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jueves, 11 de abril de 2024

Crítica Cinéfila: One Life

Un joven corredor de bolsa británico, Nicholas "Nicky" Winton (Anthony Hopkins), ayudó a rescatar a cientos de niños de los nazis en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, con la ayuda de su madre (Helena Bonham Carter). Un acto de compasión casi olvidado durante 50 años, y del que Nicky vive atormentado por los fantasmas de los niños a los que no pudo rescatar, culpándose por no haber hecho más.



Parece extraño que un actor del prestigio y aclamación de Sir Anthony Hopkins necesite un regreso tan avanzado en su carrera; pero durante algunos años, el ganador del Oscar estuvo atrapado en un ciclo de secuelas ingratas y thrillers de una sola palabra donde el brillo actoral que alguna vez lo convirtió en un rostro muy solicitado fue ahogándose. En un año, fue nominado al Oscar por Los dos papas y ganó por El padre (su primera nominación en la Academia desde 1998) y, si bien esto no frenó por completo su predilección por las películas de serie B, lo llevó de regreso a la sustancia, con un giro sutil pero devorador de escenas en Armageddon Time de James Gray y ahora, otra actuación espectacular en el drama de la segunda guerra mundial "One Life".

La película, a veces, puede parecer más un drama televisivo de la BBC con algunos toques cinematográficos, pero avanza hacia un último acto con una emoción imponente, y pocos ojos secos. Es la historia de valentía radical de Nicholas Winton, un corredor de bolsa atrapado por la necesidad de hacer algo mientras Europa se acercaba al inicio de la Segunda Guerra Mundial. Se dirigió a Praga en 1938, a pesar de las advertencias de su bien intencionada madre, y de inmediato se horrorizó por la situación en la que se encontraban tantos jóvenes refugiados, la mayoría de los cuales tenían pocas probabilidades de sobrevivir al invierno. Su plan para salvarlos fue descartado como ingenuo por aquellos más endurecidos por lo que habían visto y lo que habían descubierto que no era posible, pero regresó a Londres decidido a ayudar y, con la ayuda de su igualmente obstinada madre, comenzó a reunir visas y encontrar hogares.

La historia desarrolla su trabajo a través de flashbacks mientras el Winton mayor clasifica archivos y papeles que ha estado acumulando durante mucho tiempo, para disgusto de su esposa. Interpretado por Johnny Flynn cuando era joven, es un hombre impulsado por una necesidad imparable de ayudar y, en su versión mayor, interpretado por Hopkins, es un hombre atormentado con el sentimiento de que no ayudó lo suficiente. Avergonzado por la idea de recibir atención por lo que había hecho, aprendió a enterrarla en su oficina, dentro del mismo maletín que usó en aquel entonces, diciéndose a sí mismo que cualquiera habría actuado de la misma manera y que pensar demasiado en ello le haría centrarse en los que quedaron atrás.

Es un ir y venir a través del tiempo, pero en las escenas de finales de los años 30, el director James Hawes a menudo lucha por distinguir visualmente su película de tantos dramas anteriores de la Segunda Guerra Mundial, volviendo a la seguridad de sus raíces en la televisión. Flynn es un solucionador de problemas convincentemente obsesivo, con la ayuda de una férrea Romola Garai en Praga y una tenaz Helena Bonham-Carter como su madre en Londres, y hay un innegable desgarro de lo familiar que es cuando vemos esas imágenes conmovedoras de manitas despidiéndose de sus padres a quienes nunca volverán a ver. Pero es en las escenas de finales de los 80, que poco a poco empiezan a tomar protagonismo, donde la película encuentra una base más original, explorando con matices las realidades de vivir con el peso de hacer tanto pero pensando en ello como que fue tan poco.

El monumental logro de Winton se mantuvo oculto durante años, enterrado en un maletín de cuero en su casa, mientras poco a poco intenta encontrar una manera de compartir los documentos que detallan lo que hizo (con fines históricos y educativos más que para cualquier cosa que involucre su ego), su vida y su autopercepción comienzan a cambiar. Es en estas últimas escenas, cuando Winton confronta su bondad innata y se da cuenta del peso de lo que ha hecho, que la película realmente se dispara. Los momentos clave tienen lugar en las grabaciones de That's Life de la BBC, un programa que su esposa considera de mal gusto, pero hay algo en su sentimentalismo descarado que comienza a tener un efecto, golpeándonos de repente como lo hace Hopkins, cuya demostración de emoción desenterrada es bastante demoledora, un hombre que nunca se consideró lo suficientemente bueno y finalmente se da cuenta de que es mejor que muchos. Es ese último acto lo que derribará cualquier pared de sentimientos retenidos hasta ese momento, pues es esa sensación de tristeza y redención las que se necesitan lograr para que la película cumpla con su cometido.


martes, 19 de diciembre de 2023

Crítica Cinéfila: The Crown, 6ta temporada - 2da parte

En la segunda parte, la historia continúa con la vida de la Familia Real después de Diana, incluidos los inicios de la relación del Príncipe William y Kate Middleton en la universidad, las desgarradoras muertes de la Princesa Margarita y la Reina Madre, y el Príncipe La boda de Carlos y Camilla.



¿Para qué sirve la monarquía? ¿Para qué sirve La Corona? Las dos preguntas corren una al lado de la otra mientras el exuberante drama biográfico de Netflix concluye la historia de la reina Isabel II. Pero el tema predominante es el mismo que ha sustentado los guiones de Peter Morgan todo el tiempo: una vida de servicio público, se nos dice, es una carga que exige un gran sacrificio personal, siendo la principal pérdida la felicidad. Qué tan convencido estés de esto determinará qué tan efectivo encuentres el desenlace de The Crown.

Después de la muerte de Diana (narrada en la Parte 1 de la Temporada 6, estrenada el mes pasado), la familia real se encuentra entrando al milenio con la nueva generación pasando a primer plano. Un príncipe William (Ed McVey), aún afligido, lucha por volver a la normalidad mientras ingresa a la edad adulta y a una nueva era de independencia prometida. En una familia dedicada a la tradición, el nacimiento de Will-mania es un shock para el sistema de todos, sobre todo para el propio William. El amanecer del siglo XXI significa la formación de un nuevo futuro heredero, y con ello llega el hambre por una nueva princesa. Así entra Kate Middleton (Meg Bellamy), una agradable chica de clase media que asiste a la Universidad de St. Andrew.

