Crítica Cinéfila: Moana

Moana (Catherine Lagaʻaia) responde a la llamada del océano y, por primera vez, viaja más allá del arrecife de su isla de Motunui con el semidiós Maui (Dwayne Johnson) en un viaje inolvidable para devolver la prosperidad a su pueblo.

“Moana” es un remake de acción real de Disney que escapa a la melancolía de los remakes de acción real de Disney; de hecho, los supera con creces. Es la mejor de estas películas que he visto. Hay que admitir que no estamos hablando de un árbol muy difícil de subir. Y es un árbol bastante extraño, ya que este es toda una categoría en la que la definición es que es completamente innecesaria. Estas películas no aportan nada (excepto a los ingresos de Disney). En casi todos los casos, los remakes restan. Todas han tenido cualidades en común: son realistas, son torpes, son entretenidas, te hacen añorar la original. Se podría decir que son existencialmente mediocres. Pero en el caso de "Moana", quizás por primera vez, si me dijeran que un niño que nunca ha visto la versión animada va a ver la nueva versión, diría: "Todo bien". Porque la nueva "Moana" realmente captura la esencia de "Moana": la belleza, la personalidad cómica, el encanto de los cuentos de hadas.

Es muy probable que no sea la persona más adecuada para criticar imparcialmente a Moana, porque la versión original está en el top 5 de mis películas favoritas de todos los tiempos. Pero hay varias razones para decir por qué esta nueva versión está muy bien hecha. En la lamentable historia de los remakes de acción real de Disney, existe una escala de éxito (o fracaso), y puede parecer que todo se reduce a la suerte. "La Bella y la Bestia" fue pesada a nivel narrativo. "Aladdín" tenía el carisma de Will Smith, pero carecía del genio de Robin Williams. "Little Mermaid" no pudo competir con la magia de la animación submarina. "Snow White", aunque criticada por muchos, fue para mí uno de los remakes más interesantes, con un lírico vibrante que emanaba del brillo de Rachel Zegler (y también disfruté de los Siete Enanitos, así que ódienme).

Las escenas iniciales de la nueva “Moana”, ambientada en la isla polinesia de Motunui, tienen un toque de esa sensación de números musicales con actores en vivo que funcionaban mejor en la original. Pero en cuanto Rena Owen toma el protagonismo como Tala, la enérgica abuela de Moana (una anciana rebelde que pondrá en marcha esta historia), su chispa juguetona de hippie madura conecta con el público. Y entonces Catherine Laga'aia, la actriz australiana que debuta en la pantalla como Moana, sube al escenario para cantar “How Far I'll Go”. Su voz resuena como una campana, sus rasgos delicados irradian expresividad a la vez que lucen exquisitamente estilizados, y la canción es tan conmovedora que logra su cometido: transportarnos a la imaginación de una niña isleña.

Y aquí reside la clave del éxito de la película. Pensé que el remake de "The Lion King" de 2019 había funcionado bien, porque incluso ese remake era, en esencia, una película de animación versión Animal Kingdom. En la nueva "Moana" hay muchísimos efectos especiales generados por ordenador, ejecutados con gran maestría, lo que ayuda al director, Thomas Kail, a crear una atmósfera vibrante y llena de vida: las olas de cristal que se reúnen para "hablar" con Moana, los piratas de coco conocidos como los Kakamora, el tatuaje ilustrativo en constante movimiento en el pectoral izquierdo de Maui, el gigantesco cangrejo Tamatoa, que acumula joyas (con la voz de Jemaine Clement), y la capacidad de Maui para transformarse en animales. Todo ello crea un universo fluido que se sitúa a medio camino entre la acción real y los efectos visuales.

Pero el arma artística definitiva es el propio Maui. Es un personaje magnífico, y en la “Moana” original era una estilización explícita de Dwayne Johnson, quien a su vez es una especie de ser humano estilizado. En aquel entonces, era como si estuviéramos viendo a Dwayne Johnson y escuchándolo (su interpretación de “You’re Welcome” tenía una majestuosidad natural). Así que cuando el verdadero Dwayne Johnson ahora se mete en la piel de Maui, con su cuerpo absurdamente musculoso, su larga melena rizada y su actitud de monomanía cascarrabias, decir que encaja a la perfección es decir que estamos presenciando una epifanía en una nueva versión de acción real: un semidiós rápido pero contagiosamente obstinado, tan inolvidable como siempre. De hecho, el verdadero Johnson no puede evitar proyectar un toque más de rebeldía, lo cual es excelente. Que Maui y Moana tengan una verdadera batalla de voluntades es el corazón dramático de “Moana”.

