Crítica Cinéfila: Como Agua para Chocolate, 1ra temporada

Tita de la Garza y Pedro Muzquiz, son dos almas enamoradas que no pueden estar juntas debido a las arraigadas costumbres familiares, la cuales obligarán a nuestra protagonista a navegar con tintes y sabores mágicos entre el destino dictaminado por su familia y la lucha por su amor mientras la acompañamos en su mayor refugio: la cocina.

Al igual que un buen mole, el realismo mágico requiere una complejidad increíble para que el resultado se perciba como bastante simple. Cincuenta tipos diferentes de chiles se convierten en algo que se describe en términos generales como una salsa de chocolate. El sentimiento, la extravagancia, el romance, lo sobrenatural y una cierta dosis de fundamento se combinan en una mezcla que simplemente funciona. Y dos personas que perciben una mezcla idéntica de elementos pueden responder a los perfiles de sabor de maneras completamente diferentes.

La adaptación de Alfonso Arau de "Como agua para chocolate", de Laura Esquivel, que en 1992 ya fue un éxito de taquilla en su época y que desde entonces parece que ha crecido, es simplemente imposible de criticar, tanto en el compromiso tonal de Arau o la suntuosa fotografía de Steven Bernstein. Pero al inclinar su realismo mágico tan firmemente hacia lo “mágico”, se convierte en una historia de amor sin personajes desarrollados ni mucha química, especialmente en la destrozada versión estadounidense. A lo largo de los episodios, la nueva adaptación de HBO/ HBO Latino /Max es una versión de la historia que funciona mejor porque le da aire a todos esos sabores de los que no degustó su primera adaptación.

Sin abandonar por completo la magia, el drama aprovecha su duración de seis episodios para desarrollar mejor sus aspectos realistas. La contextualización de los personajes y las bases de clase en un contexto específico de la Revolución Mexicana enfatiza los temas de la narrativa de una manera que hace mucho más fácil involucrarse en el romance, anclado por la encantadora protagonista Azul Guaita.

La serie, adaptada por el guionista principal Francisco Javier Royo Fernández (acreditado como “Curro Royo”), comienza de manera muy similar a las iteraciones anteriores. Empieza en el estado mexicano de Coahuila con Elena (Irene Azuela) dando a luz a Tita en un diluvio de lágrimas, provocadas por cebollas y por una miseria que no se explicará por un tiempo. Dieciséis años después, Tita (Guaita) pasa la mayor parte de su tiempo en la cocina, aprendiendo bajo la supervisión de la cariñosa cocinera de la familia, Nacha (Ángeles Cruz). Tita siente que Elena tiene menos afecto por ella que por sus hermanas mayores, Rosaura (Ana Valeria Becerril), que es un poco simple y amargada, y Gertrudis (Andrea Chaparro), que es una activista en ciernes.

La frialdad de Elena llega a su punto más elevado cuando Tita recibe una propuesta de matrimonio de Pedro (Andrés Baida), un vecino heredero de una estancia que está enamorado de ella desde la infancia, y Elena le deja claro que esa unión está fuera de cuestión. En la película y en el libro se establece de inmediato que existe una tradición familiar en la que la hija menor no puede casarse y debe dedicar su vida a su madre. Aquí, sin embargo, se presenta inicialmente como una mezquindad más maternal. Entonces Pedro toma una decisión: se casará con Rosaura, porque es la única manera de seguir cerca de Tita.

Por su parte, Tita sigue perfeccionando sus habilidades culinarias, con un pequeño detalle: comer la comida de Tita es sentir lo que ella siente. Literalmente, no en sentido figurado; en el sentido de que eso es cierto para la comida de cualquier chef. “Ya fuera alegría o tristeza, todo estaba impregnado de ella. Era como si Tita fuera un ingrediente más”, explica una voz en off. 

Aunque no alcanza el nivel de impecabilidad de Lubezki, como lo fue la película visualmente deslumbrante de Arau, "Como agua para chocolate" es bastante hermosa. La serie obtiene un gran valor de sus locaciones de la época mexicana, y ciertas secuencias son realmente impresionantes. La gramática de la pornografía culinaria ha evolucionado drásticamente en la última década, y la influencia del estilo de presentación es evidente en toda la serie, hasta en la cuidadosa identificación en pantalla de los platos fundamentales en su forma final.

