Crítica Cinéfila: Simone Biles Rising

Simone Biles tiene una asignatura pendiente. En los Juegos Olímpicos de Tokio 2020 fue una de las grandes historias de la competición. Pero en el deporte, como en la vida, las competiciones no siempre salen como se planean. En el caso de Simone, el mundo fue testigo en primera fila de cómo su lucha privada contra la salud mental estallaba en la escena internacional y la obligaba a retirarse de la competición. Desde entonces, Simone ha trabajado duro: afrontando los difíciles traumas de su pasado, aprendiendo a gestionar su salud mental, abrazando su viaje y, en el proceso, reconstruyendo su gimnasia desde los cimientos. Su coraje para volar no tiene límites, ya que este verano planea volver al escenario olímpico una vez más para hacer lo que siempre ha hecho: ser la mejor Simone que pueda ser. Porque, a pesar de todo, Simone sigue levantándose.

Si viste "Simone Biles Rising" y te maravillaste de lo que puede hacer la gimnasta más condecorada de la historia de la gimnasia, habrás bien invertido un par de horas. Es asombroso verla moverse por el aire, contorsionando rápidamente su cuerpo con un movimiento tan asombroso que la gimnasia todavía tiene que ajustar sus parámetros para adaptarse a sus habilidades. Hay movimientos que llevan el nombre de Biles, algunos de los cuales solo ella ha realizado. Pero la historia de Biles es mucho más dramática que su legendaria destreza física. Esta serie documental de cuatro partes, cuya primera mitad llega justo antes de su regreso al escenario olímpico en París, tiene más giros que sus rutinas más intrincadas.

Han pasado casi cuatro años desde que Biles sorprendió al mundo del deporte al retirarse de los Juegos Olímpicos de Tokio 2020, a mitad de la competición. Había sido la cara de los Juegos, se esperaba que batiera récords, se llevara múltiples medallas de oros y consolidara su condición de la mejor de todos los tiempos. Pero Tokio, que se celebró en medio de las restricciones y el aislamiento de la pandemia de Covid, no salió como estaba previsto. “El cuerpo sólo puede funcionar durante un tiempo determinado antes de que se le escapen los fusibles”, afirma Biles, que sufrió un grave caso de “twisties”, en el que las gimnastas pierden el sentido de la posición y se desorientan en el aire. “La mayoría de las veces, no tiene relación con la gimnasia, sino con la salud mental”, señala secamente uno de sus entrenadores, Laurent Landi.

"Simone Biles Rising" equilibra un retrato más general de su vida y carrera con preguntas sobre las demandas del deporte de élite, particularmente en un mundo de constante escrutinio inexperto a través de las redes sociales. Los cineastas han tenido un acceso extraordinario a la gimnasta, a su familia y a su vida familiar. Conocemos a todos, desde su esposo, el jugador de la NFL Jonathan Owens, hasta su madre, Nellie. Vemos a su familia reunida frente al televisor para verla en los Juegos Olímpicos de 2020 y vemos el momento en que se dan cuenta de que todo se está desmoronando. Inmediatamente después de Tokio, Biles se filma a sí misma hablando de su vergüenza y confusión. Admite que "quiso dejarlo, como, 500,000 veces". No estaba segura de volver alguna vez.

Existe la sensación de que, cuando se trata de figuras públicas, podemos hablar de la preocupación por la salud mental y al mismo tiempo seguir irritados por los “inconvenientes” percibidos de los problemas de salud no visibles. En este sentido, hay un cierto ajuste de cuentas. Los expertos que la criticaron por “abandonar” y “decepcionar a su equipo” se muestran en toda su insensibilidad. Biles lee tweets acusatorios sobre ella y la cámara se detiene en su rostro mientras reacciona. Ella escucha los comentarios maliciosos mucho más fuerte que los de apoyo, admite. Un periodista de L'Equipe lo resume con un encogimiento de hombros: “¿Cómo es posible tratar con gente tan tonta?”. Al igual que el documental de Netflix de 2021 sobre la tenista Naomi Osaka, este humaniza a la atleta y suplica gentilmente compasión.

El primer episodio es bastante amplio. Da la impresión de un compromiso entre todo ese acceso íntimo y la verdadera franqueza, pero, en el segundo episodio, la serie se ha asentado cómodamente. Después de centrarse inicialmente en la fricción entre las presiones públicas y privadas, el segundo episodio desarrolla de manera efectiva esta indignación naciente sobre el entrenamiento de élite que lleva a las jóvenes a sus límites, y más allá, al tiempo que amplía la historia de la vida de Biles más allá de la información biográfica básica.

La serie retoma el tema cuando se prepara para volver a competir en gimnasia internacional y vuelve a explorar el sistema “muy militar” que fomentó su talento. Habla de su educación traumática, su tiempo en hogares de acogida y de cómo fue adoptada por sus abuelos. Habla del exmédico del equipo de gimnasia de Estados Unidos, Larry Nassar, que está encarcelado, y de las complejidades de ser una sobreviviente pública de abuso sexual y una defensora de las víctimas. Habla de ser una mujer negra en un deporte con estándares visuales construidos en torno a las niñas y mujeres blancas. Cuando habla de Tokio como una especie de respuesta al trauma, uno empieza a preguntarse cómo funcionó y cómo lo hizo durante tanto tiempo.

La Biles que habla hoy ante la cámara parece mucho más feliz y relajada que la pensativa figura de Tokio. Habla de hacer espacio en su vida para algo más que la gimnasia y de cómo eso le ha permitido volver a disfrutar de lo que hace. Este documental plantea un regreso al escenario olímpico de forma hermosa: sin presión, pero sin duda va a París como la atleta a vencer. Mucho más que eso, esto insinúa una sensación de que, aunque sea lentamente, el deporte está evolucionando. Tal vez se esté volviendo más amable y más humano.

Crítica Cinéfila: In a Violent Nature

Un grupo de jóvenes se lleva un medallón de una torre de vigilancia contra incendios derrumbada en el bosque. Lo que desconocen es que esta sepulta el cadáver podrido de Johnny, un espíritu vengativo impulsado por un horrible crimen ocurrido hace 60 años. Y una vez se llevan el medallón, su cuerpo resucita con el único propósito de recuperarlo. El no-muerto acecha al grupo de adolescentes de vacaciones responsables del robo y en su misión de recuperar el medallón procede a masacrarlos uno tras otro, junto con cualquiera que se interponga en su camino.

Las películas de terror suelen quedar atrapadas entre momentos espeluznantes debido a la débil trama y a los personajes acartonados que se supone que aportan integridad estructural a su contenido impactante. “In a Violent Nature” evita esos errores al eludir casi por completo las sutilezas habituales de la narrativa y los detalles psicológicos. Hay una historia de fondo explicativa (aunque fragmentada), pero por lo demás, la primera película del guionista y director Chris Nash aborda el tema sangriento habitual con una especie de pureza minimalista, gracias a que se centra casi por completo en el punto de vista del mismísimo asesino. 

Es una táctica que fácilmente podría volverse monótona. Sin embargo, esta película independiente canadiense logra mantenernos interesados, provocando en el espectador un cierto temor y, en ocasiones, incluso una cierta empatía.

Al principio (y de nuevo durante un tramo de pánico al final) parece que volvemos al territorio de "The Blair Witch Project", cuando unos excursionistas fuera de cámara hurgan en las ruinas de una torre de vigilancia de incendios forestales. Uno de ellos espía un collar colgado de una tubería, que se guarda en el bolsillo antes de irse. Nuestra sospecha de que quitar este talismán podría ser una mala idea pronto da sus frutos, ya que inmediatamente el suelo se mueve y la figura de un hombre cubierto de tierra emerge. Se dirige a una casa decrépita en el límite de estos parques (en la que una vez vivió la entidad, según deducimos por un momento fantasioso), donde un cazador furtivo local tiene la desgracia de estar. 

Esta primera muerte no es gráfica, pero esa moderación no durará mucho. Esa noche, el ghoul se siente atraído por una fogata afuera de una cabaña, y nos presenta a siete jóvenes que se alojan allí. Uno de ellos (Sam Roulston) cuenta la leyenda local de la "Masacre de White Pine", en la que unos leñadores se metieron con el hijo "mentalmente discapacitado" del dueño de una tienda. Sus bromas llevaron inadvertidamente a la muerte del niño (al caerse de la mencionada torre de vigilancia contra incendios) seguida de la misteriosa matanza de los hombres (más tarde, en el presente, un guardabosques interpretado por Reece Presley desarrolla esta historia un poco más). 

