Crítica Cinéfila: The Piano Lesson

La batalla entre un hermano y una hermana por un preciado piano heredado desata verdades inquietantes sobre cómo se percibe el pasado y quién define el legado familiar. 

En el debut de Malcolm Washington, una adaptación reverencial de "The Piano Lesson" de August Wilson producida por su padre Denzel Washington, la actriz Danielle Deadwyler es el centro alrededor del cual giran todas las demás actuaciones. En el papel de Berniece, la coprotagonista devota y sensata del vigorizante drama de Wilson sobre el trauma generacional y la herencia, como en muchos otros, Deadwyler se somete por completo a la voluntad de su personaje; se mete en su piel con una tranquila facilidad y, una vez unida, encuentra y revela su verdad. Los resultados suelen ser electrizantes.

Con Berniece, Deadwyler evoca una fuerza que vincula la obra de Wilson de 1987, la cuarta del Ciclo del Siglo del escritor, con su fuente. En entrevistas, Wilson citó como inspiración la litografía en color homónima de Romare Bearden de 1983. En esa imagen, un profesor de música mira por encima del hombro de una alumna que toca el piano. Sus ojos transmiten un alto nivel de concentración con indicios de melancolía. Tocar parece a la vez un acto de deber y de placer. ¿Qué hay de su relación? ¿Quiénes son estas personas entre sí? Wilson las imaginó como madre e hija y "The Piano Lesson" crea las condiciones que podrían haber conducido a ese momento y haber surgido de él. En la adaptación de Washington, Berniece, cuando finalmente se sienta al piano, tiene una mirada similar de intensa concentración, como si se convirtiera en madre e hija a la vez.

Sin embargo, antes de que ocurra cualquier transformación, Washington ofrece una historia de fondo. "The Piano Lesson" comienza el 4 de julio de 1911. Mientras una familia blanca se reúne en el jardín para ver los fuegos artificiales, un trío de hombres negros trabaja en las sombras para llevarse un piano de una casa. El instrumento es una obra de arte: grabado en los paneles superiores hay un tríptico que representa la historia de la familia Charles. Los retratos de una madre y un hijo flanquean la imagen central, que está poblada de antepasados ​​significativos y sus hitos. Veinticinco años después, en el verano de 1936, el piano se encuentra intacto en la casa de Doaker Charles (Samuel L. Jackson), donde su sobrina Berniece vive con su hija, Maretha (Skylar Smith).

Nadie ha pensado seriamente en el piano desde hace tiempo, hasta que el sobrino de Doaker, Boy Willie (John David Washington), regresa a Pittsburgh con un nuevo plan. Quiere vender el piano para poder comprar parte de la plantación de la familia Sutter en Mississippi. La compra sería un acto de arraigo y recuperación. La familia Sutter esclavizó a la familia Charles y desarrolló una separación violenta vendiendo a miembros de la familia para comprar el piano. Si Boy Willie pudiera poseer parte de la tierra, podría volver a inscribirla, convirtiendo un lugar de terror en uno de prosperidad personal. Cuando llega a Pittsburgh con su amigo Lymon (Ray Fisher), irrumpe en la casa de los Charles entusiasmado con su plan.

Pero Berniece no quiere vender el piano. Todavía está resentida con Boy Willie por la muerte de su esposo Crawley (Matrell Smith) y ve a su hermano como un hombre que habla y da problemas. La obra narra las tensiones entre los hermanos mientras debaten el futuro de su única reliquia familiar. Para Berniece, el instrumento representa los años más solitarios con su madre, que nunca se recuperó de la angustia después de que los Sutter asesinaran al padre de Boy Willie y Berniece por robar el piano. Boy Willie solo puede considerar el piano en términos de pérdida y recuerdos dolorosos. Mejor venderlo y crear algo nuevo.

Washington resalta las diferencias entre la relación de Berniece y Boy Willie con el piano con flashbacks a la infancia de ambos. Estas son algunas de las pocas escenas en las que el director se relaja y se deshace de la postura obediente que puede surgir al adaptar un texto canónico. El director también intenta hacer más cambios, y algunos tienen más éxito que otros. Acentúa las notas espirituales y sobrenaturales de la obra de Wilson. Los elementos del realismo mágico aparecen de forma más prominente cerca del final, y cuando funcionan es en gran parte gracias a Deadwyler. La actriz planta las semillas para el encuentro crucial y culminante de su personaje con el piano desde el momento en que Berniece ve a Boy Willie. Su personaje es una visión de fuerza maternal y responsabilidad fraternal, pero Deadwyler busca y se deleita en sentimientos más confusos como la rabia, la tristeza y la vulnerabilidad.