Gran parte de estos episodios finales, cubren eventos que muchos de nosotros vimos suceder en tiempo real. Se trata de personas que nunca salen de los titulares y que inspiran una intensa devoción o repulsión, según la política y el periódico que elijan. La mirada de Morgan siempre funcionó mejor cuando se le da cierta distancia de la actualidad, o al menos a través de un alcance más estrecho que lo obliga a ser específico con sus ideas. Como se evidencia en las primeras y por momentos mejores temporadas de la serie, Morgan tenía espacio para expandirse emocionalmente sobre figuras conocidas porque, a pesar de su fama estratosférica, eran libros cerrados para la mayor parte del mundo. Tratar de darle vida a personas como Charles y Diana obstaculizó a Morgan debido a esto, pero también debido a su firme negativa a realmente hacer olas.

La serie se recupera en gran medida de su tambaleo en la primera mitad de la temporada, cuando la princesa Diana se hizo cargo de todo el espectáculo y llevó a algunas decisiones creativas alocadas, la principal de ellas la “Diana fantasma”. El momento más arriesgado de los nuevos episodios es una secuencia de sueños en la que la Reina imagina que el nuevo rey, Tony Blair, pone fin a su reinado: en la coronación, los coristas cantan una espeluznante versión a capella de Things Can Only Get Better.

La escena es el prólogo del episodio enfocado en Tony Blair: las últimas entregas suelen estar dedicadas a un solo tema cada una; el ascenso y caída de Blair es el que se ha dramatizado con mayor éxito. Los ratings personales de Blair se disparaban al mismo tiempo que caían los de la Reina, lo que lleva a un momento salvaje en el que ella busca su consejo. Su celo por la modernización casi hace que la familia real tome medidas drásticas, como publicar cuentas completas, atenuar la costosa vida real y despedir al personal especializado empleado para doblar servilletas y cuidar de los cisnes. Al final, la Reina tiene sentido y ve a Blair (Bertie Carvel lo interpreta de manera convincente), como un oportunista con el “síndrome del estadista”, no un verdadero estadista con quien pueda conectarse. Puede que las viejas tradiciones se estén desgastando, pero la sabia Reina sabe que sin ellas no es nada. Es una fábula ordenada.

Si Blair sale mal aquí, piense en Carole Middleton (Eve Best), a quien conocemos por primera vez de compras con su hija Kate. Espían a la princesa Diana y visualiza un compromiso público con el Príncipe William. A partir de ese momento, Carole considera a William como un futuro yerno.

Unos años más tarde, cuando William (Ed McVey) llega a la Universidad de St Andrews, Kate (Meg Bellamy) sigue el mismo rumbo porque Carole se ha asegurado de ello. "William: the University Years" hace que "The Crown" se desvíe hacia una comedia romántica universitaria, con la frustración del joven príncipe por no poder salir de fiesta sin ser molestado por los paparazzi mitigada por las atenciones de una joven que parece demasiado sensata para dejarse intoxicar por su estatus. Sabemos que ella es todo lo contrario: cuando Kate inicialmente sale con otra persona y lo lleva a casa para conocer a sus padres, Carole está disgustada porque no son William. Cuando Kate impresiona a Will luciendo un vestido transparente en la pasarela de un desfile de moda estudiantil, lo hace expresamente para su beneficio. Los Middleton son retratados sin rodeos como fanáticos del trono que ven su oportunidad y la aprovechan.

William casi se convierte en el protagonista principal de esta temporada, luchando por aceptar un futuro de implacable escrutinio público. El personaje potencialmente más interesante de Harry es solo una caricatura de un hermano menor travieso, que desprestigia a la familia al fumar marihuana y disfrazarse de nazi para una fiesta. Luther Ford es excelente en el papel (al igual que McVey y Bellamy, desmiente por completo su falta de experiencia en la actuación), pero no se explora cómo llega Harry a estar tan resentido.

En cambio, The Crown vuelve a Elizabeth (Imelda Staunton). Lo que parece ser otro episodio más dedicado al hedonismo frustrado de la princesa Margaret (Lesley Manville) trata en realidad sobre su hermana: un flashback en 1945, cuando las princesas bailan el jitterbug con soldados estadounidenses, es la última vez que a Elizabeth se le permite ser Elizabeth. En sus últimos años, sacudida por la muerte de Margaret, la Reina Madre y, por supuesto, de ella misma (tiene que ayudar a planificar su propio funeral), Elizabeth comienza a preguntarse para qué sirvió todo.

Hay un diálogo atrevido en el episodio final, ya que incluso la Reina reconoce que la institución de la monarquía es un absurdo incómodo y moribundo. Sin embargo, en términos de drama emocional, lo único que The Crown realmente ha tenido es la idea de que vivir en palacios es terriblemente difícil. Siempre ha sido una premisa inestable, pero tenía cierto sentido cuando se aplicaba a personas que nunca fueron recompensadas con la corona. Escuchar sobre la agonía de no haber abdicado de la Reina real es realmente rico. “¿Qué pasa con la vida que dejé de lado?” pregunta Isabel. “¿La mujer que dejé a un lado?”. 

Parecerá un final inestable en una serie que ha conmovido a muchos y se ha convertido en la favorita de tantos, pero solo retrata la realidad de lo que significa llevar (y no llevar) la corona.


sábado, 2 de diciembre de 2023

Crítica Cinéfila: The Crown, 6ta temporada - 1ra parte

La última temporada de la serie de Netflix se divide en dos mitades, y la primera se centra en la muerte y el legado de la princesa Diana. La primera parte, que tiene lugar en 1997, sigue las últimas ocho semanas de la vida de Diana. 