En torno a la comida, se hace un esfuerzo por reconstruir el mundo del México de la década de 1910, incluidos los enfrentamientos entre los terratenientes y sus siervos indígenas, la creciente frustración pública con la administración del general Porfirio Díaz y la creciente corriente subyacente de varias fuerzas revolucionarias convergentes. Todo esto está en el trasfondo del libro, y puede que también esté en la versión completa del director de la película de Arau. 

El hecho de que Pedro sea un progresista en ciernes y partidario de Francisco Madero le da un detalle secundario además de su amor por Tita, y como resultado, toda la serie es más interesante. Se puede ver cómo su interés en romper con los constructos sociales basados ​​en la clase complementa lo que Tita está haciendo en términos de constructos basados ​​en el género. Le da a su conexión una profundidad que va más allá del hecho básico de que ambos son lindos, que es todo lo que Pedro y Tita realmente tienen a su favor en la película.

Ayuda que Guaita surja rápidamente como el tipo de actriz que probablemente tendría química con cualquier persona. Como corresponde a un personaje que llega al mundo en un mar de lágrimas, Guaita es especialmente hábil para dejar que cualquier extremo de emoción salga a la superficie. Al igual que Tita con sus recetas, infunde alegría, tristeza o añoranza en cada escena, pero no en el estilo casi de pantomima que la mayoría de los actores utilizaron en la película de Arau. 

Aunque Elena y Rosaura son presentadas como madre y hermana malvadas en una historia que tiene mucho de Cenicienta, tanto Azuela como Becerril encuentran suficiente fragilidad en sus actuaciones para evitar que los personajes actúen como una mera oposición a la bondad general de Tita. Y el arco de Gertrudis va surgiendo en la medida que avanza la temporada, Chaparro sembrando una energía que da frutos sorprendentes.

Este es un buen ejemplo de una narrativa mejorada al expandir el tiempo en pantalla. Los personajes ya son más complejos y el mundo ya está más plenamente desarrollado. Cuando se trata de "Como agua para chocolate", ¿quieres que tenga sentido lógico o simplemente quieres que se sienta bien? Creo que esta versión hace lo suficiente de cada cosa para hacer que valga la pena volver a contar una historia familiar, concluyendo en una escena de cliffhanger que solo se le permitiría al realismo mágico.

Crítica Cinéfila: The Last of Us, 1ra Temporada

Veinte años después de la destrucción de la civilización moderna a causa de un hongo -el cordyceps- que se adueña del cuerpo de los humanos, uno de los supervivientes, Joel, recibe el encargo de sacar a la joven Ellie de una opresiva zona de cuarentena. Juntos cruzan Estados Unidos ayudándose mutuamente para intentar sobrevivir.

The Last Of Us, lanzado originalmente para PlayStation en 2013, es indiscutiblemente uno de los mejores videojuegos de todos los tiempos. Un giro original en la plantilla de suspenso de zombis, abrió nuevos caminos con sus temas resonantes, un juego intensamente fluido, escenas capturadas de rendimiento y una escritura inusualmente decente. Fue una experiencia emocional, inmersiva y casi tan cinematográfica como la que se puede tener en una consola de juegos. Todo lo cual fue una buena razón para evitar una adaptación en primer lugar. ¿Por qué arriesgarse a arruinar algo perfecto? ¿Por qué ensuciar lo que vino antes? ¿Por qué, cuando los videojuegos han tenido un historial cruel en películas y televisión, siquiera hacer el gasto de ese presupuesto?

La respuesta viene de manera espectacular y enfática de los co-showrunners Neil Druckmann (el creador original del juego) y Craig Mazin (el escritor/productor detrás del igualmente apocalíptico y excelente "Chernobyl"). La acción en vivo "The Last Of Us" es un excelente ejemplo de cómo hacer que una adaptación funcione, cómo retener los elementos de lo que funcionó mientras se tiene la confianza para explorar nuevas y audaces avenidas, expandir el universo, hacer algo que se mantenga firme en sus propios pies. 

Una de las fortalezas clave del juego era la profundidad de sus personajes, y eso solo se intensifica aquí. Lo más llamativo, en primer lugar, es lo fiel que ha sido este traspaso. Claramente conscientes de que están trabajando a partir de una plantilla bastante sólida, y quizás también conscientes de complacer a la base de fanáticos leales y agresivos del juego, Druckmann y Mazin se han ceñido relativamente a la narrativa original. Como en el videojuego, esta serie sigue a Joel (Pedro Pascal) y Ellie (Bella Ramsey) en su traicionero viaje a través de un Estados Unidos post-apocalíptico, desde Boston a Wyoming, enfrentándose a zombis (conocidos aquí como los 'infectados'), además de la vida igualmente aterradora, en busca de una cura, o al menos algún tipo de curación interna.

