que nos engaña haciéndonos pensar, por un momento, que la película va a explotar el estereotipo lamentablemente desactualizado de una tribu "primitiva" de caníbales con máscaras de calaveras. Lily ha traído a su hermano, MacGregor, a dar un paseo, y él es un mimado que piensa que no es una cena a menos que estés usando un esmoquin; interpretado por Jack Whitehall, en una actuación precisa que se beneficia de no tener que reprimir la implicación de que el personaje es gay, aunque podría haberse beneficiado aún más si su discurso de apertura a Frank no bailara alrededor del tema de manera tan tortuosa, como la vieja represión.

“Jungle Cruise” es una película que implícitamente pregunta: ¿Qué hay de malo en un poco de escapismo a la antigua? La respuesta es: absolutamente nada. Espere que arroje a la audiencia con entretenimiento de una manera tan animada pero agitada que a veces puede desear estar usando equipo de protección. Lily tiene en su poder una punta de flecha mística, que todos quieren, porque es el tótem que la llevará a las Lágrimas de la Luna, un árbol legendario (como la Fuente de la Juventud) con propiedades curativas mágicas. Eso suena a Disney MacGuffin, y lo es, excepto que lo que me llamó la atención después de un tiempo es que la verdadera preocupación de “Jungle Cruise” no es el romance, ni siquiera la aventura, sino la metamorfosis. Las enredaderas de árboles crecen y se envuelven alrededor de exploradores históricos; un tigre temible se revela como un minino; un personaje clave resulta tener 400 años; un paseo en un parque temático se convierte en una historia de amor y luego regresa.

Crítica Cinéfila: Cruella

Explora los rebeldes comienzos de una de las villanas más conocidas del cine y famosa por su elegancia: Cruella de Vil. Ambientada en el Londres de los años 70, en plena revolución del punk rock, la película muestra a una joven estafadora llamada Estella, así como la serie de acontecimientos que la llevan a asumir su lado malvado y a convertirse en la estridente y vengativa Cruella.

Con un sentido de la moda perversamente impresionante, una banda sonora retro eléctrica y su personaje principal pecaminosamente entretenido, "Cruella" es la película de Disney más genial de todos los tiempos.

El director Craig Gillespie no es ajeno a antihéroes por lo que aquí se enfrenta a otro rebelde complicado en nada menos que la villana de "101 Dálmatas" que mata cachorros, Cruella de Vil . En la comedia criminal deliciosamente alocada ambientada en el Londres punk de la década de 1970, la reina de la maldad de todos los tiempos de Disney cobra nueva vida con Emma Stone dándole personalidad exagerada, con una Emma Thompson deliciosamente antipática como contraste que saca lo mejor y lo peor de ella.

Emma Stone interpreta el papel principal de "Cruella" como una joven diseñadora de moda en Londres.

“Cruella” rastrea a su personaje principal (cuyos característicos mechones de cabello en blanco y negro son totalmente naturales) desde una recién nacida despreciada hasta una estudiante acosada y una rufián británica huérfana. Estella crece como una estafadora con sus compañeros callejeros en Londres, los ladrones de buen corazón Jasper (Joel Fry) y Horace ( Paul Walter Hauser ), pero también anhela ser diseñadora de moda. Estella es contratada en una tienda departamental elegante como conserje, pero después de una noche de borrachera rehaciendo un escaparate que provoca su despido, su ídolo, el ícono de la alta costura, la baronesa Von Hellman (Thompson), se da cuenta de la creatividad sin explotar de Estella y le da un trabajo en su mansión de moda competitiva.

Demasiado alta para manejar y demasiado fría para la mayoría de sus empleados, la baronesa toma a Estella bajo su protección, por razones no del todo altruistas. Estella descubre que su jefe tiene un collar inconfundible atado a su pasado que desea desesperadamente recuperar. Actuando de incógnito como la "Cruella" enmascarada con sus amigos criminales para un atraco en un baile, nuestra protagonista también descubre una comprensión asombrosa sobre la baronesa y aprovecha un lado oscuro reprimido durante mucho tiempo.

Estella crea una leyenda urbana misteriosamente elegante para sí misma mientras busca destruir y reemplazar a la baronesa. Sin embargo, también aliena a los más cercanos a ella y se ve obligada a elegir qué tipo de Cruella realmente va a ser.

Los atuendos de la diseñadora de vestuario Jenny Beavan son absolutamente impresionantes y esenciales para el estilo nítido de la película, al igual que la música: una secuencia ambientada en "Stone Cold Crazy" de Queen muestra a Cruella corriendo por la calle en su auto Panther De Ville, encorvada y conduciendo como una loca en un divertido guiño a la caricatura "Dálmatas" de 1961. Los amantes de Disney de la vieja escuela notarán referencias sutiles ocasionales, pero afortunadamente Gillespie frena el servicio exagerado de los fanáticos. Y para aquellos preocupados por los muchos perros que andan por ahí considerando la reputación del personaje central, el guión de "Cruella" de Dana Fox y Tony McNamara juega con sus expectativas de maneras inteligentes y no asesinas.

