Crítica Cinéfila: Pieces of a Woman

La vida de Martha y Sean Carson, una pareja de Boston, cambia radicalmente tras perder a su hija durante un parto casero por la negligencia cometida por una matrona a la que posteriormente denuncian ante los tribunales. Comienza entonces un largo vía crucis para Martha, que además de tener que superar el dolor por la pérdida de su hija, tiene que hacer frente a su compleja relación tanto con su pareja como con su madre, una mujer dominante por naturaleza.

El director húngaro Kornél Mundruczó deja a un lado la alegoría política para profundizar en el corazón de la tragedia familiar en su primer largometraje en inglés, Pieces of a Woman. Perforando su estilo europeo frágil con la agitación emocional occidental, el drama tiene influencias de Ingmar Bergman y John Cassavetes, no siempre a la ligera. A pesar de algunos pasajes de guión artificiales y un simbolismo poco sutil, el elenco de primera clase lo mantiene fascinante.

Escrita por Kata Wéber, socia del director y colaboradora frecuente como guionista y actriz, la nueva película se amplía a partir de una obra de teatro que desarrollaron juntos. Se abre con una secuencia previa al título magníficamente controlada que dura casi media hora, lo que será desgarrador para cualquiera que esté contemplando la maternidad.

Martha (Vanessa Kirby) parece serena cuando la felicitan en un baby shower en la oficina, y su compañero Sean (Shia LaBeouf), un ingeniero de construcción en un proyecto de un puente de Boston, ya está lleno de orgullo por convertirse en padre por primera vez. Incluso su irritación por la sombra implícita de su suegra controladora Elizabeth (Ellen Burstyn) comprándoles un coche no puede apagar su buen humor. Él le da a Martha un regalo de fotos de ultrasonido enmarcadas de su hija para que las cuelgue en la habitación del bebé.

Habiéndose preparado para un parto en casa, llaman a su partera cuando comienzan las contracciones. Pero Martha comienza a asustarse levemente cuando la mujer no está disponible, atrapada en medio de un parto difícil. Sean trata de mantener el ambiente alegre con bromas y romance mientras Martha rompe fuente y la partera de reemplazo, Eva (Molly Parker), llega a la casa. Ella le asegura a Martha que sus náuseas son normales y solo comienza a mostrar preocupación cuando el ritmo cardíaco del bebé disminuye entre las contracciones. A los pocos minutos del nacimiento de su hija aparentemente sana, el bebé se pone azul repentinamente.

Esta es una secuencia sorprendente de eventos, que se hizo aún más urgente y nerviosa por la agitación incesante del trabajo de cámara del director de fotografía Benjamin Loeb, que se lanzaba entre los tres adultos en la casa. El bloqueo meticuloso que se utilizó para configurar esta escena virtuosa debe haber sido asombroso. Todo sucede tan rápido que incluso con la sensación inmersiva de participar en un trauma en tiempo real, filmado en una sola toma, luego te encuentras luchando, junto con los personajes, para juntar detalles específicos como dudas, recriminaciones e acusaciones de culpa que comienza a aflorar, tanto en privado como en público.

La ausencia de hallazgos concluyentes de los médicos solo agrava la falta de cierre de la pareja. Sean, que tiene un historial de adicción, reacciona con una frustración violenta mientras Martha se vuelve fría y cerrada, horrorizando a su madre con su obstinada decisión de donar el cuerpo de su hija a la ciencia. Elizabeth avanza a toda velocidad con acciones legales contra la partera, una cacería de brujas avivada por el establecimiento médico. Ella recluta a la hábil prima abogada de Martha, Suzanne (Sarah Snook), quien confía en que pueden ganar tanto el caso penales como civil contra Eva.

La acción está marcada por tomas del puerto marcan intervalos de tiempo durante los siete meses posteriores a la tragedia, durante los cuales la demanda avanza mientras las relaciones familiares se rompen. 