No hace falta decir que nuestro mudo e implacable agresor (Ry Barrett) es ese Johnny agraviado que vuelve a la vida vengativa, causando graves daños corporales a todo aquel que encuentra. Al irrumpir en una estación de guardabosques, adquiere herramientas oxidadas de valor histórico convertido en homicida de vitrinas. El caos posterior es vívido, por decir lo menos. La inclinación de Nash por los planos largos y sostenidos abarca algunos golpes de transición fluida entre un actor visiblemente intacto y un resultado espantoso. 

Naturalmente, hay una chica final (Andrea Pavlovic). Pero como estamos casi completamente centrados en la perspectiva del asesino no muerto (principalmente desde una posición de cámara móvil detrás de él mientras se arrastra por el bosque), estas víctimas, frecuentemente petulantes y discutidoras, nunca requieren mucha dimensionalidad. Su eventual comprensión de que algo está muy mal ocurre principalmente fuera de la pantalla, y el diálogo se escucha brevemente en los momentos antes de que se enfrenten al peligro letal.

Aparte de los fragmentos de historia hablada antes mencionados, el único interludio verbal prolongado proviene de Lauren Taylor, en una aparición tardía como una buena samaritana pasajera. Su monólogo va más allá en términos de arriesgarse a disipar la atmósfera espeluznante. Aun así, en última instancia, el estado de ánimo de amenaza se mantiene lo suficiente como para un desvanecimiento inquietante.

Utilizando una relación de aspecto casi cuadrada, el director de fotografía Pierce Derks hace que los parajes naturales del norte de Ontario sean encantadores y siniestros a la vez, con suficiente variedad en las tácticas visuales para que la película nunca se quede estancada en la rutina estilística de la cámara en primera persona. La ausencia total de música original (se escucha algo de música incidental de radios) acentúa principalmente la tensión. 

“In a Violent Nature” no es exactamente la película de terror más aterradora de la historia; no tiene mucho humor ni complejidad. Sin embargo, su enfoque simplificado de una trama familiar tiene una particularidad impresionante y seguramente complacerá a los fanáticos que siempre están dispuestos a ver una nueva película de terror distinta al resto. 

Crítica Cinéfila: MaXXXine

Maxine, superviviente de los sangrientos incidentes de X, continúa su viaje hacia la fama para ser actriz en el Los Ángeles de la década de 1980.

MaXXXine, un glorioso himno a la sensualidad escabrosa y el exceso sangriento del "sexploitation" y el terror de los años 80, completa la trilogía de Ti West de exhibiciones estelares para su intrépida musa Mia Goth con una nota deliciosa. Al igual que sus predecesoras, "X" y "Pearl", se trata de una alegre inmersión en los tropos del cine retro con una vívida evocación de la época, esta vez con un reparto secundario de lujo. Como dice la cineasta británica fría como Elizabeth Debicki que le da a Maxine Minx la oportunidad de saltar del estrellato del porno a una carrera más legítima sobre su proyecto de largometraje: "Es una película B con ideas A". Esto se aplica igualmente a la última película psicosexual de West. Si bien nunca descuida el derramamiento de sangre y las vísceras derramadas del terror slasher de manual, cada una de las tres películas distintivas pero cohesivas (el guionista y director no ha descartado una cuarta) funciona como un homenaje cariñoso a la estética cinematográfica de una era en particular.

"X", ambientada en el país de La Masacre de Texas con un aire oscuro y sucio a grindhouse, cuenta la historia de un equipo de filmación amateur que filma una película porno en una casa rural a fines de los años 70, hasta que sus marchitos anfitriones de Holy Roller se enteran de lo que está sucediendo en el granero. "Pearl" retrocedió en el tiempo hasta 1918 para conocer la historia de fondo de la esposa del granjero, cuando la juventud y la belleza estaban de su lado y sus sueños de estrellato aún estaban intactos, mezclando el estilo exuberante de un melodrama de mediados de siglo con el de los musicales en Technicolor.

Goth cumplió una doble función en "X", interpretando a Maxine, la novia y estrella del director de películas para adultos, y a la bruja homicida Pearl. En la siguiente película, se metió en la piel de la joven Pearl, que se irritaba bajo las restricciones de su madre opresiva mientras anhelaba la fama y descubría su voraz libido. En un momento memorable, se sube a un espantapájaros para divertirse sexualmente, una escena típica de la inclinación de West por los guiños, dado que la obra porno de "X" se titulaba "The Farmer's Daughter".

La nueva entrega, ambientada en 1985, retoma la historia de Maxine, una mujer de unos 30 años que está en la cima como una auténtica estrella del floreciente mercado del porno en vídeo y que se pasea por Hollywood en un descapotable con matrícula de vanidad “MaXXXine”, aunque todavía tiene que complementar su trabajo en el cine para adultos con un espectáculo erótico. Tomó como base el caso de un asesino en serie apodado "the Night Stalker" que aterrorizaba Los Ángeles, atacando a mujeres jóvenes. Pero Maxine insiste en que puede cuidar de sí misma, lo que demuestra dándole una dolorosa lección a los testículos de un asaltante que le apunta con un cuchillo vestido de Buster Keaton (Zachary Mooren). 

Los asesinatos de Night Stalker han avivado las llamas de los cruzados de los valores familiares que protestan contra la violencia y la obscenidad que inundan el mercado del entretenimiento, y West (que también editó) enfatiza ese clima de histeria moral al incluir un clip rápido del líder de Twisted Sister, Dee Snider, llegando a testificar ante un comité del Senado en oposición a la censura de la industria musical.

El atractivo de la celebridad y la intersección pegajosa entre lo carnal y lo espiritual han sido una corriente subyacente que recorre la trilogía. Es lógico que la película casera en blanco y negro que sirve de prólogo a MaXXXine (en la que una niña baila mientras su padre predicador, fuera de cámara, le asegura que será la estrella de su iglesia) tenga ecos espantosos de la actualidad. “No aceptaré una vida que no merezco”, dice la niña, repitiendo obedientemente el credo de su padre. 

La película propiamente dicha comienza mientras observamos desde el interior de un estudio de sonido a oscuras cómo Maxine abre las puertas y entra con confianza bajo una cascada voluminosa de cabello, en un top de mezclilla con escote halter y jeans a juego con botas de tacón de aguja. Lee para el papel principal en "The Puritan 2", un thriller de posesión demoníaca que la ambiciosa directora Liz Bender (Debicki) pretende que sea su trampolín desde los videos desagradables a los proyectos convencionales. Maxine también lo ve como su vehículo de transición. Naturalmente, clava la audición, burlándose alegremente de la fila de rubias afuera diciéndoles que están perdiendo el tiempo. Liz exige el compromiso total de Maxine, pero eso resulta un desafío cuando siguen apareciendo distracciones no deseadas, y entre ellas, los destellos de recuerdos traumáticos del pasado.

Dos de sus amigas del mundo del porno, Amber (Chloe Farnworth) y Tabby (Halsey), son vistas por última vez cuando se dirigen a una fiesta en Hollywood Hills, organizada por un misterioso productor. Maxine recibe una grabación anónima en video de una violencia perturbadora, y dos detectives, Williams (Michelle Monaghan) y Torres (Bobby Cannavale), comienzan a presionarla para que comparta información mientras las víctimas relacionadas con ella comienzan a multiplicarse.

Peor aún, el sórdido investigador privado de Louisiana John Labat (Kevin Bacon) se convierte en una molestia, actuando como mediador para un cliente misterioso que inicialmente solo se ve como un par de manos apretadas con guantes de cuero negro. El abogado de Maxine, Teddy (Giancarlo Esposito), demuestra ser útil para lidiar con las plagas, lo que resulta en una de las muertes más espectaculares de la trilogía. Pero la valentía de Maxine finalmente la lleva a una situación donde se enfrenta cara a cara con su pasado.

La sensibilidad de West para el tiempo y el lugar es impecable, desde la sordidez vulgar y llamativa del Hollywood Boulevard de aquella época, con su variedad de punks, fenómenos e imitadores de famosos, hasta el “pánico satánico” de fuego y azufre del demente clímax. Hay humor en el uso de lugares famosos, desde una acción estratégica que se desarrolla alrededor del cartel de Hollywood hasta un estreno llamativo en el Chinese Theater; desde la casa de Psicosis que todavía se encuentra en el backlot hasta una toma de la bota de Maxine apagando un cigarrillo en una estrella del Paseo de la Fama.

Cuando dos víctimas de asesinato aparecen en el cementerio Hollywood Forever, un policía informa a Williams y Torres: “Un par de homosexuales que rondaban la tumba de Judy Garland encontraron los cuerpos”. Ese es uno de los muchos diálogos que recuerdan a la época (aunque es históricamente incorrecto dado que los restos de Garland recién fueron trasladados allí en 2017). Las habilidades de West en el género se combinan con su preferencia por el aspecto y la sensación de las películas B de los años 80, una referencia inequívoca que, no obstante, trasciende el pastiche.

