Crítica Cinéfila: Cyrano

Película que narra la vida de Cyrano de Bergerac, novelista y dramaturgo francés del siglo XVII.

El público inglés siempre ha preferido la historia trágica de Romeo y Julieta, pero en mi opinión, “Cyrano de Bergerac” de Edmond Rostand es la obra trágica más romántica. Para empezar, su tragedia no depende de la impaciencia y el suicidio de los adolescentes, sino de un afecto profundo y no correspondido durante mucho tiempo. Convencido de que su apariencia física no lo hace digno de su amada Roxanne, el caballeroso Cyrano no se atreve a expresar su ardor directamente y finalmente se lleva su secreto a la tumba. Y, sin embargo, la historia de Shakespeare sobre amantes desafortunados se cuenta una y otra vez infinitamente más a menudo que la de Rostand.

En aquellas ocasiones en que “Cyrano de Bergerac” se interpreta en el teatro, a menudo se le quita el verso o se interpreta para reír y hacer una farsa, mientras que la nueva y espléndida adaptación de Joe Wright presenta “Cyrano” como un musical dramático. Al reclutar a Bryce y Aaron Dessner de The National para componer las canciones, encantadoras y nostálgicas baladas pop para las cuales Matt Berninger y Carin Besser proporcionaron la letra, “Cyrano” restaura el sentido de la poesía de la obra. Al mismo tiempo, Wright, de nuevo en forma y evidentemente revitalizado por la pandemia, muestra una vez más el tipo de creatividad radical que hizo que "Pride and Prejudice" y "Atonement" fueran tan electrizantes en su época.

Con sus cámaras en picada y un diseño de producción más que deslumbrante, el estilo de Wright está más vivo que nunca, lo que le da un nuevo significado a la palabra "estilo". Pero incluso antes de que el director subiera a bordo, la escritora Erica Schmidt tuvo una epifanía: que podría reimaginar a Cyrano como un enano, y que no había actor más adecuado que su esposo, Peter Dinklage, para interpretar el papel principal (lo cual ya había hecho en una puesta en escena Off Broadway que ella dirigió). Hollywood puede haber tardado en reconocerlo, pero Dinklage realmente merece el estatus de actor principal, y aunque su voz para cantar deja mucho que desear, el guión personalizado de Schmidt aprovecha muchas de las fortalezas únicas de la estrella: es una carta de amor como la que Rostand sin duda aprobaría.

Aquí, la diminuta estatura de Dinklage cumple el mismo propósito que el schnoz de gran tamaño del personaje originalmente, otorgando a Cyrano una cualidad de extraño que debe compensar en exceso con su personalidad. Nuestro héroe ha sido llamado "fenómeno" tan a menudo que el insulto ha perdido su aguijón, y el manejo de la espada y el ingenio de Cyrano son tales que cualquier réplica seguramente resultará más cortante, como lo demuestra la película en su narración dinámica de la escena de apertura del teatro, en la que Cyrano hace su entrada extravagante. Interrumpe al actor a mitad del monólogo, luego procede a eclipsarlo con una batalla y duelo.

Como el amigo de confianza de Cyrano, Le Bret (Bashir Salahuddin), reconoce rápidamente, este tonto espectáculo ha sido en beneficio de una persona: Roxanne (Haley Bennett), que asiste con el poderoso pero desagradable Duque de Guiche (Ben Mendelsohn), rediseñado aquí como el tipo de rival que podríamos esperar encontrar en un cuento de hadas de Disney. Hay una buena razón para este cambio, que permite a Schmidt definir mejor el carácter de Roxanne desde el principio: "No soy la mascota de nadie, la esposa de nadie, la mujer de nadie", afirma desde el principio. Concedido la primera canción de la película, "Alguien para decir", Roxanne es más que el objeto abstracto del afecto de Cyrano, sino una mujer independiente que sabe lo que quiere, o al menos, cree que lo sabe, cuando se enamora de uno de los nuevos reclutas de Cyrano, Cristiano (Kelvin Harrison Jr.).