Otras interpretaciones se ven realzadas por la Berniece de Deadwyler, que se encuentra continuamente en desacuerdo con un grupo de hombres aparentemente indiferentes a la difícil situación de las mujeres Charles. Es una versión de "The Piano Lesson" que partiera de su perspectiva y avanzara hacia afuera, considerando el hilo maternal con tanta urgencia como el paternal. La dirección desigual de Washington parece más segura cuando observa a los hombres, vinculando sus represiones enredadas actuales con los traumas violentos y racistas de su pasado. Escenas como aquella en la que Doaker, Boy Willie, Lymon y Wining Boy (un excelente Michael Potts) intercambian historias sobre su tiempo en la Granja de la Prisión de Parchman capturan la catarsis emocional de un tipo particular de comunión.

Washington (actor e igualmente hijo de Denzel) ofrece una interpretación sólida del personaje Boy Willie, un personaje cuya energía y habla rápida ocultan capas de dolor. Está sintonizado con las payasadas de este personaje astuto y canaliza con confianza su hambre de ganar dinero rápido, pero es menos convincente cuando se le pide que se ponga a tono con registros más sutiles.

Aun así, Deadwyler y Washington se complementan bien. Sus actuaciones son particularmente dinámicas cuando Boy Willie y Berniece negocian los detalles del legado familiar. En una escena sorprendente, la estruendosa banda sonora de Alexandre Desplat resalta lo que está en juego en estas peleas verbales. También hay que reconocerle el mérito a Corey Hawkins, que brilla como Avery, el predicador que corteja a Berniece y tiene la tarea de expulsar a los fantasmas de la casa de los Charles.

Está claro que Washington se toma muy en serio la tarea de adaptar a Wilson, y hay mucho que admirar en "The Piano Lesson". El director ha reunido un reparto sólido, cuyas actuaciones comprometidas hacen justicia al famoso drama del dramaturgo. Pero la tarea también puede ser limitante, y hay momentos en los que es demasiado fiel y lucha por sacudirse el espectro del escenario.  

Crítica Cinéfila: Amsterdam

Epopeya romántica sobre tres amigos que se ven envueltos en una de las tramas secretas más impactantes de la historia de Estados Unidos. 

Desde hace un tiempo, David O. Russell ha sido el tío problemático de la industria, seguro de entretener y molestar en igual medida, dependiendo de lo que uno esté dispuesto a pasar por alto cuando se está haciendo la película. El hecho de que el guionista y director nominado al Oscar vuelva a participar en la comedia de aventuras de época "Amsterdam" después de siete años (desde "Joy" de 2015) indica que Hollywood está dispuesto a soportar los recordatorios de sus problemas de conducta y a apostar sobre la receta del poder de las estrellas, la inteligencia emocional y la farsa provocativa que forjaron "Flirting with Disaster", "Silver Linings Playbook" y "American Hustle".

Sin embargo, solo el primer ingrediente está en evidencia con "Amsterdam", y ni una alta dosis de Christian Bale, Margot Robbie, John David Washington, Zoe Saldana, Anya Taylor-Joy, Rami Malek, Robert De Niro o Michael Shannon, pueden sacar este género sin gracia de su tropiezo narrativo hacia la relevancia contemporánea.

Al principio, la historia inicia en Nueva York en 1933, y se siente que se está gestando una imagen excéntrica de amigos, centrada en temas de integración y el trato a los veteranos. El personaje de Bale (y semi-narrador) es Burt Berendsen, un médico desaliñado, mitad católico, mitad judío, centrado en nuevos medicamentos para soldados heridos de la Gran Guerra como él (quien perdió un ojo) y separado de su esposa de Park Avenue, consciente de su estatus.

