Crítica Cinéfila: La Máquina

Después de una pérdida devastadora, Esteban “La Máquina” Osuna atraviesa un mal momento en su carrera de boxeador. Por suerte para él, su manager y mejor amigo Andy Luján está decidido a que recupere su gloria pasada. Pero cuando una perversa organización aparece en escena, la pelea de revancha se vuelve mortalmente peligrosa. Mientras lucha por relanzar su carrera, Esteban debe al mismo tiempo lidiar con sus propios demonios personales y proteger a su familia, que incluye a su exesposa Irasema, una periodista que se encuentra a punto de colisionar con el lado oscuro del mundo del boxeo.

En varios aspectos narrativos, "La Máquina" se siente como una serie mexicana que es adaptada de una versión original gringa o europea. Pero la conspiración deportiva/thriller con tono cómico melodramático que desafía el género podría encontrar una audiencia más grande con su ritmo mayormente rápido y su variedad de giros razonablemente inesperados, así como con su siempre bienvenida reunión de viejos amigos, colaboradores y socios de producción Gael García Bernal y Diego Luna , cuyo poder estelar lleva fácilmente esta miniserie de seis partes.

Bernal interpreta a Esteban “La Máquina” Osuna, una leyenda del boxeo mexicano que se acerca al final de una carrera condecorada después de un abrupto nocaut en el primer asalto. Esteban, un drogadicto en recuperación que sufre el efecto de más de 70 peleas profesionales, está ansioso por recomponer su vida después de divorciarse de la despampanante periodista Irasema (Eiza González).

Pero Andy (Luna), el amigo y manager de Esteban obsesionado con el Botox, está decidido a traer a La Máquina de regreso al ring para una revancha, una repetición que podría lanzarlo a un nuevo nivel de fama, o bien envolverlo en un complot de largo alcance que pone su vida y las vidas de todos sus seres queridos en peligro.

Las cosas se complican aún más cuando Irasema comienza a investigar un caso que involucra a algunas de las instituciones más poderosas del México loco por el boxeo, y cuando las décadas de trauma neurológico acumulado en Esteban lo dejan luchando por distinguir entre la realidad, la fantasía y los oscuros secretos de su pasado.

"La Máquina" no es una telenovela en cuanto a estilo y estructura, aunque la legendaria del formato Lucía Méndez ofrece una actuación agradablemente pícara y que se come el escenario como la madre controladora de Andy. Pero guiada por el creador Marco Ramírez ("Daredevil" de Netflix ), hace algo que las mejores telenovelas hacen: tirar por la ventana las reglas de clasificación tradicional. Es una comedia de amigos y es un drama problemático y realista sobre la explotación y la corrupción en la industria del boxeo mexicano. Tiene rastros de romance, aunque Dariam Coco como la nueva novia de Esteban es quizás el activo menos servido de la serie, y tiene momentos de tensión y violencia elevadas.

El director Gabriel Ripstein ("Narcos") es el encargado de controlar el tono y, en general, lo hace bien. El estreno, que mete al menos tres o cuatro horas de acción en 52 minutos, es el menos exitoso de los seis episodios. Incluye dos combates de boxeo cruciales (uno de ellos se muestra ampliamente en pantalla, mientras que el resultado del otro se revela solo en un corte abrupto) y sus montajes de entrenamiento que lo acompañan, al tiempo que nos presenta a la mayoría del elenco y siembra la mayoría de los hilos serializados en curso. Es entretenido, pero de una manera entrecortada y apresurada. 

A partir de ahí, sin embargo, "La Máquina" hace algo muy inusual para las series de streaming y cable: sigue expandiendo su mundo a medida que desarrolla su historia, y aun así los episodios se vuelven más cortos, más centrados y más seguros. Los personajes que comienzan siendo tontos y caricaturescos se vuelven conmovedores. Las decisiones adquieren consecuencias viscerales y rápidamente recompensadas. Los misterios se vuelven demasiado misteriosos. Una vez uno llega al quinto episodio, es difícil predecir cómo se resolverían las tramas más importantes de la temporada en el final, incluso después de un capítulo que ata muy bien algunos conflictos cruciales basados ​​en los personajes.

Igualmente importantes para reconciliar los elementos dispares de la serie son Bernal y, especialmente, Luna. En manos de la mayoría de los actores, Andy sería un personaje tonto, en particular dadas las capas de maquillaje y prótesis que se utilizan para capturar su vanidad en pos de la juventud. Y Luna no tiene miedo de hacerlo ridículo, en particular en una escena de creciente humillación ambientada en un evento por lo demás sombrío. Sin embargo, incluso mientras acepta los labios inflados de Andy, el peluquín despeinado y el bronceado de maniquí, Luna encuentra constantemente lo que es trágico en este hombre que quiere ser un buen gerente, amigo, esposo y madera de padre, pero se encuentra fracasando en cada una de ellas.

Bernal, que se entregó por completo a un tipo diferente de lucha física en la película biográfica de lucha libre "Cassandro", no es tan convincente con el lado boxístico de "La Máquina". Pero si los guantes se ven demasiado grandes y su juego de pies se siente demasiado lento, eso simplemente subraya lo pasado del mejor momento de Esteban. Es en las sienes canosas y los ojos fugaces e inseguros donde Bernal ubica la tristeza y la decencia inestable de su personaje.

Si juntamos a Bernal y Luna, son dinamita como siempre. Además, elevan a todos los que los rodean, especialmente a González, que exhibe una ferocidad herida que sus actuaciones en inglés rara vez han explotado. El hecho de que Irasema sea periodista y parte proactiva del desenlace de la conspiración, en lugar de solo una ex que sufre desde hace mucho tiempo, también es una elección inteligente, aunque esa es la historia que parece tener menos probabilidades de dar sus frutos en un final presumiblemente apresurado.

Además de esas tres estrellas principales, La Máquina cuenta con un sólido trabajo de reparto por parte de Andrés Delgado como el extraño cuñado de Andy, Saúl; Karina Gidi como la esposa de Andy, Carlota, en otra parte del espectáculo que se mueve entre el humor y el patetismo; y Jorge Perugorría, que de manera divertida rompe las expectativas como Sixto, el entrenador de Esteban.

Algunos que se encariñen con la historia querrán que "La Máquina" tuviese más de seis episodios para contarse. Intenta hacer tantas cosas, y supongo que algunas de sus facetas más desafiantes (los efectos de la encefalopatía traumática crónica en los boxeadores, la lucha de clases que forma parte del romance de un siglo de México con la dulce ciencia, las subtramas románticas y periodísticas antes mencionadas) podrían perderse en diversos grados. Pero seis episodios son suficientes para ver cómo esta narrativa se iba concretizando, para convertirse en una serie con mucha química y poca predicción.

Crítica Cinéfila: El Hoyo 2

A medida que un líder misterioso impone su ley en el Hoyo, una nueva inquilina se implica en la batalla para luchar contra el brutal sistema de alimentación. Pero cuando alimentarte del plato equivocado se convierte en una sentencia de muerte, ¿hasta dónde estarías dispuesto a llegar para salvar tu vida?

Estrenada en Netflix en marzo de 2020 (un momento increíblemente perfecto para una película sobre personas confinadas en una prisión ineludible cuyo diseño enfrenta la salud mental de cualquier persona), “El Hoyo”, del cineasta español Galder Gaztelu-Urrutia, es una alegoría anticapitalista cuya obviedad es su mayor fortaleza. Como tantos éxitos del streaming, este ejercicio de género resonó porque su premisa de alto concepto contaba una historia convincente en sí misma. 

El personaje más memorable de la película es “El Pozo”, donde se desarrolla la trama, una estrecha torre de hormigón (o “Centro de Autogestión Vertical”) con un gran agujero cuadrado en medio de cada piso, un agujero lo suficientemente grande como para que quepa el enorme bufé de comida que baja por los 333 pisos del edificio cada día. Los dos reclusos del piso superior son agasajados con un banquete real, pero sólo quedan unas pocas sobras errantes cuando el banquete móvil llega al nivel 50 por debajo de ellos; cualquiera que sea asignado al azar a la mitad inferior del edificio tiene casi garantizado morir de hambre al final de la rotación mensual... a menos, por supuesto, que se coman a sus compañeros de celda. La barbarie de nuestras jerarquías sociales rara vez se habían mostrado de forma tan clara y punzante, y “El Hoyo” sigue siendo una de las pocas películas que hacen que los fracasos de la economía del goteo parezcan incluso más evidentes de lo que son en la vida real. 