El segundo episodio de la nueva temporada de The Crown comienza con un hombre que nunca antes habíamos visto. Es el verano de 1997 y el fotógrafo italiano Mario Brenna se prepara en su estudio para otro día de trabajo como paparazzo. "Todo el mundo quiere fotos de celebridades", explica Brenna (Enzo Cilenti). “Es difícil conseguir el tiro correcto. Tienes que ser como cazadores. Asesinos”. En unos días, alquilará un barco y utilizará un teleobjetivo para tomar fotografías de la princesa Diana (Elizabeth Debicki) y Dodi Fayed (Khalid Abdalla) en un yate que pensaban estaba alejado de los lentes curiosos.

A unas 1,600 millas al norte, un caballero bigotudo llamado Duncan Muir (Forbes Masson), fotógrafo profesional y “orgulloso isabelino”, espera pacientemente en una fila de prensa en la campiña escocesa, tomando tranquilamente fotografías de la Reina (Imelda Staunton) mientras se desvela una placa en un majestuoso edificio de ladrillo. 

Estos dos mundos (el caos claustrofóbico de la vida de Diana como presa de los paparazzi y la burbuja cómoda y controlada de la vida de la reina Isabel) chocan violentamente en la sexta y última temporada de The Crown de Netflix. El drama histórico de Peter Morgan, que narra el breve romance de Diana y Dodi y su impactante muerte en una persecución en automóvil en París, adopta un enfoque melancólico, cuidadoso y comedido de una de las tragedias más trascendentales de la familia real moderna.

Casi un año después de que finalizara su divorcio del príncipe Carlos (Dominic West), Diana sigue siendo una de las mujeres más famosas del mundo, quizás superada sólo por su ex suegra. A pesar de su éxito recaudando dinero y creando conciencia para varias organizaciones benéficas, la Princesa de Gales admite ante el Primer Ministro Tony Blair (Bertie Carvel) que se siente a la deriva sin un papel oficial. La reina Isabel no se conmueve. “Como mujer divorciada, Diana ahora está aprendiendo la diferencia entre estar oficialmente en la familia real y fuera de ella”, señala. Aún así, todo lo que hace la princesa afecta a la familia real. En una reunión familiar, se informa a la realeza que la “amistad” de Diana con Dodi podría ayudar a su padre, Mohamed Al-Fayed (Salim Daw), a conseguir su tan deseada ciudadanía británica, aunque la Reina no tiene ningún interés en darle al llamativo empresario egipcio el imprimatur social que tan claramente anhela. 

En cuanto al príncipe Carlos, a su ofensiva de encanto destinada a lograr que el público acepte a Camilla Parker Bowles (Olivia Williams) le falta un apoyo clave: su mamá. Después de que la princesa Margaret (Leslie Williams) regaña a Isabel por negarse a asistir a la fiesta del 50 cumpleaños de Camilla, la reina se pone inquieta. "No quiero que me consideren desagradable", le dice enfadada al príncipe Felipe (Jonathan Pryce). "Porque no soy." Es un claro presagio de las críticas públicas que enfrentará nuevamente, en una escala mucho mayor, después de la muerte de Diana y Dodi.  

Morgan y su equipo han trabajado mucho antes de esta nueva temporada para asegurar a los espectadores que The Crown manejarán los últimos días de Diana (y el accidente dentro del túnel Pont de l'Alma de París que la mató a ella y a Dodi) con sensibilidad y dignidad. No lo discutiré aquí. El accidente en sí ocurre fuera de cámara, y aunque en la vida real algunos paparazzi macabros tomaron fotos de Diana mientras agonizaba, aquí el cuerpo de la princesa nunca aparece en la pantalla. Morgan deja caer el audio de la breve escena de la madrugada en la que Carlos informa a sus hijos pequeños, los príncipes William (Rufus Kampa) y Harry (Fflyn Edwards), que su madre ha muerto; lo menos que podía hacer por respeto a sus familiares que aún viven, para claramente no asumir lo que realmente se dijo en ese momento. 

Quizás la forma más notable en que The Crown honra a Diana en estos episodios es evitando la tentación de convertirla en una santa. La princesa es retratada como perseguida e inquieta, una mujer impulsada por los impulsos y una “adicción al drama”, como lo afirmó sin rodeos su terapeuta, Susie Orbach (Kate Cook), durante una de sus llamadas telefónicas en el barco a la costa. Diana y Dodi se sienten atraídos el uno por el otro como compañeros complacientes que han pasado toda su vida buscando la aprobación de sus padres desconfiados. Dicho esto, es un poco angustiante con qué naturalidad The Crown presenta a Mohamed como un villano manipulador y egoísta al que no le importa nada la felicidad de su hijo hasta que es demasiado tarde. (El verdadero Mohamed Al-Fayed murió en agosto a la edad de 94 años). 

Morgan describe la relación de Diana y Dodi menos como un gran romance y más como una amistad amorosa y llena de risas: un refugio para dos personas solitarias acosadas por presiones externas extraordinarias. Abdalla y Debicki inspiran el vínculo entre Dodi y Diana con su química cálida y afectuosa, que también impregna sus muchos momentos de tierna vulnerabilidad. 

El mayor paso en falso de The Crown se produce en el episodio 4, "Aftermath", que abarca los seis días posteriores al accidente. Mientras el país se recupera de la noticia de la muerte de Diana, los británicos inundan las calles alrededor del Palacio de Buckingham para llorar y colocar miles de flores en su memoria. Sin embargo, para la familia real, la Princesa del Pueblo aún no se ha ido. Diana - su memoria, su espíritu, su fantasma – se le aparece a Carlos y más tarde a Isabel para mantener conversaciones breves y sinceras, ofreciéndoles consuelo y orientación, aunque no del todo absolución. 

Es un extraño vuelo de fantasía para una serie que maneja la mayoría de los eventos en la vida de la familia real con un realismo fundamentado, aunque ficticio. Pero supongamos que no importa cuántas veces digamos adiós a la princesa Diana, nunca es más fácil, y tal vez Morgan esperaba que estas visitas espirituales brindaran a los espectadores algún tipo de cierre. En cambio, el clímax emocional llega un episodio antes, durante la última cena juntos de Diana y Dodi en el Ritz de París. Solos en una suite sin cámaras a la vista, los amigos cuentan sus verdades más incómodas, desafiándose mutuamente a enfrentar sus debilidades y realizar cambios muy necesarios en sus vidas. Es un momento de paz serena y curativa en medio de una vorágine mediática implacable, y el final feliz que merecía la princesa Diana. 