Para cualquiera que haya jugado el juego, es una experiencia a veces surrealista ver sus momentos más icónicos (el rascacielos derrumbado, las jirafas) bellamente representados en acción en vivo. Pero, excepto por un momento en el que Joel le dice a Ellie que "le dará un impulso", un guiño astuto a una de las mecánicas clave del juego, nunca se siente como si estuviera viendo un videojuego. 

Emocionantemente, la serie es quizás más fuerte cuando se desvía de su plan original. Ninguno de los puntos principales de la trama cambia drásticamente, pero varios episodios se salen gloriosamente de la pista anterior. Lo más fascinante de todo es el extraordinario tercer episodio, casi independiente, que cuenta la historia completa de Bill, un personaje antes muy secundario que ahora interpreta Nick Offerman. Se lo vuelve a imaginar aquí como un sobreviviente y un loco ocasional de la conspiración que se preparó para los zombis toda su vida, demostrando que es posible obtener una buena distopía de las ruinas del mundo. Decir más podría estropear la experiencia; baste decir que es conmovedora, sorprendentemente romántica y una de las mejores horas de televisión de los últimos tiempos.

Esto no le resta valor a los demás episodios, donde cada uno mostró la increíble fraternidad de los personajes con su historia y el universo, sirviéndose mutuamente, y rescatando los grandes pensamientos de las actitudes que todo ser humano sacaría a la luz si un evento de esta magnitud ocurriese. Aunque hay mucha violencia en la disputa por los recursos limitados que quedan en el nuevo drama distópico, los personajes que conocemos a menudo se presentan como si fueran víctimas de las circunstancias, condenados a recordar lo que alguna vez tuvieron.

Lo que hace que el personaje principal, Ellie, sea una figura particularmente potente. Ellie es una adolescente que nunca ha conocido nada más que el mundo posterior a la caída. A través de sus ojos, vemos el paisaje como, efectivamente, un tipo divertido de normalidad: Criada desde la infancia para ser parte de la defensa contra la amenaza de los muertos vivientes que siempre invade, Ellie tiene miedo de la gente de los hongos, pero no se sorprende por ellos.

Es esta dinámica y su relación con su protector Joel lo que mantiene a flote a “The Last of Us” a lo largo de su carrera. La serie puede apoyarse demasiado en las secuencias de acción, lo que enfatiza la asombrosa surrealidad de los infectados. Pero lo que yace debajo del caos es el vínculo naciente entre Joel, un hombre sin raíces que prometió para proteger a Ellie, que puede tener dentro de su cuerpo inmunidad al hongo, pero que parece estar infectada, en su viaje fuera de la zona de cuarentena y hacia un lugar seguro. A través de las actuaciones de Pascal y Ramsey y una escritura sólida, esta dinámica brilla con emoción y vida.

Ellie y Joel están experimentando diferentes tipos de duelo. Ellie, que tiene una vaga curiosidad por una época que no vivió, difícilmente puede sorprenderse de que aquellos a los que amaba le sean arrebatados en un mundo que siempre ha conocido como brutal. Joel, mientras tanto, experimentó el primer día de la infección masiva y vive en una especie de dolor contenido por la pérdida de su hija. Esa hija es interpretada por Nico Parker en el primer episodio de la serie, una demostración de más de una hora del don que Mazin tiene especialmente para demostrar el colapso de los procesos. Aquí, como en “Chernobyl”, vemos cómo los personajes lentamente, y luego todos a la vez, se dan cuenta de que el mundo que los rodea se está desmoronando.

Esto es lo que es tan impresionante de esta adaptación: lo completamente realizado que es este mundo. Hay una asombrosa sensación de escala en este apocalipsis, desde los toques sutiles (un extra usa una camiseta de la campaña presidencial de Al Gore, un indicador de que el tiempo se detuvo en el brote de principios de la década de 2000) hasta el CGI impecable, gran cinematografía, el mantenimiento del diseño de producción, que incluye el trabajo de vestuario, maquillaje y utilería. 