En una escena de conjunto fuerte, las tensiones estallan durante un almuerzo en la casa de Elizabeth, al que también están invitados la hermana de Martha, Anita (Iliza Shlesinger) y su esposo, el vendedor de autos Chris (Benny Safdie). Chris y Sean se involucran en una animada ida y vuelta sobre bandas de grunge y el extraño período en el que The White Stripes se hacían pasar por hermanos en lugar de esposos. Suzanne finge interés, no tiene ningún compromiso con la cultura pop, mientras que Elizabeth trabaja en su propio plan para ayudar a Martha a seguir adelante. La ágil cámara de Loeb nuevamente es una valiosa herramienta de narración, ya que rebota entre los invitados en otra hazaña de destreza de una sola toma, zigzagueando entre habitaciones pero rara vez quitando la vista del estado de olla a presión de Martha por mucho tiempo. Su ira explosiva deja en claro que no comparte el hambre de justicia que supuestamente su madre "necesita". Esto provoca un discurso sobrescrito pero efectivo, pronunciado en primer plano por la formidable Burstyn, en el que Elizabeth escupe la dura historia de su propio nacimiento como sobreviviente del Holocausto en Europa Central.

Si bien LaBeouf lleva su físico habitual a algunas escenas impactantes, que van desde la ira incontrolable, la cautela y la vulnerabilidad aplastada mientras el dolor envenena la relación de la pareja, el núcleo destrozado de la película, como su título sugiere, es Martha de Kirby. Ella se endurece visiblemente a raíz de su devastadora pérdida, descartando los elementos amorosamente ensamblados de la habitación del bebé con una resuelta ausencia de emoción. Una escena en la que regresa al trabajo, absorbiendo en silencio las miradas compasivas de sus colegas con el aire de una mujer tan peligrosa como dañada, es uno de los muchos momentos de intensidad. Y cuando mira a los niños en la calle o en el metro o en una tienda por departamentos, sus ojos pueden estar expresando ternura o resentimiento. La notable Kirby ofrece una actuación dura, sangrando bajo su guardia blindada pero negándose a ablandar los lados abrasivos de Martha mientras emprende el trabajo de aislamiento de aprender a vivir con su pérdida.

En papeles más pequeños, Snook y Parker causan impresiones incisivas, y Safdie siempre es una presencia interesante en la pantalla. Sin embargo, Jimmie Fails, tal revelación de The Last Black Man in San Francisco, está muy poco valorado.

El dominio de Mundruczó flaquea en las escenas culminantes de la sala del tribunal que parecen peatonales y demasiado cinematográficas en comparación con el psicodrama más atrevido que ha venido antes, especialmente cuando Martha se atasca con un gran discurso. Tales defectos se acentúan al aumentar el uso excesivo de la música intrusiva de Howard Shore en las últimas secciones. Pero también hay toques interesantes como el interés de Martha en hacer brotar semillas de manzana como metáfora del renacimiento, o alusiones a los puentes como estructuras complicadas que a veces necesitan ser quemadas.

No está claro quién será la audiencia para un drama tan inquebrantable que se siente casi como una traición. Pero aquellos con el estómago para una representación enérgicamente actuada del impacto desgarrador y las secuelas a largo plazo de la muerte súbita infantil serán recompensados ​​con momentos poderosos y conmovedores.

Crítica Cinéfila: Honey Boy

La historia se centra en la tormentosa infancia de un joven actor y sus primeros años de la adultez mientras lucha por reconciliarse con su padre y lidiar con su salud mental.

Pocos actores han engendrado el nivel de curiosidad y confusión que rodea a Shia LaBeouf, sin embargo, se ha visto poco impacto en su carrera cinematográfica. Los arrestos de LaBeouf por intoxicación pública y su mezcla de arte de performance pueden haber obstaculizado su perfil público, pero nunca degradaron la calidad de una filmografía arriesgada y sustancial. Ahora, las facetas de duelo de la carrera y la vida pública de LaBeouf han chocado de la manera más intrigante.

Con "Honey Boy", LaBeouf ha escrito un resumen autobiográfico sobrio de su problemática juventud, atribuyendo gran parte de su entrada áspera en la edad adulta a su padre abusivo, un papel exuberante que el propio actor encarna con un gran machismo inquietante. Dirigida por el documentalista expresionista Alma Har'el en su debut narrativo, "Honey Boy" se beneficia del buen ojo de la cineasta, incluso cuando introduce el trauma de la vida real en ritmos convencionales.

