Crítica Cinéfila: The Crown, 6ta temporada - 1ra parte

La última temporada de la serie de Netflix se divide en dos mitades, y la primera se centra en la muerte y el legado de la princesa Diana. La primera parte, que tiene lugar en 1997, sigue las últimas ocho semanas de la vida de Diana. 

El segundo episodio de la nueva temporada de The Crown comienza con un hombre que nunca antes habíamos visto. Es el verano de 1997 y el fotógrafo italiano Mario Brenna se prepara en su estudio para otro día de trabajo como paparazzo. "Todo el mundo quiere fotos de celebridades", explica Brenna (Enzo Cilenti). “Es difícil conseguir el tiro correcto. Tienes que ser como cazadores. Asesinos”. En unos días, alquilará un barco y utilizará un teleobjetivo para tomar fotografías de la princesa Diana (Elizabeth Debicki) y Dodi Fayed (Khalid Abdalla) en un yate que pensaban estaba alejado de los lentes curiosos.

A unas 1,600 millas al norte, un caballero bigotudo llamado Duncan Muir (Forbes Masson), fotógrafo profesional y “orgulloso isabelino”, espera pacientemente en una fila de prensa en la campiña escocesa, tomando tranquilamente fotografías de la Reina (Imelda Staunton) mientras se desvela una placa en un majestuoso edificio de ladrillo. 

Estos dos mundos (el caos claustrofóbico de la vida de Diana como presa de los paparazzi y la burbuja cómoda y controlada de la vida de la reina Isabel) chocan violentamente en la sexta y última temporada de The Crown de Netflix. El drama histórico de Peter Morgan, que narra el breve romance de Diana y Dodi y su impactante muerte en una persecución en automóvil en París, adopta un enfoque melancólico, cuidadoso y comedido de una de las tragedias más trascendentales de la familia real moderna.

Casi un año después de que finalizara su divorcio del príncipe Carlos (Dominic West), Diana sigue siendo una de las mujeres más famosas del mundo, quizás superada sólo por su ex suegra. A pesar de su éxito recaudando dinero y creando conciencia para varias organizaciones benéficas, la Princesa de Gales admite ante el Primer Ministro Tony Blair (Bertie Carvel) que se siente a la deriva sin un papel oficial. La reina Isabel no se conmueve. “Como mujer divorciada, Diana ahora está aprendiendo la diferencia entre estar oficialmente en la familia real y fuera de ella”, señala. Aún así, todo lo que hace la princesa afecta a la familia real. En una reunión familiar, se informa a la realeza que la “amistad” de Diana con Dodi podría ayudar a su padre, Mohamed Al-Fayed (Salim Daw), a conseguir su tan deseada ciudadanía británica, aunque la Reina no tiene ningún interés en darle al llamativo empresario egipcio el imprimatur social que tan claramente anhela. 

En cuanto al príncipe Carlos, a su ofensiva de encanto destinada a lograr que el público acepte a Camilla Parker Bowles (Olivia Williams) le falta un apoyo clave: su mamá. Después de que la princesa Margaret (Leslie Williams) regaña a Isabel por negarse a asistir a la fiesta del 50 cumpleaños de Camilla, la reina se pone inquieta. "No quiero que me consideren desagradable", le dice enfadada al príncipe Felipe (Jonathan Pryce). "Porque no soy." Es un claro presagio de las críticas públicas que enfrentará nuevamente, en una escala mucho mayor, después de la muerte de Diana y Dodi.  

Morgan y su equipo han trabajado mucho antes de esta nueva temporada para asegurar a los espectadores que The Crown manejarán los últimos días de Diana (y el accidente dentro del túnel Pont de l'Alma de París que la mató a ella y a Dodi) con sensibilidad y dignidad. No lo discutiré aquí. El accidente en sí ocurre fuera de cámara, y aunque en la vida real algunos paparazzi macabros tomaron fotos de Diana mientras agonizaba, aquí el cuerpo de la princesa nunca aparece en la pantalla. Morgan deja caer el audio de la breve escena de la madrugada en la que Carlos informa a sus hijos pequeños, los príncipes William (Rufus Kampa) y Harry (Fflyn Edwards), que su madre ha muerto; lo menos que podía hacer por respeto a sus familiares que aún viven, para claramente no asumir lo que realmente se dijo en ese momento. 

Quizás la forma más notable en que The Crown honra a Diana en estos episodios es evitando la tentación de convertirla en una santa. La princesa es retratada como perseguida e inquieta, una mujer impulsada por los impulsos y una “adicción al drama”, como lo afirmó sin rodeos su terapeuta, Susie Orbach (Kate Cook), durante una de sus llamadas telefónicas en el barco a la costa. Diana y Dodi se sienten atraídos el uno por el otro como compañeros complacientes que han pasado toda su vida buscando la aprobación de sus padres desconfiados. Dicho esto, es un poco angustiante con qué naturalidad The Crown presenta a Mohamed como un villano manipulador y egoísta al que no le importa nada la felicidad de su hijo hasta que es demasiado tarde. (El verdadero Mohamed Al-Fayed murió en agosto a la edad de 94 años). 

Morgan describe la relación de Diana y Dodi menos como un gran romance y más como una amistad amorosa y llena de risas: un refugio para dos personas solitarias acosadas por presiones externas extraordinarias. Abdalla y Debicki inspiran el vínculo entre Dodi y Diana con su química cálida y afectuosa, que también impregna sus muchos momentos de tierna vulnerabilidad. 

El mayor paso en falso de The Crown se produce en el episodio 4, "Aftermath", que abarca los seis días posteriores al accidente. Mientras el país se recupera de la noticia de la muerte de Diana, los británicos inundan las calles alrededor del Palacio de Buckingham para llorar y colocar miles de flores en su memoria. Sin embargo, para la familia real, la Princesa del Pueblo aún no se ha ido. Diana - su memoria, su espíritu, su fantasma – se le aparece a Carlos y más tarde a Isabel para mantener conversaciones breves y sinceras, ofreciéndoles consuelo y orientación, aunque no del todo absolución. 

Es un extraño vuelo de fantasía para una serie que maneja la mayoría de los eventos en la vida de la familia real con un realismo fundamentado, aunque ficticio. Pero supongamos que no importa cuántas veces digamos adiós a la princesa Diana, nunca es más fácil, y tal vez Morgan esperaba que estas visitas espirituales brindaran a los espectadores algún tipo de cierre. En cambio, el clímax emocional llega un episodio antes, durante la última cena juntos de Diana y Dodi en el Ritz de París. Solos en una suite sin cámaras a la vista, los amigos cuentan sus verdades más incómodas, desafiándose mutuamente a enfrentar sus debilidades y realizar cambios muy necesarios en sus vidas. Es un momento de paz serena y curativa en medio de una vorágine mediática implacable, y el final feliz que merecía la princesa Diana. 

A ley de días de ver el cierre total de esta serie, también significa el cierre de emociones hacia la familia real, una que en la vida real se ha enfrentado a grandes cambios posterior a la muerte de la Reina Isabel II y la coronación del Rey Carlos III. De una manera u otra, también permite un cierre a su audiencia para alejarse de un drama familiar que merece finalmente una tranquilidad alejada de los imaginarios de sus fanáticos. Lo único que me consuela es la idea de volver a visitar una y otra vez una serie que enseña historia con lágrimas y risas de nostalgia añadidas. Es lo más cerca que siempre estaremos de la realeza.

Crítica Cinéfila: Scott Pilgrim takes off

Scott Pilgrim conoce a Ramona Flowers, la chica de sus sueños. Pero pronto descubre que los siete diabólicos ex de la joven no le van a poner las cosas nada fáciles. Serie anime basada en el cómic 'Scott Pilgrim', con el reparto original de la película de imagen real volviendo a repetir sus papeles.

