Crítica Cinéfila: Crip Camp

Un vistazo a la vida de aquellos que asistieron al campamento de verano para adolescentes discapacitados que tuvo lugar muy cerca de Woodstock, a finales de la década de los 60 y principios de los años 70.

Si "Crip Camp" le parece un nombre políticamente incorrecto para una película sobre un campamento de verano en el que los niños con muletas, sillas de ruedas y otros que viven con discapacidades encontraron que era posible sentirse incluidos en lugar de excluidos, considere lo siguiente: el nombre es lo más irreverente cuando el material rompe con los estereotipos. El documental fue codirigido por el diseñador de sonido con sede en Berkeley Jim LeBrecht, un sobreviviente de la espina bífida que asistió a Camp Jened (como realmente se llamaba la institución) a principios de los 70, y que ve el lugar como una fuente de empoderamiento para una generación que pasó a liderar la cruzada por los derechos de los discapacitados en las décadas siguientes.

Este documental estridente seguramente llamará la atención y también es un buen complemento para "American Factory ”al mostrar la gama de proyectos que los Obama consideran dignos de compartir con un público más amplio. Co-dirigido por Nicole Newnham, la película logra iluminar sin siquiera parecer una lección de educación cívica, comenzando dentro de una burbuja utópica donde los personajes sin las discapacidades son la minoría, y luego se amplía el alcance para incluir el mundo exterior más cerrado al que regresan los campistas, una carrera de obstáculos intimidante que colectivamente ayudaron a reinventar.

La película es posible gracias a una gran cantidad de imágenes de archivo (principalmente en blanco y negro), grabadas entre 1971-73 por el People's Video Theatre, que brindó a los asistentes al campamento Jened la oportunidad de compartir su experiencia. Al principio, los niños solo hacen muecas a la cámara, pero con el tiempo, se abren sobre las diversas formas en que se sienten incomprendidos. Como en el documental de Arthur Bradford de 1999 "How's Your News?", la risa es una parte esencial de la ecuación.

Puede resultar sorprendente para aquellos que no han pasado tiempo con personas con parálisis cerebral o polio ver cómo un parapléjico llega de su silla de ruedas a la piscina, o ver un juego de atrapada entre niños con sillas motrorizadas. En una inspección más cercana, queda claro que estos adolescentes (algunos de los cuales habían sido encerrados en instituciones o segregados en clases “especiales”) están pasando el mejor momento de sus vidas.

En lugar de rehuir sus travesuras hormonales, la película los reconoce como seres sexuales. LeBrecht recuerda haber coqueteado con "muchas chicas lindas", mientras que Denise Sherer Jacobson, una parapléjica que obtuvo una maestría en sexualidad humana, disipa la idea errónea de que estas personas están condenadas al celibato sin necesidad. 

La película anima estos recuerdos con temas de rock clásico (como "For What It's Worth" de Buffalo Springfield y "Freedom" de Richie Havens), lo que le da un toque de época a imágenes que de otra manera no se sentirían tan rebeldes. A pesar de todo su inconformismo de pelo largo, Camp Jened no era un semillero de actividad anti-establecimiento - en todo caso, era un oasis alejado de un mundo insensible - y, sin embargo, ayuda que los cineastas infundan esas escenas con un espíritu de radicalismo, viendo cómo varios de los adolescentes desafiaron a Washington DC en el trato que da a su comunidad. Camp Jened fue el lugar donde decenas de niños con discapacidades descubrieron que no estaban solos y que ciertamente no eran inútiles. Lo que comenzó en Camp Jened cambió el mundo, sugiere la película, procediendo a presentar el caso en su segunda mitad más seria.

Poco después del verano que cambió la vida de LeBrecht, el Congreso aprobó la Ley de Rehabilitación de 1973, otorgando igualdad de acceso a las personas con discapacidades; la sección 504 de la ley fue diseñada para protegerlos de la discriminación, en teoría. El estatuto allanó el camino para la Ley de Estadounidenses con Discapacidades de 1990, pero como demuestra la brecha de 17 años entre las dos leyes, el gobierno federal tardó terriblemente en hacer cumplir la Sección 504. Y ahí es donde "Crip Camp" resulta ser el más educativo para los nacidos en un mundo posterior a la ADA, un mundo de puertas que se abren automáticamente y baños y rampas accesibles que tienen en cuenta las sillas de ruedas.