Cuenta con la inestimable ayuda del director de fotografía de la trilogía, Eliot Rockett, que consigue algunas secuencias fascinantes, sobre todo al principio, cuando Maxine sale de su coche y entra en un estudio pornográfico, sacando una dosis de cocaína de un tarro de galletas de gran capacidad mientras se prepara para rodar una escena de enfermera traviesa. Otra gran secuencia muestra a Liz y Maxine dando vueltas por el estudio en un carrito de golf, ofreciendo comentarios casuales sobre las líneas borrosas entre la realidad y la ilusión en Hollywood. La película cambia atmosféricamente entre la abrasadora luz del día y los sombríos paisajes nocturnos, marcados aquí y allá con luces de neón.

El hábil uso de cortinillas, pantalla dividida y cambios de relación de aspecto también evocan el estilo cinematográfico de la época, al igual que la sabrosa escenografía y el diseño de vestuario de Jason Kisvarday y Mari-An Ceo, respectivamente. Los nostálgicos devorarán los éxitos de la banda sonora, entre ellos los temas de ZZ Top, New Order, Judas Priest y Kim Carnes, junto con el indispensable ritmo synth-pop de “Obsession” de Animotion. Y la escalofriante banda sonora de Tyler Bates ayuda a aumentar el suspenso.

La película saca mucho partido de su reparto. Debicki es una mujer decidida, determinada a dejar su huella en un mundo que sigue siendo de hombres; Esposito, un agente sospechoso que protege paternalmente a su cliente; Monaghan y Cannavale establecen una dinámica vivaz entre los socios de la ley, con Williams como la inteligente y sensata, y el actor fracasado Torres como el más impetuoso; y Bacon le da un mordisco al sucio y sudoroso Labat con gusto y un gran acento N'Awlins, mientras bebe un Bloody Mary o un trago de una botella de Pepto Bismol.

Halsey es una buena Debi Mazar en su breve papel, mientras que Lily Collins es divertida como una trasplantada de un barrio residencial de North Yorkshire que tuvo su oportunidad en la primera película puritana, el músico y actor Moses Sumney tiene un atractivo relajado como el amigo de Maxine de la tienda de videos de abajo, y Simon Prast se destaca con un papel clave que es mejor mantener como una sorpresa.

En definitiva, por supuesto, este es el show de Mia Goth y los fans no lo cambiarían por nada. Es una presencia magnética que fortalece su autoridad como una nueva raza de reina del grito, lo suficientemente dura para repartir castigos y también para recibirlos.

En el espacio de tan solo dos años, la actriz y su director han preparado una trilogía de películas de terror sumamente entretenida que hace guiños al pasado mientras avanza hacia el metafuturo, ensartando deliciosamente la búsqueda de la fama y el atractivo del deseo con una visión subversiva de la cosificación femenina y una efusión de amor por el arte de hacer películas. Mientras Maxine se corta una raya de cocaína con su tarjeta de SAG, es posible que desees que no hayamos visto lo último de ella.

Temporada de Premios: Ganadores de la 5ta entrega del Premio de la Crítica Cinematográfica ADOPRESCI

En una ceremonia realizada en los salones del Centro Cultural Banreservas, la Asociación Dominicana de Prensa y Crítica Cinematográfica (Adopresci) hizo entrega de los galardones del Premio de la Crítica Cinematográfica como parte de la celebración de sus 5 años como asociación.

En esta quinta edición, celebrada el pasado 18 de julio bajo los auspicios de Banreservas, la Dirección General de Cine, EGEDA Dominicana y la empresa Logomarca, ADOPRESCI premió lo mejor de las producciones cinematográficas dominicanas estrenadas a lo largo del año 2023, tanto en ficción como en documental.

El gran ganador de la noche fue la comedia negra “Cuarencena” de David Maler, la cual obtuvo 7 reconocimientos, incluyendo el de Mejor Película de Ficción, junto a los renglones de Mejor Dirección, Mejor Dirección de Fotografía, Mejor Diseño de Producción, Mejor Sonido y Mejor Musicalización. Mientras que entre las producciones documentales, el premio fue para “Yaque” de Oliver Olivo, que narra la historia del río, su impacto e influencia en las comunidades que lo bordean.

En la categoría de Mejor Actor, el premio fue para Luis José Germán (Cuarencena), quien obtuvo el galardón por su interpretación de un chef particular que maneja los hilos y el trayecto de la historia a través de sus sofisticados platos. Durante su discurso, reconoció el trabajo de los demás actores y agradeció el reconocimiento de este trabajo.

En la categoría de Mejor Actriz, el galardón fue para Fidia Peralta por su retrato visceral de una mujer que necesita escapar de la amalgama que la condena irremediablemente a la miseria en “La balada de los cuervos”. La actriz tuvo una de las mejores reacciones de la noche, donde estimó la palabra de los críticos y su aporte hacia su propio rol como actriz.

En la categoría de Mejor Guion, el premio fue otorgado a los cineastas y guionistas Victoria Linares Villegas y Diego Cepeda por el documental “Ramona”, una construcción, entre lo real y lo ficcional, de la problemática de los embarazos en adolescentes en el país.

Esta quinta edición también sirvió para rendir un emotivo homenaje que ADOPRESCI otorgó, como Reconocimiento Especial Personaje de la Industria Cinematográfica, de manera póstuma, al maestro de la actuación y dirección Pericles Mejía Molina, por su legado de conocimiento y experiencia hacia varias generaciones de actores y actrices. El homenaje incluyó la presentación de un video que recoge su trayectoria, así como una placa conmemorativa que fue recibida por su hijo Marc Mejía, quien agradeció el gesto de la asociación hacia su padre.

Aquí les comparto la lista completa de ganadores:

MEJOR PELÍCULA DE FICCIÓN: Cuarencena (David Maler)

La Hembrita (Laura Amelia Guzmán)

Croma Kid (Pablo Chea)

Convivencia (José Gómez de Vargas)

El Vendedor de Arte (Marcel Fondeur)

MEJOR DIRECCIÓN: Cuarencena (David Maler)

La hembrita (Laura Amelia Guzmán)

Croma Kid (Pablo Chea)

Convivencia (José Gómez de Vargas)

El Método (David Maler)

MEJOR GUION: Ramona (Victoria Linares Villegas, Diego Cepeda)

Cuarencena (David Maler)

La hembrita (Laura Amelia Guzmán)

Ramona (Victoria Linares Villegas, Diego Cepeda)

Convivencia (Tony Gómez Guzmán)

El Vendedor de Arte (Marcel Fondeur)

MEJOR ACTRIZ: Fidia Peralta (La Balada de los Cuervos)

Cecilia García (La hembrita)

Soraya Pina (Cuarencena)

Georgina Duluc (El Método)

Pachy Méndez (Convivencia)

MEJOR ACTOR: Luis José Germán (Cuarencena)

Pepe Sierra (El Método)

Gerardo Mercedes (Convivencia)

Ramón Emilio Candelario (Danny 45)

Francis Cruz (el vendedor de arte)

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Luis Enrique Carrión (Cuarencena)

Israel Cárdenas (La hembrita)

Israel Cárdenas (Croma Kid)

Oliver Mota (Convivencia)

Sebastián Cabrera Chelín (El Método)

MEJOR SONIDO: Croma Kid (Denis Godoy y Homer Mora)

Cuarencena (Denis Godoy y Homer Mora)

La hembrita (Denis Godoy y Homer Mora)

Convivencia (Denis Godoy)    

El Método (Denis Godoy)

MEJOR EDICIÓN: Cuarencena (Israel Cárdenas y Pablo Chea)

La hembrita (Israel Cárdenas)

Croma Kid (Israel Cárdenas, Pablo Chea y Fernando Henríquez)

Convivencia (José Gómez De Vargas)

El Método (Nacho Ruiz Capillas)    

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Cuarencena (Shaina Cohen)

La hembrita (Mónica de Moya y Wilhem Pérez)

Croma Kid (Mónica de Moya)

Convivencia (Mónica de Moya)

El Método (Shaina Cohen)

MEJOR MUSICALIZACIÓN: Cuarencena (John Benitez Quartet)

La Hembrita (Grégorie Blanc)

Croma Kid (Grégorie Blanc)

Convivencia (José Torres y Luis Payan)

El Método (Sergio Jiménez Lacima)

MEJOR ELENCO: El Método

Cuarencena

Danny 45

El vendedor de arte

Convivencia

MEJOR DOCUMENTAL: Yaque (Oliver Olivo)

Tumba y Quema (José María Cabral)

No me conoces (Nashla Bogaert)

Ramona (Victoria Linares Villegas)

Renacer (Tito Rodríguez)

Sobre ADOPRESCI y los 5 años del “Premio de la Crítica”

ADOPRESCI es una organización de gestión colectiva fundada el 9 de febrero de 2019 por iniciativa de Alfonso Quiñones, con el objetivo de congregar a periodistas y críticos de cine para educar y orientar al público y respaldar la industria del cine desde la óptica de quienes analizan las películas.