Hay un chiste en Scott Pilgrim Takes Off sobre las diferentes formas (y todos los diferentes medios de comunicación) en las que la historia de Scott Pilgrim y Ramona Flowers se puede contar una y otra vez. Incluso con todas sus desviaciones del material original, la nueva serie de Netflix aún captura las mariposas de un primer beso realmente bueno, la emoción de escuchar una nueva canción favorita y la sensación de esconderse al encontrarse con una antigua novia. Un espíritu de redescubrimiento recorre la serie: no es solo el deseo de encontrar algo novedoso en un cómic de casi 20 años, sino una investigación sobre por qué él y sus personajes resonaron en primer lugar. Sus agallas, su corazón y su jocosidad evitan que todo el proyecto desaparezca por sí solo, al igual que el inconfundible interés personal del creador Bryan Lee O'Malley en el proyecto. Es más que las alusiones a juegos antiguos, música y fragmentos de Cánada entrelazados a lo largo de los ocho episodios: existe la sensación de que volver a visitar a Scott Pilgrim en esta etapa es casi una forma de terapia.

Si eres fanático de Scott Pilgrim, "Takes Off" merece ser visto lo antes posible. Este es un ávido respaldo, así como un anuncio de servicio público: la serie animada basada en las queridas novelas gráficas de O'Malley es así de buena, pero también es una historia reinventada de "chico conoce a chica, chico pelea con ex" en una serie intensiva de batallas contra jefes de videojuegos, y sus sorpresas deben vivirse de primera mano. Ni traducción directa ni continuación tradicional, representa una nueva evolución de una saga que ya se ha adaptado con éxito a una película de acción real de Edgar Wright y a un "beat-'em-up" de desplazamiento lateral. No debería sorprendernos que haya rincones inexplorados dentro de un universo ficticio inspirado en espectáculos de anime de vida o muerte, con un pegadizo rock indie de principios de siglo, nostalgia por los 8 bits y la vertiginosa ansiedad del amor joven. Lo sorprendente es la valentía con la que O'Malley, junto con el coguionista BenDavid Grabinski, el director Abel Góngora y el estudio de animación Science SARU, remezcla su creación característica.

Lo mismo de siempre: Scott Pilgrim es un chico  de 23 años de Toronto con una ambición insignificante que, en una clara y temprana señal de la mayor realidad de la serie, se siente atraído por Ramona Flowers, la expatriada estadounidense con quién se encuentra mientras ella patina a través de sus sueños. Como estaban en la película, Scott es interpretado por Michael Cera y Ramona es interpretada por Mary Elizabeth Winstead; en la mitad de la carrera de los cómics, Scott, Ramona y sus amigos aparecen representados en un estilo redondeado y con ojos saltones que se presta bien a reacciones exageradas y la sensación de que todos son un grupo de niños demasiado grandes que esquivan la "vida real”, tocando en bandas, intercambiando bromas y trabajando en trabajos sin futuro hasta que factores externos los empujan al siguiente nivel de responsabilidad y rendición de cuentas. Para nuestros amantes súper desaventurados, ese factor externo es la idea que une a todas las encarnaciones de Scott Pilgrim, para bien o para mal: la Liga de los Ex malvados, el desafío de antiguas llamas que Scott y Ramona deben enfrentar para vivir felices para siempre.

Con el espacio añadido de una serie de televisión en streaming, los miembros de la liga, interpretados por las voces súper reconocibles de algunos veteranos del live action -Chris Evans, Jason Schwartzman y Mae Whitman-, pueden adquirir dimensiones que solo se insinuaban. En parte, esto se siente como un guiño al elenco aparentemente clarividente de "Scott Pilgrim vs. the World" de Wright: es mucho más importante que Evans esté gruñendo las palabras del patinador convertido en estrella de acción Lucas Lee en 2023, por lo que obtiene un papel más importante que desempeñar: lo mismo ocurre con Kieran Culkin como Wallace, el compañero de cuarto de Scott, o Aubrey Plaza como su enemiga Julie Powers. También está en sintonía con un mayor enfoque en Ramona, quien termina en una historia similar a un clásico diferente, cuyos capítulos avanzan mientras están enmarcados por su propia chica mágica y discreta, con una representación hipnótica y mejorada con foley de su rutina de coloración del cabello.

Animation y Scott Pilgrim son una combinación obvia de chocolate y mantequilla de maní. "Scott Pilgrim vs. the World" es esencialmente una caricatura de acción real, pero incluso esa ejecución tuvo sus limitaciones, de las cuales "Scott Pilgrim Takes Off" se libera alegremente. Obviamente, eso es una bendición para las peleas, que se desvían hacia intercambios de explosiones de energía en un páramo al estilo Dragon Ball y un vuelo de fantasía en deuda con el corto clásico de Looney Tunes “Book Revue”. Pero también es genial para las secuencias musicales: hay una electricidad nerviosa en la introducción de la banda de Scott, Sex Bob-omb, mientras que una improvisación posterior en la sala de estar estalla en una abstracción psicodélica.

Esta vez el elenco también parece disfrutar interpretando dibujos animados genuinos. Satya Bhabha interpreta a Matthew Patel, elevando a Evil Ex #1 al estado de supervillano parloteante. Cera encuentra un registro más alegre para su personaje que suena como si estuviera haciendo una parodia del doblaje de anime en inglés; se adapta a la sensibilidad cómica de corte rápido de "Scott Pilgrim Takes Off", pero requiere algo de tiempo para acostumbrarse. Otros optan por la sutileza: Winstead, que se ha convertido en un avatar de la intimidación en pantalla en los años transcurridos desde "Scott Pilgrim vs. the World", reduce esa intensidad a un punto de ebullición lento para expresar la irónica diversión de Ramona con Scott y su incrédula consternación ante la situación a la que la ha arrastrado. Es una capa de inexpresividad que camufla la vulnerabilidad y que le permite descubrir las capas del personaje más complicado de O'Malley.

Como muchas secuelas recientes (Top Gun: Maverick, la trilogía de Halloween de David Gordon Green, Justified: City Primeval), esta continuación de una serie inactiva trata, en última instancia, sobre el pasado y cómo no hay forma de dejarlo atrás. Esto podría parecer contradecir algunos de los inventos más ingeniosos de Scott Pilgrim: su historia de citas como escalera de Mortal Kombat, la destrucción de la maleta subespacial de Ramona, un equipaje literal y sin fondo que lleva consigo dondequiera que vaya. Pero incluso los Evil Exes comienzan a debilitarse un poco en el cuarto o quinto volumen de los cómics; Si algo adapta fielmente la serie de Netflix de los libros es la sensación de que los personajes eclipsan el llamativo concepto que los une. Esto hace que el parecido de los episodios posteriores con el fanfiction acogedor y de reunión sea un poco más excusable. Con más de una década de perspectiva y un lente fresco y animado, "Scott Pilgrim Takes Off" sostiene radicalmente que el pasado es algo que debe aceptarse, no derrotarse.

Cuanto antes mires Scott Pilgrim Takes Off, menos tiempo pasarás preocupándote por los spoilers y podrás disfrutar de una impresionante reinvención de las novelas gráficas de Bryan Lee O'Malley. Incluso con el elenco principal de Scott Pilgrim vs. the World acompañándolo, no es un mero ejercicio de nostalgia, sino una nueva capa de pintura en una historia versátil sobre la mayoría de edad, cuya animación vibrante y alcance ampliado aportan nuevas dimensiones a los rockeros de garaje, los empleados de las tiendas de videos, los mensajeros ninja y los ex malvados que habitan “Toronto, Canadá, no hace mucho”. 

Crítica Cinéfila: Napoleon

Narra los orígenes del líder militar francés y su rápido e imparable ascenso de oficial del ejército a emperador de Francia. La historia se ve a través de la lente de la relación adictiva y volátil de Napoleón Bonaparte con su esposa y único amor verdadero, Josefina.

Así es. A sus 85 años, Ridley Scott ha llegado a la última temporada de su carrera cinematográfica, Napoleón es la obra ideal de grandeza invernal para marcarla. El largometraje número 28 de Scott es una trama magníficamente tallada del cine patriarcal con un viento helado silbando sobre sus campos de batalla y alrededor de sus huesos: su paleta es tan fría que incluso el rojo del tricolor tiene a menudo el tono de la sangre seca.

El marketing de Napoleón hizo un gran trabajo al hacer que la visión de Ridley Scott sobre el ascenso y caída del emperador francés pareciera muy grandiosa y seria. Pero la película no es exactamente eso: se trata de una epopeya histórica que busca constantemente formas sutiles de socavar las epopeyas históricas de esos reconocidos militares, siendo este el caso de Napoleón Bonaparte. Si un hombre desembarca solemnemente en una playa de su amada Francia, se inclina y besa el suelo (en una señal de patriotismo ceremonial), ese hombre se limpiará la arena de los labios unos momentos después, y esta es una película que te muestra esto. Sería ir demasiado lejos describirlo absolutamente como una comedia o sátira, pues no sé si realmente fue la intención, pero en el guión de David Scarpa, la dirección de Scott, el ritmo del montaje de Claire Simpson y Sam Restivo, y en la interpretación inexpresiva de Joaquin Phoenix, el impulso de compensar y divertir es demasiado intenso. 