Respondiendo a una llamada de su amigo abogado Harold (Washington), un compañero veterano, la pareja se ve envuelta en desentrañar la misteriosa muerte de un general respetado (Ed Begley Jr.) que estaba programado para hablar en el evento de reunión de veteranos. La elegante hija del general (Swift, también describiendo su apariencia) sospecha de un crimen, lo que resulta cuando Burt y Harold se convierten en el objetivo de una investigación criminal dirigida por dos detectives (Schoenaerts y Nivola).

Pero luego retrocede a la Europa de 1918 y a un bromance empapado de sangre pero jovial sobre la curación y la libertad que detalla los orígenes de la amistad de Burt y Harold en un hospital del ejército francés, y su vínculo con la atenta y seductora enfermera Valerie (Robbie) para vivir una vida de arte, invención y amor en la bohemia Ámsterdam. También se conoce a un par de maestros espías aliados (Myers y Shannon), y la peculiaridad forzada, el estilo caótico y la química débil, especialmente entre Washington y Robbie, parece una preocupación más apremiante que si se está contando una historia coherente.

La sobrecarga de personajes y la complejidad de la trama alcanzan niveles críticos cuando es 1933 nuevamente. Malek y Taylor-Joy aparecen como una pareja adinerada con un gran interés en ayudar en la investigación de Burt y Harold, y De Niro emerge en el modo de anciano estadista como un general condecorado que puede ser la clave para exponer una infame conspiración. Pero en este punto, el giro hacia el thriller con una revelación malvada se siente como un mal trabajo de prótesis en un paciente. El mensaje torpe de Russell llamando a la diligencia en tiempos de paz en un mundo dividido con respecto al nexo de poder, dinero e influencia juega como una ocurrencia tardía subrayada en los márgenes de un guión que de todos modos no se estaba utilizando. Saber, cuando comienzan los créditos finales, que el personaje de De Niro está basado en una figura militar real de alguna consecuencia histórica entre las guerras hace poco para reconfigurar en nuestra mente el tedioso lío que acaba de concluir.

La marca de Russell de locura inspirada en Sturges siempre ha sido un acto de energía y tono de cuerda floja, pero "Amsterdam" ni siquiera se siente como un fracaso. Es descuidado y desconectado, repleto de personajes apenas dibujados que actúan como locos en medio de los años 30 cuando la cámara sin amarres de Russell y la edición discordante fuerzan el problema en lugar de capturar algo genuino que, incluso con un elenco tipo A, claramente no estaba allí para empezar. Sin embargo, Bale tiene sus momentos, y él y la enfermera de autopsias de Saldana comparten algunos repletos de vulnerabilidad que insinúan que una narrativa más enfocada habría servido mejor este enfrentamiento.

La deriva ingenua de Russell también se extiende a las áreas técnicas, ya que esta puede ser la película con peor aspecto de la carrera histórica del director de fotografía Emmanuel Lubezki: el pasado representado con un papel implacablemente plano, de color marrón grisáceo que embota los sentidos y crea una similitud visual en todos los continentes, las locaciones y los interiores cuidadosamente auténticos de la diseñadora de producción Judy Becker.

Cuando está trabajando a toda máquina, Russell puede organizar una fiesta acogedora y maravillosamente tensa, y claramente quería la misma vibra de "Amsterdam", ya que trata de valorizar la amistad y el amor mientras señala con el dedo una gran cantidad de males sociales. En cambio, cada escena se siente como una improvisación incoherente ensamblada apresuradamente después de que los miembros de la audiencia gritaran a la pantalla.

Crítica Cinéfila: Monster

“Monstruo” es lo que el abogado de la acusación llama al joven de 17 años Steve Harmon, un brillante estudiante de Harlem y aspirante a director de cine. Acusado de asesinato por un crimen que él asegura no haber cometido, la historia se centra en la compleja batalla legal que determinará si pasa el resto de su vida en la cárcel.

La sala del tribunal de la ciudad de Nueva York en la que Steve Harmon, estudiante de honor de 17 años, está acusado de homicidio grave, no posee el escenario judicial habitual. “Monster” hay una razón más allá del diseño de producción elegante para la paleta de grises. Porque el drama envolvente y matizado, un título de la competencia de Sundance 2018 protagonizado por Kelvin Harrison Jr., explora las áreas grises de culpa, inocencia y justicia penal, especialmente en lo que respecta a los jóvenes negros, que con demasiada frecuencia son vistos como culpables hasta que se demuestre lo contrario. Es probable que pelir inocencia resulte demasiado a un sistema en el que los jóvenes como Steve son vistos como las bestias, como los monstruos del título de la película.

