Crítica Cinéfila: Pieces of a Woman

La vida de Martha y Sean Carson, una pareja de Boston, cambia radicalmente tras perder a su hija durante un parto casero por la negligencia cometida por una matrona a la que posteriormente denuncian ante los tribunales. Comienza entonces un largo vía crucis para Martha, que además de tener que superar el dolor por la pérdida de su hija, tiene que hacer frente a su compleja relación tanto con su pareja como con su madre, una mujer dominante por naturaleza.

El director húngaro Kornél Mundruczó deja a un lado la alegoría política para profundizar en el corazón de la tragedia familiar en su primer largometraje en inglés, Pieces of a Woman. Perforando su estilo europeo frágil con la agitación emocional occidental, el drama tiene influencias de Ingmar Bergman y John Cassavetes, no siempre a la ligera. A pesar de algunos pasajes de guión artificiales y un simbolismo poco sutil, el elenco de primera clase lo mantiene fascinante.

Escrita por Kata Wéber, socia del director y colaboradora frecuente como guionista y actriz, la nueva película se amplía a partir de una obra de teatro que desarrollaron juntos. Se abre con una secuencia previa al título magníficamente controlada que dura casi media hora, lo que será desgarrador para cualquiera que esté contemplando la maternidad.

Martha (Vanessa Kirby) parece serena cuando la felicitan en un baby shower en la oficina, y su compañero Sean (Shia LaBeouf), un ingeniero de construcción en un proyecto de un puente de Boston, ya está lleno de orgullo por convertirse en padre por primera vez. Incluso su irritación por la sombra implícita de su suegra controladora Elizabeth (Ellen Burstyn) comprándoles un coche no puede apagar su buen humor. Él le da a Martha un regalo de fotos de ultrasonido enmarcadas de su hija para que las cuelgue en la habitación del bebé.

Habiéndose preparado para un parto en casa, llaman a su partera cuando comienzan las contracciones. Pero Martha comienza a asustarse levemente cuando la mujer no está disponible, atrapada en medio de un parto difícil. Sean trata de mantener el ambiente alegre con bromas y romance mientras Martha rompe fuente y la partera de reemplazo, Eva (Molly Parker), llega a la casa. Ella le asegura a Martha que sus náuseas son normales y solo comienza a mostrar preocupación cuando el ritmo cardíaco del bebé disminuye entre las contracciones. A los pocos minutos del nacimiento de su hija aparentemente sana, el bebé se pone azul repentinamente.

Esta es una secuencia sorprendente de eventos, que se hizo aún más urgente y nerviosa por la agitación incesante del trabajo de cámara del director de fotografía Benjamin Loeb, que se lanzaba entre los tres adultos en la casa. El bloqueo meticuloso que se utilizó para configurar esta escena virtuosa debe haber sido asombroso. Todo sucede tan rápido que incluso con la sensación inmersiva de participar en un trauma en tiempo real, filmado en una sola toma, luego te encuentras luchando, junto con los personajes, para juntar detalles específicos como dudas, recriminaciones e acusaciones de culpa que comienza a aflorar, tanto en privado como en público.

La ausencia de hallazgos concluyentes de los médicos solo agrava la falta de cierre de la pareja. Sean, que tiene un historial de adicción, reacciona con una frustración violenta mientras Martha se vuelve fría y cerrada, horrorizando a su madre con su obstinada decisión de donar el cuerpo de su hija a la ciencia. Elizabeth avanza a toda velocidad con acciones legales contra la partera, una cacería de brujas avivada por el establecimiento médico. Ella recluta a la hábil prima abogada de Martha, Suzanne (Sarah Snook), quien confía en que pueden ganar tanto el caso penales como civil contra Eva.

La acción está marcada por tomas del puerto marcan intervalos de tiempo durante los siete meses posteriores a la tragedia, durante los cuales la demanda avanza mientras las relaciones familiares se rompen. 