A lo largo de 32 años, desde el estallido de la Revolución Francesa en 1789 hasta la muerte de su personaje principal en Santa Elena en 1821, presenta el ascenso, el reinado y la caída de Napoleón Bonaparte como un psicodrama espinoso y una amplia epopeya militar, en la que las vidas íntimas de sus actores centrales y el destino de la propia Francia se entrelazan instantánea y ansiosamente.

Nos encontramos con el gran hombre durante el apogeo de "El Terror": están cortando cabezas aristocráticas, a izquierda, derecha y centro. Robespierre (Sam Troughton), efectivamente el juez, jurado y verdugo de la nación, se está sintiendo demasiado cómodo en su papel, y una vez que es debidamente izado por su propio petardo, hay un vacío de poder que llenar. Hasta que da un paso adelante el mismísimo Napoleón Bonaparte (Joaquin Phoenix). Se le presenta como un hombre que se divierte con dos cosas: la guerra y el sexo. Las guerras pueden ser básicamente con cualquiera (parecería que adora los conflictos militares), pero el sexo se centra en una persona, la encantadora y ronca Joséphine de Beauharnais (Vanessa Kirby), con quien está obsesionado eróticamente. Napoleón resulta ser muy bueno en las batallas, pero es principalmente malo en el sexo, lo cual es un buen giro si se considera la larga historia del cine de equiparar la habilidad en la violencia con el talento para hacer el amor.

Tampoco es que Napoleón sea representado como un genio militar infalible: Scott muestra la podredumbre que se está gestando, pero no es la misma caracterización de "tirano loco" que tiende a concluir tales arcos. Si bien el Napoleón de Scott se ve a sí mismo siguiendo los pasos de gente como Julio César, es el famoso deseo del emperador romano de que el pueblo de Roma tuviera un solo cuello entre ellos -porque habría hecho que las ejecuciones en masa fueran agradables y simples- lo que encuentra una solución. Resuenan en este particular la exasperación de Napoleón por no poder apuntar personalmente cada cañón individual en el campo de Waterloo.

Napoleón es interpretado con una sorprendente carisma contenida por Joaquin Phoenix, quien vuelve a trabajar con Scott por primera vez desde Gladiator del año 2000. El suave acento californiano no disimulado de Phoenix es uno de una serie de detalles que podrían irritar a los rigurosos históricos. Pero en la pantalla es extrañamente ideal, lo que refuerza la idea de que este matón corso nunca podrá adaptarse del todo al papel para el que la historia lo ha elegido. 

Se logra apreciar el tamaño del hombre casi instantáneamente en el asedio de Toulon, cuando las fuerzas republicanas francesas sitiaron el fuerte del puerto ocupado por los británicos. En plena noche, mientras Napoleón lidera el avance, una bala de cañón atraviesa el hombro de su caballo, aunque casi antes de tocar el suelo, apresuradamente ladra "estoy bien" y sigue adelante, conmocionado pero decidido, y untado con la sangre de su corcel. Toda la secuencia es asombrosa: montada en una escala y marcada con una claridad que hace que la propia realización de la película parezca el trabajo de un estratega militar supremo. Pero, extraordinariamente, Scott sigue mejorándolo.

El guión de David Scarpa retrata a Napoleón como un maestro táctico, pero también vincula su sed de conquista con su deseo frustrado, una vez coronado Emperador, de engendrar un heredero. El útero de su primera esposa, Joséphine es donde debería surgir la línea de sucesión, pero sigue siendo el único terreno resistente a sus reclamos.

No describirías la película como divertida, y en sus (ciertamente raros) momentos más tranquilos, tal vez pueda parecer un poco fría y seria. Pero la manera de ser de Phoenix hace que sus líneas más locas aterricen bien, mientras que el elenco de apoyo está repleto de rostros con carácter en los que entrecerrar los ojos o fruncir el ceño puede ser todo lo que una escena necesita para aligerar el ambiente. 

Ya sea que el tipo haya o no haya dicho alguna vez: “Si quieres que se haga algo, hazlo tú mismo”, esta es sin duda la actitud que encarna mientras se dirige hacia la batalla culminante inmortalizada por la música de ABBA. La interpretación entretenida y plausible que Scott hace de Napoleón es que, como muchos grandes directores de cine, era una especie de microgestor.

Crítica Cinéfila: Wish

Asha y una pequeña bola de energía ilimitada llamada Star demuestran que cuando la voluntad de un ser humano valiente se conecta con la magia de las estrellas, pueden suceder cosas maravillosas.

¿Una joven valiente que se destaca a través de un "peligro" que ataca a su familia/comunidad a través de números musicales enérgicos? Listo. ¿Animales que hablan? Listo. ¿Un adorable compañero de origen indeterminado? Listo. ¿Un malhechor amenazador que trafica principalmente con aterradora magia verde? Listo. ¿Un mundo poblado casi exclusivamente de ciudadanos adorables que continuamente cantan? Listo. ¿Pariente cercano muerto? ¡Listo! Para su último lanzamiento animado original, Disney se apega a los elementos habituales con algunos giros aquí y allá, la mayoría de ellos atractivos para familias cinéfilas desesperadas por una nueva película para entretener a los niños durante las vacaciones.

Codirigida por el veterano de Pixar, Chris Buck (“Frozen”), y la directora Fawn Veerasunthorn (artista de cuentos desde hace mucho tiempo, conocida por su trabajo en “Moana” y “Raya and the Last Dragon”), “Wish” se siente superficialmente familiar, pero contiene algunos elementos contemporáneos astutos que insinúan una nueva dirección para Disney. Coescrita por Buck, Jennifer Lee (directora creativa de Disney Animations y maestra de “Frozen”) y Allison Moore, “Wish” realza algunos elementos clásicos (¡autodeterminación! ¡Cuidado de los demás! ¡Música!) y acentúa en otros novedosos (nuestra heroína es una chica de 17 años sin un interés amoroso a la vista; lo que más le interesa es su familia y su círculo increíblemente grande de amigos).

A pesar de su comienzo literal como un libro de cuentos, “Wish” ofrece una isla mágica sin ataduras a otros cuentos de hadas. La gente de Rosas es un elenco diverso de personajes; son inmigrantes que buscan una nueva vida en esta próspera ciudad del Mediterráneo. Su amado Rey Magnífico (con la voz de Chris Pine) promete nuevas oportunidades a través de sus propias habilidades mágicas (se nos dice que adquirió sus poderes a través de su pasión personal y erudición ilimitada, inspirada por algún ligero trauma infantil desconocido).

Si bien la promesa de Rosas suena genial en el papel, cuéntale tu deseo al Rey Magnífico cuando cumplas 18 años, y tal vez él te lo conceda. Hay reglas en torno a esta concesión de deseos que hacen que todo empiece a parecer mucho menos mágico. Resulta que una vez que le cuentas al rey tu deseo, lo olvidas. Esto inevitablemente imbuye a la mayoría de los felices habitantes de Rosas con una suave tristeza que no pueden nombrar. Y, como pronto aprende nuestra heroína Asha (con la voz de Ariana DeBose) durante la peor entrevista de trabajo del mundo con el rey (una parte de revelaciones impactantes, dos partes de encantadores cantos a dúo), Magnifico solo concederá los deseos que crea que son buenos para Rosas. Los deseos, representados aquí como orbes azules flotantes y brillantes, no pertenecen a Magnifico, pero él parece pensar que está a cargo de ellos.

Asha, una residente de toda la vida de Rosas que ama tanto a su comunidad que da vertiginosamente recorridos turísticos a posibles nuevos ciudadanos y espera conseguir un trabajo como aprendiz del rey (el mejor trabajo en la isla, dicen), se da cuenta del mal latente de este plan casi de inmediato. Después de todo, su amado abuelo (con la voz de Victor Garber) acaba de cumplir 100 años y su deseo nunca se ha cumplido, a pesar de que es un sueño encantador, hermoso y de corazón puro que principalmente implica preparar a Rosas y su generación más joven para el éxito. ¿Qué podría estar mal con eso? Para el fanático del control Magnifico, "mucho".

