Crítica Cinéfila: Monster

“Monstruo” es lo que el abogado de la acusación llama al joven de 17 años Steve Harmon, un brillante estudiante de Harlem y aspirante a director de cine. Acusado de asesinato por un crimen que él asegura no haber cometido, la historia se centra en la compleja batalla legal que determinará si pasa el resto de su vida en la cárcel.

La sala del tribunal de la ciudad de Nueva York en la que Steve Harmon, estudiante de honor de 17 años, está acusado de homicidio grave, no posee el escenario judicial habitual. “Monster” hay una razón más allá del diseño de producción elegante para la paleta de grises. Porque el drama envolvente y matizado, un título de la competencia de Sundance 2018 protagonizado por Kelvin Harrison Jr., explora las áreas grises de culpa, inocencia y justicia penal, especialmente en lo que respecta a los jóvenes negros, que con demasiada frecuencia son vistos como culpables hasta que se demuestre lo contrario. Es probable que pelir inocencia resulte demasiado a un sistema en el que los jóvenes como Steve son vistos como las bestias, como los monstruos del título de la película.

Transmitida en Netflix, "Monster" se basa en la novela de 1999 de Walter Dean Myers (quien murió en 2014). Los temas del libro galardonado siguen siendo actuales y los guionistas Radha Blank, Colen C. Wiley y Janece Shaffer lo hacen aún más.

"Monster" se desarrolla en primera persona. Steve, que ya está en la cárcel a espera de juicio cuando inicia la película, reflexiona sobre su situación, sobre su propio significado y trata de no ceder a los temores de que el ruido sin parar y la amenaza omnipresente de la prisión serán su futuro. En un flashback, vemos la vida que estaba viviendo en un Harlem cambiante con su hermano menor, una novia y sus amorosos padres.

“Monster” es cerebral y emocionalmente cálida sin ser sentimental. Los pensamientos de Steve son diarios. También relata sus experiencias en forma de guión. De hecho, Steve es un cineasta floreciente. El y sus amigos de la escuela secundaria hablan con su instructor del club de cine sobre la historia y la imagen en movimiento, la estética y el punto de vista. ¿Qué están viendo? El clásico de Akira Kurosawa, "Rashomon".

El director de largometraje por primera vez Anthony Mandler despliega habilidades perfeccionadas trabajando en publicidad y elaborando videos musicales para crear una película visualmente cinética que se trata tanto de ver cómo es ser visto y la miopía racial de la justicia estadounidense.

Steve contempla su lugar en un mundo en el que una vida de posibilidades puede cambiar rápidamente. Todo lo que se interpone entre él y una larga sentencia es el trabajo de su defensora pública, interpretada por Jennifer Ehle, y mientras ella busca escapatorias, Steve se pregunta sobre la identidad: ¿es adolescente, hijo, hermano o monstruo? "Monster" extiende estos dilemas a los espectadores. Nosotros también debemos luchar por encontrar la verdad. Después de todo, un hombre murió durante un robo que salió mal. "Monster" no nos deja perder de vista ese hecho, incluso cuando nos ponemos del lado de Steve.

¿Estuvo involucrado de alguna manera? "Monster" mantiene a los espectadores preguntando, incluso cuando nos da destellos de la vida de clase profesional negra que vemos en la televisión (con programas como "Blackish"), pero no con tanta frecuencia en las películas.

Jennifer Hudson parece un poco desperdiciada aquí como la madre de Steve. Una reunión en la cárcel entre madre e hijo la encuentra disculpándose por no haberlo llevado a la iglesia. A Jeffrey Wright le va mejor. Su momento en la cárcel resulta silenciosamente aplastante; incluso mientras trata de ser fuerte y comprensivo, parece conmocionado por el giro de los acontecimientos, sus propios pensamientos se concentran en sí mismos y se pregunta "¿cómo sucedió esto?"

Parte de la razón por la que nos preguntamos si Steve podría ser culpable es que, a diferencia de cualquiera en la película, sabemos que desarrolló un vínculo con James King, un gángster del vecindario, que está siendo juzgado al mismo tiempo. Steve se había convertido en una especie de cronista visual siendo su vida.

El artista de rap A$AP Rocky interpreta a King con una facilidad carismática. Si King de manera tan casual y confiada te llama "amado" de la forma en que lo hace con Steve, es posible que tú también te encuentres en problemas. Una de las escenas más vívidas (y dolorosas) de “Monster” llega mientras Steve graba un video de King jugando al ajedrez, peinándose las trenzas y murmurando con un veterano al mismo tiempo. No te dejes seducir demasiado. King también es un mal actor, y no en el sentido teatral. Fue él quien le presentó a Steve a Bobo (quien ya se declaró culpable mientras se iniciaba el juicio). Como Bobo, John David Washington nunca se ha visto más peligroso. En cierto sentido, King, Bobo y Steve ofrecen sus propios tonos de gris. Cuando King sienta a Steve una noche y describe los sutiles sucesos al otro lado de la calle, sus observaciones son algo de aguda, incluso lírica, conciencia. La escena es una oda sorprendente a lo que pudo haber sido.