En una escena de conjunto fuerte, las tensiones estallan durante un almuerzo en la casa de Elizabeth, al que también están invitados la hermana de Martha, Anita (Iliza Shlesinger) y su esposo, el vendedor de autos Chris (Benny Safdie). Chris y Sean se involucran en una animada ida y vuelta sobre bandas de grunge y el extraño período en el que The White Stripes se hacían pasar por hermanos en lugar de esposos. Suzanne finge interés, no tiene ningún compromiso con la cultura pop, mientras que Elizabeth trabaja en su propio plan para ayudar a Martha a seguir adelante. La ágil cámara de Loeb nuevamente es una valiosa herramienta de narración, ya que rebota entre los invitados en otra hazaña de destreza de una sola toma, zigzagueando entre habitaciones pero rara vez quitando la vista del estado de olla a presión de Martha por mucho tiempo. Su ira explosiva deja en claro que no comparte el hambre de justicia que supuestamente su madre "necesita". Esto provoca un discurso sobrescrito pero efectivo, pronunciado en primer plano por la formidable Burstyn, en el que Elizabeth escupe la dura historia de su propio nacimiento como sobreviviente del Holocausto en Europa Central.

Si bien LaBeouf lleva su físico habitual a algunas escenas impactantes, que van desde la ira incontrolable, la cautela y la vulnerabilidad aplastada mientras el dolor envenena la relación de la pareja, el núcleo destrozado de la película, como su título sugiere, es Martha de Kirby. Ella se endurece visiblemente a raíz de su devastadora pérdida, descartando los elementos amorosamente ensamblados de la habitación del bebé con una resuelta ausencia de emoción. Una escena en la que regresa al trabajo, absorbiendo en silencio las miradas compasivas de sus colegas con el aire de una mujer tan peligrosa como dañada, es uno de los muchos momentos de intensidad. Y cuando mira a los niños en la calle o en el metro o en una tienda por departamentos, sus ojos pueden estar expresando ternura o resentimiento. La notable Kirby ofrece una actuación dura, sangrando bajo su guardia blindada pero negándose a ablandar los lados abrasivos de Martha mientras emprende el trabajo de aislamiento de aprender a vivir con su pérdida.

En papeles más pequeños, Snook y Parker causan impresiones incisivas, y Safdie siempre es una presencia interesante en la pantalla. Sin embargo, Jimmie Fails, tal revelación de The Last Black Man in San Francisco, está muy poco valorado.

El dominio de Mundruczó flaquea en las escenas culminantes de la sala del tribunal que parecen peatonales y demasiado cinematográficas en comparación con el psicodrama más atrevido que ha venido antes, especialmente cuando Martha se atasca con un gran discurso. Tales defectos se acentúan al aumentar el uso excesivo de la música intrusiva de Howard Shore en las últimas secciones. Pero también hay toques interesantes como el interés de Martha en hacer brotar semillas de manzana como metáfora del renacimiento, o alusiones a los puentes como estructuras complicadas que a veces necesitan ser quemadas.

No está claro quién será la audiencia para un drama tan inquebrantable que se siente casi como una traición. Pero aquellos con el estómago para una representación enérgicamente actuada del impacto desgarrador y las secuelas a largo plazo de la muerte súbita infantil serán recompensados ​​con momentos poderosos y conmovedores.

Crítica Cinéfila: An American Pickle

Herschel es un inmigrante que se muda a Estados Unidos en 1920 con la esperanza de iniciar una vida mejor con su familia. Un día cae accidentalmente en una cuba de pepinillo y se queda en salmuera durante 100 años, despertando luego en perfectas condiciones en la moderna Brooklyn. La cosa se complica cuando descubre que el único miembro de su familia con vida es su bisnieto, con el que tiene muy poco en común.

La extraña mezcla de comedia ridículizada, frases hirientes y tomas de primer plano en exageración al estilo de los 90 con un gran corazón sentimental hace que An American Pickle sea una película difícil de gustar. Lo que lo eleva por encima de la trama a menudo desordenada del guión del ex escritor de Saturday Night Live Simon Rich es la cautivadora interpretación de Seth Rogen en dos roles, interpretando a familiares divididos por la rivalidad y la incomprensión antes de redescubrir finalmente las comodidades de su herencia compartida.

