Crítica Cinéfila: Monster

“Monstruo” es lo que el abogado de la acusación llama al joven de 17 años Steve Harmon, un brillante estudiante de Harlem y aspirante a director de cine. Acusado de asesinato por un crimen que él asegura no haber cometido, la historia se centra en la compleja batalla legal que determinará si pasa el resto de su vida en la cárcel.

La sala del tribunal de la ciudad de Nueva York en la que Steve Harmon, estudiante de honor de 17 años, está acusado de homicidio grave, no posee el escenario judicial habitual. “Monster” hay una razón más allá del diseño de producción elegante para la paleta de grises. Porque el drama envolvente y matizado, un título de la competencia de Sundance 2018 protagonizado por Kelvin Harrison Jr., explora las áreas grises de culpa, inocencia y justicia penal, especialmente en lo que respecta a los jóvenes negros, que con demasiada frecuencia son vistos como culpables hasta que se demuestre lo contrario. Es probable que pelir inocencia resulte demasiado a un sistema en el que los jóvenes como Steve son vistos como las bestias, como los monstruos del título de la película.

Transmitida en Netflix, "Monster" se basa en la novela de 1999 de Walter Dean Myers (quien murió en 2014). Los temas del libro galardonado siguen siendo actuales y los guionistas Radha Blank, Colen C. Wiley y Janece Shaffer lo hacen aún más.

"Monster" se desarrolla en primera persona. Steve, que ya está en la cárcel a espera de juicio cuando inicia la película, reflexiona sobre su situación, sobre su propio significado y trata de no ceder a los temores de que el ruido sin parar y la amenaza omnipresente de la prisión serán su futuro. En un flashback, vemos la vida que estaba viviendo en un Harlem cambiante con su hermano menor, una novia y sus amorosos padres.

“Monster” es cerebral y emocionalmente cálida sin ser sentimental. Los pensamientos de Steve son diarios. También relata sus experiencias en forma de guión. De hecho, Steve es un cineasta floreciente. El y sus amigos de la escuela secundaria hablan con su instructor del club de cine sobre la historia y la imagen en movimiento, la estética y el punto de vista. ¿Qué están viendo? El clásico de Akira Kurosawa, "Rashomon".

El director de largometraje por primera vez Anthony Mandler despliega habilidades perfeccionadas trabajando en publicidad y elaborando videos musicales para crear una película visualmente cinética que se trata tanto de ver cómo es ser visto y la miopía racial de la justicia estadounidense.

Steve contempla su lugar en un mundo en el que una vida de posibilidades puede cambiar rápidamente. Todo lo que se interpone entre él y una larga sentencia es el trabajo de su defensora pública, interpretada por Jennifer Ehle, y mientras ella busca escapatorias, Steve se pregunta sobre la identidad: ¿es adolescente, hijo, hermano o monstruo? "Monster" extiende estos dilemas a los espectadores. Nosotros también debemos luchar por encontrar la verdad. Después de todo, un hombre murió durante un robo que salió mal. "Monster" no nos deja perder de vista ese hecho, incluso cuando nos ponemos del lado de Steve.

¿Estuvo involucrado de alguna manera? "Monster" mantiene a los espectadores preguntando, incluso cuando nos da destellos de la vida de clase profesional negra que vemos en la televisión (con programas como "Blackish"), pero no con tanta frecuencia en las películas.

Jennifer Hudson parece un poco desperdiciada aquí como la madre de Steve. Una reunión en la cárcel entre madre e hijo la encuentra disculpándose por no haberlo llevado a la iglesia. A Jeffrey Wright le va mejor. Su momento en la cárcel resulta silenciosamente aplastante; incluso mientras trata de ser fuerte y comprensivo, parece conmocionado por el giro de los acontecimientos, sus propios pensamientos se concentran en sí mismos y se pregunta "¿cómo sucedió esto?"

Parte de la razón por la que nos preguntamos si Steve podría ser culpable es que, a diferencia de cualquiera en la película, sabemos que desarrolló un vínculo con James King, un gángster del vecindario, que está siendo juzgado al mismo tiempo. Steve se había convertido en una especie de cronista visual siendo su vida.

El artista de rap A$AP Rocky interpreta a King con una facilidad carismática. Si King de manera tan casual y confiada te llama "amado" de la forma en que lo hace con Steve, es posible que tú también te encuentres en problemas. Una de las escenas más vívidas (y dolorosas) de “Monster” llega mientras Steve graba un video de King jugando al ajedrez, peinándose las trenzas y murmurando con un veterano al mismo tiempo. No te dejes seducir demasiado. King también es un mal actor, y no en el sentido teatral. Fue él quien le presentó a Steve a Bobo (quien ya se declaró culpable mientras se iniciaba el juicio). Como Bobo, John David Washington nunca se ha visto más peligroso. En cierto sentido, King, Bobo y Steve ofrecen sus propios tonos de gris. Cuando King sienta a Steve una noche y describe los sutiles sucesos al otro lado de la calle, sus observaciones son algo de aguda, incluso lírica, conciencia. La escena es una oda sorprendente a lo que pudo haber sido.