La generación más joven da por sentados estos avances, de la misma manera que los futuros estadounidenses algún día mirarán hacia atrás en un campo exclusivamente femenino de nominados al Oscar a mejor director y se preguntarán a qué se debió todo el alboroto. “Crip Camp” comienza con la diversión, pero pasa al escándalo, centrándose en la ex consejera Judy Heumann y sus compañeros activistas, algunos de los cuales habían asistido a Camp Jened. En abril de 1977, Heumann (quien más tarde fue nombrada asesora especial para los derechos internacionales de las personas con discapacidad en el Departamento de Estado de EE. UU. por Obama) y sus cohortes irrumpieron en las oficinas de Joseph Maldonado, el burócrata del Departamento de Salud, Educación y Bienestar que estaba deteniendo la Sección 504, y organizó una sentada.

Esta es la historia de Estados Unidos, pero no se enseña en las escuelas y, a menos que se nos recuerde los esfuerzos de Heumann en las noticias, probablemente no le resultará familiar. Cuando la democracia pasa por alto los derechos e intereses de una minoría, los interesados ​​tienen que volverse disruptivos. Hay un poder especial al ver una marcha de personas con muletas y sillas de ruedas, donde los manifestantes tienen que subir los escalones del Capitolio. Al final, “Crip Camp” no se trata tanto de la discapacidad como de la increíble capacidad que mostró esta comunidad, superando las barreras físicas y la incomodidad personal para que les tomaran en serio. Pero eso no significa que la película deba ser 100% seria, y LeBrecht y compañía reconocen que un poco de irreverencia hace que el viaje sea mucho más universal.

Crítica Cinéfila: Miracle in the Cell no. 7

Un hombre con discapacidad intelectual es injustamente encarcelado por la muerte de una niña, y debe demostrar su inocencia para poder estar de nuevo con su hija.

Miracle in the Cell no. 7, un remake de la película coreana de 2013, reta los sentimientos de su audiencia. Inspirada en el Golpe militar turco de 1980, la película muestra la realidad de la época y los abusos policiales desde la perspectiva de un hombre con discapacidad mental y su hija. 

Memo (Aras Bulut Iynemli) siempre ha sido foco de burla entre los compañeros de escuela de su hija Ova (Nisa Sofiya Aksongur), y esto se debe a que su capacidad intelectual es similar que la de un niño de 5 años. Ambos viven con la abuela de Memo, quien cuida de ellos desde que la madre de Ova falleció. Pero un día, y en medio de sus intentos de complacer a su hija con una mochila de Heidi, la hija de un militar de alto rango muere y le echan la culpa a Memo. 

Desde ya se sabe que será pena de muerte, y es enviado a una prisión donde sus compañeros de celda duran varios días sin entender el tipo de persona que es, con el tiempo logrando ganarse el cariño de él al punto que ellos quieren demostrar su inocencia y salvarle la vida. Mientras tanto, su hija Ova conoce al único testigo que puede comprobar que su padre es inocente y, tras entrar de manera ilegal a la prisión, allí lo comenta, encontrando la única posibilidad que podría regresarle a su padre.

Ya desde un punto de vista más narrativo, la historia tiene una sutileza en cada una de las conexiones que va formando a lo largo de la trama. Las escenas de padre e hija son suficientemente emotivas, con un clima dramático cargado para conseguir todo tipo de lágrimas. Aunque la película no hace mayor aterrizaje de la dictadura militar turca, que resulta un punto interesante para aquellos que no conocen la historia de este país, se enfoca en las relaciones humanas de la historia. Comenzando por la principal, el amor de padre e hija de estos dos personajes principales y su constante lucha por estar el uno con el otro es simplemente increíble. La química constante con códigos secretos y conversaciones de media tarde es complementada por la tremenda actuación de Iynemli como Memo (al punto que de verdad crees que es un discapacitado intelectual en la vida real) y la naturaleza de Nisa como Ova, con una capacidad de contar mucho tras sus ojos inocentes. 