A ley de días de ver el cierre total de esta serie, también significa el cierre de emociones hacia la familia real, una que en la vida real se ha enfrentado a grandes cambios posterior a la muerte de la Reina Isabel II y la coronación del Rey Carlos III. De una manera u otra, también permite un cierre a su audiencia para alejarse de un drama familiar que merece finalmente una tranquilidad alejada de los imaginarios de sus fanáticos. Lo único que me consuela es la idea de volver a visitar una y otra vez una serie que enseña historia con lágrimas y risas de nostalgia añadidas. Es lo más cerca que siempre estaremos de la realeza.


domingo, 20 de noviembre de 2022

Crítica Cinéfila: The Crown, 5ta temporada

Basada en la exitosa obra de teatro de Peter Morgan, "The Audience", cuenta la historia de la última reina de Inglaterra, Elizabeth II, y de la relación entre dos de las direcciones más famosas del mundo: el Palacio de Buckingham y el número 10 de Downing Street, con las intrigas, amores y maquinaciones detrás de los eventos que forjaron la segunda mitad del siglo XX.



La quinta y penúltima temporada de The Crown, la nueva temporada publicada desde la muerte de la reina Elizabeth II y el príncipe Phillip, ve una conflictiva Casa de Windsor en la encrucijada entre un pasado tradicionalista o un futuro progresista, algo que se está viendo bien presente en la situación actual de esta familia real. La monarquía está en su punto más bajo desde la abdicación de Eduardo VIII. Los padres no entienden cómo sus hijos resultaron como lo hicieron, los cónyuges se han distanciado y el público está cada vez más frustrado por los costos exorbitantes de mantener una familia real plagada de escándalos ampliamente vista como fuera de lugar. La supervivencia de la monarquía parece estar en juego en cada epiosodio de esta temporada. Los arrepentimientos y las represalias ocupan un lugar central. Con un compendio de varios momentos históricos importantes y la introducción de un elenco principal completamente nuevo, la quinta temporada parecería tener mucho que equilibrar, algo que su showrunner Peter Morgan y su equipo lo logran todo con la gracia, la consideración y la gravedad que siempre se espera de esta serie.

Hay un sombrío reparto narrativo durante toda la temporada: la finalidad y el cambio siempre están presentes, desde el colapso del matrimonio de Charles y Diana hasta el desmantelamiento del Royal Yacht Britannia, el final del dominio colonial de Hong Kong, hasta el incendio en el castillo de Windsor. La generación más joven siente que ha llegado su momento de brillar mientras los ancianos ven a sus sucesores como imprudentes y poco preparados. Esta división generacional se desarrolla no solo dentro de la familia real, sino también en otros ámbitos cercanos, como la familia Al-Fayed y la BBC. El simbolismo en torno a este tema se torna redundante por momentos, pero insisto que lo hace más acorde al tiempo que actualmente se vive. 

El tema del pasado frente al futuro se desarrolla de manera más dramática entre Charles y Elizabeth en múltiples frentes, desde que busca el divorcio de Diana hasta su impulso cada vez más agresivo para que la monarquía se modernice y refleje mejor la Gran Bretaña de la década de 1990. Por su parte, la Reina sigue siendo firme, de hecho, inamovible, en su deber de toda la vida de defender las tradiciones y el papel de la monarquía en la sociedad británica. Ninguna de las partes parece estar dispuesta a ceder. Por desgracia, los acontecimientos están fuera incluso del control de Elizabeth, ya que finalmente aprueba el divorcio de Charles y Diana, un movimiento a regañadientes contrario a sus creencias como esposa, madre, monarca y soberana de la Iglesia de Inglaterra. Ella está en un mundo que ya no reconoce y siente una mayor presión para poder controlar la prensa, los políticos, el público e incluso al Príncipe de Gales. Como se muestra aquí, Charles es sin duda ambicioso, pero también está frustrado por el purgatorio dorado que se ha convertido en su vida de mediana edad. Está inquieto y quiere vivir una vida con propósito y amor, y su madre se interpone en el camino.

Imelda Staunton y Dominic West ofrecen actuaciones matizadas y conmovedoras como Elizabeth y Charles. La simpatía de los espectadores sin duda estará con Elizabeth, ya que ahora es una dulce señora abuela y Charles es un marido frustrado y fracasado, pero él no es un monstruo. Aunque West no se parece en nada al verdadero Charles, su actuación y la escritura lo hacen de carne y hueso y comprensible. El Charles de la temporada 5 es en varias ocasiones un pésimo marido de su primera esposa, un compañero devoto de su futura segunda esposa Camilla Parker-Bowles (Olivia Williams) y un defensor genuinamente apasionado de los problemas sociales. 

Charles de la temporada 5 cree que la monarquía debe reflejar lo que saben sus súbditos modernos, que es el divorcio y la disfunción. Del mismo modo, la temporada 5 tampoco está del todo en la esquina de la princesa Diana, ya que sus propios errores de juicio entran en juego; sin embargo, en todo momento es una figura comprensiva y vulnerable que solo quiere desesperadamente el amor y la compañía que Charles nunca iba a proporcionar, ya que Camilla siempre fue la mujer que él amaba y con la que quería casarse. Casarse por amor en lugar de por deber es una línea importante esta temporada, desde Charles, la princesa Ana, hasta la princesa Margaret con su amado Peter Townsend).

