Crítica Cinéfila: Stan Lee

"STAN LEE" es el documental oficial sobre Stan “The Man” Lee y su periplo hasta convertirse en un referente del mundo del cómic y de la cultura pop: desde su infancia como Stanley Lieber hasta el ascenso meteórico de Marvel Comics. A partir de material de archivo personal, "STAN LEE" cuenta la historia de Stan Lee (su vida, su carrera, su legado) con las propias palabras del autor.

“Stan Lee”, un documental sobre el hombre que, junto con Jack Kirby y Steve Ditko, creó Spider-Man, X-Men, Iron Man, Thor, Black Panther y muchos otros personajes icónicos de Marvel, se enfoca selectivamente en la leyenda del cómic, su carrera y, en mucha menor medida, su vida personal, podando información considerable sobre sus otras empresas y disputas legales. Está coproducida por Marvel Studios, por lo que la película, que recibe su estreno mundial en el Festival de Tribeca y se transmite en Disney Plus, como se esperaba, canta sus alabanzas. 

  

Lee mismo proporciona póstumamente la narración en primera persona, aunque indirectamente a través de varias entrevistas de archivo y discursos pronunciados a lo largo de los años, que el cineasta David Gelb ("Jiro Dreams of Sushi") ha ensamblado cuidadosamente en función de la cronología de los eventos fundamentales de su vida. . Para ilustrar la narración, Gelb ha empleado material de archivo y fotos convencionales, así como tiras cómicas y figuras de plastilina no tan convencionales. Todos los paneles parecen haber sido seleccionados de publicaciones antiguas de Marvel, aunque no es evidente de inmediato si se ha encargado alguna obra de arte original específicamente para el documental. Las figuras de arcilla son interesantes pero no realmente relevantes para Marvel per sé. 

Su historia comienza en 1922 cuando Stanley Lieber nació en la ciudad de Nueva York, en una familia de inmigrantes de Europa del Este. Era un ávido lector de "La Odisea", Sherlock Holmes y otros, y aspiraba a convertirse en Errol Flynn cuando creciera. Su padre, Jack, a menudo estuvo desempleado durante la Gran Depresión, lo que le inculcó desde temprana edad la importancia de un trabajo estable. Involuntariamente se metió en la publicación en 1939 después de una sugerencia de su tío. En Timely Comics, el predecesor de Marvel, inicialmente ayudó al editor Joe Simon y al ilustrador Kirby. Pronto comenzó a incursionar como un relleno de texto y adoptó a Stan Lee como su seudónimo. En 1941, después de que Simon y Kirby se fueran, Lee se convirtió en el editor de facto. 

  

Se ofreció como voluntario durante la Segunda Guerra Mundial y fue asignado a trabajar en manuales de capacitación debido a su experiencia en publicaciones. Lee regresó a los cómics en 1947, desempeñando múltiples funciones como editor, director de arte y escritor. La empresa producía unas 100 revistas al mes. Para 1961, se había vuelto insatisfecho con el contenido trivial que estaba produciendo. Con el regreso de Kirby al redil, Lee cambió sus prioridades para crear personajes e historias identificables que personalmente disfrutaría leer, comenzando con los Cuatro Fantásticos. El ejemplo proporcionado en la película muestra al cuarteto de superhéroes desalojados de su sede porque no podían pagar el alquiler. Otro es que Spider-Man recibe un cheque que no pudo cobrar porque no pudo proporcionar una identificación a pesar de su disfraz. Lee sintió que estos prepararían mejor a los lectores jóvenes para el mundo real.   

Los fanáticos seguramente disfrutarán de estas anécdotas sobre cómo surgieron sus superhéroes favoritos. Además de crear héroes defectuosos y villanos simpáticos, Lee quería personajes con los que las mujeres y las minorías pudieran identificarse. También sintió que las historias necesitaban moral sin ser sermón, y desafió el Código de Cómics para publicar una serie de libros de Spider-Man con mensajes antidrogas.  