Además de estos dos personajes, también se aborda el tema del perdón y la compasión desde los demás presos que acompañan a Memo en su celda, hasta los mismos miembros de la administración de la prisión, dando una visión alargada del pensamiento turco desde sus distintos puntos de vista y cómo cada quien tenía un diferente entendimiento de cómo la situación podía resolverse. Al final del día, el villano no es el sistema sino el rostro que lo representa, y la resolución es más fácil de lo que parece si todos se ponen de acuerdo. Sonará a cliché, pero el sentimiento está ahí y esta conclusión sí es impredecible, por la manera en que esta es llevada hacia la audiencia.

Pero el verdadero motor de sentimentalismo es la fotografía y la manera tan géntil que provoca la lluvia de lágrimas. El cinematógrafo Torben Forsberg se toma su tiempo para transmitir las emociones correctas en cada lugar, desde las introducciones de su personaje, hasta el desarrollo del desenlace. Esto junto a la composición musical de Hasan Ozsut y el diseño de producción completo (vestuario, maquillaje y escenografía) son clave importante para el dramatismo de esta historia.

Miracle in the Cell no. 7 parecerá tu típica "película para llorar", pero a diferencia de muchas, el humanismo y la sencillez en su historia son un punto necesario para ganarse cada gota derramada. Tiene emociones mezcladas a lo largo de ella, predominando la desesperación por ayudar a alguien que realmente necesita apoyo moral e intelectual, pero la catarsis llega justo a tiempo, sin olvidar recordarnos la verdadera razón que nos llevó a este punto.

Crítica Cinéfila: The Peanut Butter Falcon

Zak (Gottsagen) es un joven con Síndrome de Down que se escapa de su residencia para perseguir su sueño de convertirse en un luchador profesional en la escuela de lucha de Salwater Redneck. Una serie de circunstancias le llevan a encontrarse con Tyler (LaBeouf) un delincuente que también se ha dado a la fuga y que más tarde se convierte en su entrenador y aliado. 

Seguro muchos de ustedes tienen una lista negra de actores y actrices, a quienes una vez se enteran de que va a protagonizar cierta película, hasta miedo le cogen a la historia. Ese es Shia LaBeouf para mi. La locura de sus personajes, sobretodo en Transformers, ha hecho que lo encuentro insoportable, y cada vez que anunciaban alguna historia con él, la evitaba. Hasta que vi el trailer de The Peanut Butter Falcon sin querer, y me di cuenta que quizás no es culpa de Shia, quizás son sus guiones anteriores, y quizás esta sería una nueva forma de apreciar el "talento" que él lleva dentro.

Zak ( Zack Gottsagen ) es un joven de 22 años con síndrome de down. Sus padres lo han abandonado en una casa de retiro. Pasa su tiempo conspirando para escapar y volver a ver un viejo video instructivo de lucha libre en VHS de su ídolo Clint "The Salt Water Redneck". Cuando Zak logra escapar con la ayuda de otro paciente, corre y encuentra refugio en un bote que, sin que él sepa, pertenece a Tyler (Shia LaBeouf), un pescador de cangrejos que lucha con la culpa de la muerte de su amigo. Esa culpa y rabia, junto con una deuda que pagar, lo lleva a quemar $12,000 en equipos de pesca pertenecientes a Duncan y Ratboy. Tyler necesita llegar lo más lejos posible, mientras que Zak intenta llegar a la escuela de lucha de Clint anunciada en su amado video. Al igual que Tom Sawyer y Huck Finn, los dos se unen a la carrera mientras son perseguidos por los enemigos de Tyler, así como por Eleanor (Dakota Johnson), la cuidadora de Zak a quien se le encargó en el hogar de ancianos encontrarlo.

En la lucha profesional, hay personajes "buenos" y personajes "malos". Zak insiste en ser un personaje "malo" porque fue abandonado y por lo tanto elimina sus posibilidades de un arco redentor. Pero Tyler le asegura que los buenos también se quedan. 'Falcon' reconoce el efecto profundamente arraigado que el aislamiento puede tener en una persona joven, específicamente en una persona joven y discapacitada, al pensar que debido a cosas malas que les han sucedido, ellos son los culpables. La película frecuenta la palabra "R", que ciertamente golpea las orejas como papel de lija, pero en última instancia se utiliza para romper la noción de que significa "menos que". El contexto del tiempo y el lugar también es clave. Está ubicado en el sur profundo, desde Louisiana hasta Georgia, y aunque no se da un marco de tiempo real, la prominencia de los VCR y el único teléfono celular que es un teléfono plegable nos señala que sería principios de la década de 2000. Jeff Nichols filma de esa manera, donde las localidades del sur son filmadas tan amorosamente poéticas que se siente atrapado fuera del tiempo, casi como si estuviésemos dentro de un universo paralelo. 