Horrorizada por la verdad de su reino, Asha, con el corazón roto (y su compañero cabrito Valentino, finalmente expresado por Alan Tudyk) se dirige a su lugar favorito en la isla (uno que ella, naturalmente, asocia con su amado y fallecido padre), un enorme árbol que sobresale sobre la tierra, prácticamente hasta el cielo. Y, cuando Asha expresa su propio deseo, toda la fuerza y ​​el poder de su súplica atrae una estrella del cielo (representada como un ente risueño y blando que inevitablemente engendrará toda una serie de risueños y blandos), con Estrella aterrizando en Rosas, esta estará empeñada en ayudar a Asha y su gente.

Los propios poderes de Estrella son un poco confusos, pues lo primero que hace es esparcir polvo (de estrellas) por toda Asha, Valentino y toda una maraña de flora y fauna del bosque (hongos, árboles, conejos, ciervos, búhos, osos y más) haciéndolos que puedan hablar, conduciendo a una canción y baile verdaderamente psicodélico (y ligeramente alucinógeno) que, lo mejor que podemos decir, hará maravillas para enseñar a los niños que todos estamos hechos literalmente de material de estrellas. (Suponemos que también impulsará a algunos niños traumatizados a interesarse tempranamente por el veganismo). “I'm a Star” es una de las mejores canciones de “Wish”, que alterna entre un nuevo clásico y una canción olvidable con sorprendente regularidad (cualquier cosa que cante Pine es memorable, al igual que cualquier cosa que cante DeBose suena increíble). Pero las técnicas de Estrella se aclaran cuando se logra interpretar que puede hacer cualquier deseo realidad. Lamentablemente, para lograr esto, debe recuperarlos de la guarida de Magnífico.

El equipo de Disney utilizó el sistema de dibujo digital Meander, galardonado con el premio Academy Sci-Tech, para crear “Wish”, que a menudo parece pictórico y hecho a mano (especialmente cuando se centra en Asha y sus adorables pecas, sus trenzas realistas y su apariencia general genuinamente encantadora). También deslumbra durante los escenarios más importantes, pero se vuelve confuso cuando se trata de momentos más tranquilos y secuencias que involucran a multitudes más grandes. Manténgase concentrado en Asha, Star y el cada vez más loco Magnifico (Pine claramente se lo está pasando genial), y "Wish" será fácil de entender.

Quizás demasiado fácil. Mientras Disney celebra su centenario, “Wish” sirve como un retroceso al pasado, una celebración del presente y un suave empujón hacia el futuro. Dicho esto, hay un sinnúmero de referencias de otros clásicos de Disney, incluyendo por alguna extraña razón a Peter Pan y Wendy. El viaje de Asha es clásico, pero su origen birracial, la historia de los inmigrantes en el centro, su grupo diverso de amigos y saltarse un amor, la hace aún más moderna. La subtrama de interés insinúa algo más subversivo, algo más oportuno, algo más interesante en marcha en la Casa de Walt Disney. Eso es lo que deseamos ver más, y pronto.

Crítica Cinéfila: The Hunger Games, The Ballad of Songbirds & Snakes

Ambientada en un Panem postapocalíptico, nos hace retroceder varias décadas antes del comienzo de las aventuras de Katniss Everdeen. El joven Coriolanus Snow será el mentor de Lucy Gray Baird, la niña seleccionada como tributo del empobrecido Distrito 12. La joven sorprenderá a todos al cantar en la ceremonia de inauguración de los Décimos Juegos del Hambre en los que Snow intentará aprovecharse de su talento y encanto para sobrevivir.

La serie original de Los Juegos del Hambre fue un "fenómeno" de política revolucionaria que deslumbró a sectores de jóvenes, primero como una serie de novelas de Suzanne Collins y luego como un cuarteto de películas protagonizadas por Jennifer Lawrence. Los libros de Collins se inspiraron en su propia incomodidad con la política del espectáculo que impulsó la guerra de Irak, una ilusión de patriotismo proyectada en canales de noticias las 24 horas, los 7 días de la semana. Y ahora, justo a tiempo para la precuela de Los Juegos del Hambre, tenemos una generación completamente nueva de adolescentes desilusionados: jóvenes que podrían ver algo reconocible en una historia de demonización y opresión, en la que los ciudadanos adinerados del Capitolio de Panem elijen un tributo de las masas que están alojadas en 12 distritos, y los enfrentan entre sí hasta que queda solo un sobreviviente.

Sin embargo, "The Hunger Games: The Ballad of Songbirds & Snakes", dirigida por el habitual de la franquicia Francis Lawrence, diluye esos mensajes más allá de cualquier uso práctico. Es la historia del origen del principal sociópata de Panem, el presidente Coriolanus Snow (interpretado por Donald Sutherland en las películas originales), que en cambio se siente como la yasificación de un futuro monstruo.

La novela original de Collins, publicada en 2020, fue su intento de comprender cómo un joven de una estirpe que alguna vez fue preeminente, huérfano y abandonado a morir de hambre después de un asalto rebelde al Capitolio, podría verse atraído hacia el mal supremo. Nunca le mostró simpatía, pero obligó al lector a permanecer dentro de su cabeza y ver esos despiadados engranajes en funcionamiento. Sin embargo, el Coriolanus de la película, interpretado por el actor británico Tom Blyth, apenas se lee como manipulador y mucho menos como malvado: un bebé nepo con un ligero aire de (antiguo) privilegio, tal vez, pero sin ninguna malevolencia prematura o un cambio radical y moral. Si este fuera uno de los retratos redentores de villanos de Disney, tal vez estaría bien. Pero este es un tipo que supuestamente, seis décadas después, estaba torturando y envenenando a la gente con salvaje abandono.

Pero si Coriolanus fuera algo más que un antihéroe torturado, se habría entrometido en el objetivo principal de "The Ballad of Songbirds & Snakes": un romance de Romeo y Julieta entre un ciudadano del Capitolio y un tributo a los Juegos del Hambre, entre opresores y oprimidos. Coriolanus, como parte de su educación académica, es reclutado como mentor de Lucy Gray Baird (Rachel Zegler), un tributo del Distrito 12. En realidad, ella es miembro de una grupo nómada llamada Covey, la versión del pueblo romaní de Panem, una elección aparentemente hecho solo para estereotiparla como un espíritu libre caprichoso con un toque alegre de música country. Lucy es la respuesta a una pregunta que seguramente nadie se había hecho hasta ver esta película: "¿Cómo sería si dejaras a June Carter Cash en los Juegos del Hambre?". Ni siquiera avisaron que esta película sería parcialmente un musical...

Lucy es pura niña de teatro, vestida con un delicado vestido de hadas y el rostro recién hidratado; el resto de los tributos parecen baristas que acaban de ser golpeados de cara contra una palma de vaca. Drena los juegos de cualquier intriga, especialmente en este momento de la historia donde están limitados a una arena polvorienta. Cualquier tributo que no sea Lucy está echando espuma por la boca o está silencioso y estoico, por lo que es bastante obvio qué destinos les han asignado. Aquí, todo parece reducido para garantizar que Coriolanus y Lucy tengan tiempo suficiente para observarse y analizarse desde ambos lados de los barrotes de su prisión.

Solo sentimos un breve alivio cada vez que una de las estrellas establecidas de la película aparece en escena: Viola Davis , como la directora de juegos, Dra. Volumnia Gaul, está deliciosamente acampada, con plataformas Dr. Martens y guantes de goma rojos. Peter Dinklage , como el inventor de los juegos, Casca Highbottom, disfruta del hastío. Jason Schwartzman, como el “meteorólogo y mago aficionado” Lucretius Flickerman, consigue algunas frases ingeniosas sorprendentemente buenas. Sus actuaciones insinúan el verdadero narcisismo de Panem, algo que te costará encontrar en cualquiera de los románticos débiles y castrados de The Ballad of Songbirds & Snakes.