Rogen es un actor siempre agradable cuya reputación se basó en gran medida en interpretar a fumetas toscos y de segundo año. Pero hay una dulzura inherente en su personaje de la pantalla que ha estado allí desde el principio en Freaks and Geeks , especialmente en el conmovedor arco de la historia en el que su desconcertado personaje, Ken Miller, luchó con la revelación de los orígenes del nacimiento intersexual de su novia Amy, la tuba . Es una variación de Ken, el oso tierno y apasionado de un tipo que a veces se ve obstaculizado por sus puntos ciegos, lo que lleva a An American Pickle a través de sus momentos narrativos difíciles.

Originalmente planeada como un lanzamiento teatral de Sony, la comedia marca un debut como director de largometrajes para el director de fotografía Brandon Trost, quien filmó varias películas con Rogen, incluyendo This is the End, The Night Before, The Interview, The Disaster Artist, Neighbors y su secuela.

El encanto de una apertura, que mezcla la voz en off en inglés de Rogen con fuerte acento ruso y el diálogo yiddish, comienza en un pueblo ficticio de Europa del Este de Schlupsk en 1919. Herschel Greenbaum (Rogen) es el cavador de zanjas de la ciudad, luchando con palas rotas y carros desvencijados y un Dios que le dificulta la vida hasta que se encuentra con la hermosa Sarah (Sarah Snook) en el mercado. "Ella es fuerte y saludable, tiene todos sus dientes, arriba y abajo", dice Herschel con admiración. El noviazgo es rápido pero conmovedor y culmina con ellos compartiendo sus esperanzas y sueños junto a un "hermoso pantano". Sarah fantasea con ser lo suficientemente rica como para comprar su propia lápida, mientras que para Herschel, el máximo lujo imaginable es probar agua gaseosa.

Aparte de una mordaza que induce a carcajadas con un pescado seco, el humor aquí es estrictamente discreto, como una versión de comedia negra de una historia de Sholem Aleichem. Pero basa la película en una celebración cautivadora de la identidad judía. Herschel y Sarah apenas han intercambiado sus votos matrimoniales tradicionales cuando los cosacos rusos destruyen la ciudad. Su llegada a Ellis Island, recibida con una bienvenida casualmente antisemita, agrega capas temáticas sobre la experiencia de los inmigrantes que fortalecen aún más los sólidos cimientos de la comedia.

Al enterarse de que Sarah está esperando un hijo, Herschel jura que en 100 años, los Greenbaum tendrán poder y éxito. Pero poco después, cae en un barril de salmuera de pepinillos en la fábrica de Brooklyn donde se gana la vida matando ratas. Lo encierran en el edificio en ruinas, solo para ser descubierto un siglo después cuando dos niños chocan su dron a través de una ventana, derribando la tapa de la tina. En una divertida excavación sobre la credulidad de los medios, los reporteros se tragan instantáneamente su escepticismo cuando un científico (Sean Whalen) saca un gráfico para explicar el notable estado de conservación de Herschel.

Ese extraño suceso lo hace exactamente de la misma edad que su único pariente vivo, su bisnieto Ben (Rogen nuevamente), quien minimiza sus sentimientos aún crudos sobre la pérdida de sus padres en un accidente automovilístico. La consternación de Herschel por el rechazo de la religión por parte del informático Ben se ve algo mejorada por el hecho de que su bisnieto tiene su propia máquina seltzer. Pero una visita al cementerio judío donde está enterrada su amada Sarah se vuelve fea cuando Herschel se enfurece porque los trabajadores de la construcción levantan una valla publicitaria de vodka ruso. Se produce una pelea, y el arresto resultante mata cualquier posibilidad de que Ben venda su proyecto de cinco años, una aplicación para el consumidor éticamente consciente.

Si eso suena a mucha configuración de la trama, bueno, lo es. Pero la brecha entre Herschel y Ben impulsa el resto de la comedia, para bien o para mal, ya que el viajero en el tiempo se lanza por su cuenta, decidido a hacerse rico como un fabricante de pepinillos y menospreciar a su biznieto que duda.