Otis es un niño de 12 años que descubre desde muy joven la fama en Hollywood. Su padre es un antiguo payaso de rodeo con diversos problemas, ahora sin trabajo, que decide convertirse en su guardián. Cuando Otis no está divirtiendo a un selecto público, pasa el rato con su padre en un motel de mala muerte situado en las afueras de donde acude a grabar. La convivencia entre ambos es muy compleja: Otis se ve obligado a sufrir sus abusos mientras ambos intentar dar sentido a una relación que se reproduce en el tiempo a lo largo de más de una década.

Mientras "Honey Boy" se adhiere a un libro de jugadas tradicional para historias naturalistas de jóvenes problemáticos, pide lecturas más profundas desde su primera toma: en el 2005, un joven ligeramente ficcionalizado como "Otis" (Lucas Hedges), soporta algunos explosivos trabajo de acrobacias en el set de una gran producción de Hollywood que solo podría ser "Transformers". Vislumbrado en un denso montaje involucrado en un notable desenfoque de los horarios de producción, consumo excesivo de alcohol y conexiones, Otis apenas ha dicho una palabra antes de que voltee su auto y aterrice en la cárcel, seguido de rehabilitación. Una vez presionado por su terapeuta (Laura San Giacomo) para considerar su pasado como lo que ha causado tantos traumas en él, comienza el flashback: es 1995, cuando el preadolescente Otis (Noah Jupe) se encuentra en el centro de otra producción insustancial, esta vez un espectáculo infantil descartable que solo podría ser "Even Stevens".

A partir de ahí, "Honey Boy" se instala en sus dos períodos de tiempo, haciendo conexiones poco sutiles entre la forma en que el padre de LaBeouf (un padre llamado James, basado en el Jeffrey de la vida real) empujó a su hijo mientras tropezaba con una serie de pobres decisiones y el eventual impacto que tuvo en la propia trayectoria rocosa de LaBeouf. Diagnosticado desde el principio con el trastorno de estrés postraumático, Otis, de veinte años, lidia con sus recuerdos para darle sentido a su hogar roto. Mientras Hedges habita el papel con poco más que miradas furtivas y el berrinche ocasional, la mayor parte de la película involucra a su contraparte más joven. Afortunadamente, él es la gracia salvadora de la película: Jupe, quien también lo recordamos de "A Quiet Place", ocupa el centro del escenario  como un brote de buena fe.

El sutil giro de Jupe se destaca frente a la transformación menos convincente de LaBeouf, que encuentra al actor envuelto en una peluca calva, cabello hasta los hombros, patillas desordenadas y tripa visible, mientras se pone un acento sureño. El rendimiento hiperbólico de LaBeouf encuentra su ritmo con el tiempo, ya que el alcance completo de la historia de James se aclara en una serie de encuentros fugaces: un delincuente sexual convicto y un veterano de Vietnam que cumplió condena, se divorció de su esposa y traficaba drogas, James verifica casi todas las casillas del perfil de "padre sin vida". Y en una floritura que parecería exagerada si no se extrajera de la verdad, se gana la vida como un payaso.

La narración que sigue tiene muchos momentos de libros de texto, algunos más torpes que otros: recordatorios recurrentes de que James, reacio a los afectos, se niega a tomar la mano de su hijo, la cálida compañía de Otis con una niña mayor del vecindario en la comunidad de moteles económicos donde encuentra solo el más mínimo indicio de calidez, y la tienda de monedas de diez centavos que psicologiza las sesiones de rehabilitación se desarrollan más o menos de manera esquemática acorde con un guión.

El autoanálisis de LaBeouf es demasiado obvio para revelar mucha autorreflexión. "¡Soy un hombre adulto con un complejo de inferioridad!", Espeta Hedges desde el principio. Afortunadamente, mientras estas escenas van y vienen, los momentos anteriores proporcionan una base convincente para explorar los desafíos legítimos de LaBeouf y retrasar la percepción de un proyecto de vanidad total. Mucho de eso tiene que ver con la cineasta detrás de la cámara: el estilo visual de Har'el se hizo realidad en los documentales líricos "Bombay Beach" y "True Love" (producidos por LaBeouf), que entremezclan la no ficción con la puesta en escena y momentos que la hacen adecuada para la autobiografía cinematográfica de alto concepto que vemos aquí.