Cuando Lee ya no tuvo tiempo de escribir correctamente los cómics, dio sinopsis a los ilustradores y luego llenó globos con palabras según lo que entregaron. Las historias se inspiraron en eventos actuales, como la Guerra de Vietnam y las actividades del Ku Klux Klan. La oficina de Marvel tenía una energía espontánea y caótica, con creativos saltando por todos lados para representar escenas. Curiosamente, este espíritu parece haberse desvanecido de las adaptaciones cinematográficas que Marvel Studios está produciendo sin alegría en una línea de montaje. Una vez que la línea de tiempo llega a la década de 2010, el documental sugiere que los únicos aspectos destacados de su vida fueron hacer apariciones especiales y dar credibilidad callejera a las películas de Marvel, pero particularmente a su participación como el creador original de todo este universo. 

Aunque nadie espera que un documental de Stan Lee con la participación de Marvel sea menos que halagador, al menos la película es transparente sobre sus disputas con Kirby y Ditko sobre la creación de todos los amados personajes. La película incluso incluye una discusión entre Lee y Kirby en una transmisión de radio de 1987, más de una década después de su colaboración histórica. 

  

El documental de Gelb ofrece a los espectadores una visión general de quién era Lee y qué lo motivaba, pero principalmente dentro del contexto de los cómics. Hay pocos fragmentos de sonido de otros sobre él, siendo el más destacado el de su difunta esposa, Joan. Aunque la película puede satisfacer a algunos fanáticos obsesivos e historiadores de sillón, se siente más como un tributo bien elaborado al autor intelectual detrás de la propiedad intelectual más grande de The Walt Disney Company.

Crítica Cinéfila: The Flash

Los mundos chocan en "Flash" cuando Barry utiliza sus superpoderes para viajar en el tiempo y cambiar los acontecimientos del pasado. Barry intenta salvar a su familia, pero sin saberlo altera el futuro y queda atrapado en una realidad en la que el general Zod ha regresado y amenaza con la aniquilación, pero en la que no hay Superhéroes a los que recurrir. A menos que Barry pueda persuadir a un Batman muy diferente para que salga de su retiro y rescate a un kryptoniano encarcelado... aunque no sea el que está buscando. En última instancia, para salvar el mundo en el que se encuentra y regresar al futuro que conoce, la única esperanza de Barry es luchar por seguir vivo. Pero ¿este último sacrificio será suficiente para reiniciar el universo?

The Flash tardó tanto en obtener su propia película, en un acto supremo de Alanis-ing, que la jerarquía de poder en el Universo DC ha cambiado en varias ocasiones desde ese entonces. Ahora que ha llegado, debemos mencionar al elefante en la habitación: sí, Barry Allen entra en Speed ​​​​Force y desencadena una serie de eventos por fracturar el pasado.

Por supuesto, hay otro elefante en la habitación: el comportamiento fuera de la pantalla de la estrella de la película, Ezra Miller, que a menudo ha amenazado con eclipsar la película. En el espinoso tema de separar el arte del artista, su kilometraje puede variar, pero puramente a nivel de rendimiento, Miller es excelente aquí. Hubo una tendencia para el actor en  Liga de la Justicia, particularmente la versión de Joss Whedon, para asaltar implacablemente como el alivio cómico designado de la película. Aquí, Miller se beneficia de la decisión de tener no uno, sino dos Barry Allen, lo que permite que el papel de bufón que le han dado al Barry más joven y despreocupado, mientras que el Alpha-Barry aprende y crece y mira con desprecio a su ser más joven. Pasamos gran parte de la película con este dúo dinámico, y son un placer juntos, ya que Beta-Barry se familiariza con entrar en Speed ​​​​Force, atravesar paredes, correr de un lado a otro, aprender de sus errores y aceptar su presente.

Ha habido mucha atención en el regreso de Michael Keaton como Batman, pero el director Andy Muschietti, alejándose del horror después de "Mama" y ambos capítulos de "It", se asegura de que esta sea una película de Flash que todos recordaremos. Los primeros 20 minutos sin aliento sirven como una mini-secuela de "Justice League", reuniendo a Barry y al Batman de Ben Affleck, antes de que Barry, todavía dolido por la pérdida de su madre asesinada, retroceda a toda velocidad en el tiempo. Estos 20 minutos resumen a la perfección la personalidad ideal de Barry, además de darnos el tono ideal que The Flash siempre ha tenido que tener. 