Entre un elenco tan formidable, Elizabeth Debicki se encuentra por encima del resto, su Diana se cierne literal y figurativamente sobre la familia real que siente que nunca la respetó. Debicki clava la voz y las expresiones faciales de Diana, con más parecido con la verdadera Princesa de Gales que muchos otros actores que la han interpretado. Su Diana es, al igual que Charles de West, un ser humano complicado y defectuoso capaz de una serie de reacciones dadas las circunstancias. Puede ser coqueta e ingeniosa para romper el hielo o angustiada y despreciada cuando se le hace daño. Es una madre devota y una figura pública que muestra una verdadera y profunda compasión. La breve relación de Diana con el cirujano cardíaco Dr. Hasnat Khan está representado aquí, pero Debicki y su compañero de escena Humayun Saeed no comparten mucha química, y tal vez eso sea intencional. Diana está tan desesperada por una pareja amorosa que abruma a este hombre consumado pero ordinario, que se queda preguntándose en qué se ha metido una vez que se emite la notoria entrevista de Diana en la BBC. 

Mohamed Al-Fayed (Salim Daw) y su hijo Dodi (Khalid Abdalla) se presentan en el episodio 3, titulado "Mou Mou", uno de los más fuertes de los 10 episodios de esta temporada. El ascenso de Mohamed al poder y la riqueza se establece rápidamente; este es un hombre que quiere que el mundo, específicamente, el mundo británico blanco de los ocupantes de su Egipto natal, lo respete. Él tratará y gastará lo que sea necesario para conseguir un asiento en la mesa (o, en este caso, The Royal Windsor Horse Show). Por su parte, Dodi quiere el respeto de su padre y que cumpla sus propias ambiciones, que gana brevemente al producir "Chariots of Fire" a Mejor Película en los Oscars del 1982. Mientras que el trágico romance de Dodi y Diana debe esperar hasta la temporada 6, esta quinta entrega explora cuidadosamente quiénes son los Al-Fayeds, qué quieren y cómo llegaron a su posición.

El colonialismo, el racismo institucionalizado y el clasismo son evidentes en este tercer episodio, pero su punto culminante es la tierna amistad entre Mohamed y su criado Sydney Johnson (Jude Akuwudike), que anteriormente había servido durante mucho tiempo como valet personal de Eduardo VIII después de su abdicación. El prejuicio inicial de Mohamed contra Sydney, que es negro, disminuye una vez que se entera de su trabajo anterior. Con Sydney como su mentor y valet, Mohamed aprende a convertirse en "un caballero británico" para obtener acceso y respeto del establecimiento blanco. El fascinante Sydney Johnson, que apareció brevemente en la temporada 3, finalmente se lo consigue aquí.

Otros destacados de la temporada 5 incluyen al discreto primer ministro del Reino Unido de Jonny Lee Miller (John Major) y Natascha McElhone como la confidente del príncipe Phillip, Penny Knatchbull, quienes congenian rápidamente con giros comprensivos mientras las personas se sienten atraídas a los asuntos más personales de la familia real. Asumiendo el papel de la princesa Margaret, Lesley Manville hace un trabajo absoluto de su confrontación embriagada y atrasada con su hermana Elizabeth por negarle a casarse con el amor de su vida, Peter Townsend (Timothy Dalton). La relación entre Margaret y Elizabeth es posiblemente la piedra angular de toda la serie, una que permite ver a menudo tanto a la Princesa como a la Reina en su forma más humana y juguetona, especialmente aquí durante una llamada telefónica nocturna para arreglar las cosas después del arrebato de Margaret.

Jonathan Pryce impregna a la envejecida encarnación del príncipe Phillip con medidas iguales de arrogancia y feroz curiosidad. Ha hecho las paces con su estación y está totalmente dedicado a su esposa y a la monarquía, incluso si ahora quiere andar en carruajes con la hermosa esposa de su ahijado, Penny. Un episodio muestra sus lazos con la familia real romana de Rusia asesinada y cómo el ADN de Phillip puso en el cierre al misterio de décadas, un giro de los acontecimientos que renace los resentimientos enterrados que tiene hacia su amada esposa. Cada uno de los personajes principales de esta temporada tiene su propio episodio dedicado para brillar y este mostró la complicada relación del Duque de Edimburgo con "el sistema".

La mayor bomba histórica cubierta en la temporada 5 es la infame entrevista de Diana con Martin Bashir (Prasanna Puwanarajah) de la BBC, en la que no solo confirmó la larga aventura de Charles con Camilla, sino que también parecía poner en duda la capacidad de Charles para servir algún día como rey. En los últimos años se ha expuesto lo retorcido que Bashir y, por extensión, la BBC estaban engañando a Diana para que hiciera la entrevista. Bashir forjó documentos y teorías de conspiración, basado en las ansiedades de Diana para anotar la entrevista de su vida. No es solo la BBC la que se ve en el infierno; los medios británicos en general se describen como desfavorables y depredadores durante toda la temporada.

Ambientada en un telón de fondo de transición, tensión, romance y remordimiento, la quinta temporada de The Crown explora con simpatía los corazones rotos, el deber contra el deseo y la búsqueda del amor por encima de todo, con la introspección y la elegancia que los fanáticos esperan del showrunner Peter Morgan, incluso si las metáforas se establecen bastante gruesas aquí. El elenco permanente final de la serie lo entrega con mucha altura, siendo los grandes destacados Elizabeth Debicki como la princesa Diana, Salim Daw como Mohamed Al-Fayed, Lesley Manville como la princesa Margaret y Jonny Lee Miller como John Major.


martes, 7 de enero de 2020

Temporada de Premios: Nominados a los BAFTA 2020


Las nominaciones para los Premios de Cine BAFTA 2020 del Reino Unido se anunciaron el martes, con “Joker” presente en 11 categorías. La oscura historia del origen del villano del cómic, protagonizada por Joaquin Phoenix, es candidata para mejor película, actor principal, mejor guión adaptado y mejor director.

La película épica de la mafia de Martin Scorsese “The Irishman” y “Once Upon a Time … in Hollywood” de Quentin Tarantino recibieron 10 nominaciones.

Phoenix, quien ganó un Globo de Oro al mejor actor en una película dramática el domingo, se une a Leonardo DiCaprio, Adam Driver, Taron Egerton y Jonathan Pryce en la categoría de actor principal. Jessie Buckley, Charlize Theron, Scarlett Johansson, Saoirse Ronan y Renée Zellweger — que se llevó a casa el Globo de Oro el domingo– son las nominadas en la categoría de actriz principal. Margot Robbie fue nominada dos veces como actriz de reparto: una por su interpretación de Sharon Tate en “Once Upon a Time … in Hollywood” y otra por “Bombshell”.