Es difícil generar mucha intriga sobre si un adolescente enamorado con un corazón aparentemente gentil y una firme moral traicionará a quienes confían en él y cruzará al lado oscuro cuando su nombre es Coriolanus Snow y sabemos por cuatro películas anteriores que él crecerá hasta convertirse en un señor malvado. Menos aún una vez que se une a las filas fascistas de los “pacificadores” y cambia sus mechones rubios y lacios por un corte de pelo de las Juventudes Hitlerianas.

Esa es solo una de las limitaciones de esta película, una pesada precuela, cuyas ganancias globales de los libros se acercan a los 3 mil millones de dólares, pero esto no hace que la trama mejore. Más allá de la realidad del mercado de que Hollywood nunca conoció una fuente de ingresos distópica que no pudo ordeñar hasta la muerte, hay pocas razones de peso, para que exista la nueva entrega.

Ciertamente no es la espeluznante pero poco imaginativa acción de combate a muerte en la que personajes obedientemente diversos pero apenas dibujados, identificables principalmente por sus discapacidades o grados de brutalidad, se encuentran con sus creadores frente a una audiencia televisiva en vivo. Y definitivamente no Viola Davis devorando el escenario fríamente futurista como una doctora malévola con una peluca aterradora, un penetrante ojo azul hielo y maquillaje de Drag Race, cocinando tormentos cada vez más crueles para desatar sobre los desventurados tributos de los juegos.

Snow recalca los puntos sobre el salvajismo como uno de los instintos básicos de la humanidad en un diálogo enfático que no deja ningún subtexto sin mencionar: "El mundo entero es una arena y necesitamos los Juegos del Hambre cada año para recordarnos quiénes somos realmente". Los sacrificios sangrientos, en esta ecuación, son simplemente “el precio que la gente está dispuesta a pagar por un buen espectáculo”. 

La principal conclusión de The Ballad of Songbirds & Snakes  es la comprensión de que un elemento crítico de lo que hizo que las cuatro películas anteriores de Los juegos del hambre fueran agradables (incluso la entrada final, que se extendió sin recompensa en dos partes) fue el coraje natural y el carisma de Jennifer Lawrence. Su Katniss Everdeen era alguien a quien apoyar, sin mencionar algo raro en ese momento en términos de heroínas de acción ingeniosas cuya inteligencia de batalla nunca aplasta su humanidad.

Katniss, un tributo del Distrito 12, el empobrecido sector minero de carbón de la ficticia autocracia norteamericana Panem, aportó formidables habilidades de tiro con arco perfeccionadas mientras cazaba para poner comida en la mesa familiar. Pero se hizo igualmente notable por su compasión, transmitida en la primera película por su alianza con la preadolescente Rue de Amandla Stenberg y su dolor por la muerte de esta última. Podría decirse que no ha habido un momento más conmovedor en la serie que Katniss mostrando su amor y respeto esparciendo flores sobre el cuerpo de la niña muerta. Si tan solo esta precuela inflada tuviera una escena o dos con incluso una fracción de ese poder emocional... pero es que, siendo bien honesta, ni así se salva.

El trueno orquestal de la partitura de James Newton Howard combina bien con las canciones de Lucy Gray, en las que el productor musical ejecutivo Dave Cobb crea melodías conmovedoras en torno a las letras de Collins, añadiendo fuego al espíritu rebelde de la supuesta heroína. Si tan solo hubiera algo verdaderamente nuevo e innovador en este capítulo que justificara plenamente la resurrección de la franquicia Los Juegos del Hambre ocho años después de Sinsajo - Parte 2. La intención de iluminar las maquinaciones políticas del Capitolio y la importancia de los juegos para mantener la división entre la clase dominante y la plebe impotente produce poco más que una tristeza turgente.

Crítica Cinéfila: Nyad

A la edad de 60 años, y 30 años después de abandonar la natación de fondo para ser una destacada periodista deportiva, Diana Nyad se obsesiona con llevar a cabo la proeza que siempre se le resistió: la travesía nadando de casi 180 km de Cuba a Florida, conocida como 'el Everest de la natación'. Resuelta a ser la primera persona en hacer la travesía a nado sin la protección de una jaula contra tiburones, Diana se embarca en una emocionante aventura de cuatro años con su gran amiga y entrenadora Bonnie Stoll y un equipo totalmente entregado.

Hay muchos parecidos entre las dos obras de los cineastas Elizabeth Chai Vasarhelyi y Jimmy Chin; la primera proyección de su documental ganador del Oscar, "Free Solo", en Telluride hace cinco años, por lo que parece apropiado que su primer largometraje de ficción,"Nyad", también tenga su estreno mundial en Telluride este año. "Free Solo" siguió la determinación de un alpinista obsesionado, y Nyad sigue a una obsesiva nadadora de maratón y periodista, Diana Nyad, quien decidió nadar desde Cuba hasta Florida, un viaje de 110 millas, cuando tenía más de 60 años.

La película ya ha suscitado cierta controversia, y algunos otros atletas y comentaristas deportivos criticaron algunas de las exageraciones que Nyad había pregonado durante el transcurso de su larga carrera. Pero es un mérito de los realizadores que, aunque quieran celebrar los logros de Nyad, no rehuyen de dramatizar su egoísmo y personalidad combativa. E incluso las personas que puedan tener sentimientos encontrados acerca de la verdadera Diana Nyad quedarán hipnotizadas por la interpretación feroz e intrépida de Annette Bening en el papel principal.

Bening siempre ha sido una actriz que evitaba la vanidad, y aquí está dispuesta a resaltar la determinación y la arrogancia de Nyad. Las relaciones clave de la película son la amistad de Diana con su mejor amiga/"entrenadora", Bonnie Stoll (Jodie Foster), y con John Bartlett (Rhys Ifans), el capitán del barco que condujo sus tres fallidos y finalmente exitoso intento. Nyad corre el riesgo de alienar a estos dos aliados con sus defectos personales. Es un tributo a la actuación de Bening que nos mantenga hipnotizados por Nyad incluso en su forma más obstinadamente testaruda.

Después de todo, el tema es universal: el intento de desafiar la edad y demostrar que no hay fecha de vencimiento para una ambición desalentadora. La película, escrita por Julia Cox, comienza en la fiesta del 60 cumpleaños de Diana, en una escena que reconoce el lesbianismo de la nadadora sin darle importancia. A partir de este primer momento, la amistad entre Diana y Bonnie se dramatiza con cariño pero sin sentimentalismo. La determinación de Diana pone a prueba el vínculo más de una vez, pero la devoción mutua de las dos mujeres resulta muy conmovedora.

Foster no ha tenido muchos papeles sustanciosos en los últimos años, y su interpretación astringente y profundamente sentida nos hace darnos cuenta de lo que nos estábamos perdiendo. No hay vanidad en el trabajo de ninguna de estas actrices aquí. Bening nos convence del impulso de Nyad y de su crueldad, lo que hace que la lealtad de Foster hacia ella sea aún más conmovedora. En una película fuertemente protagonizada por mujeres, también vale la pena reconocer la contribución de Ifans, quien ha tenido una larga carrera pero ofrece quizás su mejor interpretación como el sensato y duro capitán de barco que decide unirse a Nyad en su último intento de cruzar el océano, aunque esté enfermo (Bartlett murió en 2013, después del exitoso nado de Nyad). Y mientras seguimos la famosa cruzada de Nyad, también seguimos sus traumas y pesadillas relacionadas a los abusos que sufrió por parte de su entrenador de natación cuando era una adolescente, siendo un guiño al abuso sexual que muchos atletas han enfrentado. 

Por otro lado, la fotografía de Claudio Miranda (ganador del Oscar por La vida de Pi ) da vida a las escenas de natación. Las escenas del océano se rodaron principalmente en la República Dominicana y siempre son atractivas y, a veces, llenas de suspenso, con tiburones y medusas amenazando el viaje de Diana.

En su primer largometraje de ficción, los directores Vasarhelyi y Chin demuestran el mismo dominio de la narración cinematográfica que animó sus documentales (que incluyen "The Rescue" y "Wild Life" además de "Free Solo"). Quizás el guión podría haberse beneficiado de un toque ligeramente más oscuro, pero como experiencia sensual envolvente y como escaparate interpretativo, Nyad acierta.