Desde la celebración de su primera edición, efectuada el 5 de febrero de 2020 en el Hodelpa Casa Real de la Ciudad Colonial, dentro del marco de la Quincena de Cine, evento de promoción del arte y la cultura dominicana a través del séptimo arte, auspiciado por la Dirección General de Cine, la asociación ha mantenido un trabajo sistemático en el análisis que realiza cada año a todas las producciones fílmicas que son estrenadas comercialmente en las salas de cine del país.

La selección de los nominados, según sus estatutos, se realiza tomando en cuenta las producciones fílmicas dominicanas, tanto de ficción como documentales, que son exhibidas y distribuidas comercialmente a través de una sala de cine establecida en el territorio nacional y que hayan tenido un contrato de distribución con alguna empresa local destinada a estos fines, con un mínimo de una semana de exhibición pública.

ADOPRESCI ha creado un espacio importante dentro de la industria cinematográfica local por los aportes que está realizando, tanto con la premiación a lo mejor del cine dominicano de cada año, como por las actividades de cinefórum que realiza en conjunto con la Dirección General de Cine y el Centro Cultural Banreservas.

Recientemente fue convocada una asamblea para la renovación de su comité, confirmándose los cargos de Dahiana Acosta como presidenta, Félix Manuel Lora como vicepresidente, José Aquino como tesorero, Ysidro Eduardo García como secretario ejecutivo e Inés de los Santos (esta misma crítica) como vocal.

Crítica Cinéfila: Twisters

Kate Cooper, una ex cazadora de tormentas perseguida por un devastador encuentro con un tornado durante sus años universitarios; ahora estudia los patrones de tormentas en las pantallas de forma segura en la ciudad de Nueva York. Su amigo Javi la atrae de regreso a las llanuras abiertas para probar un nuevo e innovador sistema de seguimiento. Allí, se cruza con Tyler Owens, encantador e imprudente superestrella de las redes sociales que disfruta publicando sus aventuras, persiguiendo tormentas con su estridente equipo, cuanto más peligroso, mejor. A medida que la temporada de tormentas se intensifica, se desatarán fenómenos aterradores nunca antes vistos, y Kate, Tyler y sus equipos competidores se encuentran de lleno en el camino de múltiples sistemas de tormentas que convergen sobre el centro de Oklahoma en la lucha de sus vidas.

"Twisters", de Lee Isaac Chung, es una secuela independiente del segundo mayor éxito de taquilla del verano de 1996, que podría pertenecer a un milenio diferente al de la película original de Jan de Bont, y sólo comparte un personaje con ese clásico de las vacas voladoras de los primeros CGI de Hollywood (una máquina de datos llamada Dorothy), pero cada uno de estos blockbusters está impulsado por el mismo espíritu creativo. Para citar a un personaje que corre para salvar a tantos civiles como pueda del enorme tornado que arrasa una ciudad de Oklahoma durante el clímax de la película de Chung : “¡Tenemos que llevar a todos al cine!”. 

Al igual que su predecesora, esta emocionante y sorprendente ráfaga romántica de diversión en los multicines mezcla una extraña combinación de géneros en un viaje convencionalmente satisfactorio. Mientras que “Twister” convirtió una comedia disparatada clásica en una película de catástrofes de vanguardia, “Twisters” cambia efectivamente ese guión al lanzar una comedia romántica moderna (muy) alegre en el vórtice de una aventura de Amblin de la vieja escuela. 

Glen Powell está aquí, por supuesto, la estrella de “Anyone but You” que produce puro carisma de la nada como Tyler, un YouTuber llamativo que persigue tornados por más views. No es compatible con la mucho más seria Kate (la revelación de “Normal People”, Daisy Edgar-Jones), una científica de ojos grandes cuyos sueños adolescentes de resolver la crisis de tornados se ven destruidos por el mismo tornado que se traga a todos sus amigos en la secuencia inicial de la película. 

La diferencia de presión entre estos personajes sería lo suficientemente fuerte como para hacer avanzar la trama por sí sola, incluso sin los monstruos del tamaño de una nube que están cazando por Oklahoma como tiburones terrestres, o sin el triángulo amoroso a medias que amenaza con formarse cada vez que el viejo amigo de Kate, Javi, interpretado por Anthony Ramos, aparece con motivos sospechosos y tecnología de imágenes militares. Pero los avances en la tecnología de imágenes cinematográficas permiten a Chung reunir una medida de asombro spielbergiano que faltaba en la película de De Bont. 

Aunque el guion de Mark L. Smith pone un mayor énfasis en el poder destructivo de estos desastres naturales (así como en el costo que tienen para las personas y las comunidades que se ven aplastadas en su camino), la devastación que causan está rodeada de asombro, y ese asombro permite a Kate, Tyler y su variopinto grupo de renegados cazadores de tornados compartir la euforia visceral de rescatar la esperanza de la catástrofe. Gente hermosa, acción trepidante, patetismo genuino y algunos comentarios discretamente subestimados sobre el capitalismo depredador del cambio climático, "Twisters" hace lo que puede para que todos vayan al cine, incluso si no hay mucho sobre ella que alguien pueda apreciar.

De todos modos, siempre es maravilloso ver una gran película de verano que simplemente funciona tan bien como esta, y más aún una película de gran presupuesto de 200 millones de dólares que nunca permite que esa escala se aleje de ella. Basada en una historia que se atribuye al director de "Top Gun: Maverick", Joseph Kosinski, "Twisters" fue palpablemente concebida por personas lo suficientemente inteligentes como para reconocer que, a pesar de los efectos especiales del siglo XXI disponibles para ellos, esta secuela no podía depender del espectáculo crudo en el mismo grado que la original. Los días en que el público podía ser deslumbrado tan fácilmente por los embudos de viento generados por computadora han quedado muy atrás, un hecho que presentó al equipo creativo de la película un desafío que aceptaron como una oportunidad.

Con su capacidad comparativamente limitada para sembrar lo digital a gran escala, “Twister” no tuvo más opción que confiar en sus dos personajes principales, o rodearlos con el mejor elenco de apoyo que cualquier estudio pudiera esperar reunir en ese momento. En lugar de engañarse a sí mismos pensando que las herramientas modernas los habían liberado de esa obligación del viejo mundo, Chung y compañía optaron por seguir el mismo camino. Un tornado es un tornado (a menos que en realidad sean dos tornados a la vez), y aunque “Twisters” puede manipularlos (y a menudo lo hace) con una precisión que no era posible en la película anterior, la gente detrás de esta franquicia naciente claramente entiende que solo pueden llevar las cosas hasta cierto punto antes de que puedan desbordarse al territorio de “The Day After Tomorrow”. 

Así, mientras que esta secuela nos ofrece una deslumbrante toma de un EF-5 convirtiéndose en un infierno dantesco mientras atraviesa una planta de energía, una secuencia espectacular en la que un tornado engulle a personas desde el fondo de una piscina vacía como si las estuviera eliminando a propósito, y una gran cantidad de escenas en las que se forma un vórtice todopoderoso justo en su objetivo, el énfasis sigue estando puesto en el reparto humano. Repitiendo inteligentemente el momento semi-cómico de "Twister" en el que Helen Hunt mira fijamente a un tornado como si fuera el mismo que se tragó a su padre unos 30 años antes, el guion de Smith se esfuerza por hacer que las cosas sean personales pero no demasiado personales, y el director de "Minari", Chung, que no es ajeno a las historias íntimas que se desarrollan en el contexto épico del corazón de Estados Unidos, es igualmente adecuado para caminar por esa línea con facilidad.

Kate encarna los pros y los contras de ese enfoque en casi igual medida. Una quimera que combina los dos protagonistas de la película anterior en una única (y a menudo frustrantemente recesiva) cazadora de tormentas, Kate combina el trauma formativo de Hunt con los dones psíquicos renuentes de Bill Paxton (tiene un sexto sentido para saber qué hará un tornado a continuación). Kate puede no ser el personaje más dinámico del mundo, pero es fácil creer que es una visionaria herida, y Edgar-Jones nos vende la idea de que podría estar demasiado herida para ayudar a alguien más. 

Eso hace que Tyler sea el complemento perfecto para ella, ya que la sonrisa burlona que cada tornado extiende por su rostro hace que parezca que se está riendo de la cicatriz en la pierna que dejó el último tornado de Kate, y su papel de YouTuber (un marcado contraste con el profesionalismo uniformado del equipo de Javi) implica una actitud insufriblemente despreocupada hacia los efectos en el mundo real de un fenómeno meteorológico que arruina la vida. El lema de Tyler: "Si lo sientes, persíguelo". Es una inversión inteligente de la película original, donde nuestros héroes eran los forasteros adictos a la adrenalina y Cary Elwes era el idiota corporativo que seguía tratando de robarles el protagonismo. 