El material fuente fue la novela Sell ​​Out de Rich, publicada por primera vez en cuatro partes en The New Yorker en 2013. Gran parte de la trama se ha condensado y elaborado, con efectos variables, y el antagonismo entre Herschel y su descendiente aumentó considerablemente. Esto da como resultado algunos conflictos que se sienten forzados y no siempre fieles a los personajes, en particular al Ben de modales apacibles.

Lo que sí se traslada efectivamente de la historia es el choque cultural de un inmigrante centenario que se encuentra en el Brooklyn hipster actual, donde su barba salvaje está de moda y su ropa despeinada le hace reconocer su estilo vintage.

El proceso de Herschel para hacer sus propios encurtidos, que involucra productos recuperados de un contenedor de basura, frascos rescatados, un carrito de supermercado convertido y agua de lluvia, es divertido de una manera curiosamente chiflada. Y hay risas en su primera transacción con una pareja gay (Eliot Glazer y Kalen Allen), que aprueban sus ingredientes de origen local, políticas de marketing y reciclaje sencillas. "Traigan el frasco o los encontraré y haré una violencia terrible", advierte Herschel a los clientes complacidos, lo que inspira una publicación de blog que convierte sus encurtidos artesanales en una sensación de la noche a la mañana.

El guión de Rich luego se estanca un poco cuando Ben se vuelve vengativo y comienza a sabotear el éxito de Herschel; la estructura de la escena se vuelve entrecortada. Esto continúa incluso cuando el descubrimiento de pasantes no remunerados por parte de este último le permite expandir el negocio y recomprar el control de la parcela del cementerio de Sarah. Ben usa el anzuelo de Twitter para incitar a su bisabuelo a que comparta sus puntos de vista religiosos retrógrados sobre las mujeres y la homosexualidad. Pero incluso eso no bloquea del todo la creciente fama de Herschel.

Hay matices de estar allí en la elevación del inarticulado Herschel al estatus de héroe popular nacional, con su pasión y verdad sin filtro atrayendo el apoyo de los defensores de la libertad de expresión, que incluso comienzan a cavilar sobre un posible futuro político. Pero la escritura de Rich se vuelve torpe y mecánica cuando el enfurecido Ben recurre a una creciente crueldad. Se infiltra un ligero mal humor, que parece fuera de personaje con el tono general.

Un juicio de deportación con fragmentos de comedia de mano dura es demasiado descuidado para funcionar, incluso dentro de la lógica caprichosa de esta película. Pero produce un interludio de antaño y una hermosa conclusión que refuerza los valores de la fe y la familia literalmente conservados en Herschel y transmitidos a lo largo de un siglo. En ese sentido, An American Pickle, a pesar de todas sus tonterías, es extraordinariamente espiritual para una comedia convencional. Ese aspecto se amplifica con los acordes de Klezmer en la partitura de Nami Melumad, con temas originales de Michael Giacchino.

Si bien hubiera sido gratificante ver más de la maravillosa Snook, la película no sufre por la ausencia de personajes secundarios más desarrollados. Eso se debe en gran parte a que Rogen es tan hábil para respirar profundidad en dos roles distintos, diferentes en su físico y expresiones faciales, así como en su uso del lenguaje, y sin embargo, claramente cortan del mismo tejido de maneras que el tiempo o los antecedentes culturales no pueden negar. A pesar de la amargura de su separación, apoyas su inevitable reconciliación, que cierra la película con una nota cálida. 

El trabajo de efectos que le permite a Rogen jugar escenas frente a él es de primera clase. Lo que es más sorprendente es la delicada belleza de los elementos generados por computadora en las escenas de Schlupsk y el avance rápido durante 100 años que parece una toma de libro de cuentos de la fábrica de pepinillos de Brooklyn con Manhattan de fondo. Se utiliza un cambio en las relaciones de aspecto para diferenciar el viejo mundo del nuevo. An American Pickle no es ni la comedia más sustancial ni la más sofisticada, pero su dulzura conmovedora supera sus defectos.