Naturalmente, como advierte Batfleck, la cura es peor que la condición, dejando varado a Barry en el pasado con la creciente comprensión de que las cosas ya no son lo que solían ser. Esto incluye la transformación de Affleck en Keaton, y mucha charla sobre Multiversos (con la ayuda de una demostración útil que involucra espaguetis, aunque en su lugar podrían haberse topado con  Spider-Man: No Way Home). Han pasado más de 30 años desde  Batman Returns, y aunque hay una tendencia a usar a Keaton para dispensar un rápido golpe de nostalgia (el tema de Batman de Danny Elfman suena aparentemente en un bucle), vuelve a encajar en el traje de murciélago nuevamente, proporcionando un contraste agradablemente malhumorado con ambos Barrys. Eso no se puede decir, lamentablemente, del tercer superhéroe en la mezcla, la versión femenina de Superman encarnada a través de Sasha Calle, que se presenta demasiado tarde para tener mucho impacto.

Curiosamente, no hay realmente un antagonista. Aunque el General Zod de Michael Shannon aparece, Muschietti lo mantiene a distancia, reconociendo que tiene todo el conflicto que podría necesitar en su héroe lleno de culpa. Es interesante ver como un superhéroe, en especial uno como Barry que ha sido tan fracturado con su pasado y cómo es tratado en el presente por sus compañeros de trabajo (tanto en el laboratorio como entre los colegas de la Liga de la Justicia. Y Ezra Miller en la piel de Barry es perfección, demostrando que sí es posible separar al artista de la obra de arte. 

Es un éxito de taquilla, por supuesto, y al final hay mucha carnicería generada por computadora, pero, de manera refrescante, el énfasis permanece en Barry, un niño que ha estado huyendo desde el momento en que asesinaron a su madre, y que finalmente comienza a darse cuenta de que podría ser hora de detenerse por un momento. Establecido para ser una de las entradas finales en lo que conocemos como DCEU, esta también es una de las mejores, una comedia de amigos ingeniosa y cálida que merece ser separada de todos los flops de DC y Warner Studios.

Crítica Cinéfila: The Marvelous Mrs. Maisel, 5ta y Última Temporada

Después de cortar relaciones y ser expulsada de su tour, Midge Maisel se empeñó en reconstruir su carrera y su reputación. Después de una epifanía delante de un póster de The Gordon Ford Show, Midge está lista para seguir adelante y pelear por su ascenso a la fama, equipada con su rápido ingenio y nada que perder. En la quinta y última temporada, Midge estará más cerca del éxito que ha soñado, pero descubre que aún habiéndose acercado, sigue demasiado lejos.

La televisión no muestra piedad este año. "Succession", "Barry", "Yellowstone"... y ahora, "The Marvelous Mrs. Maisel". Parece ser una rareza en esta época que un programa de televisión logre durar cinco temporadas, pero The Marvelous Mrs. Maisel se ha ganado legítimamente esta longevidad, recogiendo numerosos premios y muchos elogios de la crítica durante sus seis años. 

He visto los nueve episodios fabulosos y me duele no poder decir todos los spoilers posibles de este maravilloso cierre, especialmente de Rachel Brosnahan, quien ganó casi todos los premios por interpretar a Midge Maisel, la ama de casa y madre judía de Manhattan de la década de 1950 que está tratando de ascender como comediante en un mundo pleno de hombres. Pero esta temporada, sin ánimos de rebajar las demás, muestra una cierta vulnerabilidad y madurez en el personaje que es muy importante destacar, sobre todo cuando su imagen ha sido muy fracturada y hasta arrinconada como la típica mujer que lo consigue todo con su belleza más que su inteligencia. Dejamos a un lado su físico y nos enfocamos más en los juicios del personaje.

La temporada final se desarrolla principalmente en la década de 1960, pero con cortes de salto hacia el futuro que nos dan una idea de cómo es la vida de Midge en el siglo XXI. Nunca lo diré. Pero no es ningún secreto que Midge, que habla rápido y piensa rápido, está tallada en el ADN de la brillante creadora de la serie Amy Sherman-Palladino, cuya admiración por la valiente comedia de Joan Rivers brilla. Es un tributo al humor y la angustia que Sherman-Palladino ("Gilmore Girls") y su esposo co-showrunner, Daniel Palladino, escriben y dirigen, en cada cuadro. Definitivamente van a la cima con un último "hurray" que es poderosamente divertido, conmovedor y vital. No lo niego... lloré.