Por supuesto, Powell es demasiado simpático como para seguir en el lado amargo de Kate por mucho tiempo, y el equipo de su personaje es demasiado genial como para que alguien lo contradiga: Katy O'Brian, Sasha Lane, Brandon Perea y el gran Tunde Adebimpe le dan al elenco estelar de De Bont una seria competencia. Por más divertido que haya sido ver a los ex casi divorciados de Hunt y Paxton redescubrir su amor mutuo, "Twisters" hace un trabajo aún más limpio al generar emociones palpables a partir de puro espectáculo, ya que la película es más atractiva durante las diversas escenas que obligan a Kate a ver el altruismo detrás del destello del tamaño de un fuego artificial de Tyler. Es raro ver un éxito de taquilla de verano en el que los efectos especiales sean tan inseparables de la emoción, pero es lógico que todo esté mezclado de esa manera.

Aunque es una película bastante predecible para ser sobre un fenómeno meteorológico tan volátil que puede arrasar una ciudad entera con apenas unos segundos de aviso, “Twisters” no tiene ningún interés en reinventar la rueda, pero nunca olvida que no es nuestro primer “tornado” y aprovecha al máximo sus oportunidades para darle un giro del siglo XXI a una fórmula clásica. Esto es especialmente cierto una vez que la película logra liberarse de los grilletes oxidados del dolor de Kate; a través de su negociación sincera con un mundo moderno en el que la madre naturaleza y la naturaleza humana están apiladas, “Twisters” insta a sus personajes a luchar por un futuro mejor a pesar de los vientos en contra que amenazan con derribarlos, una súplica a la que Chung se compromete con una convicción que a veces falta en la historia de amor de su película: “Si lo sientes, persíguelo”. 

Y a pesar de toda la buena voluntad inmerecida que “Twisters” extiende a los creadores de contenido viral, sigue siendo uno de los argumentos más enfáticos de este verano a favor de la experiencia de la pantalla grande. Una sala de cine puede no ser el lugar más seguro para esconderse de un tornado, pero este éxito de taquilla ganador del mes de julio deja perfectamente en claro que acurrucarse en la oscuridad con extraños es mucho mejor que ver la tormenta desde casa. 

Crítica Cinéfila: Thelma

Thelma Post, una abuela de 90 años, es engañada por un estafador telefónico que se hace pasar por su nieto y emprende una búsqueda para recuperar lo que le fue arrebatado.

Josh Margolin se inspiró en un intento de estafa en el que un interlocutor que se hacía pasar por él casi logró estafar a su abuela, cuyo nombre da título a la entretenida ópera prima del guionista y director, Thelma. A diferencia de la situación de la vida real, el personaje de 93 años interpretado con calidez, humor y formidable tenacidad por la maravillosa June Squibb cae en la trampa y le estafan 10,000 dólares antes de tener tiempo siquiera de pensarlo. Pero Thelma no es el tipo de mujer que se encoge de hombros ante el desagradable incidente, por mucho que su familia la subestime.

Ese escenario genera una comedia agradable y discreta con elementos de acción y suspenso, que se desarrolla como una travesura incluso si la anciana que desafía las expectativas persiguiendo criminales está del lado de la justicia. Ella solo quiere que la gente sea buena y haga lo correcto. La película reflexiona sobre cuestiones de envejecimiento y autonomía con un toque mayormente ligero, y su protagonista defiende con fuerza el espíritu perdurable de las personas mayores, a las que con demasiada frecuencia la sociedad y sus seres queridos infantilizan.

Uno de los actores clave de este atractivo reparto, junto a Squibb, es Fred Hechinger, que estuvo fantástico en la primera temporada de The White Lotus. Hechinger interpreta a Daniel, el nieto adorado de Thelma, a quien se presenta ayudándola pacientemente a abrirse paso a través de una maraña de correos electrónicos en una escena de apertura que establece los límites de su alfabetización informática.

Daniel está estancado, desempleado y sin rumbo, con su autoestima por los suelos desde que su novia (Coral Peña) puso en pausa su relación: "No estoy muy seguro de cuáles son mis puntos fuertes en este momento". Sin embargo, se toma en serio su papel no oficial como el "ángel guardián" de su abuela, y sus sentimientos de fracaso se profundizan cuando ella es víctima de una estafa telefónica y luego desaparece mientras él la vigila. Eso envía a sus inquietos padres, Gail (Parker Posey) y Alan (Clark Gregg), a una espiral de ansiedad, tan preocupados por la salud mental de su hijo como por la seguridad de la madre de Gail.

Pero aunque Thelma se tambalea y vive con miedo a caerse, no está indefensa. En un momento está haciendo punto de cruz mientras ve la televisión, admirando la forma atlética del sprint característico de Tom Cruise en "Misión: Imposible", y al siguiente está saliendo a toda velocidad de la residencia de ancianos donde vive Ben (Richard Roundtree), el amigo de su difunto marido, intentando huir con su scooter de movilidad. Ben la atrapa justo a tiempo y, como es demasiado caballero para dejarla enfrentarse sola al peligro, insiste en acompañarla a través de Los Ángeles hasta la dirección del apartado postal donde envió el dinero.

Gran parte del encanto de la película reside en el elemento de comedia de amigos que narra las desventuras de Thelma y Ben en la carretera. Thelma se enorgullece obstinadamente de seguir siendo independiente; echa de menos a su marido, pero al mismo tiempo disfruta de la experiencia de estar sola por primera vez en su vida. Ben, en cambio, reconoce de buen grado que ambos son viejos y están disminuidos: "No somos lo que éramos". Está agradecido por la seguridad que le proporciona la residencia de ancianos y las actividades que allí se ofrecen para alejar la soledad.

A veces, la escritura de Margolin se vuelve demasiado tierna, pero más a menudo resulta genuinamente conmovedora, fortalecida por la relajada relación entre Squibb y Roundtree y las alegres peleas entre sus personajes. La irritabilidad de Thelma y el brillo travieso en sus ojos se compensan muy bien con la amabilidad de Ben, en particular cuando sufre un problema físico.

Su odisea en busca del dinero de Thelma cobra vitalidad gracias a una potente banda sonora con aires retro de Nick Chuba, que hace un sutil guiño al tema clásico de "Misión: Imposible" de Lalo Schifrin y, en lo que parece un homenaje a la historia de Roundtree en las películas originales de "Shaft", tiene un aire de blaxploitation de los años 70. Ben es un papel encantador de despedida para el veterano actor, que murió el pasado octubre. Malcolm McDowell también aparece al final de la acción como una figura sombría que, no obstante, sirve para señalar un aspecto diferente de la lucha contra el envejecimiento.

A pesar de proporcionarle a Thelma una pistola y su propia versión de un dispositivo de espionaje en una aplicación de teléfono con audífonos, Margolin mantiene los paralelismos con Ethan Hunt más o menos dentro de los límites de lo realista. Incluso una descarada referencia al conocido arquetipo de los héroes de acción que se alejan de una explosión parece más arraigada en el personaje que en el género. La película hace del coraje natural de Thelma su arma más poderosa, lo que le permite estar un paso por delante de los aterrorizados Gail y Alan, enfrentar los problemas con la cabeza fría y pedir la ayuda de Daniel solo cuando es necesario.

La confianza mutua que se intercambian en la relación abuela-nieto está muy bien sutilizada por Squibb y Eichinger, lo que le da a la modesta película un verdadero sentimiento. "Thelma" es dulce y conmovedora, sentimental sin caer en la cursilería. El solo hecho de que le dé a Squibb el primer papel protagonista en la pantalla de sus siete décadas de carrera hace que sea una película satisfactoria.

Crítica Cinéfila: The Imaginary

Rudger es el amigo imaginario de Amanda Shuffleup. Nadie más puede ver a Rudger... hasta que el malvado Sr. Bunting llega a la puerta de Amanda. El Sr. Bunting caza seres imaginarios. Se rumorea que incluso se los come. Y ahora ha encontrado a Rudger. Rudger está solo y huye para salvar su vida imaginaria. Necesita encontrar a Amanda antes de que el Sr. Bunting lo atrape... y antes de que Amanda lo olvide y él se desvanezca en la nada. Pero, ¿cómo puede un niño irreal estar solo en el mundo real?