La ceremonia de entrega de premios, que se considera un indicador importante para los Oscar, se llevará a cabo el 2 de febrero.

A continuación los nominados a los BAFTA 2020:

Best Film
1917
The Irishman
Joker
Once Upon a Time in Hollywood
Parasite

Outstanding British Film
1917
Bait
For Sama
Rocketman
Sorry We Missed You
The Two Popes

Best Director
Sam Mendes, 1917
Martin Scorsese, The Irishman
Todd Phillips, Joker
Quentin Tarantino, Once Upon a Time… in Hollywood
Bong Joon-ho, Parasite

Best Leading Actress
Jessie Buckley, Wild Rose
Scarlett Johansson, Marriage Story
Saoirse Ronan, Little Women
Charlize Theron, Bombshell
Renée Zellweger, Judy

Best Leading Actor
Leonardo DiCaprio, Once Upon a Time… in Hollywood
Joaquin Phoenix, Joker
Adam Driver, Marriage Story
Taron Egerton, Rocketman
Jonathan Pryce, The Two Popes

Best Supporting Actress
Laura Dern, Marriage Story
Scarlett Johansson, Jojo Rabbit
Florence Pugh, Little Women
Margot Robbie, Bombshell
Margot Robbie, Once Upon a Time… in Hollywood

Best Supporting Actor
Tom Hanks, A Beautiful Day In The Neighborhood
Anthony Hopkins, The Two Popes
Al Pacino, The Irishman
Joe Pesci, The Irishman
Brad Pitt, Once Upon A Time … In Hollywood

Best Film Not In The English Language
The Farewell
For Sama
Pain And Glory
Parasite
Portrait Of A Lady On Fire

Best Documentary
American Factory
Apollo 11
Diego Maradona
For Sama
The Great Hack

Best Animated Film
Frozen 2
Klaus
A Shaun The Sheep Movie: Farmageddon
Toy Story 4

Best Director
1917, Sam Mendes
The Irishman, Martin Scorsese
Joker, Todd Phillips
Once Upon A Time… In Hollywood, Quentin Tarantino
Parasite, Bong Joon Ho

Best Original Screenplay
Booksmart, Susanna Fogel, Emily Halpern, Sarah Haskins, Katie Silberman
Knives Out, Rian Johnson
Marriage Story, Noah Baumbach
Once Upon A Time… In Hollywood, Quentin Tarantino
Parasite, Han Jin Won, Bong Joon-Ho,

Best Adapted Screenplay
The Irishman, Steven Zaillian
Jojo Rabbit, Taika Waititi
Joker, Todd Phillips, Scott Silver
Little Women, Greta Gerwig
The Two Popes, Anthony Mccarten

Best Original Score
1917, Thomas Newman
Jojo Rabbit, Michael Giacchino
Joker, Hildur Guđnadóttir
Little Women, Alexandre Desplat
Star Wars: The Rise Of Skywalker, John Williams

Best Casting
Joker, Shayna Markowitz
Marriage Story, Douglas Aibel, Francine Maisler
Once Upon A Time… In Hollywood, Victoria Thomas
The Personal History Of David Copperfield, Sarah Crowe
The Two Popes, Nina Gold

Best Cinematography
1917, Roger Deakins
The Irishman, Rodrigo Prieto
Joker, Lawrence Sher
Le Mans ’66, Phedon Papamichael
The Lighthouse, Jarin Blaschke

Best Editing
The Irishman, Thelma Schoonmaker
Jojo Rabbit, Tom Eagles
Joker, Jeff Groth
Le Mans ’66, Andrew Buckland, Michael Mccusker
Once Upon A Time… In Hollywood, Fred Raskin

Best Production Design
1917, Dennis Gassner, Lee Sandales
The Irishman, Bob Shaw, Regina Graves
Jojo Rabbit, Ra Vincent, Nora Sopková
Joker, Mark Friedberg, Kris Moran
Once Upon A Time… In Hollywood, Barbara Ling, Nancy Haigh

Best Costume Design
The Irishman, Christopher Peterson, Sandy Powell
Jojo Rabbit, Mayes C. Rubeo
Judy, Jany Temime
Little Women, Jacqueline Durran
Once Upon A Time… In Hollywood, Arianne Phillips

Best Makeup & Hair
1917, Naomi Donne
Bombshell, Vivian Baker, Kazu Hiro, Anne Morgan
Joker, Kay Georgiou, Nicki Ledermann
Judy, Jeremy Woodhead
Rocketman, Lizzie Yianni Georgiou

Best Sound
1917, Scott Millan, Oliver Tarney, Rachael Tate, Mark Taylor, Stuart Wilson
Joker, Tod Maitland, Alan Robert Murray, Tom Ozanich, Dean Zupancic
Le Mans ’66, David Giammarco, Paul Massey, Steven A. Morrow, Donald Sylvester
Rocketman, Matthew Collinge, John Hayes, Mike Prestwood Smith, Danny Sheehan
Star Wars: The Rise Of Skywalker, David Acord, Andy Nelson, Christopher Scarabosio, Stuart Wilson, Matthew Wood

Best Special Visual Effects
1917, Greg Butler, Guillaume Rocheron, Dominic Tuohy
Avengers: Endgame, Dan Deleeuw, Dan Sudick
The Irishman, Leandro Estebecorena, Stephane Grabli, Pablo Helman
The Lion King, Andrew R. Jones, Robert Legato, Elliot Newman, Adam Valdez
Star Wars: The Rise Of Skywalker, Roger Guyett, Paul Kavanagh, Neal Scanlan, Dominic Tuohy

Best British Short Animation
Grandad Was A Romantic, Maryam Mohajer
In Her Boots, Kathrin Steinbacher
The Magic Boat, Naaman Azhari, Lilia Laurel

Best British Short Film
Azaar, Myriam Raja, Nathanael Baring
Goldfish, Hector Dockrill, Harri Kamalanathan, Benedict Turnbull, Laura Dockrill
Kamali, Sasha Rainbow, Rosalind Croad
Learning To Skateboard In A Warzone (If You’re A Girl), Carol Dysinger, Elena Andreicheva
The Trap, Lena Headey, Anthony Fitzgerald

Best Rising Star Award
Awkwafina
Jack Lowden
Kaitlyn Dever
Kelvin Harrison Jr.
Micheal Ward

viernes, 3 de enero de 2020

Crítica Cinéfila: The Two Popes

Explora la relación que mantuvieron el Papa Benedicto XVI y su sucesor, el Papa Francisco, dos de los líderes más poderosos de la Iglesia Católica, que abordan sus propios pasados ​​y las demandas del mundo moderno para que la institución avance.