Sin embargo, nada de esto funciona sin Stone. Tiene el momento cómico para las escenas más ligeras, así como las habilidades de actuación para lograr la transformación psicológica del personaje y el ajuste de cuentas personal: la película le da a Estella / Cruella una ramificación en el camino y buenas razones por las que podría ir por cualquier camino. La clave es que Stone tenga un compañero de escena tan mordaz como Thompson, cuya baronesa es un monstruo hilarantemente degradante con su propia razón de ser dramática.

Fry y Hauser son bastante agradables como pícaros moralmente arraigados, aunque la película se pierde al no darle un papel más importante a Kirby Howell-Baptiste como la columnista de chismes Anita Darling, la amiga de escuela de Cruella y, como Jasper y Horace, otro retroceso de los "dálmatas". Y a las dos horas y cuarto, “Cruella” tarda un poco en comenzar con una apertura con mucha exposición, aunque se asienta a buen ritmo una vez que Estella y su antagonista principal se encuentren.

El resultado es una historia de dos Emmas. En el centro, por supuesto, está Stone , que se burla de la maldad invasora de Estella mientras conserva toda la presencia carismática en la pantalla que ha definido su carrera hasta ahora, y tiene un acento británico decente para empezar. Entre la teatralidad y las pelucas de dos tonos, encuentra momentos de humanidad sin disminuir la deliciosa extremidad de Cruella. Pero es Emma Thompson que amenaza con robar la película como La baronesa, una jefa de la moda cuya naturaleza despiadada se extiende mucho más allá de la pasarela. Ya sea que esté cortando prendas con una navaja de afeitar, leyendo en voz alta sus propias críticas favorables o llamando a la gente "imbéciles" con niveles fatales de burla, es una creación asesina. Thompson lo interpreta a la perfección absoluta, huyendo con cada escena en la que se encuentra.

No hay forma de que Disney haga algo tan abiertamente nihilista como "Joker", aunque Gillespie, alegre (ya veces conmovedoramente), aprovecha temas similares de lucha de clases y hechos desafortunados para dar un refrescante mordisco a una manzana podrida. Esta Cruella no es del todo buena ni del todo mala, simplemente es Cruella.

Crítica Cinéfila: Raya and the last Dragon

En el fantástico mundo de Kumandra, humanos y dragones vivieron juntos hace mucho tiempo en perfecta armonía. Pero cuando unas fuerzas del mal amenazaron el territorio, los dragones se sacrificaron para salvar a la humanidad. Ahora, 500 años después, esas mismas fuerzas malignas han regresado y Raya, una guerrera solitaria, tendrá que encontrar al último y legendario dragón para reconstruir un mundo destruido y volver a unir a su pueblo.

Los sellos habituales están todos ahí: una tierra mítica, manadas de criaturas maravillosas, una heroína valiente, un misterio que desenredar y un viaje que abarca el tiempo que une todas estas historias clásicas de princesas de Disney al servicio de una trama épica animada vívida y emocional. Es posible que "Raya and the Last Dragon" de Don Hall y Carlos López Estrada no rompa el molde de las princesas de Disney, pero el dúo de directores, más los guionistas Qui Nguyen y Adele Lim y un elenco de actores repleto de estrellas, encuentran nuevas formas de evolucionar el concepto con resultados deliciosos. En lo que sobresale la película es en unirse a una mordaza (ciertamente muy divertida) con una rica historia sobre la aceptación, las familias encontradas y el poder de la confianza. 

Ambientada en la mítica tierra de Kumandra, con base en el sudeste asiático, lo suficiente como para lanzar a Raya como la primera princesa del sudeste asiático de Disney, "Raya and the Last Dragon" se abre con una rápida introducción que abarca el tiempo y resume un milenio de historia de Kumandra. Hace siglos, Kumandra era una región vasta y geográficamente diversa unida por el amor compartido de sus ciudadanos por los dragones. Pero la llegada de los Druun, tornados oscuros de pavor y desesperación, básicamente, sacudió esa aparente felicidad, convirtiendo a los humanos con los que hacían contacto en piedra y causando estragos en los valientes dragones que lucharon para detenerlos.