Crítica Cinéfila: The Marvels

Carol Danvers, alias Capitana Marvel, ha recuperado la identidad que le arrebataron los tiránicos Kree y se ha cobrado su venganza contra la Inteligencia Suprema. Pero una serie de consecuencias imprevistas la obligan a cargar con el peso de un universo desestabilizado. Cuando el deber la lleva hasta un anómalo agujero de gusano vinculado a una revolucionaria Kree, sus poderes se conectan con los de su superfán de Nueva Jersey Kamala Khan, también conocida como Ms. Marvel, y con los de su sobrina, con la que está distanciada y es ahora astronauta en S.A.B.E.R., la capitana Monica Rambeau. Juntas, las integrantes de este insólito trío tendrán que unir fuerzas y aprender a trabajar en equipo como 'The Marvels' para salvar el universo. 

Captain Marvel de Marvel Studios en 2019, la conversación en torno a la continuación de la escritora y directora Nia DaCosta, "The Marvels", ha estado marcada por una cantidad de críticas que, hasta cierto punto, huele a una gran variedad de misoginia. Últimamente, gran parte de la producción del estudio ha tenido terribles faltas en su fuerza narrativa, que son fuertemente pulidas por efectos visuales para tratar de hacer que el MCU se sienta más cohesivo. Pero después de años de fanáticos autoproclamados que se quejan de la poca frecuencia con la que las series episódicas de Marvel se cruzan con sus películas, ha sido muy extraño ver la forma en que los vínculos de The Marvels con los programas de Disney Plus se han convertido en un golpe en la mente de algunas personas.

Sería justificado no saber qué esperar de The Marvels, dada la cantidad de veces que se retrasó su fecha de estreno y cómo las huelgas de la industria del entretenimiento de este año hicieron imposible que el público escuchara mucho de la película y de su equipo creativo. Pero por muy válidas que sean las preocupaciones sobre esas cosas, The Marvels es en realidad una de las entradas posteriores a Endgame más fuertes de Marvel Studios en todos los aspectos importantes. Eso no quiere decir que la película no esté exenta de defectos: hay unos cuantos.

Sin embargo, al igual que Ms. Marvel antes, The Marvels se siente como un vistazo a al menos uno de los futuros de Marvel, y es brillante si esta es la dirección en la que Kevin Feige y compañía planean llevar la franquicia.

Después de varios años de series y películas de Marvel luchando por establecer una nueva normalidad definitiva para el MCU después de la saga Avengers, "The Marvels" aborda ese desafío de frente al entretejer las historias en curso de Captain Marvel/Carol Danvers (Brie Larson), Monica Rambeau (Teyonah Parris) y Kamala Khan (Iman Vellani). Con Thanos derrotado, los Vengadores todavía siendo una organización extinta y conflictos únicos que surgen en una variedad de planetas alienígenas, la vida en la Tierra ha cambiado para personas como Nick Fury (Samuel L. Jackson).

En cualquier momento dado, siempre hay alguien en algún lugar entre las estrellas que necesita el tipo de ayuda que sólo un equipo de socorristas capacitados como el nuevo equipo SABRE espacial de Fury puede brindar. Sin embargo, la mayoría de las veces, las situaciones también requieren el tipo de asistencia cósmicamente poderosa por la que se conoce a la Capitana Marvel, razón por la cual Fury la mantiene disponible para misiones especiales.

Si bien ver lo que hacen Fury y Carol en el espacio es algo nuevo, una de las cosas más impresionantes de The Marvels en su conjunto es la forma en que se siente como si el guión de DaCosta y las coguionistas Megan McDonnell y Elissa Karasik estuviera tratando de solidificar la dinámica que en realidad solo se indicó en la primera película. Carol sigue siendo una extraña sin importar a dónde vaya, y valora lo fácil que es para Fury seguir viéndola como una persona. Aquí, sin embargo, ella no sólo es categóricamente poderosa y distante; ella es una especie de persona dura que siente empatía pero lucha por comunicarla a las personas que la rodean y que más necesitan escucharla: personas como su colega de SABRE y su sobrina Mónica, quien se esfuerza por evitar a Carol toda la primera apertura de la película.

Incluso más que el desarrollo de la personalidad de Carol por parte de The Marvels, el tiempo que lleva profundizar y agregar textura a la relación de Monica con Carol es un punto brillante debido a lo delgada que se sintió esa dinámica en Captain Marvel, a pesar de ser parte de la intención y el nucleo emocional de la película. Pero esta no parece que esté preparando el terreno adecuadamente hasta que trae a Kamala Khan de Vellani a la escena momentos después de los eventos de Ms. Marvel. Es una elección narrativa que probablemente será un punto delicado para algunos. Pero como yo no he visto Ms. Marvel, no me afectó (a pesar de que no entendía quién era ella, lo cual vuelve a ser un problema porque siguen insistiendo que todos veamos series de Marvel en contra de nuestra voluntad solo para entender las películas nuevas).

Estar familiarizado con la primera temporada de Ms. Marvel y, en menor medida, con WandaVision, ayuda absolutamente a que The Marvels tenga más sentido, particularmente en su acto de apertura, ya que intenta al azar darte una idea de quiénes son sus tres protagonistas como individuos. Pero a través del uso de cosas como los vuelos de fantasía semianimados de Ms. Marvel y la forma en que los personajes a veces simplemente dicen cosas como: "Una bruja me hechizó y ahora tengo poderes basados ​​en la luz", la película ofrece suficientes pistas de contexto que son fáciles de reconstruir sin necesidad de haberlo visto.

Si bien este enfoque contextual basado en pistas para construir un universo compartido es un sello distintivo de la narración de cómics, es algo que las películas de Marvel generalmente han evitado, presumiblemente por la preocupación de que el público simplemente no pueda entenderlo. Pero con The Marvels, el enfoque ayuda a ilustrar cuánto más dinámicos y divertidos pueden ser estos crossovers cuando el estudio pone más fe en las habilidades de comprensión de los espectadores.

Dicho esto, Marvel definitivamente tropieza con algunos elementos importantes, como su ritmo inicial y una edición desigual que a veces hace que sea difícil realizar un seguimiento de qué tan lejanos son los personajes cuando llegan de un lugar a otro tan rápidamente. Pero los riesgos que asume The Marvels tienen éxito con mucha más frecuencia de lo que resultan contraproducentes, que es exactamente el tipo de energía prometedora que le ha faltado a la franquicia más grande últimamente.

Crítica Cinéfila: The Killer

Después de un fatídico error, un asesino se enfrenta a sus jefes y a sí mismo en una persecución internacional que, según él, no es personal. 

La nueva película de David Fincher, The Killer, recuerda su adaptación de "Fight Club", permitiendo al público participar en el monólogo interno de un personaje principal anónimo. En franca voz en off, el asesino titular (Michael Fassbender), relaciona pensamientos que van desde citas para vivir (algunas con atribución, otras con autores olvidados) hasta tácticas centradas en el trabajo y el mantra que mantiene su concentración a lo asignado. "Apegarse al plan. No confíes en nadie. Anticípate, no improvises. Pelea sólo la batalla por la que te pagan”. Habla de lo que llama “el vacío de la vida” y de cómo su capacidad para reconocerlo lo distingue: no entre muchos, sino entre unos pocos.

Sin embargo, a su manera aparentemente intocable, es parte de un grupo aún más exclusivo: es el único, y algo en eso siempre está listo para ser agrietado y roto por el destino. "The Killer" es un increíble regreso para Fincher, quien ha hecho de este tipo de historias en el pasado, pero con esta película, deja al descubierto de manera experta cómo la intocabilidad es desmantelada por la emoción, y cómo eso puede forzar incluso a los más calculados a una búsqueda de una especie de absolución, incluso sangrienta.

El personaje de Fassbender es resueltamente bueno en su trabajo, preciso en todos los aspectos que harían a cualquiera capaz de la compartimentación emocional necesaria para ser un asesino de primer nivel. A pesar de ser un destructor de mundos, el asesino es, al menos, sincero en sus pensamientos y permite que el público lo apoye como un protagonista complicado. Lo encontramos vigilando meticulosamente, haciendo yoga al estilo Patrick Bateman en un escondite abandonado disfrazado de WeWork parisino. Cuando una tarea común y corriente sale mal, se ve obligado a ajustar sus métodos, elaborar un plan para salvarse a sí mismo y obtener una venganza satisfactoria de la única manera que sabe.