Aún así, "Honey Boy" exige un reconocimiento de la imagen más grande que rodea cada escena. Cuando el adulto Otis irrumpe en el consultorio de su terapeuta para pronunciar una epifanía ruidosa, le pregunta: "¿Estás siendo sincero o te estás burlando de mí?" Y responde "Ambos". Después de muchos años de considerar públicamente su personalidad, es bueno tener esa propia visión, pero abre la puerta sin mirarla.

"Honey Boy" es un objeto cultural fascinante y una visión esencial para cualquier persona obsesionada con los extraños altibajos del actor. Debido a que la existencia de la película se basa en una celebridad, es notable por los detalles ampliamente conocidos que deja fuera de la mesa. No hay nada de los epítetos raciales que LaBeouf entregó en cámara a los agentes de policía después de ser arrestado en Nueva Orleans. Nada sobre sus arrebatos ebrios en un espectáculo de Broadway. Y ninguna idea de su extraña decisión de dirigir un cortometraje de 2011 que fue plagiado de un cómic, una revelación que llevó a LaBeouf a contratar un avión para pintar las palabras "Lo siento" en el aire sobre Los Ángeles. En cambio, al fijarse en su padre, "Honey Boy" se conforma con un resumen sombrío de crecer en circunstancias difíciles. En esos términos, en su mayoría se mantiene unido. 

Como testimonio narrativo de su lado de la historia, la película existe en un continuo junto con el otro trabajo autorreferencial de LaBeouf, incluido el hilarante #ALLMYMOVIES (cuando consumió toda su filmografía públicamente, en un teatro de Nueva York, en el transcurso de varios días), y su inquietante exposición pública #IAMSORRY. Y, por supuesto, hubo un momento en que caminó por la alfombra roja con una máscara que decía "Ya no soy famoso".

Si bien esos trucos estaban destinados a ofuscar los problemas de LaBeouf y molestar a su público, "Honey Boy" ofrece una rama de olivo. Se aprecia menos como película que el confesionario cinematográfico, una búsqueda de catarsis en el único medio sustancial a su alcance. Con ese fin, incluso cuando "Honey Boy" se asienta, es una variación admirable: el intento sincero de una esquiva estrella de cine para llevar su mitología a la Tierra.

Crítica Cinéfila: The Peanut Butter Falcon

Zak (Gottsagen) es un joven con Síndrome de Down que se escapa de su residencia para perseguir su sueño de convertirse en un luchador profesional en la escuela de lucha de Salwater Redneck. Una serie de circunstancias le llevan a encontrarse con Tyler (LaBeouf) un delincuente que también se ha dado a la fuga y que más tarde se convierte en su entrenador y aliado. 

Seguro muchos de ustedes tienen una lista negra de actores y actrices, a quienes una vez se enteran de que va a protagonizar cierta película, hasta miedo le cogen a la historia. Ese es Shia LaBeouf para mi. La locura de sus personajes, sobretodo en Transformers, ha hecho que lo encuentro insoportable, y cada vez que anunciaban alguna historia con él, la evitaba. Hasta que vi el trailer de The Peanut Butter Falcon sin querer, y me di cuenta que quizás no es culpa de Shia, quizás son sus guiones anteriores, y quizás esta sería una nueva forma de apreciar el "talento" que él lleva dentro.

Zak ( Zack Gottsagen ) es un joven de 22 años con síndrome de down. Sus padres lo han abandonado en una casa de retiro. Pasa su tiempo conspirando para escapar y volver a ver un viejo video instructivo de lucha libre en VHS de su ídolo Clint "The Salt Water Redneck". Cuando Zak logra escapar con la ayuda de otro paciente, corre y encuentra refugio en un bote que, sin que él sepa, pertenece a Tyler (Shia LaBeouf), un pescador de cangrejos que lucha con la culpa de la muerte de su amigo. Esa culpa y rabia, junto con una deuda que pagar, lo lleva a quemar $12,000 en equipos de pesca pertenecientes a Duncan y Ratboy. Tyler necesita llegar lo más lejos posible, mientras que Zak intenta llegar a la escuela de lucha de Clint anunciada en su amado video. Al igual que Tom Sawyer y Huck Finn, los dos se unen a la carrera mientras son perseguidos por los enemigos de Tyler, así como por Eleanor (Dakota Johnson), la cuidadora de Zak a quien se le encargó en el hogar de ancianos encontrarlo.