Pero Cyrano conoce el corazón de Roxanne quizás mejor que ella, y aunque se rompe cuando ella le cuenta sus sentimientos por Christian, promete proteger al joven recluta. Cyrano también se da cuenta de que sin su ayuda, el soldado inarticulado no tiene ninguna posibilidad de cortejar a Roxanne, por lo que se ofrece a escribir las cartas de amor que ella espera. El trato, como lo ve Cyrano: "Te haré elocuente, mientras tú me haces guapo". Y así comienza el cortejo más grande que jamás haya conocido el escenario, con Christian repitiendo el número anterior de "Alguien para decir", esta vez desde su perspectiva.

La trama de “Cyrano de Bergerac” es lo suficientemente conocida como para ahorrarse el relato, excepto para señalar que Wright se ha superado a sí mismo al idear formas originales e innovadoras desde el punto de vista cinematográfico para poner en escena el filme. Siempre ha habido algo un poco barroco en el estilo de Wright: un enfoque adornado y algo ostentoso además del vestuario, los escenarios y cualquier coreografía elaborada que la cámara pueda estar haciendo contribuyen al placer general que obtenemos al verlo. En “Anna Karenina”, todo se volvió demasiado molesto. Pero ahora se ha recuperado y no estaba dispuesto a dejar que el COVID se interpusiera en su camino.

Cambiando el escenario a la isla de Sicilia, donde podía crear una burbuja responsable dentro de la cual ejecutar su visión épica, Wright embelleció el diseño de producción natural de las ubicaciones. Cyrano y compañía pueden haber sido personajes de la vida real, pero incluso Rostand (famosamente meticuloso con los detalles históricos) se tomó una licencia considerable. Aquí sirven como arquetipos mientras Wright actualiza los aspectos del siglo XVII para adaptarlos a su estética, condenando a la nobleza con cintas, volantes y rostros empolvados mientras le da a Bennett un aspecto moderno más icónico como Roxanne.

Wright nunca se limita a los marcos convencionales. Al final del Acto 1, cuando Cyrano es acorralado por una multitud de matones, lleva a cabo una escena de lucha coreografiada que sigue en una sola toma, mientras Dinklage despacha hábilmente a 10 adversarios. Más tarde, cuando el personaje asume sus deberes de escribir cartas, Wright superpone ingeniosamente tomas de Roxanne y sus dos pretendientes para transmitir la complejidad de este triángulo amoroso. Y lo que es más importante, en la famosa escena del balcón, el momento en que Rostand supera claramente a "Romeo y Julieta", la película ingeniosamente diseña una forma para que su enamorado héroe se dirija directamente a Roxanne. Por brillante que pueda ser el guión de Schmidt, Cyrano sería el primero en admitir: "Las palabras solo pueden llevarme hasta cierto punto". La dirección de Wright hace el resto.

Crítica Cinéfila: Monster

“Monstruo” es lo que el abogado de la acusación llama al joven de 17 años Steve Harmon, un brillante estudiante de Harlem y aspirante a director de cine. Acusado de asesinato por un crimen que él asegura no haber cometido, la historia se centra en la compleja batalla legal que determinará si pasa el resto de su vida en la cárcel.

La sala del tribunal de la ciudad de Nueva York en la que Steve Harmon, estudiante de honor de 17 años, está acusado de homicidio grave, no posee el escenario judicial habitual. “Monster” hay una razón más allá del diseño de producción elegante para la paleta de grises. Porque el drama envolvente y matizado, un título de la competencia de Sundance 2018 protagonizado por Kelvin Harrison Jr., explora las áreas grises de culpa, inocencia y justicia penal, especialmente en lo que respecta a los jóvenes negros, que con demasiada frecuencia son vistos como culpables hasta que se demuestre lo contrario. Es probable que pelir inocencia resulte demasiado a un sistema en el que los jóvenes como Steve son vistos como las bestias, como los monstruos del título de la película.

Transmitida en Netflix, "Monster" se basa en la novela de 1999 de Walter Dean Myers (quien murió en 2014). Los temas del libro galardonado siguen siendo actuales y los guionistas Radha Blank, Colen C. Wiley y Janece Shaffer lo hacen aún más.