El único problema con una premisa tan inteligente es que el resto de la historia tiene que perturbarla, y si bien la prisión en la película de Gaztelu-Urrutia se volvía más intrigante con cada nuevo detalle que conocíamos sobre ella, no hacía que la gente buscara desesperadamente una salida. Tampoco se veía la ejecución de sus cada vez más febriles planes de escape. Elaborar una metáfora del capitalismo es una cosa; resolverlo en el transcurso de un thriller distópico financiado de forma independiente es otra. 

Al ver la primera mitad de “El Hoyo 2”, parecería que Gaztelu-Urrutia ha identificado dónde se equivocó su película anterior. En lugar de centrarse en el diseño de la prisión (y, por extensión, en cómo sus peculiaridades podrían explotarse para lograr salidas), esta secuela financiada por Netflix inmediatamente cambia su atención a los sistemas que podrían permitir que los reclusos de la película sobrevivan, una decisión que le permite a Gaztelu-Urrutia profundizar en el estudio de la naturaleza humana de la franquicia, al estilo del Experimento de la prisión de Stanford. 

Mientras que su predecesora instruía a la gente a ser el cambio que deseaban ver en el Pozo, “El Hoyo 2” se ocupa de la solidaridad necesaria para que todos sigan vivos. Por desgracia, las personas son, en última instancia, prisioneras de sí mismas (de sus deseos y de sus heridas), y ni siquiera los sistemas más idealistas son inmunes a las debilidades que sembramos en ellos. Al igual que la primera película, que “El Hoyo 2” espera que recordemos detalles delirantemente explícitos, esta secuela se desmorona a la par que su orden social. 

Por mucho que Gaztelu-Urrutia reafirme su talento para mezclar una filosofía cartesiana con una estética inspirada en Saw, también reafirma su lucha por aprovechar esa combinación para crear una historia que valga la pena contar. Si bien esta película reitera la idea original de una manera que demuestra el potencial de franquicia de esta propiedad, se desmorona casi exactamente de la misma manera que la película anterior, abandonando la naturaleza ampliamente representativa de su premisa en favor de la mitología enloquecedoramente específica de sus tontos personajes estereotipados. Excepto que esta vez es peor, porque esa mitología, ya aburrida para empezar, ahora está consagrada en una leyenda de importancia pseudorreligiosa. Al igual que el propio andén, esta secuela rebosa de cosas deliciosas para masticar cuando comienza, solo para ser desmenuzada a medida que desciende hacia la oscuridad a partir de allí. 

Es difícil decir cuánto tiempo ha pasado desde los acontecimientos de “El Hoyo”, pero la nueva heroína de mirada acerada Perempuan (Milena Smit) ha estado allí el tiempo suficiente para aprender los trucos del oficio. Una artista cargada de culpa que comienza la película en el piso 24, le da instrucciones a su nuevo compañero de habitación Zamiatin (el actor, cómico y ex boxeador Hovik Keuchkerian) sobre cómo han funcionado las cosas desde la revolución que parece haber resultado del final ultranebuloso de la primera película. 

Ahora, el Pozo es mucho más justo, ya que la sagrada ley de compartir por igual se infiltra cada vez más en la torre con cada rotación. Impulsados ​​por la historia cristiana de un prisionero que alimentó a otras personas con su propia carne, cada recluso come solo el plato que pidió personalmente al llegar, lo que en teoría garantiza que nadie muera de hambre. Los residentes del Pozo hacen cumplir esta ley con extremo prejuicio, y algunos de ellos llegan al extremo de asesinar (y cosas peores) a cualquiera que pruebe un solo bocado de la comida de otra persona. Eso incluye, fundamentalmente, cualquier posible resto, ya que nadie debería beneficiarse jamás del asesinato de un camarada.

Aún quedan algunos eslabones débiles en la cadena, pero el sistema está empezando a funcionar; algunos restos de comida llegaron hasta el piso 175 durante la última rotación. Como es habitual en esta franquicia emergente, “El Hoyo 2” está en su mejor momento durante las etapas en las que se prepara la mesa, ya que Perempuan convence gradualmente a Zamiatin (que es más inteligente de lo que parece) de que siga las reglas, y la solidaridad que muestran con sus compañeros de prisión genera una amistad genuina entre ellos. Perempuan incluso se ofrece a afeitarle la espalda a Zamiatin. 

Por desgracia, el final del mes llega justo a tiempo y Perempuan se encuentra reubicada en el piso 180, junto con una nueva compañera de habitación (la actriz de "Game of Thrones", Natalia Tena) que está muy familiarizada con el tipo de justicia sagrada que ha comenzado a extenderse por el Pozo. Será solo cuestión de tiempo antes de que ese celo fundamentalista, administrado por un profeta sin ojos llamado Dagin Babi, amenace con volverse incluso más letal que el enfoque de "cada uno por sí mismo" que pretendía reemplazar.

Ese conflicto es lo suficientemente convincente siempre que arroje una luz húmeda y repugnante sobre las verdades reconociblemente feas del mantenimiento de una sociedad: la ley es más fácil de respetar para las personas que están en la cima, y ​​esas personas a su vez tienen una mayor responsabilidad de seguir las reglas que establece. Cuando alguien en el piso 40 decide actuar en su propio interés, son los prisioneros de los 293 pisos inferiores los que sufren las consecuencias... a menos que los prisioneros de arriba acepten aplicarle un castigo apropiado. 

Pero Gaztelu-Urrutia pierde el control de la lucha por crear un futuro en el que nadie tenga que matar a nadie, ya que los argumentos opuestos detrás de ese conflicto pronto dan paso a las cuestiones prácticas de sobrevivirlo. Si bien una película más nutritiva podría haber convertido eso en un comentario social por sí misma, “El Hoyo 2” parece no poder decidir si debe abordar la guerra que comienza a gotear por el Pozo como una crisis literal o filosófica, y por eso, haciendo eco de la última película, se sitúa entre esos dos enfoques de una manera que hace que sea casi imposible preocuparse por cualquiera de ellos. 

Los detalles de los personajes que nos llegan son ridículos de una manera que abarata la realidad que Gaztelu-Urrutia está tratando de construir a su alrededor, y los vagos flashbacks con los que los rellena sólo sirven para desvincularse de los horrores de la situación de Perempuan. Hay suficiente horror en exhibición para mantener a los fanáticos del terror interesados ​​hasta el tercer acto (los acólitos idean algunos métodos de tortura únicos centrados en el Pozo), pero la película se aburre con los límites e implicaciones de su propia metáfora, y su tendencia a volverse más moralista a medida que se hunde más en la prisión la obliga a deshacerse de su drama humano en favor de una abstracción descuidada. 

Partiendo de unas alturas tan altas, “El Hoyo 2” desciende hasta convertirse en un lodazal aburrido y delirante de geles de color, iconografía religiosa y referencias que dejan aún más confundido (que continúan hasta bien entrados los créditos finales), ninguna de las cuales es ni la mitad de interesante que la premisa básica de la trama que todos se esfuerzan tanto por diluir. Hay espacio para seguir expandiendo este mundo, y el final de “El Hoyo 2” sugiere que Gaztelu-Urrutia pretende hacer justamente eso, pero “El Hoyo 3” necesita darnos mucho más para justificar otra temporada en el Pozo. Los prisioneros allí pueden tener suerte si encuentran algo en su plato, pero los suscriptores de Netflix ávidos de alegorías de ciencia ficción torpes no tienen nada si no estropean la elección. 

Crítica Cinéfila: Joker, Folie à Deux

Tras crear el caos, Arthur Fleck ha sido internado en Arkham a la espera de juicio por sus crímenes como Joker. Mientras lidia con su doble identidad, Arthur no sólo se topa con el amor verdadero, sino que también descubre la música que siempre ha estado dentro de él. Secuela de 'Joker'.

Debo admitir que al principio no sabía dónde ubicar a “Joker” de Todd Phillips. El polarizador drama sobre un supervillano, basado en el mayor enemigo de Batman, deslumbró a muchos espectadores con su fotografía épica, su indignación justificada por los sistemas sociales rotos y la actuación inquietante y frágil de Joaquin Phoenix como Arthur Fleck que le otorgó un Oscar a Mejor Actor. Pero debajo de todo eso había una frustrante falta de especificidad sobre lo que realmente enojaba y de paso tenía varias fuentes obvias, especialmente “Taxi Driver” y “The King of Comedy” de Martin Scorsese.

Todas las buenas cualidades de la película y todas sus deficiencias están en una relación simbiótica, y la deriva es su tejido que lo conecta con todo este universo. Después de todo, “Joker” es la historia de un comediante fracasado que solo encuentra aceptación y éxito después de abandonar su oficio en favor de un arte escénico llamativo y violento. Tiene sentido que piense en su historia a través de la lente de otras historias mejores porque no puede crear ningún buen material por sí solo. Arthur Fleck es el nuevo santo patrón de la mediocridad, y “Joker” celebra esa mediocridad con una extraña mezcla de artesanía fina y pretensión de mal gusto.