Los musicales envejecen bien, o no, y la década transcurrida desde el estreno de "Moana" ha sido más que benévola con las canciones de Lin-Manuel Miranda y Opetaia Foa'i. Las canciones de "Moana" son amigables, con un éxtasis que te sorprende. Y la historia de Moana aventurándose más allá del arrecife, desafiando el odio tribal arraigado de su padre, el jefe Tui (John Tui), para convertirse en la guía que lleva dentro, se presenta con una complejidad que la convierte en algo más que una parábola convencional de empoderamiento femenino, porque es cuestionada a cada paso: por Maui, por sí misma, por el universo oceánico. El gigantesco demonio de fuego Te Kā, al que Moana debe vencer para devolver el corazón de Te Fiti, es prácticamente idéntico al de la película original, lo cual es ideal. Y también lo es la explosión de vegetación en la isla al final, cortesía de Te Fiti, quien en realidad es la madre tierra. 

"Moana" nunca logra que la acción real sea más cautivadora que la animación. En cierto modo, estas películas siempre serán innecesarias. El remake de "Moana" no va a reemplazar a la original (porque esa es perfecta). Pero se gana un lugar junto a ella.

Crítica Cinéfila: Encanto

Cuenta la historia de una familia extraordinaria, los Madrigal, que viven escondidos en las montañas de Colombia, en una casa mágica situada en un enclave maravilloso llamado Encanto. La magia de Encanto ha dotado a todos los niños de la familia un don único, desde la súperfuerza hasta el poder de curar... Pero se olvidó de un miembro de la familia: Mirabel.  

Dirigida por Jared Bush y Byron Howard (el coguionista y codirector de "Zootopia"), con Charise Castro Smith como codirectora, "Encanto" ha sido visualizada con un vivaz resplandor naturalista que, por momentos, es casi psicodélico. Las canciones, de Lin-Manuel Miranda, son contagiosas, manteniendo a la película vibrando. Y la imagen completa es lo suficientemente intrincada y lograda como para hacer que la era en la que la película animada promedio de una casa de Disney estaba varios niveles por debajo de la de Pixar parezca historia antigua. Sin embargo, a pesar de todo el deslumbramiento que se exhibe, nada de eso significaría mucho si "Encanto" no presentara el conmovedor viaje de su heroína de una manera que no dejara de sorprenderlo. Esa es la clave para una animación cautivadora: se mantiene un ritmo jubiloso por delante de la audiencia.

Puede ser irónico, pero ciertamente es innegable que una fuerza clave que convirtió el poder femenino en un motor de la cultura popular fue Walt Disney Studios. Si quisieras, podrías ubicar la era del poder femenino contemporáneo en dos películas de Disney: "La Sirenita" (1989), con el personaje retro de autorrealización de su heroína principal, y luego, al año siguiente, "Pretty Woman”, que puso su sello en la era del feminismo moderno de la princesa con tanta seguridad como lo hizo“ Sex and the City ”ocho años después. Los animadores de Disney mantuvieron encendida la antorcha del poder femenino en todo, desde "Brave", pero estaba en "Frozen" que Disney forjó una epifanía del poder femenino. Elsa, la princesa que podía congelar cualquier cosa en su órbita, era una heroína dotada de poderes que ella consideraba demasiado fuertes; ella era una metáfora primordial de las dudas que una niña puede sentir acerca de dar rienda suelta a la plenitud de su propio ser.

"Encanto", aunque no es tan grandioso ni tan inquietante como "Frozen", es en gran medida una composición de seguimiento de lo que se siente para una niña al buscar habilidades que desatarán su verdadero yo. Mirabel, con ojos risueños y la vibra de una estudiante inteligente de primer año en Stanford, es amable, valiente y autosuficiente, y acepta su lugar dentro de su familia, o, al menos, trabaja muy duro para hacerlo. Pero ella es como la única mortal en un clan de X-Men, y para ella eso es desalentador.