"Monster" se desarrolla en primera persona. Steve, que ya está en la cárcel a espera de juicio cuando inicia la película, reflexiona sobre su situación, sobre su propio significado y trata de no ceder a los temores de que el ruido sin parar y la amenaza omnipresente de la prisión serán su futuro. En un flashback, vemos la vida que estaba viviendo en un Harlem cambiante con su hermano menor, una novia y sus amorosos padres.

“Monster” es cerebral y emocionalmente cálida sin ser sentimental. Los pensamientos de Steve son diarios. También relata sus experiencias en forma de guión. De hecho, Steve es un cineasta floreciente. El y sus amigos de la escuela secundaria hablan con su instructor del club de cine sobre la historia y la imagen en movimiento, la estética y el punto de vista. ¿Qué están viendo? El clásico de Akira Kurosawa, "Rashomon".

El director de largometraje por primera vez Anthony Mandler despliega habilidades perfeccionadas trabajando en publicidad y elaborando videos musicales para crear una película visualmente cinética que se trata tanto de ver cómo es ser visto y la miopía racial de la justicia estadounidense.

Steve contempla su lugar en un mundo en el que una vida de posibilidades puede cambiar rápidamente. Todo lo que se interpone entre él y una larga sentencia es el trabajo de su defensora pública, interpretada por Jennifer Ehle, y mientras ella busca escapatorias, Steve se pregunta sobre la identidad: ¿es adolescente, hijo, hermano o monstruo? "Monster" extiende estos dilemas a los espectadores. Nosotros también debemos luchar por encontrar la verdad. Después de todo, un hombre murió durante un robo que salió mal. "Monster" no nos deja perder de vista ese hecho, incluso cuando nos ponemos del lado de Steve.

¿Estuvo involucrado de alguna manera? "Monster" mantiene a los espectadores preguntando, incluso cuando nos da destellos de la vida de clase profesional negra que vemos en la televisión (con programas como "Blackish"), pero no con tanta frecuencia en las películas.

Jennifer Hudson parece un poco desperdiciada aquí como la madre de Steve. Una reunión en la cárcel entre madre e hijo la encuentra disculpándose por no haberlo llevado a la iglesia. A Jeffrey Wright le va mejor. Su momento en la cárcel resulta silenciosamente aplastante; incluso mientras trata de ser fuerte y comprensivo, parece conmocionado por el giro de los acontecimientos, sus propios pensamientos se concentran en sí mismos y se pregunta "¿cómo sucedió esto?"

Parte de la razón por la que nos preguntamos si Steve podría ser culpable es que, a diferencia de cualquiera en la película, sabemos que desarrolló un vínculo con James King, un gángster del vecindario, que está siendo juzgado al mismo tiempo. Steve se había convertido en una especie de cronista visual siendo su vida.

El artista de rap A$AP Rocky interpreta a King con una facilidad carismática. Si King de manera tan casual y confiada te llama "amado" de la forma en que lo hace con Steve, es posible que tú también te encuentres en problemas. Una de las escenas más vívidas (y dolorosas) de “Monster” llega mientras Steve graba un video de King jugando al ajedrez, peinándose las trenzas y murmurando con un veterano al mismo tiempo. No te dejes seducir demasiado. King también es un mal actor, y no en el sentido teatral. Fue él quien le presentó a Steve a Bobo (quien ya se declaró culpable mientras se iniciaba el juicio). Como Bobo, John David Washington nunca se ha visto más peligroso. En cierto sentido, King, Bobo y Steve ofrecen sus propios tonos de gris. Cuando King sienta a Steve una noche y describe los sutiles sucesos al otro lado de la calle, sus observaciones son algo de aguda, incluso lírica, conciencia. La escena es una oda sorprendente a lo que pudo haber sido.

Harrison tiene una presencia de pantalla cautivadora y suavemente magnética. En los últimos tres años, ha aparecido en tres dramas muy diferentes que parecen hablarse entre sí. Los personajes pueden representar un diagrama de Venn de las experiencias de los hombres negros, pero él localiza la singularidad en cada uno. “Luce” (2019), “Waves” (2020) y “Monster”, que se hizo primero pero llega solo ahora, forman un poderoso tríptico. Uno que alienta al público a considerar una complejidad: matar a los "monstruos" que la cultura crea tan fácilmente.