Y, sin embargo, a pesar de todo su vasto lienzo, a pesar de todo su caos monstruoso ocurriendo alrededor de ellos, el enfoque permanece en todo momento en los personajes. En particular, Ellie de Ramsey equilibra de manera convincente la inocencia con los ojos muy abiertos (habiendo vivido toda su vida en una zona de cuarentena, nunca antes se había sentado en un automóvil o visto un avión) con una determinación intensa e incluso tonterías, lo que de otro modo podría ser un reloj bastante sombrío. Mientras tanto, Pedro Pascal tiene un reparto perfecto: ofrece una gran dureza de vaquero entrecerrando los ojos y de rostro tosco, pero siempre es una fachada, que enmascara un trauma profundo y el puro terror de ser una figura paterna. Nunca ha estado mejor. Que la serie termine como lo hace el primer juego juego, con Joel tomando una decisión brutalmente ambigua, muestra una comprensión implícita de estos personajes, su oscuridad moral, su humanidad confusa. El último de nosotros, el juego, nunca ofreció respuestas fáciles; la serie tampoco. Es mucho mejor por eso.

Cómodamente, se puede admitir que es la mejor adaptación de un videojuego jamás realizada: una que profundiza en la tradición distópica del juego, mientras se mantiene fiel a su núcleo emocional. Al igual que el juego, también es una obra maestra.

Crítica Cinéfila: An American Pickle

Herschel es un inmigrante que se muda a Estados Unidos en 1920 con la esperanza de iniciar una vida mejor con su familia. Un día cae accidentalmente en una cuba de pepinillo y se queda en salmuera durante 100 años, despertando luego en perfectas condiciones en la moderna Brooklyn. La cosa se complica cuando descubre que el único miembro de su familia con vida es su bisnieto, con el que tiene muy poco en común.

La extraña mezcla de comedia ridículizada, frases hirientes y tomas de primer plano en exageración al estilo de los 90 con un gran corazón sentimental hace que An American Pickle sea una película difícil de gustar. Lo que lo eleva por encima de la trama a menudo desordenada del guión del ex escritor de Saturday Night Live Simon Rich es la cautivadora interpretación de Seth Rogen en dos roles, interpretando a familiares divididos por la rivalidad y la incomprensión antes de redescubrir finalmente las comodidades de su herencia compartida.

Rogen es un actor siempre agradable cuya reputación se basó en gran medida en interpretar a fumetas toscos y de segundo año. Pero hay una dulzura inherente en su personaje de la pantalla que ha estado allí desde el principio en Freaks and Geeks , especialmente en el conmovedor arco de la historia en el que su desconcertado personaje, Ken Miller, luchó con la revelación de los orígenes del nacimiento intersexual de su novia Amy, la tuba . Es una variación de Ken, el oso tierno y apasionado de un tipo que a veces se ve obstaculizado por sus puntos ciegos, lo que lleva a An American Pickle a través de sus momentos narrativos difíciles.

Originalmente planeada como un lanzamiento teatral de Sony, la comedia marca un debut como director de largometrajes para el director de fotografía Brandon Trost, quien filmó varias películas con Rogen, incluyendo This is the End, The Night Before, The Interview, The Disaster Artist, Neighbors y su secuela.

El encanto de una apertura, que mezcla la voz en off en inglés de Rogen con fuerte acento ruso y el diálogo yiddish, comienza en un pueblo ficticio de Europa del Este de Schlupsk en 1919. Herschel Greenbaum (Rogen) es el cavador de zanjas de la ciudad, luchando con palas rotas y carros desvencijados y un Dios que le dificulta la vida hasta que se encuentra con la hermosa Sarah (Sarah Snook) en el mercado. "Ella es fuerte y saludable, tiene todos sus dientes, arriba y abajo", dice Herschel con admiración. El noviazgo es rápido pero conmovedor y culmina con ellos compartiendo sus esperanzas y sueños junto a un "hermoso pantano". Sarah fantasea con ser lo suficientemente rica como para comprar su propia lápida, mientras que para Herschel, el máximo lujo imaginable es probar agua gaseosa.

Aparte de una mordaza que induce a carcajadas con un pescado seco, el humor aquí es estrictamente discreto, como una versión de comedia negra de una historia de Sholem Aleichem. Pero basa la película en una celebración cautivadora de la identidad judía. Herschel y Sarah apenas han intercambiado sus votos matrimoniales tradicionales cuando los cosacos rusos destruyen la ciudad. Su llegada a Ellis Island, recibida con una bienvenida casualmente antisemita, agrega capas temáticas sobre la experiencia de los inmigrantes que fortalecen aún más los sólidos cimientos de la comedia.

Al enterarse de que Sarah está esperando un hijo, Herschel jura que en 100 años, los Greenbaum tendrán poder y éxito. Pero poco después, cae en un barril de salmuera de pepinillos en la fábrica de Brooklyn donde se gana la vida matando ratas. Lo encierran en el edificio en ruinas, solo para ser descubierto un siglo después cuando dos niños chocan su dron a través de una ventana, derribando la tapa de la tina. En una divertida excavación sobre la credulidad de los medios, los reporteros se tragan instantáneamente su escepticismo cuando un científico (Sean Whalen) saca un gráfico para explicar el notable estado de conservación de Herschel.