Es una interpretación que parece aún más apropiada después de ver la extraña secuela, “Joker: Folie à Deux”. Pero a diferencia de la original, que encuentra un heroísmo perverso en los fallos de Arthur Fleck, “Folie à Deux” redobla la apuesta por lo patético que es, y asegura que siempre lo será. Es una película triste, pensativa e impresionantemente extraña que utiliza la teatralidad de los musicales cinematográficos para socavar las ambiciones de su héroe en lugar de elevarlas. ¿No hay negocio como el mundo del espectáculo? Es negocio y lo sabemos.

“Joker: Folie à Deux” se desarrolla dos años después de que Arthur Fleck asesinara al presentador de un programa de entrevistas Murray Franklin en directo por televisión e incitara a un motín que dejó huérfano a Bruce Wayne, quien probablemente era su medio hermano secreto (o no, si quieres creer en la palabra de un multimillonario moralmente comprometido). Arthur ha pasado los últimos dos años en Arkham Asylum esperando su audiencia, que está a la vuelta de la esquina. 

Si Arthur es declarado cuerdo, su juicio comenzará y la pena de muerte está sobre la mesa, por lo que su abogada Maryanne Stewart (Catherine Keener) intenta demostrar que no fue Arthur quien mató a todas esas personas, sino una personalidad independiente que se hace llamar “Joker”. Pero ni siquiera Arthur parece estar tan seguro. Todo lo que sabe es que hay otra reclusa, Lee Quinzel (Lady Gaga), que ama a Joker. Incluso vio una película para televisión que hicieron sobre Arthur, un montón de veces. Arthur se siente repentinamente revitalizado por la posibilidad de que alguien lo ame, incluso si no lo aman por lo que realmente es. O solo por la mitad de lo que es. Y desde que se conocen en la clase de musicoterapia de Arkham, Arthur comienza a fantasear con expresarse a través de canciones. "For once in my life", entona en su cabeza. No es un sentimiento sutil, pero los musicales no son precisamente famosos por su realismo crudo.

“Joker: Folie à Deux” adopta el enfoque de Rob Marshall de “Chicago” para los números musicales. La mayoría de los números tienen lugar dentro de las cabezas de Arthur y Lee, y representan sus mundos interiores mejor que sus circunstancias reales. Arthur canta al menos una canción donde otras personas pueden escucharlo claramente, y es mucho más espeluznante en persona que en su cerebro. Todo el enfoque establece un contraste obvio pero efectivo entre la realidad de Fleck y su imagen inflada de sí mismo como artista. (Y sí, “Folie à Deux” se califica como musical según cualquier interpretación significativa, sin importar el giro que intenten darle).

"Joker" se convirtió en un acto de violencia y caos que validó el colapso de Arthur, aunque solo fuera para él mismo. Encontró a su público, causó su impacto. Lo que deja en claro "Folie à Deux" es que este no es un universo de cómic donde eso es un acto de gloriosa contracultura. Ni siquiera es tan impresionante. Arthur, como muestra esta película una y otra vez, es una criatura patética y solitaria, y todo aquel que proyecta grandeza sobre él o su historia posiblemente esté más alejado de la realidad que él. Incluso en sus momentos más dinámicos y poderosos, Fleck es un peón en el juego de todos los demás.

Lawrence Sher vuelve como director de fotografía para la secuela y, una vez más, se esfuerza al máximo. Su iluminación es rica, sus encuadres son burlones y sus alegorías suelen resultar dolorosamente directas (cuando Arthur se siente feliz, el sol empieza a brillar sobre él). Pero, una vez más, ese es el mundo de Arthur. Se siente oprimido como ningún otro ser humano se ha sentido jamás. Se siente liberado por el amor de la misma forma en que ningún otro novio se ha sentido jamás liberado por el amor. Canta canciones de otras personas porque no puede expresarse por sí solo. Simplemente, no tiene tanto talento.

Joaquin Phoenix, por supuesto, tiene un talento increíble y aporta nuevas perspectivas a Arthur Fleck que el propio Arthur no parecía entender hasta ahora. Está a la altura de Lady Gaga, cuya interpretación de Harley Quinn va en contra de prácticamente todas las demás interpretaciones. El guion de Phillips y Silver utiliza la idea básica de una groupie del Joker como punto de partida e ignora prácticamente todo lo demás, creando un nuevo personaje que encaja en su mundo y probablemente en ninguno de los demás. Lo que puede ser una distracción para algunos, ya que los fans de Harley Quinn son un grupo devoto.

Lo más impresionante de “Joker: Folie à Deux” es la forma en que Phillips socava voluntariamente su propio éxito de taquilla de mil millones de dólares. Está mirando hacia dentro. Arthur está mirando hacia dentro. Esperemos que el público también lo haga y se pregunte por qué les importa tanto Arthur Fleck en primer lugar. ¿Realmente amamos a Arthur o simplemente amamos cómo su historia, en sí misma un melodrama televisivo glorificado sobre una persona triste que comete crímenes tristes por el bien de un público curioso y triste, nos hace sentir sobre nosotros mismos? 

“Folie à Deux” es la película más interesante sobre Arthur Fleck. Es realmente un poco atrevida, realmente un poco desafiante y realmente un poco genuina. Y no es ninguna broma.

Crítica Cinéfila: Monsters - The Lyle and Erik Menendez Story

En agosto de 1989, los hermanos Lyle y Erik Menéndez, asesinaron a tiros a sus padres, José y Mary Louise 'Kitty' Menéndez. Mientras que la acusación alegó que buscaban heredar la fortuna familiar, los hermanos afirmaron -y siguen afirmándolo hoy en día, mientras cumplen cadena perpetua sin posibilidad de libertad condicional- que sus actos se debieron al miedo que sentían tras toda una vida de abusos físicos, emocionales y sexuales a manos de sus padres.

Estamos en 1989. Los hermanos se dirigen al funeral de sus padres, José y Kitty Menéndez. La policía sigue investigando sus asesinatos y la prensa especula que podrían ser un asesinato de la mafia. Erik empieza a desmoronarse en la parte trasera de la limusina, pero su hermano mayor, Lyle, habla de abrir una cadena de restaurantes de alitas de pollo y quiere que el conductor de la limusina apague el jazz suave. Atraviesan la puerta a pesar de la multitud de periodistas, porque Lyle quiere reiterar la teoría de la mafia. Luego, durante el funeral, Lyle hace sonar una canción de Milli Vanilli sobre una presentación de diapositivas de sus padres.

Dos meses después, la policía sigue investigando los asesinatos y Erik no puede escapar de las pesadillas que sigue teniendo sobre la noche en que asesinaron a sus padres. Entra en el estudio, donde estaban sus cuerpos ensangrentados, y comienzan las visiones. Al final de todas las pesadillas, Erik se pone una escopeta en la barbilla y aprieta el gatillo. Está tan atormentado que llama a su psicólogo, el Dr. Jerome Oziel (Dallas Roberts), y quiere su última cita del día. 

Aunque Oziel le asegura que no lo está grabando, Erik le pide que salga a caminar. Fue allí donde Erik admite que él y Lyle mataron a sus padres. Oziel regresa a la oficina a toda prisa y le dice a Erik que repase todo el proceso de los acontecimientos, empezando por el momento en que se le ocurrió la idea mientras veía la película "Billionaire Boys Club". Cuando Oziel pregunta por qué se le ocurrió la idea de matar a sus padres, Erik habla de lo "dominante" que era su padre y de lo permisiva que era su madre. Como ella era "adicta" a su padre, sentían que su vida estaba vacía y decidieron que ella también necesitaba morir. Oziel se pone en contacto con Lyle y le dice que vaya a la oficina; también llama a su ex amante, Judalon Smyth (Leslie Grossman), para que vaya como "testigo" en caso de que ellos intenten matarlo. Lyle está furioso cuando llega y niega que lo que Erik dijo sea cierto.

El primer episodio muestra el momento en que los hermanos cometiendo el crimen, incluso cuando Lyle volvió a entrar para acabar con su madre después de recargar su arma. Luego intentan construir una coartada. Pero cuando regresan a la casa, se sorprenden al no ver a nadie allí; pensaron que los disparos de escopeta harían que alguien llamara al 911. Esta escena de muerte es quizás una de las más sangrientas que se han hecho en mucho tiempo.

Es interesante que Murphy y Brennan hayan decidido dramatizar el caso de Menéndez, dado que ya se había dramatizado de forma tan destacada hace siete años y se han hecho numerosos documentales y docuseries sobre el caso. En otras palabras, ¿hay algo más que decir sobre el caso? Aparentemente sí, porque la pareja, junto con Carl Franklin, el director del primer episodio, consiguen que un caso conocido vuelva a resultar fascinante.