En esencia, "Maisel" es una "mujercita" entre Midge (Brosnahan) y su poco ortodoxa manager Susie Myerson (la siempre sensacional Alex Borstein). Qué apropiado que la última temporada gire en torno a su relación. Nada de sexo, solo una amistad femenina que supera lo que sea que esté pasando con Midge, la leyenda del cómic Lenny Bruce (un soberbio Luke Kirby) y su ex Joel (Michael Zegen). Creo que esta temporada seguró pasó la prueba Bechdel.

La quinta temporada encuentra a la comediante Miriam 'Midge' Maisel en una encrucijada en su vida. Quiere fama y fortuna, pero lucha por dar ese salto final al estrellato. Afortunadamente para Midge, ahora se enfrenta a la oportunidad de su vida, escribir en el Gordon Ford Show, y la comediante aprovecha este lucrativo trabajo con ambas manos. Midge es una comediante excelente que realiza monólogos todas las noches de la semana, pero le resulta complicado entrar en el mundo de las transmisiones televisivas de este hombre.

Es Susie quien convence a Midge para aceptar un trabajo que la convertiría en la primera mujer escritora en el Gordon Ford Show, un monstruo de audiencia cuyo arrogante presentador (un sexy y sórdido Reid Scott) tiene la regla de que ninguno de sus guionistas de comedia nunca será permitido actuar en el programa. ¿Puede Midge eludir esa regla sin ceder ante los avances depredadores del Ford casado? ¿Y puede sortear el sexismo en la sala de escritores, un tema aún de actualidad que le permite a Brosnahan mostrar los codos afilados que una mujer necesita para ser escuchada en un mundo de hombres?

Incluso el vínculo de Midge con Susie se pone a prueba cuando se revelan traiciones que tal vez no puedan perdonarse. "Maisel" siempre ha tenido un lado oscuro que sale a la luz en su temporada final, incluido el hecho de que Midge deja a sus dos hijos, ahora vistos como adultos con desafíos, al cuidado de sus abuelos y el costo emocional que el éxito tiene tanto para Midge como para Susie. En el episodio final, titulado "Cuatro minutos" en referencia al breve tiempo decisivo que Midge tiene para pavonearse en la televisión nacional, Brosnahan asume el papel de su carrera con un ingenio y una seguridad impresionantes que resumen de manera emocionante cómo Midge deja que los altibajos traumáticos de su vida se desangren en su comedia. Y nos reímos y sangramos con ella. ¿Cómo no podríamos, después de haber pasado cinco temporadas viendo a esta fascinante mujer en el fascinante y exasperante acto de inventarse a sí misma? 

"Maisel" no solo es la serie más atractiva que encontrarás, por el trabajo de vestuario y el diseño de producción, pero más que todo por el elenco que se ubica entre los mejores de la televisión. El gran Tony Shalhoub como el padre de Midge tiene una escena de realización sobre las mujeres en su vida que pertenece a la cápsula del tiempo de actuación. 

También hay otros obstáculos que superar; Midge, madre soltera, tiene una familia que mantener y aún vive con sus excéntricos padres Abe (Shalhoub) y Rose (Marin Hinkle). Tienen sus propios problemas, experimentando bastante mala suerte con una consistencia alarmante. Los padres colaboran con el cuidado de los niños mientras Midge hace malabarismos con dos trabajos. Y, sin embargo, todavía encuentra tiempo para buscar el amor. La última temporada arroja algunos intereses amorosos potenciales para Midge. Hay un regreso bienvenido para el ex alumno de Gilmore Girls, Milo Ventimiglia como Sylvio y muchos otros posibles pretendientes que permanecerán anónimos para seguir evitando los spoilers. 

Pero Midge siempre será el alma de esta fiesta. Uno quiere que gane a toda costa, que se regocije en sus victorias y que llore sus pérdidas como todos los grandes personajes de la televisión de nuestro tiempo. Rachel Brosnahan captura este espíritu desvalido con su habitual encanto ingenioso y poder de estrella cinematográfica. La quinta temporada de The Marvelous Mrs. Maisel es otra adición divertida y de ritmo rápido a la obra del programa. Cada entrega se entrega con una escritura excepcional e inteligente y un valor de producción excelente. Estos escenarios de época de los años 60 son asombrosos de contemplar, sumergiendo a los espectadores en esa era pasada altamente estilizada.