Ese extraño suceso lo hace exactamente de la misma edad que su único pariente vivo, su bisnieto Ben (Rogen nuevamente), quien minimiza sus sentimientos aún crudos sobre la pérdida de sus padres en un accidente automovilístico. La consternación de Herschel por el rechazo de la religión por parte del informático Ben se ve algo mejorada por el hecho de que su bisnieto tiene su propia máquina seltzer. Pero una visita al cementerio judío donde está enterrada su amada Sarah se vuelve fea cuando Herschel se enfurece porque los trabajadores de la construcción levantan una valla publicitaria de vodka ruso. Se produce una pelea, y el arresto resultante mata cualquier posibilidad de que Ben venda su proyecto de cinco años, una aplicación para el consumidor éticamente consciente.

Si eso suena a mucha configuración de la trama, bueno, lo es. Pero la brecha entre Herschel y Ben impulsa el resto de la comedia, para bien o para mal, ya que el viajero en el tiempo se lanza por su cuenta, decidido a hacerse rico como un fabricante de pepinillos y menospreciar a su biznieto que duda.

El material fuente fue la novela Sell ​​Out de Rich, publicada por primera vez en cuatro partes en The New Yorker en 2013. Gran parte de la trama se ha condensado y elaborado, con efectos variables, y el antagonismo entre Herschel y su descendiente aumentó considerablemente. Esto da como resultado algunos conflictos que se sienten forzados y no siempre fieles a los personajes, en particular al Ben de modales apacibles.

Lo que sí se traslada efectivamente de la historia es el choque cultural de un inmigrante centenario que se encuentra en el Brooklyn hipster actual, donde su barba salvaje está de moda y su ropa despeinada le hace reconocer su estilo vintage.

El proceso de Herschel para hacer sus propios encurtidos, que involucra productos recuperados de un contenedor de basura, frascos rescatados, un carrito de supermercado convertido y agua de lluvia, es divertido de una manera curiosamente chiflada. Y hay risas en su primera transacción con una pareja gay (Eliot Glazer y Kalen Allen), que aprueban sus ingredientes de origen local, políticas de marketing y reciclaje sencillas. "Traigan el frasco o los encontraré y haré una violencia terrible", advierte Herschel a los clientes complacidos, lo que inspira una publicación de blog que convierte sus encurtidos artesanales en una sensación de la noche a la mañana.

El guión de Rich luego se estanca un poco cuando Ben se vuelve vengativo y comienza a sabotear el éxito de Herschel; la estructura de la escena se vuelve entrecortada. Esto continúa incluso cuando el descubrimiento de pasantes no remunerados por parte de este último le permite expandir el negocio y recomprar el control de la parcela del cementerio de Sarah. Ben usa el anzuelo de Twitter para incitar a su bisabuelo a que comparta sus puntos de vista religiosos retrógrados sobre las mujeres y la homosexualidad. Pero incluso eso no bloquea del todo la creciente fama de Herschel.

Hay matices de estar allí en la elevación del inarticulado Herschel al estatus de héroe popular nacional, con su pasión y verdad sin filtro atrayendo el apoyo de los defensores de la libertad de expresión, que incluso comienzan a cavilar sobre un posible futuro político. Pero la escritura de Rich se vuelve torpe y mecánica cuando el enfurecido Ben recurre a una creciente crueldad. Se infiltra un ligero mal humor, que parece fuera de personaje con el tono general.

Un juicio de deportación con fragmentos de comedia de mano dura es demasiado descuidado para funcionar, incluso dentro de la lógica caprichosa de esta película. Pero produce un interludio de antaño y una hermosa conclusión que refuerza los valores de la fe y la familia literalmente conservados en Herschel y transmitidos a lo largo de un siglo. En ese sentido, An American Pickle, a pesar de todas sus tonterías, es extraordinariamente espiritual para una comedia convencional. Ese aspecto se amplifica con los acordes de Klezmer en la partitura de Nami Melumad, con temas originales de Michael Giacchino.