Aunque el primer episodio no lo muestra, parece que el objetivo de Murphy y Brennan es centrar la narración en la vida familiar de los hermanos y en cómo José y Kitty hicieron que la vida de sus hijos fuera miserable. Cuando los chicos eran mayores, la mayor parte del abuso se produjo en forma de sermones verbales por parte de José y de algún tipo de permisividad por parte de Kitty bajo el efecto de las drogas; el incidente que llevó a Erik a urdir su plan implica que Kitty le arrancó la peluca secreta de la cabeza a Lyle.

En esta saga, todos son monstruos. Cooper Koch y Nicholas Alexander Chavez interpretan los papeles de Lyle, un personaje fácilmente alterable, y su hermano angustiado Erik, mientras que Javier Bardem y Chloë Sevigny interpretan a José y Kitty, dos personajes volátiles y desequilibrados. La serie muestra a la familia Menéndez a merced de un padre controlador, al tiempo que denigra a los hermanos. Nadie sale ileso, ya que Monster coloca los infames juicios bajo el microscopio para la diversión y el análisis de la audiencia de Netflix.

Pero también hubo acusaciones de abuso sexual por parte de José cuando los hermanos eran más jóvenes, algo que no muestran a detalles en flashbacks pero en una serie de narraciones que, gracias a las actuaciones de Koch y Chavez, logran trasladar a su público a las emociones que le provocaron esos hechos. De hecho, la estructura de la serie, donde los incidentes de abuso y negligencia emocional por parte de José y Kitty surjen durante el interrogatorio y el juicio de los hermanos, hace un buen trabajo al ir desgranando las capas del caso sin saltar de una a otra indiscriminadamente, y aunque por momentos se tornan repetitivas, esto se debe a que quieren que el discurso de tatue en la mente del espectador, con la idea de que "detrás de un crimen, hay causas que lo llevaron a ocurrir".

Koch y Chavez hacen un excelente trabajo como Erik y Lyle, mostrando las dos formas muy diferentes en que reaccionaron después de matar a sus padres. Por supuesto, también se tiene al impresionante de Bardem (uno de los productores ejecutivos del programa) y Sevingy como José y Kitty. En la medida que la serie avanza, se conoce a Nathan Lane como el periodista Dominick Dunne quien había sido víctima de un juicio que favoreció al asesino de su hija y por lo tanto estaba en contra de que los hermanos salieran libres, y a Ari Graynor como Leslie Abramson, la abogada de los hermanos quien ya había sido la defensa de otros casos de asesinatos y por lo tanto se sentía capaz de lograr la libertad de Erik y Lyle. 

El año pasado, tanto Evan Peters como Niecy Nash deslumbraron en "Monster: The Jeffrey Dahmer Story", la primera entrega de la serie del asesino en serie que ganó elogios para los actores ya que ahondaba no solo en la vida del depravado Dahmer, sino en su sospechosa vecina, sus víctimas inocentes y la inepta aplicación de la ley que mantenía al maníaco en las calles. "Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story" ofrece una mirada similar a las sombrías vidas de los hermanos, ya que la serie explora la dinámica de la familia disfuncional, así como de los amigos, asociados y sus círculos sociales. Casi cuatro décadas después de los asesinatos, la serie de Netflix explora las afirmaciones de defensa propia de los hermanos Menéndez según lo declarado por su equipo de defensa, quienes afirmaron que sus padres abusaron verbal, física y sexualmente de ellos. 

Al igual que su predecesora, Monsters trata sobre la creación de los monstruos urbanos y los estragos que causan. Pero Monsters también examina cómo estos personajes fueron moldeados no solo por sus circunstancias, sino por la era en la que vivieron. Más que una serie de época, Monsters se ve impulsada tanto por las actuaciones como por las referencias a los años 80 en la que habita, desde las canciones de Milli Vanilli hasta cada cuello levantado meticulosamente.

Pero más allá de los detalles meticulosos, la historia en sí es desigual a su predecesora. Si bien Monsters es directa con sus villanos, hay una clara falta de protagonistas, ya que la serie crea un mundo poblado por personas que carecen incluso de una pizca de empatía. En consecuencia, "Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story" crea una dramatización fascinante gracias a las actuaciones exageradas de su elenco, pero no logra alcanzar el nivel establecido por Dahmer. 

Crítica Cinéfila: The Substance

'Tú, pero mejor en todos los sentidos'. Esa es la promesa, un producto revolucionario basado en la división celular, que crea un alter ego más joven, más bello, más perfecto.

El segundo largometraje de la guionista y directora Coralie Fargeat puede parecer abordar un arquetipo narrativo familiar (la belleza envejecida que hace un pacto fáustico para volver a ser joven), pero este potente horror corporal está ejecutado con habilidad y compasión, aportando nuevas ideas junto con generosas dosis de sangre gráfica. "The Substance" cuenta con excelentes actuaciones de Demi Moore como una estrella de Hollywood en decadencia y de Margaret Qualley como la versión más joven y bonita que crea al inyectarse a sí misma el suero que da nombre al film. Aunque la película a veces corre el riesgo de exagerar, Fargeat sigue dando vueltas a ideas frenéticas, en particular sobre cómo la industria del entretenimiento traumatiza a las mujeres para que se hagan cosas terribles a sí mismas con el fin de seguir siendo empleables.

Con "The Substance", Fargeat confirma aún más su condición de cineasta feminista que utiliza géneros extremos para criticar la misoginia sistémica. Su debut de 2017, el brutal thriller de venganza "Revenge", se proyectó en Toronto, y su segunda película debuta en un espacio de la competencia de Cannes. Las dos protagonistas, junto con un agradablemente repugnante Dennis Quaid, ayudarán a enganchar a los espectadores, pero "The Substance" debería ser especialmente atractiva para los espectadores de cine de medianoche, a quienes les gustarán sus retorcidos elementos cronenbergianos. 

Moore interpreta a Elisabeth Sparkle, una actriz premiada que, a punto de cumplir 50 años, debe contentarse con presentar un cursi programa de ejercicios. Pero incluso eso pierde cuando su viscoso productor Harvey (Quaid) la despide por ser demasiado mayor. Desesperada por su carrera, que es lo único que tiene, Elisabeth se entera de un misterioso programa conocido como The Substance, que promete darle una versión mejor y más joven de sí misma. Desesperada, se inscribe, siguiendo instrucciones muy específicas sobre cómo tomar la fórmula y cuáles deben ser las reglas para este régimen. 

Inmediatamente después de inyectarse, Elisabeth se derrumba y una masa aterradora se desprende de su espalda. Pronto, esa masa se convierte en una hermosa joven (Qualley) que habita en la misma conciencia que Elisabeth, que ahora está desactivada. Según las instrucciones de The Substance, Elisabeth puede ser ella misma durante una semana, pero luego la versión más joven, que se llama a sí misma Sue, debe estar despierta durante una semana, y así sucesivamente. Emocionada por esta segunda oportunidad, Sue se prepara para recuperar el antiguo trabajo de gurú del fitness de Elizabeth.

En apariencia, "The Substance" es una condena a la obsesión de Hollywood con la juventud, pero Fargeat profundiza constantemente, no solo explorando temas tangenciales sino también creando un personaje central rico con un dilema simpático. Es imposible no pensar en la propia carrera de Moore a través del prisma de Elisabeth (Moore ha sido una estrella desde los años 80, aunque no ha disfrutado de papeles cinematográficos importantes en los últimos años), y ella aporta tanto patetismo como un astuto sentido del humor a su interpretación, satirizando la superficialidad de Hollywood al tiempo que reconoce lo psicológicamente dañinas que pueden ser las actitudes sexistas sobre las mujeres "mayores". Y Qualley es igualmente mordaz como una versión casi satírica de la "belleza" juvenil insensible.

No sorprende que Elisabeth opte por The Substance, y tampoco sorprende que su arrogancia le provoque innumerables pesadillas. Pero, aunque algunas de esas complicaciones pueden esperarse, la reflexiva investigación de Fargeat sobre este concepto de película de terror sigue generando pequeñas sorpresas, comentando agudamente las formas en que envidiamos y despreciamos a nuestras yo más jóvenes, viéndolas como una entidad diferente a nosotros mismos. Además, las relaciones madre-hija, la efímera vigencia de la belleza y la horrorosidad general de los hombres se examinan con un gusto febril, a veces poco sutil. Pero nunca se juzga a Elisabeth por su decisión de crear este segundo personaje: "The Substance" ilustra repetidamente cómo poderosos misóginos como Harvey (el nombre es seguramente una referencia a Weinstein) llevan a las mujeres a tales extremos.