Cada sección de la serie está bien ejecutada, desde la escritura hasta la actuación y, por supuesto, sin olvidar el minucioso detalle de recrear la época. Es solo una producción digna de un premio en todo momento, una que tiene un atractivo real para repetir la visualización y para preservar como uno de los grandes shows realizados en la historia del streaming y la televisión.

Crítica Cinéfila: The Boogeyman

La alumna de instituto Sadie Harper y su hermana pequeña Sawyer se están recuperando de la reciente muerte de su madre pero no cuentan con demasiado apoyo por parte de su padre, Will, un terapeuta que está lidiando con su propio dolor. Cuando un paciente desesperado aparece inesperadamente en su casa buscando ayuda, deja atrás una aterradora entidad sobrenatural que se aprovecha de las familias y se alimenta del sufrimiento de sus víctimas.

Después de haber visto películas como Pet Sematary (2019), Firestarter (2022) y Mr. Harrigan's Phone (2022), veía imposible de que algún director pudiese hacer una buena adaptación de una novela de terror de Stephen King. Es cierto, tenemos clásicos inolvidables, como The Shining (1980) y Misery (1990), o adaptaciones más modernas como It (2017) y Gerald's Game (2017) que cumplen con aterrorizar tanto física como mentalmente a una audiencia, y permitirles trasladarse psicológicamente a ese lugar donde el terror va más allá que un par de apuñaladas o machetazos. Es un terror traumático.

Sin embargo, "The Boogeyman" de Rob Savage, la última de una larga lista de adaptaciones de Stephen King, es definitivamente una entrada sólida en el canon de terror moderno. Basada libremente en la historia corta de King sobre una criatura aterradora que tiene como objetivo consumir a una familia, esta versión amplía el alcance de la narrativa sin dejar de mantener un sentimiento personal contenido. Varios tropos y temas de King aparecen a lo largo, todos los cuales están ingeniosamente y eficientemente doblados en el tapiz espeluznante y ocasionalmente inquietante de tensión que Savage teje aquí. 

La realidad es que el monstruo Boogeyman daba tanto miedo en la novela que tuvieron que cambiar su estilo en la película. Pero para una película que inicialmente tenía la intención de ir directamente al streaming o película para TV, "The Boogeyman" podría terminar siendo la versión de 2023 de "Smile" del año pasado, un proyecto que sorprende al público con su efectividad y supera las expectativas de los analistas de la industria, incluyendo a esta cinéfila.

Ha pasado un mes desde que la familia Harper sufrió una trágica pérdida. Will (Chris Messina), un terapeuta que tiene su oficina de trabajo en el hogar familiar, perdió a su esposa en un accidente automovilístico y está tratando desesperadamente de mantener una sensación de normalidad para sus hijas, Sadie (Sophie Thatcher), una estudiante de secundaria, y la joven Violet. (Vivian Lyra Blair). Pero mientras las chicas están abiertas a lidiar con sus emociones en torno a la pérdida de su madre, Will se ha cerrado a sí mismo, claramente no listo para lidiar por completo con el vacío monumental que todos están experimentando.

Cuando un hombre misterioso y con problemas llamado Lester Billings (David Dastmalchian) llega a la casa para buscar tratamiento de Will, le cuenta una historia sobre eventos horribles que le sucedieron a su propia familia, incluida la muerte de sus hijos. Trae una hoja de papel, un dibujo que uno de sus hijos hizo de una criatura que los aterrorizaba escondiéndose en sus armarios y debajo de la cama. Cuando Will pregunta qué es la criatura, Lester responde: "Es lo que se lleva a tus hijos cuando no estás prestando atención". Esa línea no se extrae directamente del cuento de King, pero captura perfectamente el espíritu del trabajo del autor: esa idea de no prestar atención es una noción escalofriante que afecta a los niños que pueden sentirse pequeños e indefensos.