Su madre, la cariñosa Julieta (Angie Cepeda), tiene la capacidad de curar las dolencias de las personas con su cocina, mientras que las hermanas y parientes de Mirabel tienden a ser superestrellas obsesionadas con su propia imaginación. Como, por ejemplo, su hermana Luisa (Jessica Darrow), cómica descomunal y de voz baja, que tiene superfuerza pero define su existencia enteramente a través de ese atributo; su tía Pepa (Carolina Gaitán), una especie tempestuosa que lleva una mini tormenta sobre su cabeza; su primo cambiante Camilo (Rhenzy Feliz), que sufre de una identidad débil; más prominentemente, su hermana Isa (Diane Guerrero), una princesa altiva "perfecta" que puede hacer florecer en cualquier lugar, lo que significa que nunca pierde la oportunidad de hacer alarde de su narcisismo florido.

Todos estos poderes y personalidades entrarán en juego, y hemos visto suficientes fábulas de superheroísmo para suponer que Mirabel finalmente localizará su propio destino mágico. Pero “Encanto” es más sutil que eso. La magia de los Madrigales es real, pero tiene una historia oscura (eran refugiados cuyo destino cambió por un milagro y ahora es sostenido por una vela de llama encendida). Su magia fluye hacia el pueblo, infundiendo y protegiendo a toda la comunidad de Encanto. Es una especie de utopía. Hasta que, literalmente, comienza a deshacerse por las costuras.

Cuando la vela comienza a parpadear, y la casa Madrigal comienza a romperse en fisuras y grietas. Mirabel, ahora bajo la mirada sospechosa de la matriarca de la familia, Abuela (María Cecilia Botero), se encarga de investigar y la película se convierte en una historia de detectives domésticos. Una figura clave es Bruno, el tío de Mirabel, expresado con un aplomo inseguro y ganador por John Leguizamo. Su capacidad para ver el futuro lo condenó al ostracismo, porque seguía siendo culpado por la más mínima mala noticia. Pero Bruno tiene la clave de lo que resulta ser un rompecabezas emocionalmente fascinante.

Una pista importante radica en que ella resuelva sus diferencias con su familia. Pero, ¿por qué eso resolvería algo? Esa es una de las ocho canciones originales que Miranda escribió para la película, todas buenas pero algunas inolvidables, como la fuerte Luisa rompiendo el juego de palabras estimulantemente complicado de "Surface Pressure" o el número de conjunto "We Don't Talk About Bruno", que tiene un coro lo suficientemente pegadizo. 

Toda la película tiene una vibra de forma libre y voluble, donde los personajes son obligados a encontrar antagonistas en sus propias inseguridades. ¿Hay algún villano? Por un momento, seguro que lo parece. Pero resulta que lo más vil de este astuto y conmovedor cuento de hadas es ignorar el amor que tenemos ante nuestras narices.

Crítica Cinéfila: Tick, tick... boom!

Basada en el musical autobiográfico de Jonathan Larson, sigue a un aspirante a compositor de obras teatrales que trabaja de camarero en Nueva York mientras escribe Superbia, que espera que sea el próximo gran musical americano y lo que finalmente le dé su gran oportunidad.

Concebido inicialmente como un "monólogo de rock" de un solo hombre, y luego adquiriendo una nueva profundidad inesperada después de la temprana muerte de su creador a los 35 años, "Tick, Tick ... Boom!" de Jonathan Larson es un espectáculo especialmente adecuado para el público del teatro musical, y no solo para las masas de fanáticos que Larson ganó con "Rent". Resuena especialmente con los escritores, artistas intérpretes o ejecutantes y compañeros creativos que pueden identificarse con la forma en que articuló la lucha por ser reconocido y sacar sus proyectos más pasionales adelante, por hacer un trabajo significativo y, según el alto listón que Larson se propuso, por "despertar a una generación". Así fue cómo despertó a Lin-Manuel Miranda.