Si la nueva película animada de Netflix, "The Imaginary", te recuerda algunas de las obras de Studio Ghibli, hay una buena razón para eso. La película está dirigida por el veterano animador Yoshiyuki Momose, quien anteriormente trabajó en películas como "Grave of the Fireflies", "Porco Rosso" e incluso "Spirited Away". Además de eso, también está escrita por el ex-productor de Studio Ghibli, Yoshiaki Nishimura, quien fundó Studio Ponoc en 2015. Entonces, si tienes una sensación de déjà vu y la sensación de que ya has visto esto antes, esa historia está incorporada en los antecedentes de todos los que trabajaron en este proyecto. Al igual que su personaje central, hay mucho en su pasado.

La clave de lo que hace que funcione es que nada en "The Imaginary" se siente derivado. Más bien, cuenta con lo que parece ser algunos puntos de inspiración realmente geniales. Incluso cuando no puede alcanzar las mismas alturas en cada momento de forma aislada, la imagen general es poética y lúdica en la que quieres perderte. Es una obra de animación hermosa que logra sostenerse por sí sola, encontrando muchas imágenes sinceramente sentidas pero aún así sorprendentemente horrorosas en su mundo imaginativo. Claro, su premisa en realidad también puede sentirse similar a "IF" de este año, pero el cuidado con el que se desarrolla es lo que la hace mucho mejor que esa. Es poco probable que veas una película animada en Netflix que sea tan frecuentemente sorprendente como esta, incluso cuando uno espera que aún pueda tener un estreno en cines apropiado. Sin embargo, donde sea que termines viéndola, es una que vale la pena buscar para abrir cada rincón de tu propia imaginación.

Basada en la novela infantil homóloga de AF Harrold y las ilustraciones que la acompañan de Emily Gravett, se centra en el joven Rudger, que es el amigo imaginario de Amanda. En una escena inicial temprana, nos sumergimos en la maravilla de los mundos imaginarios donde conviven. Cada uno de ellos es infinitamente impresionante, al igual que el mundo real al que inevitablemente deben regresar tiene muchos desafíos que los encierran. Es decir, la encantadora librería dirigida por la madre de Amanda, Lizzie, está en peligro de cerrar. Esto no impide que los jóvenes amigos se embarquen en aventuras en sus mundos imaginarios juntos, con una escena inicial deliciosamente divertida en la que se los ve en desacuerdo sobre un nombre muy importante de una criatura que crean, pero pronto las fuerzas oscuras de la realidad llamarán a la puerta en forma de un hombre amenazante que tiene un interés específico en Rudger. Lo acompaña una aterradora niña imaginaria, que fácilmente podría ser Samara de The Ring , y quiere consumir al joven imaginario. Después de una crisis que lo separa de Amanda, Rudger tendrá que navegar por un mundo fantástico y encontrar el camino de regreso a su amiga mientras se mantiene alejado de las garras del hombre que lo persigue.

Cualquier otra discusión sobre lo que sucede, especialmente en torno a lo que dio origen a Rudger en primer lugar, es mejor dejarla para la película, ya que hay muchos descubrimientos alegres, así como otros más reflexivos y sombríos. Incluso cuando se acerca demasiado a caer en la extraña tendencia en la animación donde lo mágico se convierte en algo más parecido a un negocio banal, baila hábilmente para salir de esto y se lanza a escenas infinitamente más espectaculares desde los confines del espacio exterior hasta el espacio entre espacios. 

Incluso cuando "The Imaginary" puede llegar a enredarse un poco en explicar en exceso partes de la forma en que funciona su mundo, aún encuentra muchas recompensas emocionales potentes cuando deja todo esto atrás y nos permite sentir la forma en que todo se une. Ya sea después de dicho viaje al espacio donde un personaje tiene la oportunidad de comenzar de nuevo con un nuevo amigo o en todo el acto final donde Rudger debe reinventarse para encontrar a Amanda, es algo realmente maravilloso. Incluso cuando estás hambriento de ver más de este mundo imaginario, el hecho de que siempre debemos volver a la realidad es el punto. No importa cuánto queramos dejar atrás por completo el mundo, son las cosas que atan a Rudger allí las que proporcionan los puntos de apoyo emocional que le dan a la película su peso cuando todo se derrumba.

Sin adelantar nada, el final de este viaje es donde la película te deja en el suelo una última vez. Te envuelves en la fantasía de todo justo antes de que todo te golpee como un camión, encontrando un montón de flashbacks emocionales resonantes que contextualizan y profundizan la experiencia justo a tiempo para la conclusión. Cuando se complementa con algunos giros audaces, tanto narrativamente en términos de una revelación tardía como formalmente en la vibrante fusión de estilos de animación, se construye hacia algo más pequeño al mismo tiempo que es expansivamente demoledor. Todo encaja perfectamente, una demostración de cómo la fusión de arte y emoción en esto que llamamos cine puede crear una experiencia sinigual. Sería difícil imaginar una mejor prueba de esto.

Crítica Cinéfila: The Man with 1000 Kids

Un grupo de familias descubre que el hombre carismático en el que habían confiado también es donante de esperma de cientos (o quizás miles) de otros niños en todo el mundo.

Otra semana más, otra docuserie de Netflix que si no se ve en un día le da ansiedad a cualquier miembro de la audiencia. Esta plataforma es más conocida en este género por el subgénero de crímenes reales, pero a veces eso no es un limitante para encontrar otras historias de crímenes más sutiles que aún así contienen toda esa depravación, psicosis o malevolencia. "Abducted in Plain Sight", por ejemplo, la historia de un pedófilo que se hizo amigo de un matrimonio durante años y efectivamente secuestró a su hija dos veces con todo menos su bendición. "Girl in the Picture", cuyos giros y vueltas en un territorio absolutamente increíble pero demasiado real te hicieron contemplar pasar el resto de tu vida como ermitaño o justiciero. O cualquiera de las cosas de Jeffrey Epstein.

Ahora tenemos otro: "The Man with 1000 Kids". Piénselo como una pieza complementaria al documental de "Our Father", sobre un médico especialista en fertilidad que pasó 30 años impregnando en secreto a pacientes con su esperma en lugar de la muestra del donante o del cónyuge acordada. Esta vez seguimos la historia del eyaculador múltiple Jonathan Meijer, un holandés que parece haber viajado por todo el mundo donando su esperma a tantas clínicas en tantos países como pudo. Sin mencionar también el tiempo que encontró para hacer innumerables donaciones a mujeres que prefirieron obtener su esperma de forma privada y evitar las reglas de los bancos de esperma sobre el anonimato de los donantes y el veto del contacto del proveedor de gametos con cualquier descendencia hasta que el niño tenga 16 o 18 años, según las regulaciones nacionales. Si esto no fuese una serie documental, fuese difícil de creer.

Sólo conocemos a unas pocas de las mujeres a las que dejó embarazadas (en ocasiones mediante “donación natural” – sexo – si la mujer era soltera, aunque no parece que la principal motivación de Meijer fuera deshacerse de su parte). La pareja Suzanne y Natalie lo conocieron como donante privado y quedaron impresionadas por su buena apariencia, salud e inteligencia – especialmente después de su extraño encuentro con el primer donante que conocieron, un hombre inquietante, calvo y lleno de cicatrices que no se parecía en nada al perfil “simpático y amable” que publicó en el sitio web que usaban. Meijer les dijo que planeaba donar hasta cinco familias y que estaba feliz de que fueran una. Suzanne y Natalie ahora tienen dos hijos con él.

El hombre utilizó mucho la frase "solo cinco familias". Cuando finalmente se despertaron las sospechas, los receptores comenzaron a unirse en un grupo de Facebook. Mapeaban sus viajes a través de sus videos de YouTube y los relacionaban con las listas de donantes de los bancos de esperma cercanos. Poco a poco se hizo evidente que no se trataba del joven hippie altruista que habían conocido, sino de alguien obsesionado con engendrar tantos hijos como pudiera, sin importar los riesgos de consanguinidad y de posible incesto involuntario que conlleva. Por lo que pudieron deducir que podría haber producido fácilmente 3,000 niños hasta ahora. Según la experiencia personal de Nicolette, quien dentro de su propio círculo de amigos y amigos de amigos se dio cuenta de que seis habían utilizado el esperma de Meijer para tener a sus hijos, la escala potencial y los riesgos de sus operaciones eran horrendos. Se negó a sus súplicas de que dejara de poner en peligro el futuro de sus hijos, por lo que recurrieron a la ley.

El documental sigue las historias de las mujeres desde la alegría inicial de los embarazos hasta el desenlace del horror, la movilización de las víctimas y el eventual proceso judicial que presentan, que dictamina que Meijer no puede hacer más donaciones, bajo pena de una multa de 100,000 euros por cada una. Se supone que este es el primer caso que ha limitado la autonomía corporal masculina de esta manera, o posiblemente de cualquier otra.