El significado metafórico de la criatura proporciona cierta riqueza intelectual a esta historia, pero también es un monstruo espeluznante de piernas delgadas que se arrastra por los techos y se alimenta del miedo de sus sujetos, lo cual genera suficiente momentum terrorífico como para quitarle el sueño a cualquiera. El concepto de "alimentarse de los miedos" debería sonar familiar para los fanáticos de Stephen King: este ente tiene un modus operandi similar a IT, la antigua fuerza malvada multidimensional que toma la forma de Pennywise. Hablando en términos prácticos, también parece recordar un poco a los extraterrestres en "A Quiet Place", especialmente al final de la película, cuando el público finalmente ve de cerca al monstruo después de que pasa la mayor parte del tiempo corriendo entre las sombras, un detalle que realmente ayuda a mantener la tensión y el miedo hacia lo que aún no se conoce tan de frente.

Las cosas van mal para la familia Harper una vez que Lester Billings, sin darse cuenta, trae a la criatura a su hogar, y los escritores Mark Heyman ("Black Swan") y Scott Beck & Bryan Woods ("A Quiet Place") infundir esa sensación de inquietud a lo largo del resto de la historia cuando la criatura aparentemente infecta a Violet y se aprovecha de sus vulnerabilidades emocionales a raíz de la muerte de su madre.

Mientras que Violet está siendo aterrorizada en silencio, Sadie está experimentando los terrores de la escuela secundaria y se enfurece contra un grupo de chicas que se encuentran entre los personajes de pantalla más despiadados y excesivamente (o mejor dicho, innecesariamente) crueles. La película funciona como un acto de equilibrio, yuxtaponiendo las ansiedades de la adolescencia con los miedos más sobrenaturales del propio Boogeyman. Si alguna vez has visto una película antes, puedes adivinar que todas las tramas secundarias chocan de una manera que podría destrozar a esta familia de una vez por todas, o finalmente permitirles obtener algo de catarsis y enfrentar su dolor colectivo.

Pero en este caso, hay que reconocerle a Rob Savage su talento, porque él sabe cómo crear suspenso de formas visuales poderosas. En una película sobre una criatura que acecha en la oscuridad, Savage y su director de fotografía Eli Born ("Hellraiser", "Wild Indian") emplean sabiamente la luz como arma, ensamblando a Sawyer con una fiel bola de luz que ella hace rodar hacia los armarios o pasillos siniestros, y rastrean bellamente la iluminación, descubriendo resultados espeluznantes en los fragmentos de sombras. Más adelante en la película, Sawyer está jugando un videojuego en la sala de estar por la noche y puede iluminar brevemente la habitación haciendo que el personaje del juego ilumine la pantalla, proporcionando momentáneamente destellos de claridad mientras la criatura se abre paso a través de su periferia.

Thatcher, que se destacó con su actuación en "Yellowjackets" de Showtime, tiene una gran energía de Mary Elizabeth Winstead en esta película. Ella soporta la mayor parte del peso de esta película y lo hace con aplomo, descubriendo lentamente información sobre esta misteriosa fuerza malévola y aportando una perspectiva y un aspecto físico a este papel que hace que Sadie se sienta identificable y real. Su coprotagonista, Vivian Lyra Blair, quien recientemente interpretó a la joven Leia Organa en la serie "Obi-Wan Kenobi" de Lucasfilm, tiene éxito en transmitir el terror desde los ojos de una niña bien despierta, y afortunadamente nunca se apoya en esa precocidad "Disneyficada" que tan a menudo supera las actuaciones infantiles y me hacen retroceder decepcionada.

Mientras tanto, Chris Messina, quien realmente solo ha estado en un par de proyectos de terror o relacionados con el terror en su larga carrera, argumenta que debería ser un elemento básico en este género al presentar una actuación tranquila y directa como un hombre que está haciendo todo lo que puede para mantener unida a su familia, pero no se atreve a abordar su propio dolor. Se ha convertido pacientemente en uno de los actores de carácter más confiables de Hollywood, y aunque no hace nada llamativo aquí, siempre eleva lo que sea que esté haciendo y es genial verlo envejecer en esta fase de su carrera, con líneas desgastadas en su cara y canas en la barba. 