Sin embargo, seguir acumulando puntos de referencia a otros cineastas establecidos perjudicaría la voz cinematográfica que Nelson y Schwartz desarrollan con confianza a medida que se desarrolla "Peanut Butter Falcon". Si bien es una pequeña imagen de la vida, también tiene un sentido del humor cálido. Se siente tan naturalista e impulsado por el carácter, lo que hace que las risas se sientan más fuertes y más impactantes que el tipo de peculiaridad fabricada que a veces puede socavar un buen trabajo como este. Hay varios montajes utilizados como mano corta para desarrollar este parentesco poco probable, pero de alguna manera, mejora el carácter en lugar de acortarlo (y también el uso de tomas simétricas por encima de la película es austero y hermoso). El dúo busca la redención de cómo pueden ayudarse unos a otros, pero todos reconocen que ambos están huyendo.

Gottsagen, un actor con síndrome de Down, es un verdadero hallazgo, y es el corazón y el alma de toda la película. El continuo rechazo de LaBeouf al estrellato solo ha funcionado en su beneficio como intérprete. Hay volatilidad en su desempeño, pero también una vulnerabilidad, como si fuera el tipo "bueno" disfrazándose como un tipo "malo". Existe ese encanto pícaro que le quedaba bien en "American Honey" que lo hace tan desagradable como atractivo. Pero, es Johnson quien completa esta tripleta de los rotos y maltratados. Lo que comienza como un personaje relativamente pegado en el barro se convierte en una expresión sutil de su propio dolor y la conexión que los une a ella y a Tyler de LaBeouf. Y a pesar de que los roles de Bernthal, Dern y Church son breves, cuentan donde deben hacerlo, específicamente Church como el luchador deshecho (sin mencionar un sorprendente cameo de Jake "The Snake" Roberts ).

Con el título, la aventura cómica, los personajes principales no coincidentes y el arsenal general de personajes secundarios extraños, "The Peanut Butter Falcon" podría haber sido fácilmente una receta para un twee excesivo y irritante. Al mantener el humor arraigado en las actuaciones y solo dejando que el sentimentalismo se filtre cuando sea necesario, Nelson y Schwartz han creado una película que se siente refrescante, única y emocional, pues entre momentos bien emocionales hasta risas a carcajadas, crean la sensación perfecta para decir para hacernos olvidar de los malos ratos del momento, incluyendo los que cierto actor pudo haber provocado en el pasado.

Quizás es motivación suficiente para sacarlo de mi lista negra.

Crítica Cinéfila: The Upside

Remake norteamericano del gran éxito del cine francés "Intocable" (2011), que aborda la relación que se desarrolla entre un parapléjico y un desempleado con antecedentes criminales que es contratado como asistente personal para ayudarle en el día a día.

Una de las películas francesas más reconocidas es The intouchables, inspirada en la historia real de Philippe Pozzo di Borgo y su cuidador franco-argelino Abdel Sellou, la cual revento con gran éxito la taquilla mundial y se llevó innumerables galardones y nominaciones, como el premio a Mejor película en el Festival de Tokyo y el Goya a Mejor película europea, además de ser candidata a ganar en la categoría de Mejor película de habla no inglesa en los Globos de Oro y BAFTA. La historia ha motivado a directores alrededor del mundo a relanzar diferentes versiones sobre los personajes: Oopiri (India, 2015), e Inseparables (Argentina, 2016), y ahora una versión estadounidense que repite la misma fórmula de la original, pero actualizado a la cultura gringa.

Neil Burger, director de El ilusionista y Divergente, toma las riendas de este remake estadounidense, que narra la historia de Phillip, un rico cuadripléjico que necesita un cuidador que lo ayude con su rutina diaria en su penthouse de Nueva York. El decide contratar a Dell, una persona en libertad condicional que intenta volver a conectarse con su ex y su hijo. A pesar de provenir de dos mundos diferentes, una amistad poco probable comienza a florecer cuando Dell y Phillip redescubren la alegría de vivir la vida al máximo.