Si bien hubiera sido gratificante ver más de la maravillosa Snook, la película no sufre por la ausencia de personajes secundarios más desarrollados. Eso se debe en gran parte a que Rogen es tan hábil para respirar profundidad en dos roles distintos, diferentes en su físico y expresiones faciales, así como en su uso del lenguaje, y sin embargo, claramente cortan del mismo tejido de maneras que el tiempo o los antecedentes culturales no pueden negar. A pesar de la amargura de su separación, apoyas su inevitable reconciliación, que cierra la película con una nota cálida. 

El trabajo de efectos que le permite a Rogen jugar escenas frente a él es de primera clase. Lo que es más sorprendente es la delicada belleza de los elementos generados por computadora en las escenas de Schlupsk y el avance rápido durante 100 años que parece una toma de libro de cuentos de la fábrica de pepinillos de Brooklyn con Manhattan de fondo. Se utiliza un cambio en las relaciones de aspecto para diferenciar el viejo mundo del nuevo. An American Pickle no es ni la comedia más sustancial ni la más sofisticada, pero su dulzura conmovedora supera sus defectos.

Crónicas de California: Hola Mexico Film Festival

Por 11va ocasión, México dice presente en la ciudad de Los Angeles con el Hola Mexico Film Festival, un espacio donde se resaltan la cultura, el día a día y los conflictos de este país. El teatro Montalbán de Hollywood se vistió de distintos colores, y entre colores, enchiladas y un mariachi de fondo, la gala abrió sus puertas a una audiencia, que sin importar la nacionalidad, hacían a un lado su visión del mundo, y se ponían en el lugar de nuestros vecinos hispanos.

Samuel Douek, el productor y creador de este Festival, es quien dirige las palabras de bienvenida al evento, preparándonos que, más que una exposición de películas, es una degustación de talentos, con estilos muy particulares, pero a la vez uniéndose por la misma pasión de llevar a México en alto. Desde historias aparentemente familiares, como la lucha entre diferentes géneros, élites y poder económico, hasta mensajes aún más profundos relacionados al racismo hacia los pueblos indígenas, los afromexicanos, y la comunidad judía en México.

"Fue sumamente importante para nosotros el poder proveer no sólo una plataforma para estas películas, sino también animar a la audiencia a que vea estas películas tan introspectivas e irresistibles que durante tanto tiempo fueron descartadas”, Samuel Douek.

El festival inició con la película "Las Niñas Bien", y culminó con Mirreyes contra Godínez, siendo un viaje en el tiempo alrededor de la lucha de clases en México, pero a la vez una demostración de como la sociedad mexicana ha evolucionado y ha mantenido muchas sus costumbres.

Mis favoritas de la noche

Al igual que muchos otros festivales, Hola Mexico nos dejó probar diferentes estilos por noche. Personalmente, fue también una degustación de conflictos, acercándose a lo que realmente le importa a esta sociedad, dependiendo de la comunidad que protagoniza las historias y el tiempo que se toma para contarlas.

"Leona".

- Hiachicolero: Un enamoramiento inocente propulsa el descenso del joven Lalo al inframundo criminal de la extracción ilegal de gasolina. Lo que comienza como una vía rápida para impresionar a una niña se convierte rápidamente en una lucha mortal por su vida. El director Edgar Nito se enfoca en otro tipo de contrabando, pero casi con el mismo leve de violencia y riesgos que son difíciles de salirse una vez se está en lo profundo del problema. A pesar de ser una situación muy específica de la comunidad donde se desarrolla la historia, hace empatía con el control del petroleo y las altas ventas a nivel mundial que crean la misma frustración que se ve en muchas personas dentro de esta película.

- Leona: Isaac Cherem hace su debut directorial con esta película que narra la historia de Ariela, una joven de ascendencia judía que inicia una relación con un hombre no judío. A pesar de que reconoce el rechazo que su familia pueda sentir a personas que no pertenezcan a su comunidad, ella continúa con la relación hasta que ambos lados le exijan romper. Es una trama que presenta las creencias y tradiciones judías en México, algo que quizás muchas personas (incluyéndome) desconocían que existe en este país. El final es placentero, para romper con lo que establece la sociedad y las mismas familias, dándole una libertad increíble al personaje de decidir que quiere para ser feliz.

- Museo: Esta película cuenta las circunstancias que rodearon al robo de varios artefactos prehispánicos del Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México en 1985, y la sorpresa de las autoridades al descubrir que los autores habían sido dos jóvenes marginales de los suburbios, en lugar de los ladrones profesionales de arte a los que se le atribuía la sustracción de los objetos. Gael García Bernal y Leonardo Ortizgris protagonizan esta película del director Alonso Ruizpalacios, quien recrea de manera recreación libre y desbordada de un caso real que sacudió la opinión pública mexicana en los ochenta, confirmándole a la audiencia todos los dotes que posee este director para profundizar en los detalles de cada escena y jugar con la mente de la audiencia mientras se disfruta de la química de estos dos actores.