El diseñador de efectos especiales de maquillaje Pierre-Olivier Persin se convierte en el arma secreta de la película en su segunda mitad. A diferencia de otras películas que afirman ser de terror corporal, Fargeat lo hace de manera espectacular y repugnante, no solo evocando recuerdos de David Cronenberg sino también de Brian De Palma. Con 140 minutos de duración, "The Substance" puede resultar inflada y un poco repetitiva, pero el tiempo adicional le permite a Fargeat llevar su premisa perturbadora hasta su punto final lógico, divertido y absolutamente repugnante. 

Crítica Cinéfila: Late Night with the Devil

En la noche de Halloween de 1977, el caos se desata cuando el presentador Jack Delroy entrevista a una parapsicóloga y a una joven adolescente que es la única superviviente de una matanza masiva en una iglesia satánica. 

Hay una magia alocada en la televisión nocturna, donde las estrellas salen a brillar ante un público en vivo que aplaude y las reglas del decoro parecen relajadas en un ambiente de estudio que imita una sala de estar limpia y nítida. Sabemos que cada invitado está allí para promocionarse a sí mismo y a su último producto, pero entre las sonrisas practicadas y las bromas estratégicas, existe la embriagadora posibilidad de que algo impuro y real, algo impactante, incluso, pueda colarse a medida que nos acercamos a la medianoche. Este es el espacio resbaladizo y surrealista de la televisión celebrado en "Late Night with the Devil", una película de terror ordenada y temblorosa donde los programas de entrevistas y el mundo de los muertos chocan. 

Los guionistas y directores Cameron Cairnes y Colin Cairnes (también conocidos como los hermanos Cairnes) sitúan su película en el 1977. En televisión, Johnny Carson, con su amplia sonrisa y su agudo ingenio, era el rey del Late Night, un encantador embajador de todo Hollywood y sus travesuras en busca de fama. Así como Carson extendió gentilmente su sala de estar a la nuestra, también lo hicieron los horrores caseros del cine de los años 70. Películas aterradoras como "Carrie" y "The Exorcist" aterrorizaban a los espectadores con historias retorcidas de jóvenes de aspecto inocente irrevocablemente inclinadas hacia el mal y la devastación ante nuestros propios ojos. Con Late Night with the Devil, los hermanos Cairnes reúnen estos mundos de miedo y diversión en un viaje emocionante, mezquino y enfermizamente satisfactorio. 

El actor David Dastmalchian (The Suicide Squad, Ant-Man) se convierte en el centro de atención como el presentador de un programa de entrevistas, Jack Delroy. Un talentoso actor con el don de la palabra, su programa podría haber rivalizado con el dominio de Carson en los programas nocturnos, si no fuera por una tragedia personal el año anterior que rompió el corazón de Jack y descarriló la popularidad del programa. Desesperado por revivir sus perspectivas en decadencia, planea un programa de Halloween que el mundo nunca olvidará. Junto con un psíquico (que podría ser un estafador) y un escéptico profesional (que vive para causar problemas), Jack consigue una entrevista controvertida con una joven misteriosa. Lily (Ingrid Torelli) fue parte de un culto satánico devoto a un demonio peligroso. Una vez que se esfumó, ella fue la única que sobrevivió. Ahora, bajo el cuidado de su tutora/terapeuta (Laura Gordon), Lily ha venido a altas horas de la noche para compartir su historia, y tal vez presentarnos a su amigo especial, el Sr. Wriggles. 

Al plantear su argumento como precursor del pánico satánico de los años 80, los hermanos Cairnes rápidamente establecen una sensación de aprensión para sus espectadores, que conocen muy bien los rumores descabellados sobre adoradores del diablo, demonios, fantasmas y cerdos llamados Jodie que están por venir. El precursor del pánico moral y la paranoia es la ingenuidad perforada por un miedo penetrante. ¿Y qué mejor burbuja acogedora para perforar que la atmósfera agradable de un programa de entrevistas? 

Un ingenioso diseño de producción reconstruye cuidadosamente esta época. Tonos cálidos pero apagados de marrones, amarillos y naranjas se arremolinan en el escenario. Trajes elegantes y overoles de mezclilla ubican a los invitados en una época de estilo vanguardista y aparente inocencia, cuando una adolescente atendía la prensa vestida como una muñeca en lugar de una supermodelo. Mientras tanto, la cinematografía nos recuerda a la era del VHS, con fallos analógicos que podrían no ser nada... o podrían ser una advertencia de que algo va mal. Todos estos detalles capturan la época con tanta minuciosidad que, si no reconoces a los actores, podrías confundir Late Night with the Devil con un clásico de culto olvidado, del tipo auténtico que alguna vez se encontraba en las codiciadas cintas VHS. 

Sin embargo, la oda más importante a esta era es el tono del programa de entrevistas. Con una bravuconería despreocupada, Dastmalchian se pavonea en el papel de anfitrión imperturbable. Ya sea mostrando una sonrisa falsa para el público o bromeando con sus invitados en disputa, se siente profundamente integrado en esta marca alegre de entretenimiento y ventas. Al basar el primer acto en las realidades familiares del programa de entrevistas de los años 70, los hermanos Cairnes y Dastmalchian se meten debajo de nuestra piel y nos ponen la piel de gallina mientras arman un escándalo. 

Esta película no pretende ser tan llamativa en su espectáculo demoníaco como "Carrie" o "The Exorcist", que se jactaron de baldes de sangre de cerdo y vómitos vociferantes, respectivamente. Al igual que Rosemary's Baby, es una mezcla atmosférica que supura con trauma emocional. No se preocupe; habrá estallidos de bilis, sangre y una carnicería climática. Sin embargo, esos fragmentos sangrientos no serían tan contundentes si no fuera por la tensión dramática que ocurre detrás de escena del programa de entrevistas plagado de Jack. En cierto sentido, Dastmalchian debe asumir dos papeles: el de profesional consumado y el de desastre personal. Debajo de su traje a medida hay un corazón tembloroso que anhela algo más que grandes índices de audiencia gracias a este diabólico truco publicitario. Anhela una prueba de que hay algo más que esta vida, algo más allá. Y arriesgará cualquier cosa, incluso su alma, para lograr esta revelación. 

Dastmalchian ha interpretado con frecuencia a hombres espeluznantes (Prisoners) y criminales extravagantes (Ant-Man). Su característica intensidad se agita bajo la superficie incluso cuando Jack se porta bien ante la cámara del estudio. En sus ojos parpadea un fuego caótico de dolor, esperanza y ambición que no se puede sofocar. Y se refleja en la mirada desconcertante de una niña que dice albergar un espíritu demoníaco. Son una pareja hecha no en el cielo sino en el infierno. Y presenciar su enfrentamiento es una diversión de morderse las uñas. Rindiendo homenaje al horror de los años 70, "Late Night with the Devil" está impregnada de la estética de la época y su ansiedad moral emergente, así como del ritmo metódico que nos atrapa y no nos suelta hasta ese momento macabro final. 

Crítica Cinéfila: Blink Twice

Cuando el magnate de la tecnología Slater King conoce a la camarera Frida en su gala de recaudación de fondos, saltan chispas. Él la invita a acompañarle a él y a sus amigos a unas vacaciones de ensueño en su isla privada. Un auténtico paraíso. Las noches salvajes se mezclan con mañanas bañadas por el sol y todo el mundo se lo pasa en grande. Nadie quiere que el viaje termine, pero cuando empiezan a suceder cosas extrañas, Frida intuye que algo anda mal en ese lugar. Tendrá que descubrir la verdad si quiere salir viva de la fiesta.

A ninguna de las estrellas femeninas de la estridente y aguda ópera prima de Zoë Kravitz, Blink Twice (antes conocida como Pussy Island), se les dice directamente que sonrían, pero a medida que se les pregunta cada vez más cuánto se están divirtiendo ("¿te lo estás pasando bien?"), la implicación es clara. Más vale que se lo estén pasando bien. Más vale que sonrían. Y más vale que nunca olviden dónde están. A medida que las estrellas de Kravitz, incluida una excepcional Naomi Ackie y una reveladora Adria Arjona, se ven obligadas a pasar por varios tipos de autopresentación como autopreservación, la película de Kravitz cambia de forma caleidoscópicamente. Y no querrás perderte ni un solo fotograma.