Transmitida en Netflix, "Monster" se basa en la novela de 1999 de Walter Dean Myers (quien murió en 2014). Los temas del libro galardonado siguen siendo actuales y los guionistas Radha Blank, Colen C. Wiley y Janece Shaffer lo hacen aún más.

"Monster" se desarrolla en primera persona. Steve, que ya está en la cárcel a espera de juicio cuando inicia la película, reflexiona sobre su situación, sobre su propio significado y trata de no ceder a los temores de que el ruido sin parar y la amenaza omnipresente de la prisión serán su futuro. En un flashback, vemos la vida que estaba viviendo en un Harlem cambiante con su hermano menor, una novia y sus amorosos padres.

“Monster” es cerebral y emocionalmente cálida sin ser sentimental. Los pensamientos de Steve son diarios. También relata sus experiencias en forma de guión. De hecho, Steve es un cineasta floreciente. El y sus amigos de la escuela secundaria hablan con su instructor del club de cine sobre la historia y la imagen en movimiento, la estética y el punto de vista. ¿Qué están viendo? El clásico de Akira Kurosawa, "Rashomon".

El director de largometraje por primera vez Anthony Mandler despliega habilidades perfeccionadas trabajando en publicidad y elaborando videos musicales para crear una película visualmente cinética que se trata tanto de ver cómo es ser visto y la miopía racial de la justicia estadounidense.

Steve contempla su lugar en un mundo en el que una vida de posibilidades puede cambiar rápidamente. Todo lo que se interpone entre él y una larga sentencia es el trabajo de su defensora pública, interpretada por Jennifer Ehle, y mientras ella busca escapatorias, Steve se pregunta sobre la identidad: ¿es adolescente, hijo, hermano o monstruo? "Monster" extiende estos dilemas a los espectadores. Nosotros también debemos luchar por encontrar la verdad. Después de todo, un hombre murió durante un robo que salió mal. "Monster" no nos deja perder de vista ese hecho, incluso cuando nos ponemos del lado de Steve.

¿Estuvo involucrado de alguna manera? "Monster" mantiene a los espectadores preguntando, incluso cuando nos da destellos de la vida de clase profesional negra que vemos en la televisión (con programas como "Blackish"), pero no con tanta frecuencia en las películas.

Jennifer Hudson parece un poco desperdiciada aquí como la madre de Steve. Una reunión en la cárcel entre madre e hijo la encuentra disculpándose por no haberlo llevado a la iglesia. A Jeffrey Wright le va mejor. Su momento en la cárcel resulta silenciosamente aplastante; incluso mientras trata de ser fuerte y comprensivo, parece conmocionado por el giro de los acontecimientos, sus propios pensamientos se concentran en sí mismos y se pregunta "¿cómo sucedió esto?"

Parte de la razón por la que nos preguntamos si Steve podría ser culpable es que, a diferencia de cualquiera en la película, sabemos que desarrolló un vínculo con James King, un gángster del vecindario, que está siendo juzgado al mismo tiempo. Steve se había convertido en una especie de cronista visual siendo su vida.

El artista de rap A$AP Rocky interpreta a King con una facilidad carismática. Si King de manera tan casual y confiada te llama "amado" de la forma en que lo hace con Steve, es posible que tú también te encuentres en problemas. Una de las escenas más vívidas (y dolorosas) de “Monster” llega mientras Steve graba un video de King jugando al ajedrez, peinándose las trenzas y murmurando con un veterano al mismo tiempo. No te dejes seducir demasiado. King también es un mal actor, y no en el sentido teatral. Fue él quien le presentó a Steve a Bobo (quien ya se declaró culpable mientras se iniciaba el juicio). Como Bobo, John David Washington nunca se ha visto más peligroso. En cierto sentido, King, Bobo y Steve ofrecen sus propios tonos de gris. Cuando King sienta a Steve una noche y describe los sutiles sucesos al otro lado de la calle, sus observaciones son algo de aguda, incluso lírica, conciencia. La escena es una oda sorprendente a lo que pudo haber sido.