Mientras Jorge Bergoglio daba misas y sermones en los barrios de Buenos Aires, Joseph Ratzinger tenía reuniones cuasi-políticas. Mientras el argentino le sirve a la gente, el alemán recibe atención. Mientras uno sonríe con los ojos, el otro sonríe en sarcasmo. Son dos personas totalmente diferentes que se sortearon la posición del Papá en el 2005 tras la muerte de Juan Pablo II. Ambos competían, uno más que otro, y recibiendo bastante votos, lo cual generó un pequeño rechazo mutuo más adelante, aunque ninguno lo quiso admitir.

Años más tarde, los casos de abusos sexuales de parte de clérigos se multiplicaban, y los seguidores de la iglesia se dividían aún más, sobretodo algunos que llamaban nazi a Ratzinger, ahora conocido como Papa Benedicto XVI; mientras tanto, del otro lado del mundo, el padre Bergoglio planeaba su retiro, haciéndole la solicitud formal al Papa. Cuando Bergoglio decide visitar al Papa para recibir su renuncia autorizada, su visita cambia a unos encuentros de confesión con Benedicto, tratando de demostrarle que, a pesar de la buena imagen que ahora tiene con su comunidad, su pasado lo acosa constantemente, recordándole que él nunca fue un santo y que su auto-resentimiento le impide seguir representando la iglesia para su comunidad. Mientras tanto, el Papa comparte con Bergoglio algunas pequeñas confesiones dentro de su posición, incluyendo su decisión de renunciar a continuar siendo el Papa. 

Anthony Hopkins y Jonathan Pryce protagonizan The Two Popes, un drama conversacional entre dos de las figuras más importantes de la Iglesia Católica de las últimas dos décadas. Es una película que, aunque el conflicto sea interno y casi no se presenta con acciones en el presente de los personajes, el diálogo y la interacción de estos dos actores la convierte en una fuerte narrativa.


Lo primero que hay que entender de la historia es que, a pesar de estar inspirada y posiblemente basada en hechos reales para ambos, estas conversaciones fueron adaptadas para que tuviesen una estructura cinematográfica, obviamente respetando las reales personalidades de las protagonistas. Me preguntó que opinarán los reales Benedicto y Francisco sobre sus reencarnaciones; si se sentirán cómodos con la actuación de Hopkins y  Pryce. Sin embargo, mi curiosidad se extiende más hacia la actuación de Pryce y cómo este actor británico generó tanta empatía con su audiencia, sobretodo en cómo hablaba español en un acento argentino que engaña a cualquiera que no conozca sus orígenes. Mi sorpresa continuó hasta el final, donde de manera cómica ambos actores en el cuerpo de sus personajes bromean sobre el idioma inglés, la lengua natal de ambos, pero para Benedicto y Francisco es en realidad un lenguaje terrible, con “demasiadas excepciones para demasiadas reglas”.

Pryce es un veterano de la actuación, está claro que se preparó y hasta estudió las formalidades de Bergoglio, desde su forma tan compasiva para pronunciar sus líneas hasta su expresión no verbal para comunicar su interés por cada ser humano con el que tenía contacto. Del otro lado se aprecia a Hopkins como el “villano” de la historia, con un paso lento y una postura jorobada, provocando cierta distancia hacia los que le rodean y creando cierto desagrado por su trato hacia Bergoglio y su rechazo a aprobarle su retiro, pero más tarde demostrando porque esto ocurre. 

El guionista Anthony McCarten se enfocó claramente en demostrar lo diferente que estos dos personajes son,  sobretodo en presentar (al principio y al final) cómo ambos se presentaban al mundo; sin embargo, ambos tienen el mismo objetivo en la historia: se quieren retirar de sus posiciones porque se consideran incapaces de continuar “ejerciendo su oficio”. La presentación de Bergoglio como un joven padre jesuita es importante para la historia, para poder entender que este rechazo propio viene de años atrás, con revelaciones importantes de lo que vivió durante el terrorismo de Estado en Argentina en la década de 1970, y cómo se sintió responsable de lo que le ocurrió a algunos de sus amigos que se oponían al gobierno. Por el otro lado, no es necesario saber del pasado de Benedicto, pues es su presente y su decisión de permanecer ciego y casi perdonable a los clérigos relacionados a los abusos sexuales lo que le ha empujado a presentar su carta de renuncia. Los procesos de sus retiros no son iguales, y las bromas de los 700 años de diferencia desde el último Papa que dejó el rol antes de morir son resaltados; sin embargo, ambos han pasado por el mismo auto-cuestionamiento, y ambos empujan al otro a no tomar la decisión que ellos quieren lograr para sí mismos. 


Aunque los diálogos y la química de los actores es suficiente para las escenas tan fijas y escasas de acciones físicas de parte de sus personajes, aquí el juego de la fotografía de César Charlone y el diseño de producción de Mark Tildesley tienen un papel importante, manteniendo una atención considerable a los detalles, resaltando la temática sobre las creencias, la fé y las señales divinas a través de elementos religiosos y la naturaleza, desde la posición en la que vuela el humo de una vela que se apaga hasta la decisión de comprar un vuelo hacia el Vaticano días antes de recibir la invitación formal a esta ciudad. 