Descrita simplemente como una especie de thriller #MeToo (o, quizás hablando con más malicia, un excelente ejemplo de si “Don't Worry, Darling” fuera doblemente inteligente y el triple de entretenida), la película de Kravitz no solo cuestiona las posibilidades del subgénero, sino que lo redefine por completo con clase y estilo. En general, Kravitz (que coescribió el guion con su compatriota de “High Fidelity”, ET Feigenbaum) se deleita en trabajar el doble de tiempo: “ Blink Twice ” es ingeniosamente divertida y animada, pero no a expensas de tener mucho que decir sobre lo que significa ser una mujer en un mundo claramente masculino. Especialmente si ese hombre es el genio de los negocios asediado Slater King (Channing Tatum), y su mundo es una exuberante isla tropical poblada completamente según sus especificaciones (drogas, Christian Slater, pescado de calidad para sushi).

La fijación de Frida (Ackie) con Slater King no parece encajar con las otras cosas que aprendemos sobre ella cuando la película de Kravitz comienza en su lúgubre apartamento de Nueva York. En un momento, está desplazándose ansiosamente por su feed de Instagram en busca de videos del ex magnate cancelado (nunca sabemos exactamente qué hizo Slater, solo que se disculpó mucho por sus aparentes "abusos de poder" y jura que ahora es un hombre cambiado, ayudado por su amor por la terapia y los gordos cheques que escribe para su fundación filantrópica), y al siguiente, está haciendo todo lo posible para alejar a su mejor amiga Jess (Alia Shawkat) de un exdespreciable. La aparente obsesión de Frida con Slater no cuadra con su inclinación pragmática, pero no sería la primera mujer en perder la cabeza por un hombre sexy y rico que jura que ahora es, realmente, uno de los buenos.

Pero la dualidad que se manifiesta en la actuación de Ackie es una arquetipo, no un defecto, como es el caso del resto de los grandes cambios que Kravitz saca de su repleto elenco. Cuando la camarera Frida se encuentra con Slater en su gala anual (donde, se insinúa, es posible que se hayan conocido el año pasado), no parece el tipo de hombre que necesita hacer una gira internacional de disculpas. El Slater de Tatum inicialmente parece un tipo humilde que principalmente quiere pasar tiempo con sus amigos, consumiendo drogas "con intención" y charlando sobre los beneficios de excavar en sus primeros traumas de la infancia, que parece que simplemente no puede recordar por completo. Sarah de Arjona también se lee al principio como una chica celosa a la que no le gusta que todas las otras mujeres llamen la atención de Slater; eso también se desenmascarará maravillosamente a lo largo de la película.

Mientras Slater y sus amigos (un vertiginoso reparto secundario que también incluye a Simon Rex, Haley Joel Osment, Levon Hawke, Liz Caribel, Trew Mullen y Kyle MacLachlan) se preparan para abandonar la gala para uno de sus viajes aparentemente regulares a la isla, a hacer una pausa. La fantasía de Cenicienta cobra vida: ¿Frida (y Jess también) querrían ir con ellos? ¡Lo harían sin pensarlo mucho!

Todos en la órbita de Slater son tan agradables, que cuando su asistente dispersa Stacy (Geena Davis, una delicia total) les pide que tiren sus teléfonos en una bolsa rosa brillante antes de poner un pie dentro de la villa, Frida y Jess no pueden decir que no. ¿Quién no querría borrar el resto del gran y malvado mundo y pasar este tiempo completamente involucrado con todos estos acogedores extraños? A medida que el champán comienza a fluir, siempre entregado por un miembro del personal sin rostro, siempre cubierto con una frambuesa fresca, sus días comienzan a fundirse en uno solo. ¿Qué día es? ¿Por qué nunca pueden recordar sus noches? ¿Por qué todo comienza a fundirse en un montaje de fiesta vertiginoso y desestabilizador? ¿Y por qué los chicos constantemente preguntan a las chicas si lo están pasando bien?

Los presagios extraños se acumulan, desde la omnipresente criada (María Elena Olivares) que aparentemente se burla de Frida con una frase de dos palabras ("conejo rojo") mientras pasa sus días arrancando serpientes de aspecto maligno del suelo, hasta un sinfín de cuchillos, cámaras que disparan y bolsas de regalo rojas y brillantes que aparecen aquí, allá, en todas partes. Las chicas reciben atuendos iguales (todas blancas, trajes de baño blancos, pareos blancos, vestidos blancos) en un gesto que Jess inicialmente califica de "raro" antes de que Frida, riendo, lo rebautice como "rico". Es una pregunta que persistirá: ¿es esto extraño o es solo algo que hacen los ricos?

Kravitz, con la ayuda del director de fotografía Adam Newport-Berra y la editora Kathryn J. Schubert, incorpora un sentido visual sofisticado y lúdico a cada fotograma de la película. Siempre hay mucho que ver en “Blink Twice”, mucho de lo cual es importante en el momento y aún más significativo a medida que se desarrolla la historia. Kravitz nos da todas las pistas, pero las distribuye de tal manera que aún nos sentimos genuinamente impactados por lo que realmente está sucediendo en la llamada Pussy Island de Slater, mientras que también, y esto es crucial, nunca sentimos que Kravitz y Feigenbaum están jugando con nosotros. Tampoco están tratando de mimarnos.

Cuando Kravitz finalmente revela lo que realmente le está sucediendo a Frida en sus supuestas vacaciones, el cineasta no duda en llevar “Blink Twice” a un terreno verdaderamente aterrador. El público se sorprenderá, pero Kravitz mantiene las implicaciones y el tono de su giro al construirlo inteligentemente en cada momento que lo antecede. No es sorprendente, pero tiene la capacidad de generar impacto. También es, en virtud de la trama precisa de Kravitz y Feigenbaum, merecido. 

A pesar de las implicaciones más pesadas de la película de Kravitz, la cineasta debutante mantiene un entusiasmo envidiable en todo momento, combinando humor y furia en un paquete mordaz. Te molestarás, te reirás, te quedarás sin aliento, te divertirás, sí, muy bien. También te maravillará la introducción de una cineasta con una visión nítida de lo que es el mundo y de lo que podría ser, al menos si las mujeres estuvieran a cargo.

Crítica Cinéfila: It Ends with Us

Lily Bloom (Blake Lively) es una mujer que se sobrepone a una infancia traumática para embarcarse en una nueva vida en Boston y perseguir su sueño de abrir su propio negocio. Un encuentro casual con el encantador neurocirujano Ryle Kincaid (Justin Baldoni) desata una intensa conexión entre ellos, pero al tiempo que ambos se enamoran profundamente, Lily comienza a ver en Ryle aspectos que le recuerdan la relación que tenían sus padres. 

Una mujer como Lily Bloom, la encantadora pero pobremente escrita protagonista de "It Ends With Us", ya existe en este mundo. Debajo de la superficie de las sonrisas y las risas se esconde una determinación férrea y un trauma de su pasado que le impide tolerar muchas situaciones en su presente. La joven condujo desde Boston hasta su ciudad natal en Maine para el funeral de su padre. El evento resultó ser un asunto tenso cuando Lily decidió abandonar el servicio por completo. A pesar de las súplicas anteriores de su madre, la joven no tiene palabras amables que decir sobre su padre. No puede enumerar cinco cosas que le gustaban de él. La raíz de esta tensión se hace más clara más adelante en esta adaptación de la popular novela de Colleen Hoover, dirigida y coprotagonizada por Justin Baldoni (Jane the Virgin). Pero hasta entonces, Lily (Blake Lively) se ocupa de su nueva vida en Boston. Esto implica abrir la floristería de sus sueños y enamorarse de Ryle Kincaid (Baldoni), un atractivo neurocirujano que conoce poco después del funeral.

También hace una nueva amiga, una mujer alegre que se topa con la floristería antes de su apertura. En la lógica de la narración artificial, Alysa (Jenny Slate) es, por supuesto, hermana de Ryle. Las citas dobles (con Lily, Ryle, Alysa y su esposo, Marshall (Hasan Minhaj)) se convierten en algo habitual. 

Como la vida de Lily, tal como se describe en la gramática visual íntima y en tonos dorados del director de fotografía Barry Peterson, parece un sueño, los detalles de pesadilla pueden pasar desapercibidos fácilmente. "It Ends With Us" es un retrato de abuso doméstico enmarcado en un romance. ¿Es posible colocar dicho tema en un género tan opuesto al mismo? Han habido casos con fórmulas narrativas mucho mejor ejecutadas, aún si se basaran en un libro. La novela de Hoover, que se ha estado más de dos años en la cima de la lista de los libros más vendidos del New York Times, fue criticada por su descripción del abuso de pareja. Algunos lectores consideraron que el enfoque en la relación de Lily con su abusador, Ryle, era manipulador. Otros culparon a las maquinaciones publicitarias por promocionar falsamente la novela como un romance de triángulo amoroso.