- Si Yo Fuera Tú: Alejandro Lubezki dirige esta comedia romántica cuenta la historia de Claudia y Antonio, quienes, después de 15 años de casados, su relación se ha vuelto rutinaria. Una noche, después de una fuerte discusión, el inusual alineamiento de los planetas Venus, Tierra y Marte, provoca una mágica transformación: en la que el alma de Antonio queda atrapada en el cuerpo de Claudia y viceversa; haciéndolos vivir en carne propia la complicada vida de su pareja. De los tantos deseos que muchos anhelarían para su "media mitad", quizás este sea el más traumante, y Lubezki lo hace con tanta naturalidad, logrando un desborde de risas tras otro, mientras que la pareja se pone (literalmente) en los zapatos del otro para lograr romper con el hechizo. La película no solo resulta hilarante sino también educativa, para aprender que, si un matrimonio quiere evitar desgastarse, lo mejor es trabajar porque se mantenga con vida.

Tomorrow's Filmmakers Today

Una vez más, y cortesía de HBO, HFPA y UNAM, Hola Mexico Film Festival muestra una selección de cortos dirigidos por latinoamericanos en Los Angeles, siendo esto una vía más para explorar los talentos hispanos que residen y trabajan en esta ciudad. Los jóvenes directores provienen de todo el continente americano, trayendo ideas que independientemente de llamar su cultura de origen, muestran la diversidad de sus estilos cinematográficos y una gran variedad de enfoques narrativos, teniendo un rol protagónico antes de la presentación de cada largometraje que se exponía cada día.

Además del screening de sus cortometrajes, los jóvenes directores también recibieron paneles especiales y visitas a algunos de los grandes estudios y agencias de la ciudad de Los Angeles, y una mesa redonda donde conversaron sobre sus películas y sus ideales, junto a algunas personalidades mexicanas que ya se han insertado en la industría hollywoodense.

Al canto del mariachi...

Hola Mexico Film Festival no solo fue una fiesta de películas culturales, sino también una catería musical, siendo la música ranchera la protagonista de la noche, sobretodo en la clausura del evento, donde la actriz y cantante Sandra Echeverria salió con un conjunto de mariachis a traer a México en lo alto. El final se hizo cantando a voces y serenatas, con cada uno de los miembros de la audiencia haciéndole compañía a Sandra y haciéndole honor a algunos de los clásicos y los favoritos de este país.

Para alguien que nunca había escuchado música ranchera en vivo, me sentí transportada a otro país. Y al final del día eso era lo que quería lograr este festival: no solo se trató de exponer lo más reciente del cine mexicano, sino también presentar la diversidad de talentos e historias, dando un vistazo a los diferentes aspectos que afectan o animan esta sociedad. Fue un plato grande que todos los presentes pudimos probar comodamente.

Nominados a los Primetime Emmy Awards 2018

La Academia de la Televisión de Estados Unidos anunció este jueves en vivo a los nominados a los premios Emmy 2018, cuya gala de entrega se celebrará el próximo 17 de septiembre en el Teatro Microsoft de Los Ángeles. Netflix encabeza las nominaciones, con 112 opciones de estatuilla, frente a las 108 de HBO.

Estos fueron los nominados:

Mejor actor principal en serie dramática
Jason Bateman ("Ozark")
Sterling K. Brown ("This Is Us")
Ed Harris ("Westworld")
Matthew Rhys ("The Americans")
Milo Ventimiglia ("This Is Us")
Jeffrey Wright ("Westworld")

Mejor actriz principal en serie dramática
Claire Foy ("The Crown")
Tatiana Maslany ("Orphan Black")
Elisabeth Moss ("The Handmaid’s Tale")
Sandra Oh ("Killing Eve")
Keri Russell ("The Americans")
Evan Rachel Wood ("Westworld")

Mejor actor en serie de edición limitada/ película para TV
Antonio Banderas ("Genius: Picasso")
Darren Criss ("The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story")
Benedict Cumberbatch ("Patrick Melrose")
Jeff Daniels ("The Looming Tower")
John Legend ("Jesus Christ Superstar")
Jesse Plemons ("USS Callister")

Mejor actriz en serie de edición limitada/ película para TV
Laura Dern ("The Tale")
Jessica Biel ("The Sinner")
Michelle Dockery ("Godless")
Edie Falco ("The Menendez Murders")
Regina King ("Seven Seconds")
Sarah Paulson ("American Horror Story: Cult")