Crítica Cinéfila: The High Note

Maggie (Dakota Johnson) asistente de la cantante Grace Davis (Tracee Ellis Ross), es una mujer con más trabajo del que puede abarcar y en la que sigue latente su sueño de la infancia: convertirse en productora musical. Cuando el manager de Grace (Ice Cube) le ofrece una oportunidad que podría alterar el rumbo de su carrera, Maggie comienza a urdir un complicado plan con el que está decidida a cambiar para siempre sus vidas. 

Nisha Ganatra regresa con otra película protagonizada por un dúo femenino, pero a diferencia de la anterior (Late Night - 2019), The High Note tiene un aterrizaje mucho más placentero. Sin embargo, no se aleja mucho de la temática que ya había planteado. Después de narrar las luchas de una escritora juvenil talentosa para ser vista y una feroz host de televisión en Late Night, Ganatra dirige el escenario de cumplimiento de los deseos desde la televisión hasta la industria de la música. Si bien el primer guión de Flora Greeson no tiene el comentario divertido sobre raza, clase y sexismo del guión de Mindy Kaling para la película anterior, y mucho menos la cortadez de Emma Thompson, esta película es mucho más recomendable.

Una secuencia de apertura resume la carrera celebrada de Grace con un montaje de portadas de Rolling Stone, entrevistas, discos de platino, premios Grammy, listas de reproducción de Apple Music y Billboard Hot 100 No. 1. Al mismo tiempo, Maggie se pasea por Los Ángeles, recogiendo la tintorería, recetas y pedidos de jugos entre innumerables recados antes de cambiar su viejo carro por el lujoso auto deportivo de Grace y dirigirse al aeropuerto de Burbank para encontrarse con su avión privado. Grace le informa rápidamente que está seis minutos tarde, y en caso de que haya alguna duda sobre quién es el jefe, toma el volante mientras regresan a su mansión blanca palaciega y Maggie le va resumiendo su agenda.

Grace ha lanzado una colección de grandes éxitos, un álbum en vivo y su sello ahora se está preparando para un conjunto de grandes éxitos en vivo; ella está en una rutina de reciclaje, aunque anhela silenciosamente trabajar en nuevo material. Solo Maggie parece sensible a ese deseo, pero el manipulador del agente de Grace, Jack (Ice Cube), tiene a la compañía discográfica en su esquina con el atractivo de 10 años de bajo costo y bajo estrés en piloto automático en Las Vegas. Pero a Grace todavía le encanta viajar, con sus cantantes de respaldo y su banda.

Mientras tanto, Maggie, quien comparte un apartamento con su amiga Katie (Zoë Chao), se pasa el tiempo en el estudio y trabaja en casa en remezclas de éxitos de Grace. Ella conoce a David (Kelvin Harrison Jr.), quien dice ser cantante. Inicialmente descarta a David como un proyecto para comenzar su carrera como productora musical pero cuando ella lo escucha cantar en un concierto al aire libre, queda impresionada y le propone trabajar juntos.

David toca en centros comunitarios y bar mitzvah, alistando a sus amigos como productor y músicos en sus demos, organiza lujosas fiestas en la piscina en una elegante casa que sugiere una riqueza considerable, por lo que algo no cuadra. Aún así, Maggie está demasiado ocupada hablando de sus credenciales de producción falsas para hacer preguntas. Ella comienza a trabajar con él en nuevas canciones y grabaciones más nítidas, tratando de mantener una distancia profesional a pesar del inevitable florecimiento del romance. Pero mientras progresa en su trabajo como productora, descuida su trabajo como asistente de Grace. 

La razón principal de disfrutar esta película es para ver a Tracee Ellis Ross como una superestrella del R&B, cuya trayectoria profesional tiene un parecido pasajero con los últimos años en solitario de su madre, Diana Ross, junto con las trenzas en cascada y los brillantes vestidos de lentejuelas. Su Grace Davis es una diva absorta en sí misma con la calidez y la realidad suficientes para mantenernos a su lado mientras recibe los golpes de una industria ansiosa por llevarla a una instalación fija de una residencia de Las Vegas.