En la lucha profesional, hay personajes "buenos" y personajes "malos". Zak insiste en ser un personaje "malo" porque fue abandonado y por lo tanto elimina sus posibilidades de un arco redentor. Pero Tyler le asegura que los buenos también se quedan. 'Falcon' reconoce el efecto profundamente arraigado que el aislamiento puede tener en una persona joven, específicamente en una persona joven y discapacitada, al pensar que debido a cosas malas que les han sucedido, ellos son los culpables. La película frecuenta la palabra "R", que ciertamente golpea las orejas como papel de lija, pero en última instancia se utiliza para romper la noción de que significa "menos que". El contexto del tiempo y el lugar también es clave. Está ubicado en el sur profundo, desde Louisiana hasta Georgia, y aunque no se da un marco de tiempo real, la prominencia de los VCR y el único teléfono celular que es un teléfono plegable nos señala que sería principios de la década de 2000. Jeff Nichols filma de esa manera, donde las localidades del sur son filmadas tan amorosamente poéticas que se siente atrapado fuera del tiempo, casi como si estuviésemos dentro de un universo paralelo. 

Sin embargo, seguir acumulando puntos de referencia a otros cineastas establecidos perjudicaría la voz cinematográfica que Nelson y Schwartz desarrollan con confianza a medida que se desarrolla "Peanut Butter Falcon". Si bien es una pequeña imagen de la vida, también tiene un sentido del humor cálido. Se siente tan naturalista e impulsado por el carácter, lo que hace que las risas se sientan más fuertes y más impactantes que el tipo de peculiaridad fabricada que a veces puede socavar un buen trabajo como este. Hay varios montajes utilizados como mano corta para desarrollar este parentesco poco probable, pero de alguna manera, mejora el carácter en lugar de acortarlo (y también el uso de tomas simétricas por encima de la película es austero y hermoso). El dúo busca la redención de cómo pueden ayudarse unos a otros, pero todos reconocen que ambos están huyendo.

Gottsagen, un actor con síndrome de Down, es un verdadero hallazgo, y es el corazón y el alma de toda la película. El continuo rechazo de LaBeouf al estrellato solo ha funcionado en su beneficio como intérprete. Hay volatilidad en su desempeño, pero también una vulnerabilidad, como si fuera el tipo "bueno" disfrazándose como un tipo "malo". Existe ese encanto pícaro que le quedaba bien en "American Honey" que lo hace tan desagradable como atractivo. Pero, es Johnson quien completa esta tripleta de los rotos y maltratados. Lo que comienza como un personaje relativamente pegado en el barro se convierte en una expresión sutil de su propio dolor y la conexión que los une a ella y a Tyler de LaBeouf. Y a pesar de que los roles de Bernthal, Dern y Church son breves, cuentan donde deben hacerlo, específicamente Church como el luchador deshecho (sin mencionar un sorprendente cameo de Jake "The Snake" Roberts ).

Con el título, la aventura cómica, los personajes principales no coincidentes y el arsenal general de personajes secundarios extraños, "The Peanut Butter Falcon" podría haber sido fácilmente una receta para un twee excesivo y irritante. Al mantener el humor arraigado en las actuaciones y solo dejando que el sentimentalismo se filtre cuando sea necesario, Nelson y Schwartz han creado una película que se siente refrescante, única y emocional, pues entre momentos bien emocionales hasta risas a carcajadas, crean la sensación perfecta para decir para hacernos olvidar de los malos ratos del momento, incluyendo los que cierto actor pudo haber provocado en el pasado.

Quizás es motivación suficiente para sacarlo de mi lista negra.