"The Boogeyman" no se propone reinventar la rueda, pero afortunadamente no es necesario. Savage sabe exactamente cómo presionar todos los botones correctos y tirar de todas las palancas correctas para diseñar la máxima potencia, utilizando configuraciones clásicas y recompensas de maneras entretenidas y satisfactorias. Él parece estar en lo que solía ser una carrera profesional común para un director en Hollywood, antes de los días del dominio de la propiedad intelectual: hacer un par de proyectos llamativos y de bajo presupuesto antes de graduarse progresivamente a una película de estudio de presupuesto medio. Se siente como una rareza que los cineastas modernos tengan la oportunidad de perfeccionar sus habilidades en este nivel medio antes de ser absorbidos por una máquina de franquicias más grande, pero me alegro de que haya sucedido aquí y sigo teniendo curiosidad por ver cómo se ve la trayectoria de Savage en el próximos años. Si sigue haciendo películas de terror tan confiables como esta, el género se va a enriquecer aún más.

Crítica Cinéfila: Spider-Man - Across the Spider-Verse

Tras reencontrarse con Gwen Stacy, el amigable vecindario de Spider-Man de Brooklyn al completo es catapultado a través del Multiverso, donde se encuentra con un equipo de Spidermans encargados de proteger su propia existencia. Pero cuando los héroes se enfrentan sobre cómo manejar una nueva amenaza, Miles se encuentra enfrentado a las otras Arañas y debe redefinir lo que significa ser un héroe para poder salvar a la gente que más quiere.

Casi todos los largometrajes animados convencionales (y casi todas las películas de cómics también) establecen un tono y un diseño visual en el que la audiencia se conecta; la película, audaz, brillante e inteligente como puede ser, no se desviará mucho de eso. Pero las imágenes de “ Spider-Man: Across the Spider-Verse” tienen una imprevisibilidad embriagadora. La película te hace sentir como si estuvieras cayendo a través de los pisos de un museo de arte moderno o atravesando las páginas de un compendio de comics animados, pero hay una emocionante lógica de momento a momento en todo. Las imágenes locamente eclécticas expresan algo: una explosión de física cuántica que hace cosquillas en el globo ocular, y un guiño subliminal a algún estilo de cómic de hace décadas que es tan retro y deslumbrante que se siente novedoso. Parece que podría haber sido la primera película diseñada para ganar el visto bueno de Andy Warhol y Stephen Hawking (al mismo tiempo).

O quizás la segunda, ya que “Spider-Man: Into the Spider-Verse” también fue así. Estrenada en 2018, era una película basada en cómics tan vivaz y urgente, con imágenes tan hipnóticas, que dejó a la mayoría de las películas basadas en cómics en el olvido. Una razón para esto se relaciona con una de las locuras menos comentadas de nuestra cultura de películas de cómics, que es que las películas de cómics, o el 98 por ciento de ellas de todos modos, eliminan aspectos como su tono, punto de vista, actitud y efecto de cómics para darle prioridad a la narrativa y efectos visuales. En realidad, son dos formas completamente diferentes de ser una historia sobre comics.

Los cómics son rápidos, concisos y traviesamente inexpresivos, y nunca se sabe lo que traerá el próximo panel. Pero las películas de cómics de los grandes estudios tienden a ser pesadas en la parte superior, punzantes y visualmente grandilocuentes, con arcos rígidamente sobredeterminados. Dentro de eso, muchos de ellos son lo suficientemente divertidos, pero no tienen ningún misterio. 

Uno de los muchos placeres de “Spider-Man: Into the Spider-Verse” fue que, como esta fue la primera película de “Spider-Man” (y una de las únicas películas de la era cinematográfica de Marvel/DC) que fue animada, canalizó el aspecto, el espíritu y la maravilla a sabiendas plana de los cómics. Se basó en el elegante expresionismo del cine negro de las novelas gráficas de los años 90 y aprovechó su breve ingenio.

Pero también fue un festín visual espectacular. Fue la revelación del arte pop animada, con explosiones alucinantes de fallas, y cuando se trataba de representar la materia saliendo de un colisionador, te dejaba más boquiabierto que la secuela más embriagadora de "Avengers". La historia de Miles Morales, un adolescente negro latino de Brooklyn que fue mordido por una araña electromagnética, solo para descubrir que era uno de los muchos Spider-Men (y Spider-Mujeres, sin mencionar Spider-Porky Pigs) en el multiverso de posibilidades, lnos atrapó porque había algo en juego. En la mayoría de las historias de origen, el héroe entiende las cosas razonablemente rápido, pero el resultado de “Spider-Man: Into the Spider-Verse” es que fue desalentador ser el Hombre Araña. Era como literalmente saltar de un acantilado, y luego tenías que seguir saltando cuando no sabías lo que estabas haciendo. Eso se llama drama, algo que la mayoría de las películas de historietas de acción en vivo tienen.  