Harrison tiene una presencia de pantalla cautivadora y suavemente magnética. En los últimos tres años, ha aparecido en tres dramas muy diferentes que parecen hablarse entre sí. Los personajes pueden representar un diagrama de Venn de las experiencias de los hombres negros, pero él localiza la singularidad en cada uno. “Luce” (2019), “Waves” (2020) y “Monster”, que se hizo primero pero llega solo ahora, forman un poderoso tríptico. Uno que alienta al público a considerar una complejidad: matar a los "monstruos" que la cultura crea tan fácilmente.

Crítica Cinéfila: Malcolm & Marie

La relación de un director de cine y su novia es puesta a prueba cuando regresan a casa tras el estreno de su película y esperan las reacciones de los críticos.

Después de toda la pasión y los agravios provocados de los que fuimos testigos durante las casi dos horas de "Malcolm & Marie", es una cachetada sutil escuchar la canción de Outkast "Liberation" sobre la "delgada línea entre el amor y el odio". Pero es glorioso ver a Zendaya, en un giro dominante que consolida su llegada como una estrella de cine adulta, patinar en esa línea tanto con una cruda emoción como con la actitud hastiada de una mujer endurecida por la experiencia. El intenso drama de Sam Levinson explora las complejidades de una relación amorosa tóxica al mismo tiempo que examina la vida dentro de la burbuja del negocio del entretenimiento, pero en particular la forma en que los artistas pueden absorber todo el oxígeno de una relación. Toda esa gesticulación enfática tiene una forma de hacer que algunos discursos suenen como piezas de audición en un guión perspicaz salpicado de monólogos que no siempre parecen 100% orgánicos. Sin embargo, aquí lo son.

Parecería un homenaje a John Cassavetes. También hay ecos frecuentes de la versión en pantalla de Mike Nichols de "Who's Afraid of Virginia Woolf?", no solo en la dinámica de la pareja, sino también en las imágenes en blanco y negro de alto contraste del virtuoso director de fotografía Marcell Rév. La seductora fluidez del trabajo de la cámara, tanto como las actuaciones contundentes y la escritura musculosa, mantienen a "Malcolm & Marie" convincentes incluso cuando corre el riesgo de convertirse en un ejercicio extenso de estilo.

El personaje de Zendaya, Marie, una adicta en recuperación cuyas experiencias tocando fondo y saliendo del otro lado inspiraron el largometraje debut de Malcolm, podría ser fácilmente una versión más evolucionada de Rue Bennett, su papel en la jodida odisea adolescente Euphoria, varios años después. Mientras que el rol de John David Washington, Malcolm, es quizás uno de sus personajes más carismáticos y realistas que el actor ha logrado encarnar hasta el momento.

Levinson y sus colaboradores, incluidos varios miembros del equipo principal de Euphoria, han creado un drama autónomo que se desarrolla de manera realista dentro y alrededor de una casa aislada en el transcurso de una noche, gran parte de ella en tiempo real. Se abre con los faros del automóvil de Malcolm y Marie al acercarse después del viaje a casa desde su gran estreno en Los Ángeles, y termina cuando se despiertan a la mañana siguiente, uno al lado del otro contra un telón de fondo de la naturaleza que sale de Ansel Adams, tan hermoso que parece casi estilizado. Ese plano final, magistralmente enmarcado por Rév a través de la ventana de una habitación triple, realza el aspecto de la película al conjurar el efecto de una pantalla de cine.

Pero desde el momento en que entran tambaleándose en la casa, queda claro que hay tensión en el aire. Malcolm está medio destrozado y, naturalmente, muy emocionado por la entusiasta recepción de una película que ya está siendo aclamada como el avance de un gran talento nuevo, mientras que Marie está claramente molesta por algo. Se sirve un trago y baila en la sala de estar con su esmoquin al ritmo de James Brown, con la cámara de Rév como su compañero en una magnífica panorámica a través del espacio. Luciendo como una reina de la pasarela con su vestido halter metálico ceñido con amplios recortes, ella le prepara una olla de macarrones con queso sin hacer ningún esfuerzo por ocultar su fatiga al final de una larga velada. Todo parece una coreografía rítmica entre tensión y comedia.