En el lado positivo, la combinación de Bryan Cranston y Kevin Hart en los papeles principales es el resultado de momentos lo suficientemente cómicos para poder ser levemente diferenciada de la película original, en términos de estilo y tonalidad, sobretodo por el trabajo particularmente hilarante de Hart, que intensifica su personalidad caricaturezca.

En el lado negativo, el director Neil Burger y el guionista Jon Hartmere han hecho muy poco para transformar los aspectos más problemáticos de Olivier Nakache y el éxito de taquilla de Eric Toledano. Por supuesto, han encontrado una manera de incluir algunas bromas americanizadas, pero de lo contrario, simplemente han cambiado de ubicación de París a Manhattan, y han mantenido la misma visión estereotípica de un negro desempleado, el ex-convicto que le muestra a un millonario amargo tetrapléjico cómo recuperar su alma y reírse de ello en el proceso.

Siguiendo el original casi en cada escena, The Upside comienza presentando a dos neoyorquinos en los extremos opuestos del tótem. Por un lado, está el megarico autor e inversor Phillip (Cranston), quien quedó paralizado de cuello por accidente de ala delta y está confinado en su lujoso penthouse de Park Avenue. Y en el otro extremo está Dell (Hart), un delincuente afilado de los proyectos que necesita encontrar un trabajo para apaciguar a su oficial de libertad condicional, mientras espera volver en buena manera con su ex (Aja Naomi King) y su hijo (Jahi Di'Allo Winston).

Cuando Dell aparece por error en la puerta de Phillip y se postula para ser su enfermero auxiliar, Phillip contrata de inmediato al candidato no calificado y bastante agresivo. Él hace esto porque es un poco bromista, pero también porque en este momento tiene muy poca voluntad de vivir, incluso cuando su dedicada Yvonne (Nicole Kidman) está haciendo todo lo que está a su alcance para hacele la vida lo más manejable posible.

Al igual que en cualquier bromance clásico, los dos opuestos se atraen rápidamente el uno al otro: Phillip debido a la actitud sin turnos de Dell; Dell debido a la riqueza, inteligencia y fácil aceptación de Phillip de alguien de otra clase y color. Muy pronto, Dell está tarareando junto a Las bodas de Fígaro y Phillip se acerca a Aretha Franklin. Todo lo que les impide salir juntos en el Porsche de Phillip son las tendencias depresivas y autodestructivas de este último, que se deben tanto a su propia condición como a la muerte de su esposa por cáncer.  

Es fácil ver una configuración de este tipo como ingeniosa y ligeramente ofensiva, incluso si está "basada en una historia real", que en realidad fue entre un parisino y su cuidador árabe, como si todo un rico blanco nnecesitara para ser feliz es un payaso de el gueto que lo hará reír. Y aunque eso es principalmente cierto aquí, hay algo tan desalentador en la relación de Phillip y Dell que gradualmente lo absorben sin hacer demasiadas preguntas.

Gran parte de esto se debe a la carisma de Hart y al agudo momento de Cranston, quien, confinado predominantemente a las expresiones faciales, puede hacer maravillas a través de unos simples disparos de reacción. La película funciona mejor cuando los dos personajes actúan como grandes adultos, como cuando se juntan en la calle, pero también es anárquico y agradable para la condición de Phillip. Y, seguramente, esta es la primera comedia de Hollywood en sacar tanto kilometraje de alguien que intenta cambiar un catéter.

Si el personaje de Hart es un cliché andante y su historia de redención del Bronx es un poco falsa, el cómic tiene una mente tan rápida y una presencia eléctrica que tiendes a pasar por alto esos temas. Hay momentos que se vuelven aún más atractivos que levantan un poco los efusivos intentos de la película por calentar nuestros corazones, especialmente en un rollo de cierre que también continúa. 

En comparación con el estilo brillante de la película francesa, Burger y su equipo le dan a este un enfoque más vanguardista, con un montón de trabajo de cámara de mano y un cierto rechazo que estaba ausente del original. El diseñador de producción Mark Frieberg hace un trabajo especialmente bueno con el apartamento de Phillip, que es como un laberinto de arte, gusto y extrema riqueza que Dell encuentra cuando trata de pagar sus propias cuentas. Pero al final, y con la excepción de algunos chistes modernos, la fórmula se mantiene.