El guión de Andrew Kevin Walker, basado en la serie de novelas gráficas francesas de Alexis “Matz” Nolent, logra el tono adecuado, dándole al asesino tanto interioridad como un deseo imperioso de mantener el control de sus circunstancias. El trabajo de Walker incluso aporta un sentido de humanidad al personaje con pequeños relatos dentro de los monólogos del asesino: pequeños momentos en los que vemos que su vida emocional es tan rica como la nuestra.

Fassbender es inteligente y elegante en el papel, brindándonos una actuación silenciosa pero importante que se apoya en las necesidades del lobo solitario de esta perversa línea de trabajo. Por momentos, parece alguien a quien podríamos encontrar simpático si lo encontráramos en la calle; en otros momentos, su brutalidad despiadada está a la vista. Tilda Swinton tiene un pequeño papel en la película, pero no obstante es fundamental, y encarna perfectamente las cualidades de una persona sabia y experimentada pero resignada; es un placer verla aparecer en esta historia, aunque sea solo en una escena. Otra aparición breve pero dulce en The Killer proviene de una fuente menos probable: la periodista de la BBC Fiona Bruce, un casting interesante pero bueno. Su actuación es natural y matizada durante los pocos minutos que pasamos con ella.

Naturalmente, la película está llena de asesinatos, pero cuando los asesinatos aumentan (y lo hacen, precisamente en Florida), la escena de la gran pelea es una alegría. Puede sonar morboso, pero la escena está impecablemente coreografiada, cortada y editada, hasta el punto en que es imposible verla. La violencia es cautivadora, lo que podría decir mucho sobre la sociedad, pero Fincher capitaliza nuestras inclinaciones, incluso las sangrientas, de manera similar a como lo hizo en Fight Club.

Al final de la grandilocuente odisea de Fincher, el asesino nos admite algo. Si nosotros también podemos ver el vacío, entonces tal vez todos seamos en realidad sólo uno de los muchos, y tal vez, sólo tal vez, seamos como él. Es un momento final conmovedor y una inversión de su filosofía original que nos dice algo crucial sobre este personaje: en última instancia, siempre quiso ser uno de los muchos, una de las personas que pueden deshacerse de la piel en la que viven y encontrar algún tipo de paz dentro de ese vacío. Con el final que Fincher y Walker le dan al asesino titular, lleno de satisfacción y una calma profética después de la tormenta, parece que pudo haber cumplido su deseo. ¿En cuanto a nosotros? Nos quedamos repitiendo sus mantras, analizando su trabajo y, al menos en mi caso, con ganas de presionar la repetición de todo el maldito asunto.

La duodécima película del legendario director David Fincher, The Killer, es un regreso a la forma que deja al descubierto cómo las emociones pueden estropear la intocabilidad y convertirla en un impulso fundamental de venganza. Combinando un guión ajustado y efectivo de Andrew Kevin Walker, interpretaciones inteligentes de Michael Fassbender y Tilda Swinton y una edición ingeniosa, esta odisea de asesinos es algo que querrás ver una y otra vez.

Crítica Cinéfila: Till Murder Do Us Part - Soering Vs. Haysom

¿Jens Soering asesinó a los padres de su novia en 1985 o fue un parricidio? Esta serie documental ahonda en las preguntas en torno al caso que siguen aguardando respuesta.

Después de que una pareja adinerada fuera asesinada en un pequeño pueblo de Virginia en 1985, su hija y su novio se convirtieron en los principales sospechosos, entrando en una batalla tanto hacia la corte como entre ellos dos. Esta nueva serie documental de cuatro capítulos de Netflix, "Till Murder Do Us Part - Soering Vs. Haysom", analiza los asesinatos de Derek y Nancy Haysom, y lo que sucedió cuando su hija Elizabeth y su novio Jens Soering cambiaron sus historias y se enfrentaron entre sí durante el posterior juicio por asesinato. 

Las imágenes de archivo de programas de noticias antiguos revelan que una pareja, Derek y Nancy Haysom, fueron asesinados en su casa. Se muestran fotografías sangrientas de la espantosa escena del crimen, y un locutor de noticias afirma que quien haya cometido este acto violento lo hizo con mucho odio. Derek Haysom era un ejecutivo adinerado que trabajaba para una empresa siderúrgica. Nacido en Sudáfrica, él y su segunda esposa, Nancy, vivían en el condado de Bedford, Virginia, donde tenían una casa extensa y llevaban un estilo de vida algo extravagante. Cada pareja tuvo hijos de matrimonios anteriores, pero también compartieron una hija biológica, Elizabeth. En abril de 1985, Derek y Nancy fueron brutalmente asesinados, degollados y cada uno de sus cuerpos brutalmente apuñalados docenas de veces. A mediados de los años 80, el pánico satánico estaba en pleno apogeo y cada aspecto de la escena del crimen fue examinado con temor de que hubiera matices ocultistas en los asesinatos.

Cuando se le preguntó a Elizabeth sobre su paradero cuando mataron a sus padres, ella afirmó que ella y su novio Jens Soering estaban en Washington DC, pero el kilometraje de su auto alquilado reveló que se desviaron cientos de millas de su camino en ese viaje, lo que despertó sospechas. Una vez que Elizabeth y Jens se dieron cuenta de que estaban siendo investigados y eran los principales sospechosos, huyeron del país y vivieron en el extranjero durante varios años, cometiendo delitos menores en el camino para financiar sus vidas. Cuando fueron atrapados por estafar a tiendas locales en Inglaterra, las fuerzas del orden los encarcelaron y una vez que la policía inglesa investigó su historia, se dio cuenta de que podrían estar tratando con un par de asesinos buscados en los EE. UU.

Elizabeth fue extraditada de Inglaterra más de dos años después de la muerte de sus padres y confesó ser cómplice de asesinato, mientras que Jens confesó haber llevado a cabo los asesinatos, pero la pregunta que permanece a lo largo de la serie es ¿por qué lo hicieron? Si bien gran parte de la serie se centra en su relación disfuncional y codependiente de la pareja, eventualmente surge una nueva pregunta: si fue Elizabeth, y no Jens, quien realmente cometió el asesinato.

Siempre he sido fanática de los documentales y series sobre crímenes reales en los que los propios criminales hablan oficialmente. Incluso si no estás seguro de poder confiar en ellos, es fascinante que estén dispuestos a repetir los crímenes de los que se les acusa, especialmente si se trata de asesinatos de miembros de su familia. En ese sentido, "Till Murder Do Us Part" me recuerda a The Menendez Murders: Erik Tells All de Hulu y American Murder: The Family Next Door de Netflix, donde los mismos asesinos se sentaron en el banquillo de las entrevistas.

Jens Soering pasó más de treinta años en prisión por los asesinatos de Haysom. Ahora un hombre libre, aparece en la serie documental para ofrecer su versión de lo que sucedió antes y después de los asesinatos, y ahora sostiene que, a pesar de su confesión, Elizabeth siempre fue la verdadera autora intelectual de los crímenes. Pero a lo largo de estos cuatro episodios, nos hacen creer que tanto él como Elizabeth eran manipuladores inteligentes y ambos propensos a la ira, y que nuestras lealtades y opiniones sobre ellos deben alternar de un lado a otro. Cada vez que creemos entender algún aspecto del caso, la serie cambia de rumbo. Al principio, Jens actuó solo. Luego Elizabeth lo obligó a hacerlo y luego rompió con él después de que él confesó y consideró que ya no le era útil. Luego está la sugerencia de que mató a sus padres en un ataque de ira provocado por las drogas.

Si bien Jens habla abiertamente durante todo la serie, uno no descarta la idea de que aparezca Elizabeth, aunque es una pena que no lo hace. Tiene sentido que no lo hiciera considerando que Jens ahora la considera completamente responsable de los asesinatos, pero también podría haberle ofrecido la oportunidad de defenderse. El “elenco secundario” de la serie, por así decirlo, todos los oficiales, periodistas y detectives que trabajaron y vivieron el caso, son cruciales para la forma en que se cuenta la historia y contribuyen a la narración efectiva una visión más objetiva y sin tomar bandos exclusivos. Todas estas personas estuvieron increíblemente cerca del caso durante muchos años, y aclarar los hechos es tanto un reflejo de ellos como de nuestro disfrute de la serie. Como ocurre con muchos documentales sobre crímenes reales, hay giros que nunca uno ve venir y una sensación inquietante de que nunca sabremos todos los hechos. A pesar de la falta de un cierre real, "Till Murder Do Us Part" es fascinante y trágica al mismo tiempo.