Mejor actor de comedia
Donald Glover ("Atlanta")
Bill Hader ("Barry")
Anthony Anderson ("Black-ish")
William H. Macy ("Shameless")
Larry David ("Curb Your Enthusiasm")
Ted Danson ("The Good Place")

Mejor actriz de comedia
Pamela Adlon ("Better Things")
Rachel Brosnahan ("The Marvelous Mrs. Maisel")
Tracee Ellis Ross ("Black-ish")
Allison Janney ("Mom")
Lily Tomlin ("Grace and Frankie")
Issa Rae ("Insecure")

Mejor serie dramática
"The Handmaid’s Tale"
"Game of Thrones"
"This Is Us"
"The Crown"
"The Americans"
"Stranger Things"
"Westworld"

Mejor serie cómica
"Atlanta" (FX)
"Barry" (HBO)
"Black-ish" (ABC)
"Curb Your Enthusiasm" (HBO)
"GLOW" (Netflix)
"The Marvelous Mrs. Maisel" (Amazon)
"Silicon Valley" (HBO)
"The Unbreakable Kimmy Schmidt" (Netflix)

Mejor serie de edición limitada
"The Alienist"
"The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story"
"Genius: Picasso"
"Godless"
"Patrick Melrose"

Mejor actor de reparto en serie dramática
Nikolaj Coster-Waldau (“Game of Thrones”)
Peter Dinklage (“Game of Thrones”)
Joseph Fiennes (“The Handmaid’s Tale”)
David Harbour (“Stranger Things”)
Mandy Patinkin (“Homeland”)
Matt Smith (“The Crown”)

Mejor actriz de reparto en serie dramática
Alexis Bledel ("The Handmaid’s Tale")
Millie Bobby Brown (“Stranger Things”)
Ann Dowd (“The Handmaid’s Tale”)
Lena Headey (“Game of Thrones”)
Thandie Newton (“Westworld”)
Yvonne Strahovski (“The Handmaid’s Tale”)

Mejor actor de reparto en serie cómica
Louie Anderson ("Baskets")
Alec Baldwin ("Saturday Night Live")
Tituss Burgess ("Unbreakable Kimmy Schmidt")
Tony Shalhoub ("The Marvelous Mrs. Maisel")
Kenan Thompson ("Saturday Night Live")
Henry Winkler ("Barry")

Mejor actriz de reparto en serie cómica
Zazie Beetz ("Atlanta")
Alex Borstein ("The Marvelous Mrs. Maisel")
Aidy Bryant ("Saturday Night Live")
Betty Gilpin ("GLOW")
Leslie Jones ("Saturday Night Live")
Kate McKinnon ("Saturday Night Live")
Laurie Metcalf ("Roseanne")
Megan Mullally ("Will & Grace")

Mejor reality de competencias
"The Amazing Race"
"American Ninja Warrior"
"Project Runway"
"RuPaul’s Drag Race"
"Top Chef"
"The Voice"

Mejor programa de sketches
"Saturday Night Live" (NBC)
"Portlandia" (IFC)
"Drunk History" (Comedy Central)
"Tracey Ullman’s Show" (HBO)
"At Home with Amy Sedaris" (TruTV)
"I Love You, America" (Hulu)

Mejor programa de variedades
"The Daily Show With Trevor Noah"
"Full Frontal With Samantha Bee"
"Jimmy Kimmel Live"
"Last Week Tonight with John Oliver"
"Late Late Show with James Corden Late Show with Stephen Colbert"

Mejor película para TV
"Fahrenheit 451" (HBO)
"Flint" (Lifetime)
"Paterno" (HBO)
"The Tale" (HBO)
"Black Mirror: USS Callister" (Netflix)

Mejor actor de reparto en serie limitada o película
Jeff Daniels ("Godless")
Brandon Victor Dixon ("Jesus Christ Superstar")
John Leguizamo ("Waco")
Ricky Martin ("The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story")
Edgar Ramirez ("The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story")
Michael Stuhlbarg ("The Looming Tower")
Finn Wittrock ("The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story")

Mejor conductor de reality
W. Kamau Bell ("United Shades of America With W. Kamau Bell")
Ellen DeGeneres ("Ellen’s Game of Games")
RuPaul Charles ("RuPaul’s Drag Race")
Heidi Klum and Tim Gunn ("Project Runway")
Jane Lynch ("Hollywood Game Night")