Harrison tiene una presencia de pantalla cautivadora y suavemente magnética. En los últimos tres años, ha aparecido en tres dramas muy diferentes que parecen hablarse entre sí. Los personajes pueden representar un diagrama de Venn de las experiencias de los hombres negros, pero él localiza la singularidad en cada uno. “Luce” (2019), “Waves” (2020) y “Monster”, que se hizo primero pero llega solo ahora, forman un poderoso tríptico. Uno que alienta al público a considerar una complejidad: matar a los "monstruos" que la cultura crea tan fácilmente.

Crítica Cinéfila: Miracle in the Cell no. 7

Un hombre con discapacidad intelectual es injustamente encarcelado por la muerte de una niña, y debe demostrar su inocencia para poder estar de nuevo con su hija.

Miracle in the Cell no. 7, un remake de la película coreana de 2013, reta los sentimientos de su audiencia. Inspirada en el Golpe militar turco de 1980, la película muestra la realidad de la época y los abusos policiales desde la perspectiva de un hombre con discapacidad mental y su hija. 

Memo (Aras Bulut Iynemli) siempre ha sido foco de burla entre los compañeros de escuela de su hija Ova (Nisa Sofiya Aksongur), y esto se debe a que su capacidad intelectual es similar que la de un niño de 5 años. Ambos viven con la abuela de Memo, quien cuida de ellos desde que la madre de Ova falleció. Pero un día, y en medio de sus intentos de complacer a su hija con una mochila de Heidi, la hija de un militar de alto rango muere y le echan la culpa a Memo. 

Desde ya se sabe que será pena de muerte, y es enviado a una prisión donde sus compañeros de celda duran varios días sin entender el tipo de persona que es, con el tiempo logrando ganarse el cariño de él al punto que ellos quieren demostrar su inocencia y salvarle la vida. Mientras tanto, su hija Ova conoce al único testigo que puede comprobar que su padre es inocente y, tras entrar de manera ilegal a la prisión, allí lo comenta, encontrando la única posibilidad que podría regresarle a su padre.

Ya desde un punto de vista más narrativo, la historia tiene una sutileza en cada una de las conexiones que va formando a lo largo de la trama. Las escenas de padre e hija son suficientemente emotivas, con un clima dramático cargado para conseguir todo tipo de lágrimas. Aunque la película no hace mayor aterrizaje de la dictadura militar turca, que resulta un punto interesante para aquellos que no conocen la historia de este país, se enfoca en las relaciones humanas de la historia. Comenzando por la principal, el amor de padre e hija de estos dos personajes principales y su constante lucha por estar el uno con el otro es simplemente increíble. La química constante con códigos secretos y conversaciones de media tarde es complementada por la tremenda actuación de Iynemli como Memo (al punto que de verdad crees que es un discapacitado intelectual en la vida real) y la naturaleza de Nisa como Ova, con una capacidad de contar mucho tras sus ojos inocentes. 

Además de estos dos personajes, también se aborda el tema del perdón y la compasión desde los demás presos que acompañan a Memo en su celda, hasta los mismos miembros de la administración de la prisión, dando una visión alargada del pensamiento turco desde sus distintos puntos de vista y cómo cada quien tenía un diferente entendimiento de cómo la situación podía resolverse. Al final del día, el villano no es el sistema sino el rostro que lo representa, y la resolución es más fácil de lo que parece si todos se ponen de acuerdo. Sonará a cliché, pero el sentimiento está ahí y esta conclusión sí es impredecible, por la manera en que esta es llevada hacia la audiencia.

Pero el verdadero motor de sentimentalismo es la fotografía y la manera tan géntil que provoca la lluvia de lágrimas. El cinematógrafo Torben Forsberg se toma su tiempo para transmitir las emociones correctas en cada lugar, desde las introducciones de su personaje, hasta el desarrollo del desenlace. Esto junto a la composición musical de Hasan Ozsut y el diseño de producción completo (vestuario, maquillaje y escenografía) son clave importante para el dramatismo de esta historia.

Miracle in the Cell no. 7 parecerá tu típica "película para llorar", pero a diferencia de muchas, el humanismo y la sencillez en su historia son un punto necesario para ganarse cada gota derramada. Tiene emociones mezcladas a lo largo de ella, predominando la desesperación por ayudar a alguien que realmente necesita apoyo moral e intelectual, pero la catarsis llega justo a tiempo, sin olvidar recordarnos la verdadera razón que nos llevó a este punto.