Antes de "Hamilton", incluso antes de "In the Heights", Miranda se inspiró en lo que Larson había logrado con"Rent", descubriendo en el musical, caracterizado por un sonido contemporáneo, personajes con luchas reconocibles y un carácter poco común con un reparto diverso. En un terrible giro del destino, Larson murió de un aneurisma aórtico el día antes de que "Rent" tuviera su primera vista previa en Off Broadway, haciendo que el proyecto anterior pareciera irónicamente profético. En él, se preocupaba por no encontrar el éxito antes de los 30 años, como si sintiera que su tiempo era limitado y que su corazón podría apagarse.

Para que Miranda elija "Tick, Tick ... Boom!" como su debut como director de largometrajes dice mucho sobre lo que Larson significa para él. No es un proyecto fácil de adaptar, que requiere algunas modificaciones inteligentes para hablar con un público más amplio que la película. En 2001, el dramaturgo David Auburn rediseñó "Tick, Tick ... Boom!" en una producción de tres personas, y esa es la versión que se ha representado varias veces durante las últimas dos décadas (ya que la encarnación original de Larson requería que interpretara varios papeles), pero Miranda lo trata de manera diferente.

Él y el guionista Steven Levenson encuentran hábilmente una estrategia para hacerlo en ambos sentidos. Empiezan con lo que parece una cinta de archivo de una de las representaciones de Larson de principios de los 90, excepto que es el actor Andrew Garfield sentado al piano, y tratan esto como el dispositivo de encuadre de un conjunto mucho más grande. De esta manera, el círculo social de Jonathan se asemeja a la comunidad que imaginó para "Rent": bohemios, artistas, gente queer y gente de color, además de un contingente detrás de escena de personajes del mundo del teatro que espera sorprender en un taller interno.

Es 1990, y Jonathan está a días de cumplir los 30. Se siente como un fracaso, ya que su ídolo Stephen Sondheim (encarnado aquí de manera impresionante por Bradley Whitford) hizo su debut en Broadway en 27. Por el contrario, el nerviosismo de Jonathan de que su propia obra maestra, una obra musical de ciencia ficción inspirado en "1984" llamado "Superbia", tendrá una presentación única en un taller en Playwrights Horizons, pero le falta una canción clave. Por supuesto, "Superbia" no fue el musical que puso a Larson en el mapa - "Rent" lo fue, más de media década después - así que no espere que la película termine con el mundo descubriendo repentinamente su brillantez.

Honestamente es mejor que no sea así, ya que los finales felices pueden darle paz al público a corto plazo, pero estos no logran reconocer la dificultad de lo que alguien tan talentoso como Larson estaba tratando de hacer. Aquí, el personaje está decidido a aferrarse a su integridad artística mientras sus compañeros más cercanos, el ex actor Michael (Robin de Jesús) y la ex bailarina Susan (Alexandra Shipp), están cobrando dinero y consiguiendo trabajos tradicionales y seguros. Pero el enfoque resuelto de Jonathan también puede hacerlo insoportable para sus seres queridos (incluso si Garfield es un actor demasiado agradable para lograr esto), y en sus escenas sin canciones, la película es honesta sobre cómo su auto-participación le cuesta esas conexiones.

A la mayoría de las audiencias no les importa ver a los escritores que luchan por el reconocimiento y la bendición de "Tick, Tick ... Boom!" no es que lo encuentre, sino que observamos a Jonathan identificando gradualmente sus prioridades y reconociendo las fuentes a las que recurriría para concebir “Rent” (como “Godspell” de Stephen Schwartz o “Sunday in the Park With George” de Sondheim). Allí, en la Nueva York de 1990, o lo poco que Miranda y el diseño de producción Alex DiGerlando pueden mostrar con su presupuesto, hay constantes recordatorios de la pandemia del SIDA, cuyas pérdidas son una llamada de atención.

Su legendaria pero inútil agente (Judith Light) le aconseja a Jonathan: "Intenta escribir lo que sabes", que es un mantra de Hollywood lo suficientemente familiar como para parecer un buen consejo. Sin embargo, si Larson quiere que su trabajo importe, cantar sobre sí mismo es un paso, pero no el objetivo final, y lo mismo ocurre con este musical. "Tick, Tick ... Boom!" importa porque es una especie de ritual de limpieza, el ejercicio que lo obliga a confrontar sus ansiedades interiores más profundas, mientras le sirve como un boceto suelto de esa obra maestra posterior, para la cual volvería a dirigir su atención a quienes lo rodean.