No hay conclusiones sólidas sobre sus motivaciones. Una mujer sugiere que buscaba atención después de haber sido ignorado en una familia numerosa, lo que a usted le parece muy generoso de su parte. Algunas de las mujeres sugieren una adicción al poder y un creciente complejo de Dios; otras proponen un simple narcisismo y una sensación de superioridad masculina como los principales impulsores. Sin duda, su respuesta cruel cuando intentan obtener respuestas de él sugiere que estos motivos no estaban muy por debajo de la superficie encantadora. 

Crítica Cinéfila: Ni Una Más

Unos días antes de la semana de exámenes finales de segundo de bachillerato, Alma, una adolescente de 17 años, conflictiva, mala estudiante y con baja autoestima, extiende frente a la fachada de su instituto una tela blanca donde la noche anterior ha escrito en grandes letras de color rojo: 'Cuidado. Ahí dentro se esconde un violador'. ¿Cómo y cuándo ha sucedido esa agresión sexual? ¿Quién es ese violador? ¿Quién es la víctima? ¿Es verdad lo que denuncia Alma o es mentira?

“¡Cuidado, ahí dentro se esconde un violador!”. Con esta advertencia arranca sus tramas "Ni una Más", la serie española protagonizada por Nicole Wallace y Clara Galle. Con una potente premisa que coloca al espectador frente a un plan de justicia, la motivación se irá descubriendo a lo largo de los ocho episodios que conforman esta ficción basada en la novela homónima de Miguel Sáez Carral.

El guionista es el responsable también de la adaptación televisiva, que ha escrito en compañía de Isa Sánchez, con un reparto que funciona con solvencia al reunir el talento joven de perfiles más comerciales con otros actores de trayectoria reconocida. Entre ellos, destacan nombres como los de Aïcha Villaverde, Teresa de Mera o Gabriel Guevara en el grupo más joven; y los veteranos Eloy Azorín, Ruth Díaz, Carolina Lapausa o Iván Massagué, entre los adultos. Juntos componen el elenco de la serie, dando vida a padres, alumnos y profesores de un colegio privado de Madrid en el que se desarrolla mayoritariamente la acción. Dos generaciones diferentes para poner el foco en una problemática común: la violencia machista, desde múltiples prismas y a través de diferentes conflictos con los que se examina de algún modo el avance de la sociedad en materia de igualdad. El principal, un posible caso de agresión sexual que llevará al personaje de Alma a dar un paso al frente y colgar una pancarta a las puertas del centro educativo, con el contundente aviso. Un hecho que lo cambiará todo en su entorno.

La joven de 17 años interpretada por Wallace decide alzar la voz en los primeros minutos de la serie, desatándose en ella, y en nosotros al verla, multitud de preguntas a las que se enfrentan cada día las mujeres que se atreven a denunciar cualquier tipo de agresión sexual. ¿Me creerán? ¿Me tomarán en serio? ¿Qué precio tendré que pagar por ello ante una sociedad que todavía hoy demuestra no estar preparada para tomar acción frente a la revictimización? ¿Quién pierde realmente cuando se decide denunciar a un violador? ¿Estaré respaldada social e institucionalmente en un sistema que sigue fallando en el acompañamiento a las víctimas? Y, sobre todo, ¿merecerá la pena?

Probablemente, "Ni una Más" no dé respuestas a muchas de estas cuestiones y, seguramente, ni siquiera lo pretende. Lo que sí deja claro, y es de agradecer, es que en los últimos años se ha venido produciendo un antes y un después en la lucha contra el machismo. En la serie, sorprende ver cómo Alma y sus amigas tienen otro punto de partida, que saben identificar actitudes machistas y opresivas de una forma mucho más inmediata, que hay una serie de comportamientos y acciones que ya no están dispuestas a tolerar. Así, vemos a las protagonistas hablar abiertamente de temas como la sexualización en el mundo de la moda, la toxicidad dentro de las relaciones, o las aspiraciones vitales que les impone el heteropatriarcado. 

Es la combinación de todos estos factores el principal punto fuerte de la serie, condensando en un reducido grupo de personajes, de episodios y de aspectos relacionados con las violencias machistas, la influencia de la pornografía en los jóvenes, la sexualización de los cuerpos femeninos desde muy temprana edad, los peligros de la exposición de los mismos en redes sociales, y a los abusos de poder de hombres a mujeres a la cuestión sobre el consentimiento sexual. Las violencias machistas diseccionadas en tramas que pueden servir de ejemplo para los espectadores y cuyo visionado podría abrir debates necesarios ya en colegios e institutos. 

La sorpresa narrativa llega al ver que hay un enfoque adecuado en las situaciones que plantea la serie, con algún 'pero', primero en la normalización que se hace, sin debate al respecto y más en este exigente contexto de la relación amorosa entre un personaje masculino con con un personaje femenino menor de edad; y después en la falta absoluta de interseccionalidad en los arquetipos de las personas representadas en esta trama.

A nivel formal, "Ni una Más" corre un riesgo debido a su estructura, con múltiples flashbacks y flashforwards que van desentrañando las motivaciones reales de los personajes. El componente de thriller que se le introduce puede hacer tambalear la experiencia que el espectador tenga durante los primeros episodios, exigiéndoles llegar hasta el final, hasta sus últimos dos capítulos, para entender por qué las cosas se han contado como se han contado, por qué los protagonistas han actuado como han actuado. Mientras tanto, esa incomprensión podría agotar a los más impacientes.

Pero es de recibo recalcar que, sobre todo con el trabajo de cinematografía y diseño de producción, "Ni una Más" funciona bien en el género del drama juvenil, al que se le añade además una temática actual y  necesaria en la conversación social. Una ficción que pretende condenar la soledad a la que se enfrentan las denunciantes de violencia machista. Alma, Greta, Nata y Teresa combaten batallas individuales en las que el sistema les hace no plantearse de inicio otra opción que no sea el silencio, ya sea frente al acoso sexual recibido a través de las nuevas tecnologías, ante un novio tóxico que pretende alejarlas de sus amigas, o ante una agresión sexual reiterada sobre la cual nadie lo creería.

La serie decide aprovechar también la oportunidad para reivindicar un conocido caso real, muy similar al que se narra en la ficción: el de Daisy Coleman, una joven estadounidense de 23 años que acabó suicidándose en agosto de 2020, marcada por el acoso social que sufrió durante mucho tiempo tras denunciar que fue violada en una fiesta cuando tenía solo 14 años. Su testimonio, recogido años antes de su muerte en el documental de 2016 "Audrey & Daisy", concluye con una necesaria reflexión de la propia Daisy Coleman: “Quiero que la gente defienda a las víctimas de agresiones sexuales. Las palabras de nuestros enemigos no son tan horribles como el silencio de nuestros amigos”. Es decir, escuchar, comprender, acompañar y, sobre todo, alzar la voz para gritar: Ni una más.

Crítica Cinéfila: A Quiet Place - Day One

Una mujer llamada Sam trata de sobrevivir a una invasión en la ciudad de Nueva York por criaturas alienígenas sedientas de sangre con oídos ultrasónicos.

Si quieres darle nueva vida a una película de terror construida en torno al silencio como único medio de sobrevivir a una invasión alienígena, hay un sinfín de ideas, pero seguro la que menos cualquiera se imaginaría era trasladar la historia de una pequeña ciudad de Estados Unidos a la superpoblada ciudad de Nueva York. El texto de la pantalla inicial sobre una toma aérea de Manhattan acompañado de los sonidos cacofónicos de bocinas de autos, sirenas y gritos nos informa que la Gran Manzana tiene un nivel de ruido promedio de 90 decibeles, el equivalente a un grito humano. El escenario por sí solo hace que la tensa y constantemente aterradora "A Quiet Place: Day One" sea una experiencia intensa que extiende hábilmente una franquicia duradera.

La respuesta corta es un sí rotundo. El guionista y director en esta ocasión, Michael Sarnoski ("Pig") se adapta a los requisitos del género, mantiene la tensión con habilidad, salpica la película de grandes sustos y se gana nuestra implicación emocional con los personajes clave. Y además, hay un gato (puntos a favor). Pero también encuentra el espacio para infundir muchas de las cualidades que elevaron su película de 2021 protagonizada por Nicolas Cage, en particular el control, la moderación, la compasión y el motor ronroneante de una película que es tanto una narrativa de búsqueda melancólica como un thriller sobre peligros mortales.

El éxito inesperado de 2018 de John Krasinki, "A Quiet Place", comenzó el día 89 del ataque alienígena antes de avanzar más de un año, centrándose en una familia amorosa que lucha por lidiar con su dolor y permanecer a salvo en circunstancias que amenazan su vida.