En un video granulado del juicio de Elizabeth, se le pregunta: "¿Por qué murieron tus padres?", algo que cada uno de los detectives involucrados en el caso, en la actualidad, todavía se pregunta, y nos quedamos en ese suspenso. Sabemos que cometió estos crímenes, ahora sólo necesitamos entender el motivo detrás de ellos.

Si eres fanático de las series criminales de secretos familiares, debes verla ya. La historia detrás de "Till Murder Do Us Part" ha tardado casi 40 años en contarse, y en ese tiempo ha sido revisada y editada (principalmente por Soering). A pesar de que nunca estaremos seguros de lo que realmente sucedió entre Soering, Elizabeth y sus padres, la serie es una auténtica locura de crímenes reales.

Crítica Cinéfila: All The Light We Cannot See

Narra la historia de Marie-Laure, una adolescente francesa ciega, y Werner, un brillante adolescente alemán reclutado como soldado para rastrear emisiones de radio ilegales, cuyos caminos chocan en la Francia ocupada mientras ambos intentan sobrevivir a la devastación de la 2ª Guerra Mundial.

Algunos grandes libros simplemente no son adecuados para la adaptación, aunque eso nunca impidió que Hollywood lo intentara. A juzgar por su portada y su enorme popularidad, el atractivo de llevar a la pantalla algo como "All The Light We Cannot See" de Anthony Doerr es obvio. La novela ganadora del Premio Pulitzer, ambientada en Francia y Alemania durante la Segunda Guerra Mundial, está repleta de personajes fascinantes, lugares pintorescos y un tema recurrente que mezcla la naturaleza humana de hacer lo prohibido con la clandestinidad que salva vidas. Pero si profundizas en sus páginas encontrarás una narrativa densa y no lineal contada en prosa lírica, casi operística. Las características que hicieron de la novela un libro elegante para pasar páginas también hacen que sea extraordinariamente difícil de adaptar.

Esto hace que Steven Knight juegue sus cartas de acuerdo a lo conveniente: ¿es mejor hacer una adaptación que sea propia para el medio aunque no cuente la historia completa, o aferrarse al libro y contar lo más que se puede? Como fiel creyente que cada medio comunica de acuerdo a su audiencia, creo que tomó la decisión correcta, aferrándose a un fragmento de esta increíble novela, dividiéndola en 4 episodios y utilizando algunos de sus momentos más épicos para ilustrar la trayectoria de los protagonistas que tanto querremos salvar.

La serie inicia con un asalto aéreo a la ciudad portuaria francesa amurallada de St. Malo en 1944, en los días previos a su liberación de los nazis. Se siguen las bombas lanzadas desde un escuadrón de aviones estadounidenses mientras caen sobre la ciudad, aterrizando en medio de una historia que ya está en progreso. Una adolescente, Marie-Laure LeBlanc (Aria Mia Loberti), sentada en el ático de una casa, envía un mensaje a su padre desaparecido y a su tío abuelo a través de un transmisor de radio y lee un pasaje de 20.000 leguas de viaje submarino de Julio Verne. Aunque es ciega y está completamente sola, rápidamente nos damos cuenta de que en realidad es bastante capaz y autosuficiente.

A través de flashbacks, conocemos la historia de fondo de la casa y sus dueños: los tíos abuelos de Marie, los hermanos Madame Manec (Marion Bailey) y Etienne (Hugh Laurie). El padre de Marie, Daniel (Mark Ruffalo), la trajo para quedarse con ellos después de la invasión nazi de París, donde había estado trabajando como maestro cerrajero en el Museo de Historia Natural. Antes de abandonar el museo, se guardó en secreto un famoso y valioso diamante llamado "Mar de Llamas", que se cree que está maldito. Se dice que quienes lo toquen vivirán una larga vida, pero sus familiares estarán condenados a sufrir. El robo los ha convertido en el objetivo de un nazi en particular, el sargento mayor Reinhold von Rumpel (Lars Eidinger), quien cree que la gema lo curará de una enfermedad potencialmente mortal. Mientras Marie se protege sola del bombardeo en su casa, él aterroriza a los ciudadanos de St. Malo, buscándola para apoderarse de la gema.

Al mismo tiempo, en otra parte de la ciudad, un joven operador de radio alemán descubre la transmisión de Marie, pero la oculta a sus superiores nazis. Este es Werner Pfennig (Louis Hofmann, mejor conocido por los espectadores de Netflix como Jonas en la sinuosa serie alemana de viajes en el tiempo Dark). Nuestro segundo protagonista tiene razones para mantener la señal en secreto se van revelando gradualmente a través de flashbacks de su juventud en un orfanato, donde creció con su hermana Jutta (Luna Wedler), hasta que su genio para arreglar radios llamó la atención del tercer Reich. Lo reclutan para asistir a un internado nacionalista y luego lo obligan a unirse al ejército a pesar de ser técnicamente demasiado joven para ser soldado. A pesar de la cruz de hierro clavada en su pecho y el ocasional "Heil Hitler" lanzado para su propia protección, no es un simpatizante nazi. Puede parecer un poco desconcertante apoyarlo al principio, pero la simpatía innata de Hofmann te ayuda a hacerlo.

Desde el momento en que los conocemos, Werner y Marie están claramente en un rumbo de colisión que impulsa el sentido de los episodios, incluso si la serie parece algo desinteresada en seguir lo que resulta ser el hilo argumental más atractivo. Cuando sus caminos finalmente se cruzan, es eléctrico, gracias a la química y las actuaciones de Hofmann y Loberti. Entre el elenco mayoritariamente estelar, Ruffalo se destaca, aunque por momentos muy breves. Ha demostrado en otros proyectos que es más que un actor capaz; simplemente pudo haber sido más aprovechado. El que sí destaca cada vez que lo encontramos, y se convierte en un interesante conector entre Marie y Werner es el increíble e ingenioso profesor que en una de sus grandes narraciones radiofónicas dice una frase que resuena como un eco persistentemente motivador en ambos jóvenes: "la luz más brillante es la que no podemos ver". Además de ser un increíble título que resuena en la mente de dos almas jóvenes aferradas al sonido de un radio, es una referencia, ante todo, a toda la luz que literalmente no se puede ver: las longitudes de onda del espectro electromagnético que están más allá de la capacidad de detección del ojo humano. También es una sugerencia metafórica de que hay innumerables historias invisibles todavía enterradas en la Segunda Guerra Mundial; que las historias de niños comunes y corrientes, por ejemplo, son un tipo de luz que normalmente no se ven. En última instancia, el título pretende ser una sugerencia de que uno dedica demasiado tiempo a centrarse sólo en una pequeña porción del espectro de posibilidades, sin imaginarse el universo de opciones que hay allí afuera.

Los cuatro episodios fueron dirigidos por Shawn Levy, quien utiliza el buen trabajo de escenografía para guiar a sus personajes a contar una historia que pueda dejar a muchos deseosos de leer la novela en la que está inspirada. Las pintorescas calles adoquinadas, los edificios de ladrillo, los malecones de piedra y los interiores de las cabañas francesas le dan a la serie una sensación de habitabilidad y un distintivo sabor europeo. Algunas de las escenas incluso fueron filmadas en el verdadero St. Malo. Hay un bonito montaje al final del episodio final con fotografías de archivo de la ciudad, que es tan central en la historia que es casi un personaje en sí mismo.

Cuando te da la oportunidad de recuperar el aliento, "All The Light We Cannot See" puede transportarte maravillosamente. A lo mejor muchos quieran que esta historia se extienda tanto como su novela para disfrutar de la atmósfera de cualquiera de sus escenarios por un tiempo antes de empujarnos hacia atrás o hacia adelante en el tiempo. Pero eso requeriría extender el material original a varias temporadas, algo que no necesariamente es malo. Lo que sí deben saber todos es que arte de la adaptación consiste en descubrir qué cambios se pueden hacer en el libro sin sacrificar el espíritu de la historia. Creo que Levy encontró un espacio donde, sin necesidad de contar mucho, sacó la pureza de sus personajes, y le da sed de lectura y de curiosidad al más interesado.