La iglesia es uno de los “gobiernos” mundiales más importantes y antiguos desde su creación, y la imagen del Papa es lo más divinamente cercano a Dios. El director Fernando Meirelles se encargó de recordarnos esto constantemente a lo largo de la historia, con la forma en que los personajes entregan líneas aparentemente simples, pero con un trasfondo bien importante y un mensaje de sabiduría que se enfoca a la auto-reflexión y a impulsar a encontrar nuestro verdadero lugar en el mundo. Creas o no en Dios, y sin importar tu edad, pasado u origen, todo el mundo tiene un destino divino que está inteligentemente ubicado en el trayecto de la vida para encontrarse a lo largo de la marcha.


jueves, 17 de enero de 2019

Crítica Cinéfila: The Wife

Joan Castleman (Glenn Close) es una buena esposa, de belleza madura y natural, la mujer perfecta. Pero lo cierto es que lleva cuarenta años sacrificando sus sueños y ambiciones para mantener viva la llama de su matrimonio con su marido, Joe Castleman (Jonathan Pryce). Pero Joan ha llegado a su límite. En vísperas de la entrega del Premio Nobel de Literatura a Joe, Joan decide desvelar su secreto mejor guardado.



Entre muchos temas que puede narrar una película, las relaciones entre personajes el el que siempre está presente. Pero cuando esa es la temática principal, las emociones y el género parecen hacerse más fuerte si se cuentan bien, y cuando se tiene actores como Glenn Close y Jonathan Pryce, complementados por la estructura narrativa de Jane Anderson, se logra acercar a una pieza maestra.

En The Wife, Joan y Joe son una pareja que parecen vivir una vida de pareja sencilla pero sin achaques. Cuando Joe recibe la noticia de que será condecorado con el Premio Nobel de Literatura, Joan lo recibe con mucha alegría, y ambos se preparan para asistir a la entrega de medallas en Suecia. Pero mientras pasan los días, es aún más notorio cual es la opinión de Joan sobre esto. Ella no desea ser mencionada en el discurso de agradecimiento, y aún más importante, prefiere quedarse en las sombras que ser iluminada por un reflector por ser la esposa de Joseph Castleman. Entre flashbacks y momentos incómodos, se van reflejando las verdaderas razones de sus sentimientos. Quien alguna vez fue estudiante de Joseph a finales de los años 50, se convirtió con el tiempo en quien le revisaba, corregía y hasta escribía sus historias.


The Wife es una película que muchas esposas deberían ver, porque las obligaría a prestar más atención a su relación de pareja y descubrir el valor que se le ha dado en la relación. La temática que explora se enfoca en cómo las esposas cargan con los trabajos físicos y emocionalmente forzados que ocurren en la casa, mientras que los hombres se llevan el mérito externamente por ser quienes dan el apellido a la familia y, por tanto, quienes son la imagen. 

Aquí, los personajes dejan en claro esos clichés de pareja, pero con un tono bien realista: donde la esposa se calla muchos dolores de cabeza y engaños, mientras el esposo asume que no ha hecho nada malo; donde la esposa es la que siempre lleva los lentes del esposo en la cartera, mientras el esposo quiere controlar como si ella fuera uno de sus hijos. Es una nota en la que muchas parejas de seguro se sentirán identificadas o representarán personas que conocen en la vida real.

Glenn Close es el diamante principal de la película: con una actitud pasiva y unas miradas que dicen mucho más de lo que parece, representa a las esposas maltratadas emocionalmente, que ha tolerado los abusos sentimentales de su esposo por la simple razón de querer permanecer a su lado, pero cuando finalmente abre los ojos, el adios lo da tan repentino que ni la audiencia se lo está esperando. Close interpreta a Joan con mucha formalidad y distancia del mundo a nivel general, queriendo decir que el papel de esposa es secundario, a pesar de estar al lado del esposo. Su comportamiento, sus silencios y la explosión que finalmente tiene en el tercer acto son la razón principal por la que esta actriz ya ha ganado Mejor Actriz en los Golden Globe Awards y Critics Choice Awards por esta película. 


Por supuesto, hay demás personajes que no se pueden dejar de destacar, como Jonathan Pryce en su papel como Joe, las versiones jóvenes de Joan y Joe (Annie Starke y Harry Lloyd), Max Irons como el hijo de Joe y Joan, entre otros actores y actrices que le fueron agregando esa tonalidad realista y dramática a la historia, comportandosé como un solo ritmo a lo largo de la película. 

Jane Anderson es una de las que también merece mucho reconocimiento por este trabajo, quien decidió crear una estructura narrativa que solo iba dejando pequeñas pinceladas de cómo la relación de Joe y Joan ha evolucionando a lo largo de los tiempos. Ella crea una línea cronológica desde los años 50 hasta los años 90 (cuando Joe recibe el premio Nobel), y a pesar de que se mantiene en el orden real, las cartas se van poniendo sobre la mesa de manera lenta y cuidadosa para crear esa sorpresa y desilución, pero sobretodo para que la audiencia entienda por lo que Joan ha tenido que pasar antes de convertirse en la esposa oficial de Joe. Por otro lado, la banda sonora es el complemento ideal para mantener el ritmo y las emociones a flor de piel que se establecen en esta trama.

La película se narra como una novela literaria, agregándole a cada capítulo el repertorio de gestos, miradas y frases entredichas de Glenn Close para establecer cuales son los conflictos de esta pareja. Su rostro anguloso se convierte en un imán, un paisaje que ocupa toda la superficie significante de la pantalla: hay otros actores, y alguno tan bueno como Jonathan Pryce en el papel del escritor premiado, pero incluso su impecable forma de componer un gigante artístico de pies de barro palidece al lado del recital, a la vez contenido y explosivo, que aloja el rostro de Glenn Close. 

The Wife es un romance que se va desplomando a tragedia, dando esa bofetada realista de que las esposas se quedan en las buenas y en las malas, aún con todas las maldiciones que le han tirado a sus esposos en su cara y a sus espaldas. Es un drama que busca dejar sobre la mesa todas esas piezas destrozadas que los matrimonios bien lustrados tratan de ocultar con los años. Se trata sobre el amor condicionado y el compromiso que las parejas mantienen, aunque los años les digan que es mejor que estén separados.