A excepción del éxito no completamente logrado de "Superbia", Miranda encuentra formas de hacer que las canciones se sientan entretenidas, incluso cuando son leves, como en el homenaje a Sondheim "Sunday”, ambientada en el Moondance Diner donde Jonathan atiende mesas, y que se convierte en un escaparate para que el director presente sus respetos a algunas de sus leyendas de Broadway más queridas (decir más estropearía la sorpresa). Miranda grita "Tick, Tick ... Boom!" con tesoros escondidos para los tipos de teatro mientras trata los eventos contenidos en la película como influencias formativas en "Rent". Cuando los miembros del elenco del taller de Jonathan (un conjunto dirigido por Vanessa Hudgens) se unen al unísono, es posible que también estén haciendo una audición para cantar "Seasons of Love", el tema más reconocible de "Rent".

Entonces, aunque la línea de tiempo de "Tick, Tick... Boom" terminan antes de que Larson dirija su atención a ese musical, sabemos que todas las frustraciones con las que estaba luchando en 1990 valen la pena. En teoría, Miranda ve aspectos de su propio proceso creativo en la lucha de Larson, que potencialmente agrega un segundo nivel de autobiografía a la mezcla. ¿Cuánto de Miranda podemos leer en el personaje de Jonathan, cuya obsesión por quedarse sin tiempo se puede escuchar en “One Song Glory” de “Rent” así como en “Non-Stop” en “Hamilton”? Quédense pensando en su respuesta.

Mientras tanto, lo refrescante del enfoque del director debutante es que se siente tan orgánico. Su estilo es juguetón y enérgico, a menudo intercalado entre múltiples hilos dentro de una canción o escena determinada, pero no parece que Miranda esté llamando la atención sobre sí mismo tanto como tratando de abrir el espectáculo, para darle las alas que canta Jonathan en el número final. 

Crítica Cinéfila: In the Heights

Basado en el musical de Broadway, sigue a un grupo de vecinos del barrio Washington Heights de Nueva York. El principal es Usnavi (Anthony Ramos), el simpático dueño de una bodega, criado por su abuela que sueña con volver algún día a su República Dominicana.

Como dominicana que ha vivido fuera de su país y que mes tras mes anhelaba volver para sentir ese calorsito, sazonsito y ese no-se-qué más que solo sabe dar la media isla, puedo decirles que "In The Heights" me llevó a lugares astrales inigualables. Obviamente, esto tiene mucho que ver por la obsesión profesional que tengo con Lin-Manuel Miranda (gracias a Hamilton y Moana), pero además de su talento incomparable de escribir lo que solo el inmigrante siente, esta película simplemente sabe tocar las teclas correctas para que cualquier latino la vea y diga "oh sí, así mismito yo haría".

Una versión cinematográfica de la primera obra ganadora de un Tony de Miranda, antes de superarse a sí mismo con "Hamilton", "In the Heights" captura el bullicio del buen caribeño, cambiando el multicultural vecindario de Washington Heights en Manhattan con una vertiginosa variedad de estilos de canciones y bailes, desde hip-hop hasta sazones musicales latinos. Las secuencias musicales entretienen mientras logra a la perfección mantener a los distintos personajes principales y sus historias entrelazadas en el medio. La película también ofrece un montón de caras nuevas y talentosas, un empujón más para el queridísimo Anthony Ramos y un recordatorio de que Jimmy Smits es mucho con demasiado. 

El alumno de “Hamilton”, Ramos, interpreta a Usnavi, el afable dueño de una bodega en la esquina interpretada originalmente por Miranda en Broadway. Queriendo una vida mejor para él y su compañero de trabajo y primo, el carismático Sonny (Gregory Diaz IV), Usnavi ha escatimado y ahorrado su dinero para poder regresar a la República Dominicana, incluso cuando tiene un enamoramiento no tan secreto por los locales de la chica de salón Vanessa (Melissa Barrera), una diseñadora de moda empedernida que quiere ascender en el mundo y salir de Washington Heights. Varios otros personajes y situaciones que les suceden, desde un boleto de lotería perdido por valor de $96,000 hasta un apagón que aprieta a la comunidad, hacen que Usnavi reconsidere su decisión de irse de Nueva York.