Pero una de las virtudes tanto de la novela como de la adaptación cinematográfica de Baldoni es la firmeza con la que su artista nos sitúa en la perspectiva de Lily, lo que facilita el acceso de los espectadores a las partes más "violentas" de la historia. El tiempo dedicado a comprender cómo Lily se enamora de Ryle aumenta los riesgos emocionales del difícil viaje de la florista y muestra lo coercitivas que pueden ser las relaciones abusivas. Aunque hay señales tempranas de problemas en la relación (el temperamento volátil de Ryle, por ejemplo, y la forma en que repetidamente empuja los límites de Lily), la película es efectiva en la forma en que arroja tanto la química entre los dos como algún tipo de duda escalofriante.  

En otros aspectos, "It Ends With Us" tiene más problemas. El guion, obra de Christy Hall, se esfuerza con algunos chistes iniciales que reconocen los clichés de la novela, pero la adaptación no se salva de la artimaña incorporada al texto original. Los detalles son escasos cuando no se centran en la lucha de Lily contra el abuso y los patrones generacionales que quiere romper. A través de flashbacks, nos enteramos de que una joven Lily (una excelente Isabela Ferrer) presenciaba rutinariamente cómo su padre golpeaba a su madre. Pocas personas, aparte de su interés amoroso de la escuela secundaria, Atlas (interpretado por Alex Neustaedter en su juventud y Brandon Sklenar en su adultez), conocen este período traumático de su vida. La profundidad de su vínculo se nos presenta en breves y conmovedores vistazos al pasado. 

Los problemas de cliché y vaguedad afectan a todos los personajes. A pesar de que la película dura más de dos horas, Lily, Ryle y, más tarde, Atlas siguen siendo obstinadamente superficiales. El encanto de Lively solo puede llevar a Lily hasta cierto punto antes de que el personaje comience a sentirse demasiado monótono. Cualquier interés del guion por explorar su negocio de floristería se evapora una vez que los hombres comienzan a ocupar un lugar más destacado en su vida. Su amistad con Alysa, aunque significativa para Lily, también está poco explorada. Una conversación posterior entre Lily y su madre (Amy Morton) es particularmente frustrante porque es una oportunidad perdida de abordar la compleja red de razones por las que los sobrevivientes luchan por abandonar relaciones abusivas. 

Pero el poco manejo y precaria profundización en los personajes quizás se deba a la manera tan haragana de cómo maneja la línea de tiempo de la historia, que parecería un accidente que quiera mostrar casi tres años de la vida del personaje en una historia. Pero vuelvo a recalcar que esto no sería una novedad para el género o para el tipo de historia. En este caso, es más bien vagancia narrativa. 

El tratamiento superficial de estos personajes en última instancia perjudica los temas más amplios que se tratan en "It Ends With Us". Sin comprender más sobre la comunidad más amplia de Lily o tener una idea más clara de cómo ella maneja la relación con Ryle, la película puede parecer demasiado liviana y tenue para soportar el peso de sus temas.

Temporada de Premios: Ganadores a la 76ta entrega de los Primetime Emmy Awards

Por segunda vez este año, Hollywood se reunió para honrar a las mayores estrellas de la televisión. 'Shogun' dominó con 18 victorias y 'The Bear' consiguió 11.

Después de que la ceremonia de 2023 se retrasara hasta enero de 2024 por las huelgas de actores y escritores ocurridas el año pasado en Hollywood, solo han pasado ocho meses desde que las mayores estrellas de la televisión se reunieron en el LA Live Peacock Theatre de Los Ángeles para anunciar a los ganadores del Emmy. Como hace meses, las estrellas de “The Bear”, Jeremy Allen White y Ebon Moss-Bachrach, volvieron a ganar el premio al mejor actor principal y actor de reparto en una comedia, y la coprotagonista Colón-Zayas ganó su primer Emmy en la carrera por la mejor actriz de reparto. La estrella de “Hacks”, Jean Smart, ganó el premio a la mejor actriz de comedia, y en la mayor sorpresa de la noche, “Hacks” de HBO ganó el premio a la mejor comedia sobre “The Bear”, que era la favorita.

“The Bear” rompió su propio récord de 10 premios de comedia en una sola temporada, que había logrado el año pasado, con sus 11 trofeos, incluyendo el de dirección para Christopher Storer. FX también tuvo una gran noche con “Shogun”, que ganó los premios a mejor drama, mejor actor principal para Hiroyuki Sanada, mejor actriz para Anna Sawai y mejor dirección para Frederick EO Toye. Después de ganar 14 premios en el Creative Arts Emmy el fin de semana pasado, “Shogun” ya rompió el récord de más premios para una serie en una sola temporada.

El éxito viral de Netflix “Baby Reindeer” ganó el premio a la mejor miniserie o antología, y su creador, Richard Gadd, se llevó el premio a mejor actor principal y guion. Su coprotagonista Jessica Gunning, que interpretó a su acosadora Martha, ganó el premio a mejor actriz de reparto. Jodie Foster ganó el primer Emmy de su carrera por su papel protagónico en “True Detective: Night Country” de HBO.

Eugene y Dan Levy, las estrellas de “Schitt's Creek”, ganadores de premios Emmy y dúo padre-hijo, presentaron la 76.ª edición de los premios Emmy. Al igual que la ceremonia anterior, la transmisión mostró varias reuniones y emparejamientos televisivos de padres famosos de la televisión, médicos, villanos y más. Las estrellas de “West Wing” Martin Sheen, Dulé Hill, Janel Moloney, Richard Schiff y Allison Janney se reunieron en el escenario en honor al 25ta aniversario de la serie. Las estrellas multigeneracionales de “Saturday Night Live” Kristen Wiig, Maya Rudolph, Seth Meyers y Bowen Yang también subieron al escenario para honrar la 50ta temporada de la serie de sketches y para burlarse de las 85 derrotas de Lorne Michaels en los premios Emmy. “Happy Days” también celebró su 50to aniversario, con Henry Winkler y Ron Howard apareciendo en el escenario en una recreación del escenario de la serie.

Vea la lista completa de ganadores a continuación:

Drama Series:

“Shōgun” (FX)

“The Crown” (Netflix)

“Fallout” (Prime Video)

“The Gilded Age” (Max)

“The Morning Show” (Apple TV+)

“Mr. and Mrs. Smith” (Prime Video)

“Slow Horses” (Apple TV+)

“3 Body Problem” (Netflix)

Comedy Series:

“Hacks” (Max)

“Abbott Elementary” (ABC)

“The Bear” (FX)

“Curb Your Enthusiasm” (Max)

“Only Murders in the Building” (Hulu)

“Palm Royale” (Apple TV+)

“Reservation Dogs” (FX)

“What We Do in the Shadows” (FX)

Limited or Anthology Series:

“Baby Reindeer” (Netflix)

“Fargo” (FX)

“Lessons in Chemistry” (Apple TV+)

“Ripley” (Netflix)

“True Detective: Night Country” (Max)

Lead Actress in a Comedy Series:

Jean Smart (“Hacks”)

Quinta Brunson (“Abbott Elementary”)

Ayo Edebiri (“The Bear”)

Selena Gomez (“Only Murders in the Building”)

Maya Rudolph (“Loot”)

Kristen Wiig (“Palm Royale”)

Lead Actor in a Comedy Series:

Jeremy Allen White (“The Bear”)

Matt Berry (“What We Do in the Shadows”)

Larry David (“Curb Your Enthusiasm”)  

Steve Martin (“Only Murders in the Building”)  

Martin Short (“Only Murders in the Building”)  

D’Pharaoh Woon-A-Tai (“Reservation Dogs”)

Lead Actress in a Drama Series:

Anna Sawai (“Shōgun”)

Jennifer Aniston (“The Morning Show”)

Carrie Coon (“The Gilded Age”)

Maya Erskine (“Mr. and Mrs. Smith”)

Imelda Staunton (“The Crown”)

Reese Witherspoon (“The Morning Show”)

Lead Actor in a Drama Series:

Hiroyuki Sanada (“Shōgun”)

Idris Elba (“Hijack”)

Donald Glover (“Mr. & Mrs. Smith”) 

Walton Goggins (“Fallout”)  

Gary Oldman (“Slow Horses”)  

Dominic West (“The Crown”) 

Lead Actress in a Limited or Anthology Series or Movie:

Jodie Foster (“True Detective: Night Country”)

Brie Larson (“Lessons in Chemistry”)  

Juno Temple (“Fargo”)  

Sofia Vergara (“Griselda”) 

Naomi Watts (“Feud: Capote vs. the Swans”)

Lead Actor in a Limited or Anthology Series or Movie:

Richard Gadd (“Baby Reindeer”)

Matt Bomer (“Fellow Travelers”)  

Jon Hamm (“Fargo”)  

Tom Hollander (“Feud: Capote vs. the Swans”)

Andrew Scott (“Ripley”)

Supporting Actress in a Comedy Series:

Liza Colón-Zayas (“The Bear”)

Carol Burnett (“Palm Royale”)

Hannah Einbinder (“Hacks”)

Janelle James (“Abbott Elementary”)

Sheryl Lee Ralph (“Abbott Elementary”)

Meryl Streep (“Only Murders In The Building”)

Supporting Actor in a Comedy Series:

Ebon Moss-Bachrach (“The Bear”)

Lionel Boyce (“The Bear”)

Paul W. Downs (“Hacks”)

Paul Rudd (“Only Murders In The Building”)

Tyler James Williams (“Abbott Elementary”)

Bowen Yang (“Saturday Night Live”)

Supporting Actress in a Drama Series:

Elizabeth Debicki (“The Crown”)

Christine Baranski (“The Gilded Age”)

Nicole Beharie (“The Morning Show”)

Greta Lee (“The Morning Show”)

Lesley Manville (“The Crown”)

Karen Pittman (“The Morning Show”)

Holland Taylor (“The Morning Show”)

Supporting Actor in a Drama Series:

Billy Crudup (“The Morning Show”)

Tadanobu Asano (“Shōgun”)

Mark Duplass (“The Morning Show”)

Jon Hamm (“The Morning Show”)

Takehiro Hira (“Shōgun”)

Jack Lowden (“Slow Horses”)

Jonathan Pryce (“The Crown”)

Supporting Actress in a Limited or Anthology Series or Movie:

Jessica Gunning (“Baby Reindeer”)

Dakota Fanning (“Ripley”)

Lily Gladstone (“Under The Bridge”)

Aja Naomi King (“Lessons In Chemistry”)

Diane Lane (“Feud: Capote vs. The Swans”)

Nava Mau (“Baby Reindeer”)

Kali Reis (“True Detective: Night Country”)

Supporting Actor in a Limited or Anthology Series or Movie:

Lamorne Morris (“Fargo”) 

Jonathan Bailey “(Fellow Travelers”)

Robert Downey Jr. (“The Sympathizer”)

Tom Goodman-Hill (“Baby Reindeer”)

John Hawkes (“True Detective: Night Country”)

Lewis Pullman (“Lessons In Chemistry”)

Treat Williams (“Feud: Capote vs. The Swans”)

Directing for a Comedy Series:

The Bear • Fishes • FX • FX Productions

Directed by Christopher Storer

Abbott Elementary • Party • ABC • Delicious Non-Sequitur Productions and Fifth Chance in association with Warner Bros. Television and 20th Television

Directed by Randall Einhorn

The Bear • Honeydew • FX • FX Productions

Directed by Ramy Youssef

The Gentlemen • Refined Aggression • Netflix • Netflix, Moonage Pictures and Miramax TV

Directed by Guy Ritchie

Hacks • Bulletproof • HBO | Max • Universal Television in association with Paulilu, First Thought Productions, Fremulon Productions, 3 Arts Entertainment

Directed by Lucia Aniello

The Ms. Pat Show • I’m The Pappy • BET+ • Imagine Television, Lee Daniels Entertainment and Dae Light Media

Directed by Mary Lou Belli

Directing for a Drama Series:

Shōgun • Crimson Sky • FX • FX Productions

Directed by Frederick E.O. Toye

The Crown • Sleep, Dearie Sleep • Netflix • Left Bank Pictures and Sony Pictures Television for Netflix

Directed by Stephen Daldry

The Morning Show • The Overview Effect • Apple TV+ • Media Res in association with Apple

Directed by Mimi Leder

Mr. & Mrs. Smith • First Date • Prime Video • Amazon MGM Studios, Big Indie Pictures

Directed by Hiro Murai

Slow Horses • Strange Games • Apple TV+ • See-Saw Films in association with Apple

Directed by Saul Metzstein

Winning Time: The Rise Of The Lakers Dynasty • Beat L.A. • HBO | Max • HBO in association with HyperObject Industries, Steeplechase Amusements, Jim Hecht Productions and Jason Shuman Productions

Directed by Salli Richardson-Whitfield

Directing for a Limited or Anthology Series or Movie:

Ripley • Netflix • Showtime and Endemol Shine North America in association with Entertainment 360 and Filmrights for Netflix

Directed by Steven Zaillian

Baby Reindeer • Episode 4 • Netflix • A Netflix Series / A Clerkenwell Films Production

Directed by Weronika Tofilska

Fargo • The Tragedy Of The Commons • FX • FX Presents an MGM/FXP Production

Directed by Noah Hawley

Feud: Capote vs. The Swans • Pilot • FX • FX Productions, 20th Television

Directed by Gus Van Sant

Lessons In Chemistry • Poirot • Apple TV+ • Apple Studios

Directed by Millicent Shelton

True Detective: Night Country • HBO | Max • HBO in association with Peligrosa, Neon Black, Anonymous Content, Parliament of Owls and Passenger

Directed by Issa López

Writing for a Comedy Series:

Hacks • Bulletproof • HBO | Max • Universal Television in association with Paulilu, First Thought Productions, Fremulon Productions, 3 Arts Entertainment

Written by Lucia Aniello, Paul W. Downs and Jen Statsky

Abbott Elementary • Career Day • ABC • Delicious Non-Sequitur Productions and Fifth Chance in association with Warner Bros. Television and 20th Television

Written by Quinta Brunson

The Bear • Fishes • FX • FX Productions

Christopher Storer, Written by

Written by Joanna Calo

Girls5eva • Orlando • Netflix • Universal Television for Netflix

Meredith Scardino, Written by

Written by Sam Means

The Other Two • Brooke Hosts A Night Of Undeniable Good • HBO | Max • Max in association with Broadway Video, Above Average, Jax Media, Kelly/Schneider and MTV Entertainment Studios

Written by Chris Kelly and Sarah Schneider 

What We Do In The Shadows • Pride Parade • FX • FX Productions

Written by Jake Bender and Zach Dunn

Writing for a Drama Series

Slow Horses • Negotiating With Tigers • Apple TV+ • See-Saw Films in association with Apple

Written by Will Smith

The Crown • Ritz • Netflix • Left Bank Pictures and Sony Pictures Television for Netflix

Peter Morgan, Written by

Written by Meriel Sheibani-Clare

Fallout • The End • Prime Video • Amazon MGM Studios and Kilter Films in association with Bethesda Game Studios and Bethesda Softworks

Geneva Robertson-Dworet, Written by

Written by Graham Wagner

Mr. & Mrs. Smith • First Date • Prime Video • Amazon MGM Studios, Big Indie Pictures

Francesca Sloane, Written by

Written by Donald Glover

Shōgun • Anjin • FX • FX Productions

Rachel Kondo, Written for Television by

Written for Television by Justin Marks

Shōgun • Crimson Sky • FX • FX Productions

Rachel Kondo, Written for Television by

Written for Television by Caillin Puente

Writing for a Limited or Anthology Series or Movie:

Baby Reindeer • Netflix • A Netflix Series / A Clerkenwell Films Production

Written by Richard Gadd

Black Mirror • Joan Is Awful • Netflix • Broke & Bones for Netflix

Written by Charlie Brooker

Fargo • The Tragedy Of The Commons • FX • FX Presents an MGM/FXP Production

Written by Noah Hawley

Fellow Travelers • You’re Wonderful • Showtime • SHOWTIME Presents a Fremantle and Showtime Studios Production

Ron Nyswaner, Written for Television by

Ripley • Netflix • Showtime and Endemol Shine North America in association with Entertainment 360 and Filmrights for Netflix

Written for Television by Steven Zaillian

True Detective: Night Country • Part 6 • HBO | Max • HBO in association with Peligrosa, Neon Black, Anonymous Content, Parliament of Owls and Passenger

Written by Issa López

Reality Competition Program:

“The Traitors”

“The Amazing Race”

“RuPaul’s Drag Race”

“Top Chef”

“The Voice”

Scripted Variety Series:

“Last Week Tonight With John Oliver”

“Saturday Night Live”

Talk Series:

“The Daily Show”

“Jimmy Kimmel Live!”   

“Late Night With Seth Meyers”

“The Late Show With Stephen Colbert”

Writing for a Variety Special: Alex Edelman: 

Just For Us • HBO | Max • HBO in association with Above Average

Written by Alex Edelman

Jacqueline Novak: Get On Your Knees • Netflix • Animal Pictures and Irwin Entertainment for Netflix

Written by Jacqueline Novak

John Early: Now More Than Ever • HBO | Max • HBO in association with Abso Lutely Productions

Written by John Early

Mike Birbiglia: The Old Man And The Pool • Netflix • Jax Media for Netflix

Written by Mike Birbiglia

The Oscars • ABC • Academy of Motion Picture Arts and Sciences