La secuela de 2021, A Quiet Place Part 2 , continuó su historia pero agregó un prólogo de 10 minutos que se desarrolla el primer día, en el que las familias en un partido de béisbol de las Pequeñas Ligas observan alarmadas cómo una especie de meteorito se precipita por el cielo y hace impacto en la distancia cercana. Mientras los padres todavía se apresuran para llevar a sus hijos a casa en medio de un estado de pánico creciente, criaturas delgadas, sin ojos y garras letales descienden en masa, moviéndose a una velocidad vertiginosa para abalanzarse y masacrar a cualquier humano que haga un sonido.

La nueva película refleja ese caos en un entorno que no es propicio para el silencio. Sarnoski comienza con paciencia, presentando a Samira (Nyong'o) haciendo una contribución hosca a su grupo de terapia en un hospicio en las afueras de la ciudad. Si su resignación enojada no nos da una pista, entonces sus parches transdérmicos de fentanilo son una clara indicación de que tiene un cáncer terminal, mientras que su comportamiento sugiere que nunca esperó quedarse por tanto tiempo.

El amable enfermero Reuben (Alex Wolff, que se reencuentra con Sarnoski después de "Pig") se considera amigo de Samira, aunque ella se burle de esa idea. Pero él la convence de que vaya en grupo a un teatro de marionetas de Nueva York, usando la promesa de una pizza de camino a casa como incentivo. Acunando a su inseparable gato de servicio, Frodo, apenas logra superar el acto de apertura del espectáculo de marionetas antes de salir. Cuando Reuben le dice que han recibido instrucciones de regresar al hospicio lo antes posible debido a una emergencia no declarada en toda la ciudad, ella se enoja porque él incumple la promesa de la pizza.

Como secuencia previa a los títulos, estas escenas de presentación son dinámicas y envolventes, y prescinden de una exposición que más adelante será necesaria. Lo más sorprendente es que cuando una lluvia de meteoritos golpea la Tierra, la ciudad explota casi instantáneamente, y mientras Samira se tambalea desde el autobús del hospicio en una nube cegadora de polvo blanco, las imágenes inevitablemente evocan asociaciones inquietantes con la lluvia de ceniza que cubrió el Bajo Manhattan el 11 de septiembre. Ella se refugia dentro del teatro con Reuben y una familia encabezada por Henri (Djimon Hounsou), el único personaje con una conexión con una de las películas anteriores. Pero pronto sigue una tragedia devastadora.

A pesar del caos y la confusión, rápidamente se establece que los depredadores extraterrestres no ven y solo reaccionan al ruido. Los militares movilizados también se dan cuenta rápidamente de que las criaturas no pueden nadar, lo que impulsa un plan de evacuación a través de transbordadores desde South Street Seaport. Pero la testaruda Samira insiste en dirigirse hacia el norte, a Harlem, luchando contra una ola de aturdidos neoyorquinos que se arrastran hacia el centro y, ocasionalmente, siendo interceptada cuando hacen un ruido involuntario. Poco a poco se va haciendo evidente que el antiguo hogar de Samira está en Harlem y su determinación de conseguir un trozo de su pizzería favorita tiene un profundo significado personal debido a una época más feliz de su vida.

Ver a Nueva York repleta de monstruos feroces trepando edificios y dejando gigantescos cortes en sus paredes, mientras las calles están llenas de coches en llamas y escaparates destruidos, causa una gran impresión. Sarnoski y un equipo de efectos visuales de primera categoría sitúan estas escenas en la mejor tradición de las películas de apocalipsis alienígena. Pero adquieren una dimensión adicional gracias al espectáculo inquietante de un Manhattan descarado y ruidoso que se transforma en un silencio que destroza los nervios. Cada sonido parece intensificado y cada ruido repentino provoca una sacudida en el cuerpo, junto con un escalofrío de terror, un efecto que adquiere amplitud gracias al uso discreto de la banda sonora relativamente minimalista de Alexis Grapsas.

El otro personaje importante, que entra en acción en el relato, es Eric (Joseph Quinn), un joven inglés que se encuentra en Nueva York estudiando Derecho. Frodo lo encuentra cuando sale petrificado de una escalera inundada del metro y sigue al gato hasta Samira. En una inversión de género de la dinámica habitual de las películas de catástrofes que nunca se lleva demasiado lejos, Samira es la dura y poco sentimental, y le dice que debe unirse al éxodo masivo que se dirige hacia el sur, mientras que Eric se muestra inicialmente indefenso, conmocionado hasta la médula. Forman un vínculo tentativo en el apartamento de ella, su conversación (e incluso sus gritos) silenciados por el estruendo de una fuerte tormenta eléctrica. Pero incluso cuando la intimidad natural de extraños unidos por la tragedia florece entre ellos y Eric reúne su ingenio lo suficiente como para mostrar caballerosidad y preocupación a medida que la salud de Samira sigue deteriorándose, el personaje nunca es banal.

El diseñador de producción Simon Bowles y el director de fotografía Pat Scola (que también estuvo detrás de la inquietante belleza de "Pig") aprovechan al máximo las oportunidades que ofrece Nueva York. Los lugares que asociamos automáticamente con el cuidado y la comodidad, como un hospital, se convierten en trampas mortales potenciales cuando el ruido hace que los extraterrestres se estrellen contra las paredes de vidrio y los tragaluces. Una catedral sirve como lugar de respiro, a pesar de un enorme agujero formado por una criatura que se estrella contra su piso de baldosas y otra que sale de su cúpula decorada con frescos. Los rascacielos con paredes de cristales se vuelven un espectáctulo de explosiones de cristal y ruido cuando los protagonistas son localizados por una manada de extraterrestres. Una de las escenas más emocionantes tiene lugar bajo tierra, en una estación de metro, donde un extraterrestre usa sus largas y ágiles extremidades para corretear por las paredes de un túnel inundado mientras Samira y Eric, tirando de Frodo en una mini balsa improvisada a toda prisa, son arrastrados por el agua embravecida.

Sarnoski, en colaboración con los editores Gregory Plotkin y Andrew Mondshein, ha avanzado bastante en la película hasta que consigue liberar la tensión lo suficiente como para conocer un poco más a los protagonistas. Pero incluso sin las conmovedoras revelaciones sobre los antecedentes de Samira y la revisión de lugares que fueron especiales para ella en el pasado, ella y Eric son personajes completamente dimensionales. La química entre los actores produce un impacto profundamente conmovedor en sus tiernas escenas finales, que se vuelven más poderosas por su falta de palabras.

Quinn, un actor de teatro británico conocido por su trabajo en televisión, como la cuarta temporada de "Stranger Things" o la adaptación de "Howards End" de Kenneth Lonergan, muestra los beneficios de elegir un rostro que no conocemos de una serie de películas. Su sensibilidad es tan aguda y sus grandes ojos marrones están tan llenos de sentimiento que el ingenio de Eric y su valentía invocada constantemente casi nos toman por sorpresa.

Wolff y Hounsou aportan emotividad a los papeles secundarios, mientras que Nyong'o lleva la película sobre unos hombros muy capaces. Sin subestimar en ningún momento el terror paralizante que domina cada movimiento de Samira, la actriz transmite el conflicto entre la amargura del personaje y su humanidad, manteniéndose tenaz y decidida incluso cuando su cuerpo empieza a fallarle seriamente. Te mantiene pegado y angustiado a lo largo de toda la película.

La otra estrella es Frodo, un gato de pantalla que pasará a la historia, al nivel de Ulises de "Inside Llewyn Davis" o Jonesy de "Alien", interpretados por dos felinos fornidos en blanco y negro llamados Nico y Schnitzel. Tiene la naturaleza gentil y la ternura de un gato de servicio, pero también la curiosidad ruda para explorar situaciones precarias y alimentar las ansiedades de sus humanos.

Sarnoski ha hecho un trabajo audaz, preparando una película derivada que se adhiere a las reglas de las dos primeras películas, centrándose en el grupo más pequeño posible de personajes principales, mientras que distribuye el factor miedo y el suspenso en un lienzo mucho más grande. También evita la trampa de explicar demasiado las cosas, lo que hace que el terror aquí sea posiblemente incluso más primario que en las películas anteriores, en las que los personajes tenían una ayuda estratégica al saber que los extraterrestres son sensibles al sonido de alta frecuencia, lo que los hace retroceder.

No es frecuente que veamos una saga postapocalíptica que siga siendo tan personal, que esté tan en contacto con la pérdida humana como algo que no solo se olvida en el siguiente susto, sino que tiene espacio para persistir, un aspecto que sobrevive al cambio de la protección de los padres hacia sus hijos. El tercer capítulo de "A Quiet Place" muestra que esta serie inteligente y confiablemente aterradora, que comenzó con un largometraje de presupuesto modesto que rindió mucho mejor de lo esperado, y no está agotada en lo absoluto.