Como Maggie, la incansable asistente personal que anticipa todas las necesidades de Grace mientras trabaja en secreto en remezclas de sus éxitos clásicos, Dakota Johnson continúa creciendo en su talento actoral, evitando caer en ese rol victimizado de una asistente mucho más capacitada que su propia jefa, y tratando de salir adelante sin sobrepasar los níveles autoritarios. Se nota su sed por salir de esta posición pero eso no cae en irrespeto ni mucho menos en agresividad pasiva. Maggie hace mucho más que mezclar ritmos en su computadora, olvidarse de su propia vida y tomar delanteras cuando nadie se atreve. Se vende exitosamente como productora de música con un talento y oido innato, exponiéndolo con el pasado de su personaje y los orígenes de su amor por la música. Incluso desluce a Diplo, en un cameo como un DJ estrella presumido, cuyos ritmos sintéticos no pueden rivalizar con la integridad de los conmovedores cortes musicales de Maggie. Grace valida su trabajo pero se niega a animarla, recordándole sin rodeos que es una asistente.

Aunque algunos momentos de la trama de The High Note son predecibles por poseer una estructura relativamente reciclada de otros clásicos dramas musicales, se trata de una película "feel good" envolviendo con sutileza sus conflictos en un arco limpio y ordenado para decirnos que a veces sí se puede lograr cuando se tiene los contactos agraciados, y se termina convirtiendo en una experiencia divertida y agradable. La película no tiene el dominio inteligente del género que distinguió otros melodramas de la industria de la música, pero es el tipo de visualización cómoda y placentera que se reduce tan fácilmente como la compilación de éxitos de un artista favorito.

Otro punto de desenfrene creativo importante es la protección mutua entre las dos protagonistas. Como Grace, Ross es frágil, desagradable y no se opone a menospreciar a Maggie cuando la asistente se adelanta a sí misma. Pero también hay suavidad y vulnerabilidad en su caracterización. Grace responde a tener una amiga, aunque socialmente inferior, que la respeta y cree en su talento, en lugar de simplemente adular a la orden como su ama de llaves egoísta Gail (June Diane Raphael) o cuidar de sus propios intereses, como el territorial de Ice Cube pero sobre todo genial Jack. La presencia relajada y sin pretensiones de Johnson encaja muy bien, incluso si ella supera el impulso de un hambriento sueño musical. Sus escenas con Ross transmiten una dinámica de cambio agradable, con Maggie acercándose con cautela mientras Grace sigue probándola, avanzando y luego retrocediendo con un refuerzo fulminante de la jerarquía. 

Mientras tanto, Johnson y Harrison tienen una química brillante, sobretodo cuando ambos están en el estudio, donde no parece mucho una actuación mutua y más parece una presentación musical sorprendiendo a la audiencia con las miradas intercambiables mientras graban una canción. Tanto Harrison como Ross se desempeñan bien en la voz, incluso si ninguna de sus canciones está a la altura de los cortes vintage elegidos por la banda sonora. Hay explosiones geniales de Aretha Franklin haciendo a Bobby "Blue" Bland, The Staples Singers haciendo The Band, PP Arnold haciendo Cat Stevens, Donny Hathaway haciendo John Lennon y, bendita sea, Cher haciendo Bob Dylan.

El diseño de producción de Theresa Guleserian y los disfraces de Jenny Eagan combinan el estilo de los diferentes spots de LA con un efecto agradable, y el trabajo de cámara del cinematógrafo Jason McCormick es ingenioso y ágil, incluso si tal vez se excede en el suave destello de lente del atardecer en el Sur de California.

The High Note es una mejora significativa, ya que encuentra profundidad real en sus personajes y momentos de tranquilidad que permiten que tanto el drama como la comedia respiren un poco más. y aunque es predecible en historia, Greeson y Ganatra la convierten en un momento placentero y reconfortante con una mirada más apasionada al mundo de la música en la ciudad de Los Angeles, y convirtiéndose en un llamado de acción a las personas en posiciones más bajas para que se motiven a impulsar sus sueños y no quedarse estancado en un cargo de entrada.