Kevin (Smits) es dueño del servicio de automóviles al otro lado de la calle donde trabaja el amigo de Usnavi, Benny (Corey Hawkins), cuando la hija de Kevin y el amor de Benny, Nina (Leslie Grace), regresa a casa desde Stanford por el verano, aunque un poco en pesar considerando que va a abandonar la escuela por sentirse excluida. Daniela (Daphne Rubin-Vega) y Carla (Stephanie Beatriz) son compañeras de vida que dirigen el salón, aunque el centro de cotilleo del barrio tiene que mudarse al Bronx, mientras que la Abuela Claudia (Olga Merediz) es la sabia figura materna para todos en la zona. Miranda, que también es productor, tiene un papel pequeño pero divertido como el travieso heladero ambulante de piragua.

El guión de Quiara Alegría Hudes (quien escribió el libreto para el musical teatral) coloca la historia de Usnavi como su trama central de la película, y la fuerte actuación multifacética de Ramos, su simpatía inherente y su sorprendente talento como bailarín -en serio, nos dejó a muchos SORPRENDIDOS- lo mantienen involucrado a través de los altibajos del dueño de la tienda así como el mismo seguimiento que él le da a otras tramas, como la salud de abuela Claudia, la llegada de Nina y el apagón general por las altas temperaturas.

Muchos pensarán que tratar a la mayoría de los personajes como protagonistas crea una falta de concentración a veces, lo que no conduciría a pasar tiempo de calidad con los diversos personajes coloridos y sus relaciones, además de todas las grandes secuencias musicales. Pero pasa todo lo contrario, logrando que en el transcurso de casi dos horas y media hora podamos darle un inicio, nudo y cierre apropiado a cada subtrama que seguimos con tanta pasión y musicalización.

Chu demostró ser bien atento y detallista “Crazy Rich Asians” y aquí hace muchísimo más con una cámara, coreografías creativas y melodías pegadizas, como la escena en la piscina con un baile de rap para la canción "96,000", o el club nocturno donde todos bailan salsa hasta que caen en el apagón para "Fiesta". 

El director también experimenta con la cinematografía: hay una secuencia realmente efectiva desde el principio en la que pone un primer plano en la cara de Usnavi mirando con nostalgia todos los demás personajes desde la ventana de una bodega mientras los artistas lo tocan en el reflejo circundante, y Nina y Benny comparten una gravedad romántica desafiando la danza a lo largo del costado de un edificio.

Todo el que conoce mis gustos cinematográficos sabe que "I'm a sucker for a good musical" y este musical de Lin-Manuel Miranda fue exactamente lo que necesitaba. No rehuye a abordar problemas de racismo e inmigración mientras modela las más hermosas banderas del Caribe; así como yo, los espectadores se verán inmersos en una historia llena de canciones y universalmente identificable sobre perseguir sueños y construir una comunidad, una historia para añorar las costumbres que dejamos atrás y el amor familiar que te da un barrio como este.

Crítica Cinéfila: Hamilton

La versión filmada del exitoso musical "Hamilton" combina lo mejor del teatro en vivo y de la cinematografía en una asombrosa mezcla de hiphop, jazz, R&B y comedia musical. Este relato sobre Alexander Hamilton, uno de los padres fundadores de Estados Unidos, constituye un momento revolucionario en el teatro y narra la historia desde una perspectiva actual.

Broadway cerrado hasta el 2021 + la película de Hamilton no será lanzada hasta el 2021 = Disney+ estrena la obra musical de Hamilton en su canal. 

Es verdad que el escenario y la película son dos medios diferentes, y el Hamilton en Disney+ es una versión filmada de un espectáculo. Siempre estará limitado por cómo se hace un espectáculo. Una película tiene diferentes localizaciones, efectos visuales y edición. Una versión filmada de una obra teatral siempre será un extraño híbrido entre dos medios, y es un testimonio del trabajo del director Thomas Kail. Ninguna obra filmada podría ser un sustituto adecuado para una presentación en vivo, pero como alguien que ha visto a Hamilton en teatro, la película de Kail acerca al público a la misma emoción y maravilla creada por el galardonado premio del musical, el genio Lin-Manuel Miranda.