Harrison tiene una presencia de pantalla cautivadora y suavemente magnética. En los últimos tres años, ha aparecido en tres dramas muy diferentes que parecen hablarse entre sí. Los personajes pueden representar un diagrama de Venn de las experiencias de los hombres negros, pero él localiza la singularidad en cada uno. “Luce” (2019), “Waves” (2020) y “Monster”, que se hizo primero pero llega solo ahora, forman un poderoso tríptico. Uno que alienta al público a considerar una complejidad: matar a los "monstruos" que la cultura crea tan fácilmente.

Crítica Cinéfila: Saint Maud

Maud es una joven enfermera que, tras un oscuro trauma, se vuelve devota de la fe cristiana. Cuando empieza a trabajar cuidando a Amanda, una bailarina jubilada enferma de cáncer, la fe de Maud le inspira la obsesiva convicción de que debe salvar el alma de su paciente de la condena eterna... sea cual sea el coste.

Aunque este inquietante terror psicológico británico de ambientación contemporánea no es una película biográfica sobre la canonizada St. Maud en la vida real, una reina alemana excesivamente devota del siglo X, no es difícil imaginar por qué el personaje principal podría haber elegido rebautizarse como Maud después de un trauma y posterior conversión al cristianismo. Como la enfermera de cuidados a personas mayores o con enfermedades terminales que seguimos aquí, interpretada con sutileza pero también con un fervor candente por Morfydd Clark, la St. Maud original cuidó a los enfermos y ahora es considerada la santa patrona de los niños que se portan mal.

Esa segunda parte parece adecuada aquí dado que este llamativo debut de su guionista y directora Rose Glass explora la obsesiva necesidad del personaje principal de controlar y tal vez incluso convertir a su paciente mayor y terminal, interpretado por Jennifer Ehle. Saint Maud siembra las nubes con una mezcla ecléctica de influencias, pero funciona a la perfección, creando una película con su propio clima extraño. 

El prólogo de una escena sangrienta en un hospital y los indicios arrojados en otros lugares sugieren que algo malo le sucedió a un paciente por el cual la enfermera Maud (Clark) puede o no ser responsable. Ahora, en lugar de trabajar en el servicio nacional de salud (donde era conocida como Kate antes de cambiar su nombre), Maud atiende a pacientes terminales a través de una agencia privada en una ciudad costera sin nombre.

Su último cliente es Amanda (Ehle), una vez una bailarina de vanguardia festejada en la vena de Pina Bausch a juzgar por un videoclip que vemos en un momento, que ahora tiene una enfermedad terminal, probablemente cáncer a juzgar por la caída del cabello. Pero a pesar del hecho de que Maud quiere ver a la glamorosa e ingeniosa Amanda como un pájaro herido y roto que debe cuidar, Amanda es más como una araña que anida en su enorme cama en el centro de una casa oscura llena, papel tapiz con patrones amenazantes, color de sangre y secretos.

Amanda no es malvada ni nada tan simple y banal como eso, solo una mujer muy inteligente y complejamente aburrida pasando por las últimas etapas de su propia mortalidad. En Maud, a quien describe en un momento como la persona más solitaria que jamás haya conocido, ve un juguete divertido, aunque roto, para llenar el tiempo entre visitas de su joven y sexy amante, Carol (una Lily Frazer vívidamente salvaje).

Pero Maud tampoco es tan simple como parece, y las dos comienzan un tango de seducción y destrucción que conduce a algunos juegos mentales muy extraños. Eventualmente, la fe de Maud y tal vez su cordura comienzan a deshilacharse y crujir, y cambia el uniforme almidonado por hilos más sexys y una noche de hedonismo para ella.

Entre otras cosas, la película es un escaparate sorprendente para Clark como Maud. Durante gran parte de su tiempo de ejecución admirablemente conciso, la película es esencialmente una pieza de cámara claustrofóbica, ya que Maud y su propósito divino de salvar un 'alma perdida' corretean con una posesividad y hostilidad hacia los demás personajes e incluso la mente de la audiencia, conduciéndola a ella y a nosotros a una crisis en una larga noche oscura y errante, como una versión de los últimos días de la María Magdalena que lleva en su collar.

La película utiliza astutamente imágenes religiosas para meterse en la cabeza de Maud, no menos importante, las ilustraciones de William Blake, pero es igual de hábil para retratar a Amanda, cuyo arte ha representado la libertad del cuerpo femenino, haciendo que su actual casi inmovilidad sea más dolorosa. Si bien la historia está claramente ambientada en el presente, el diseño de producción, el vestuario y los peinados difuminan sutilmente los marcadores de la época, con toques de los años 60 y 70. Esta indeterminación burlona le da a la película una atemporalidad que también acentúa ecos de otras películas de terror psicológico mientras Clark ofrece una actuación tan audaz y tan vulnerablemente aislada como la de Catherine Deneuve en Repulsion (de Roman Polanski).

Al final, no está del todo claro si hemos entrado en un reino extático donde lo sobrenatural es posible o si todo está en la imaginación de Maud, como los remolinos que ve en los vasos de cerveza y los desagües de la bañera, que recuerdan a la famosa escena de la ducha de Hitchcock en Psicosis. Esa ambigüedad de género, que nunca se resuelve por completo, puede frustrar a algunos espectadores, pero está claro que Glass sabe exactamente lo que está haciendo, ya que sigue agregando capas delgadas de significado y textura a la narrativa. Este trabajo inteligente y siniestro promete un gran futuro para ella y toda la cinematografía y estilo narrativo que podría seguir creando.