La inexpresiva diversión de Marie se extiende al alboroto alrededor de la película. Sin embargo, el L´IO real de su ánimo magníficamente frío es que él no le agradeció en un discurso efusivo que mencionó a todos menos a ella, la mujer que no solo leyó borradores interminables y dio notas detalladas, sino que su vida anterior como adicta dio forma a todo el mundo narrativa de su película. Malcolm desmantela esa teoría con crueldad despiadada después de que ella presiona sus botones, pero es menos hábil para explicar por qué no la eligió para un papel supuestamente escrito para ella, lo que sugiere que se trata de su renuencia a compartir el escenario.

Las flechas y botellazos lanzados hacia adelante y hacia atrás, a veces de manera juguetona, en otros lugares con fuerza contundente, se desvían ocasionalmente hacia un tipo peculiar de autocomplacencia que crea una mitología alrededor del ecosistema de Hollywood el cual en la vida real no es más que un caldo de cultivo para monomaníacos hiper-articulados que les gusta brillar en soledad. Pero hay suficiente sustancia aquí para hacer que "Malcolm & Marie" funcione como un examen forense de cualquier relación, ya que se exponen los desequilibrios en un sistema de apoyo mutuo, dando paso a verdades punzantes: el problema real de toda relación tóxica.

Washington se mantiene firme en todo momento, pero es Zendaya quien lleva la película, revelando tanto en los silencios cargados como en sus palabras. Malcolm se burla de la trillada virtud de la "autenticidad" en la apreciación del cine, pero Marie se burla de su escepticismo en solo unos escalofriantes minutos en los que conscientemente destruye su compostura y socava su presumida superioridad. Verla acumular resentimientos y acusaciones que se desplegarán para lograr el máximo impacto cuando sea apropiado, le da un poder fascinante al desempeño de Zendaya, incluso cuando se puede ver la mente de Marie en movimiento, evaluando si hay un futuro para ella en la relación.

Su tango sexy, triste y furioso es quizás más interesante por la forma en que las simpatías de Levinson se dirigen no al autor hambriento de reconocimiento, sino a la mujer ferozmente inteligente que tiende a dar por sentada. Sin duda, Zendaya se gana la atención, y seguramente una nominación.

Crítica Cinéfila: Tenet

Armado con tan solo una palabra –Tenet– el protagonista de esta historia deberá pelear por la supervivencia del mundo entero en una misión que le lleva a viajar a través del oscuro mundo del espionaje internacional, y cuya experiencia se desdoblará más allá del tiempo lineal.

Algunas películas están siendo enviadas a plataformas de streaming y otras se están reteniendo hasta el invierno y más allá, pero Warner Bros. ha mantenido su plan de que "Tenet" debería ser un éxito del año sin importar la temmporada donde esto ocurra. Esta es una estrategia arriesgada, dado lo nerviosas que pueden estar las personas por sentarse en una sala con un grupo de extraños durante dos horas y media, pero la extravagancia de ciencia ficción de Christopher Nolan tiene el espectáculo y la grandiosidad apocalíptica de la "película de eventos" para tentar a la gente a ir a los cines. Sin embargo, simplemente no ha ocurrido y Tenet ha salido en digital, claramente demostrando que era mejor esperar a ir una sala de cine.

Hay una razón sólida por la que “Tenet” podría generar ganancias: aunque no muchas personas paguen por verlo, algunas de esas personas pagarán por verlo una y otra y otra vez con la esperanza de que, eventualmente serán capaces de averiguar qué está pasando. Creanme... ya la he visto 3 veces.

"Tenet" provoca mucha confusión, dibujos en el cuaderno para conectar hilos sueltos y hasta análisis de discusión más profundos que Inception, pero en el fondo está la idea simple, aunque extravagante, de que algunos objetos misteriosos se mueven hacia atrás en el tiempo a la misma velocidad que todo lo demás avanza. Un agente de la CIA no identificado al que le llaman el protagonista (John David Washington) recibe información sobre estos objetos por parte de una científica (Clémence Poésy) que sabiamente le aconseja: “No intentes entenderlo". Más allá de la historia, también es un consejo para la audiencia.

Si intentara entenderlo, probablemente se reiría en su cara, pero Nolan se sale con la suya con su ilógico concepto central, como lo hizo en “Inception”, al hacer que todos sus personajes lo acepten sin dudarlo. En cuanto la científica le muestra al protagonista una bala que entra en el cañón de un arma en lugar de salir de él, hablan de “material invertido” y “municiones invertidas” con la cara seria, y en el caso de Poésy, un aire irritable de aburrimiento como que esto es muy obvio.