Hasta ahora, muy deprimente. Pero, como suele ser el caso en las películas de Disney, surgió una heroína para proteger el mundo: Sisu, el último dragón, quien usó su energía restante para crear una gema mágica que venció al Druun, restaurando a los humanos convertidos en piedra, pero sacrificándose en el proceso, dejando a Kumandra a "salvo" pero sin sus amados dragones protectores. La región se astilló y cada uno de sus cinco clanes distintos se dividió en regiones que llevan el nombre de la parte del mapa-dragón que ocupan (Heart, Fang, Spine, Talon y Tail). El clan Corazón/Heart se ha aferrado durante mucho tiempo a la piedra de Sisu, que solo continúa despertando la ira del resto de los clanes.

Ese es el mundo en el que nació Raya. Y si bien eso puede sonar aterrador, Raya ya está acostumbrada a enfrentar el miedo mucho antes de que la historia llegue al meollo de su gran, épica y desalentadora historia. La familia de Raya, esencialmente, solo entre Raya y su padre Benja ha tenido durante mucho tiempo la tarea de proteger la gema de Sisu. Se toma el trabajo en serio, y su entrenamiento para patear traseros la ha preparado para luchar siempre por la piedra. Benja, sin embargo, tiene otras ideas: quiere reunir a la gente de Kumandra, convencido de que décadas de luchas y malentendidos pueden curarse.

Benja está equivocado, pero su deseo de dejar de lado tanto dolor, sufrimiento y codicia motiva a Raya a actuar. Después de ser traicionada por su compañera princesa Namaari y accidentalmente convocar el regreso del Druun, Raya pierde todo: su padre, la mayor parte de la gema y cualquier sensación persistente de que Kumandra podría volver a unificarse. Seis años después, las cosas solo han empeorado.

Ahora, una adolescente, Raya (acompañada por su mascota Tuk Tuk) no ha perdido por completo la esperanza y ha atravesado casi cada centímetro de Kumandra para buscar el final de cada río en la región, basado en la última esperanza de que Sisu todavía está viva al borde del agua: esta es un dragón púrpura llamativa, ingenua y todopoderosa, que de hecho está esperando ser despertada por el ferviente deseo de Raya (y el único trozo de la gema que todavía posee, habiendo perdido el resto a las otras tribus).

Mitologizar ha condenado a muchos héroes, y Sisu no es una excepción. Raya ha pasado toda su vida aprendiendo sobre la valiente dragona y su último acto desinteresado para salvar a sus humanos, pero Sisu es, bueno, una especie de adolescente espacial. Ella también es el único ser que realmente entiende el poder de alguien que solo quiere ayudar, incluso si no está necesariamente equipado para hacer las cosas por su cuenta. Es una lección que Raya, y muchos otros kumandranos afligidos que el improbable dúo pronto conocerá, tienen que aprender. Afortunadamente, la dirección alegre de Hall y Estrada se combina muy bien con el guión maravillosamente inteligente de Nguyen y Lim para agregar mucho humor a una historia que de otro modo sería oscura. La naturaleza real de Sisu puede parecer inicialmente una broma, pero también es la base de una parte esencial del mensaje de la película sobre la humanidad detrás de todo heroísmo.

Raya lo aprenderá ella misma, ya que ella y Sisu emprenden una búsqueda para encontrar el resto de las gemas y unirlas. En el camino, recogen un grupo de nuevos amigos estrafalarios, desde el capitán infante del barco Boun hasta el guerrero brusco Tong, incluso una estafadora bebé y sus monos amigos. Es un montaje loco, pero "Raya and the Last Dragon" está tan arraigado en la emoción, que este variopinto equipo es capaz de provocar grandes risas y más de unas pocas lágrimas.

Una complicación: Namaari, todavía sintiendo los efectos de provocar el fin del mundo (de nuevo) y desesperada por volver a montar la gema para sus propios usos. Hay muchos villanos en la historia, el druun, la codicia, incluso la agitación ambiental, pero ninguno tan poderoso como la falibilidad humana. Cuando eran solo niñas, a Raya y Namaari las unió su amor por los dragones, y aunque ese afecto se ha torcido a lo largo de los años, todavía puede ser la clave para resolver montones de problemas. Si tan solo pudieran ver más allá de su ira y sus diferencias.

Mientras Raya, Sisu y sus nuevos amigos atraviesan un impresionante y colorido Kumandra, "Raya and the Last Dragon" llega a una conclusión satisfactoria. Si bien algunos de los temas eventualmente se sienten torpes (y el principio parece un crossover de Moana y Raiders of the Last Arc), las secuencias finales resultantes iluminan esos conceptos de maneras nuevas. A medida que la marca de princesas de Disney ha seguido evolucionando, desde la introducción de novatos como Moana hasta la continua popularidad de clásicos como Tiana y Mulan, "Raya and the Last Dragon" es un ejemplo excelente de cómo el arquetipo todavía tiene espacio para crecer, mientras sigue demostrando que algunos de los ingredientes originales aún pueden entregar productos interesantes.