Grabado en el Richards Rodgers Theatre en la ciudad de Nueva York en junio de 2016, Hamilton captura todo el musical de principio a fin con el adherido de una breve introducción de Miranda y Kail sobre por qué decidieron hacer la película y lanzarla ahora. La historia sigue la vida del padre fundador Alexander Hamilton (Miranda) desde su llegada a la ciudad de Nueva York a trabajar durante la Guerra Revolucionaria, su matrimonio con la socialité Eliza Schuyler (Phillipa Soo) , su servicio bajo George Washington (Christopher Jackson), su tiempo contencioso en el gobierno contra Thomas Jefferson (Daveed Diggs) y James Madison (Okieriete Onaodowan), y a pesar de todo, su enemigo eterno y el hombre que lo mataría, Aaron Burr (Leslie Odom Jr.).

Ver a Hamilton es una sensación única. La belleza del musical y la historia escrita por Miranda le da tanta vida, complementado con todo lo que logra que las representaciones teatrales sean tan inmediatas y cercanas. Podemos ver los matices de las actuaciones de los actores. Podemos ver la hermosa coreografía. La iluminación está impecablemente trabajada. Todo se combina cuando te das cuenta de que no solo son el libreto, la lírica y la música los sobresalientes de la trama, lo que hizo que Hamilton fuera una sensación o incluso que eligiera actores de color para interpretar personajes históricos blancos. Todo se unió para hacer de esta una obra maestra y uno de los mejores musicales del siglo XXI, sin distinción de raza, forma u origen.

Antes de ver a Hamilton en Los Angeles en 2018, estaba obsesionada con su música. Pero, a pesar de que la banda sonora compone el 98% del guión narrativo, escuchar la composición es solo la mitad de la imagen. Ver el espectáculo llena el resto, y la pregunta para la película es ¿qué tan cerca te lleva de estar en el teatro? En el teatro, estás en una posición fija y Kail usa numerosos ángulos de cámara y ediciones para hacer esta versión más cinematográfica. Pero en el teatro, también tienes la electricidad de la multitud, y puedes sentir a un artista alimentándose de la energía de la audiencia. Las películas son diferentes a las producciones teatrales, pero Kail nos acerca sorprendentemente a estar en el Teatro Richard Rodgers.

Hamilton no se siente pequeño en una pantalla. Kail hace un buen uso de sus primeros planos -incluso si esto significa ver la saliva del Rey Jorge de Jonathan Groff-, y sabe cómo transmitir los ingeniosos chistes visuales del musical. Para cualquiera cuya experiencia con Hamilton provenga únicamente de escuchar el playlist en Spotify, sentirá que la versión filmada es un despertar. Está a unos pocos pasos de lo que realmente desea, estar en la habitación, pero no se puede descartar simplemente porque no es la experiencia ideal. 

En un entorno tan politizado con una nueva versión no convencional del material, tal vez se piense que Hamilton nos cautivó a todos en su momento de origen en el 2016 y ahora esa pasión se ha enfriado. Pero Miranda hace que perdure y pueda usar la historia de Hamilton para llegar a temas más grandes de legado y valores en el contexto del experimento estadounidense, e incluso cuando se ha visto que los principios de Estados Unidos fueron increíblemente degradados en los últimos cuatro años, la calidad aspiracional del trabajo de Miranda nos recuerda el pensar y los sentimientos con que se crearon este país: una tierra de inmigrantes. Quizás los cínicos lo descartarán como si fuera un relajo o como si realmente no presentara suficiente veracidad, pero la electricidad de "Wait for It" y el rompecorazones de "It's Quiet Uptown" nos da esos aspectos tridimensionales de sus personajes. Este es un espectáculo especial, y me alegra que más personas tengan la oportunidad de verlo.

Hamilton es, y siempre ha sido, un espacio sorprendentemente cinematográfico. Kail y Miranda juegan con el tiempo, ralentizando las cosas, creando la apariencia de efectos especiales como una bala que se ralentiza, como cuando Angélica (Renee Elise Goldsberry) reproduciendo una escena desde su perspectiva en lugar de la de su hermana. Estos son elementos que podrían traducirse a una película real, y lo será muy pronto. Pero por lo que tenemos ahora, un espectáculo en el escenario capturado como una película, tenemos una aproximación impresionante de la experiencia de ver el teatro.