La búsqueda de la fuente de estos dispositivos para rebobinar el tiempo lo lleva a un traficante de armas ruso (Kenneth Branagh) con una esposa miserable (Elizabeth Debicki). Pero antes de que alguien pueda abordar el tema de las "municiones invertidas", el Protagonista tiene que embarcarse en varias otras misiones con sus fondos aparentemente ilimitados y su increíblemente capaz compañero británico (Robert Pattinson).

“Tenet” es una de esas ingeniosas fantasías de cumplimiento de deseos en las que alguien dirá que necesita cuatro camiones, 10 hombres y una maleta llena de explosivos para llevar a cabo un atraco, y en la siguiente escena, todo lo que ha pedido será listo y esperando. Ningún equipo no está disponible; no hay secuaces detenidos en la aduana. El diálogo se reduce a una exposición superficial, y los personajes saltan de India a Italia, de Noruega a Ucrania tan fácilmente que bien podrían tener un teletransportador escondido junto a sus municiones invertidas.

En otras palabras, "Tenet" es un brillante thriller de espionaje internacional que, como "Inception", rinde un elaborado homenaje a la serie de James Bond. Nolan ofrece casi todo lo que podrías esperar del género, desde lugares magníficamente pintorescos hasta frenéticas persecuciones de autos, desde brutales peleas en restaurantes y cocinas hasta, lo mejor de todo, un salto en bungee hacia arriba en lugar de hacia abajo en un rascacielos de Mumbai.

También ayuda que el arrogante Washington y el sonriente Pattinson hagan un doble acto agradable. Pero todo sucede tan rápido, con explicaciones tan breves y tan poco espacio para respirar, que la historia es difícil de seguir y, por lo tanto, difícil de cuidar. Los espectadores descubrirán de repente que no están interesados ​​en la acción porque todavía están confundidos acerca de por qué todos estaban discutiendo sobre plutonio y algoritmos en la escena anterior, y quiénes eran todos en el enfrentamiento de apertura de la ópera. Y eso es antes de que lleguen al viaje en el tiempo. Lo siento, yo sigo igual de confundida.

Nolan, quien escribió y dirigió "Tenet", mantiene el "material invertido" como un diálogo tan vago durante casi dos horas, concentrándose en cambio en la batalla de ingenio entre el Protagonista y el oligarca ruso. Es solo en la última media hora que finalmente se enfoca en esos momentos temblorosos y tambaleantes. El resultado es, de nuevo, tan apresurado que resulta incomprensible. En el camino se puede disfrutar de una divertida y desconcertante diversión. Como lo hizo en "Memento", Nolan dobla la narración para que tengas que pensar de nuevo en escenas anteriores, y emplea una de las técnicas cinematográficas más antiguas y fascinantes: ejecutar el metraje al revés.

Pero, para citar a la científica, "No intentes pensar en eso". Las reglas del viaje en el tiempo parecen reescribirse con cada escena, y la pieza culminante involucra a multitudes de comandos idénticos, sus rostros ocultos por cascos, lanzándose por un polvoriento campo de batalla donde el tiempo retrocede, avanza y posiblemente ande de lado simultáneamente. Es emocionante ver cómo los edificios se derrumban y luego se vuelven a ensamblar inmediatamente después, pero si los tres períodos de tiempo simultáneos en "Dunkirk" o la estructura mezclada de "Memento" te desconcertaron, entonces "Tenet" te hará suplicar.

No hay muchos directores a los que se les confíe una producción tan masiva. Debe celebrarse la ambición de Nolan. Pero es difícil deshacerse de la sospecha de que "Tenet" equivale, en última instancia, a una imitación de Bond con un truco de ciencia ficción.

Puede que se haga eco de la astucia de "Looper" de Rian Johnson en su vertiginoso desprecio por la cronología lineal, pero la trama es más confusa que compleja, con menos que decir sobre el flujo del tiempo como lo lograron "Interstellar" o "Memento". Al final, "Tenet" no es una de las películas más satisfactorias de Nolan, y no lo digo porque no la haya visto en una sala de cine, como debió haber sido, sino porque la narrativa parece estar en contra de la comprensión humana. Pero después de haberlo visto cuatro o cinco veces más, tal vez cambie de opinión.