Crítica Cinéfila: Soul

¿Alguna vez te has preguntado de dónde provienen tu pasión, tus sueños y tus intereses? ¿Qué es lo que te hace ser... tú? Pixar te lleva en un viaje desde las calles de Nueva York a los reinos cósmicos para descubrir las respuestas a las preguntas más importantes de la vida.

Pixar nunca ha rehuido los temas filosóficos... pero con Soul, el estudio se familiariza con algunos temas realmente importantes, con un efecto sorprendente. ¿Cuál es el propósito de la vida? ¿Es una pasión lo mismo que una vocación? ¿Y qué hace que una existencia humana sea significativa? Oportunamente, dado que la fuerza vital de la película es el jazz, hay una inventiva de enfoque libre que baila en torno al hecho de que la historia se desarrolla, al menos parcialmente, en un tono menor pensativo. Visualmente gloriosa, con frecuencia muy divertida y genuinamente profunda, esta es una película que clama por ser vista en la pantalla grande. Pero saben qué: no importa. Comoquiera funciona.

Con sus temas de aspiración musical y mortalidad, Soul tiene un parentesco con la producción de Pixar de 2017, Coco; en otros lugares hay una superposición narrativa con imágenes como Here Comes Mister Jordan y Heaven Can Wait. Pero lo más cercano en términos de construcción de mundos y fascinación por el funcionamiento de la mente humana es la película anterior del director Pete Docter, Inside Out. Aquí, Docter comparte las funciones de dirección y escritura con Kemp Powers, el guionista detrás de One Night In Miami de Regina King.

El protagonista es Joe (Jamie Foxx), el primer personaje central afroamericano de Pixar, un maestro escolar de música de mediana edad que, en un cruel giro del destino, pierde fatalmente el equilibrio en el mismo momento en que parecía que su vida estaba a punto de tornarse más interesante. Joe tiene la oportunidad de hacer realidad la ambición de su vida y tocar en el club de jazz Half Note de Manhattan junto a una de las grandes, la saxofonista Dorothea Williams (Angela Bassett). Ciertamente, no está listo para morir.

En su búsqueda por sacar su alma del "Great Beyond" y reunirla con su cuerpo en la Tierra, Joe se encuentra arrojado junto con el malcriado 22 (Tina Fey), un alma aún por nacer que ya está harta de la vida. Un residente permanente de “The Great Before” - el mundo de nubes abstracto donde las pizarras en blanco de almas no nacidas puras e inmaculadas obtienen sus personalidades esbozadas - 22 ha puesto a prueba la paciencia de cientos de mentores, entre ellos la Madre Teresa, Muhammad Ali y Galileo. Con la voz de una mujer blanca de 40 y tantos años, elegida arbitrariamente por el porque parecía molestar a la gente, 22 no está tan en la idea de nacer.

Todo eso cambia cuando, debido a la interferencia psíquica por parte de una alma perdida que viaja astralmente expresada por Graham Norton, 22 llega a ver el mundo de primera mano, a través de los ojos de Joe, o al menos de los ojos del cuerpo de Joe. Mientras tanto, el alma de Joe está atrapada en un corpulento gato de terapia de hospital llamado Mister Mittens.

Al igual que con Inside Out, la historia se desarrolla en dos mundos distintos. El "Great Beyond" es una (des)realidad elástica que no está sujeta a las leyes de la física o, por lo tanto, a la razón. Pero es en las bulliciosas calles de Nueva York donde la película encuentra su núcleo de magia y su enfoque, a través de momentos trascendentales y edificantes que podrían ser desencadenados por cualquier cosa, desde un piano de jazz hasta una semilla de sicomoroo una porción de pizza realmente grandiosa. Los realizadores citan los dibujos del dibujante Ronald Searle y la animación de Disney de 1961 101 Dalmatians como referencias visuales, pero también hay un guiño a la sorprendente calidad gráfica de las portadas de álbums de Blue Note y el beat art de los años 50.

Los dos mundos también se definen por su música. Trent Reznor y Atticus Ross proporcionan una musicalización fluida y descabellada para el Great Beyond. Pero es el músico de jazz John Batiste quien captura la personalidad de Joe y le da a la película su ritmo interior. La animación y el jazz siempre han tenido una relación simbiótica: la poesía rítmica del piano de Joe suenan como las relaciones descarriadas de la partitura de Vince Guaraldi para A Charlie Brown Christmas. Y aunque esta imagen podría inclinarse hacia una audiencia un poco mayor que la demográfica habitual de Pixar, se podría crear una generación completamente nueva de fanáticos del jazz junior como resultado del verdadero don de Joe, no solo en tocar la música, sino también en su contagiosa pasión por ella.