“Spider-Man: Into the Spider-Verse” puso el listón muy alto, y una de las razones por las que me preguntaba si “Spider-Man: Across the Spider-Verse” podría estar a la altura es que los codirectores de la película original (Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman) han regresado solo como productores ejecutivos, reemplazados por otros tres directores (Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson). ¿Podría el nuevo trío reproducir esa embriagadora magia mutante del arte pop, esa astuta delicadeza narrativa, esa comprensión de la lógica de adentro hacia afuera de los cómics que parece eludir casi todas las películas de cómics de acción real?

Lo han hecho. “Spider-Man: Across the Spider-Verse” no solo amplía la historia de Miles Morales. La película avanza esa historia hacia nuevos reinos de asombro que la convierten en una genuina pieza espiritual que acompaña a la primera película. Ese nos hizo girar la cabeza y algo más; este nos hace girar la cabeza aún más. La película abre con un preludio diseñado para lanzarnos a la historia de Gwen Stacy (Hailee Steinfeld), la baterista de rock y Spider-Woman de blanco, en imágenes de amplio expresionismo que hacen que la primera película parezca un documental de verdad. Pensamos: ¿Es aquí adonde van? No, solo están jugando. Pero la historia de Gwen pone varios aspectos en juego, ya que su padre, un capitán de policía, culpa (erróneamente) a Spider-Woman por la muerte de Peter Parker. Esta será una película sobre la gravedad de la responsabilidad.

Miles, expresado con una arrogancia creciente por Shameik Moore, ahora es un maestro de la lucha contra el crimen de 15 años de edad en su dominio de Spider-Man de Nueva York, pero a medida que aprendemos, eso es más o menos un guiño. La película nos enreda en un conflicto de telenovela entre Miles y sus padres, Jefferson ( Brian Tyree Henry ) y Rio (Luna Lauren Vélez), quienes aún no tienen idea de que él es Spider-Man y, por lo tanto, encuentran muchos de su comportamientos como erráticos y perturbadores. Se presenta como un mentiroso, un adolescente con problemas ocultos (razón por la cual sus padres lo siguen castigando). Pero ese es el menor de sus problemas.

Aparece un supervillano: The Spot, también conocido como Jonathan Ohnn (Jason Schwartzman), un ex geek de la ciencia que trabajaba para Alchemax y fue mutilado genéticamente por la espectacular implosión del colisionador causada por Miles en la primera película. Ohnn ahora es una figura completamente blanca con manchas de tinta de agujero negro en su cuerpo que resultan ser portales al multiverso. Tiene más poder del que cree y busca venganza. Entre el drama familiar y este némesis lívido que cambia de forma, creemos que nos estamos preparando para un enfrentamiento de cómic convencional; sin embargo, la versión de esta película es mucho más que otro espectáculo de acción de Marvel.

Es más raro, más salvaje y mejor que eso. La película nos da tiempo para deleitarnos con la belleza tranquila de una escena en la que Miles y Gwen se unen, colgados boca abajo, en la cúpula de la Torre del Banco de Ahorros de Williamsburg, o para notar que la textura de la piel de los personajes está salpicada en puntos pixelados de libros de comics. Pero eso es antes de que Miles se sumerja en el multiverso: primero en Mumbai (o en la versión alternativa de ciencia ficción dibujada a mano), donde conoce a varios nuevos Spider-Folks, incluido Spider-Man India (Karan Soni), que es como la estrella de una banda de chicos de 2033; Jessica Drew (Issa Rae), una Spider-Woman imperiosa y embarazada; y, lo más espectacular, Spider-Punk (con la excelente voz de Daniel Kaluuya), un rufián londinense con estilo mohicano que se visualiza con una guitarra colgada de la espalda, como la versión ambulante de la portada del álbum Sex Pistols. La audiencia todavía está en el modo convencional de acuerdo, así que este debe ser el nuevo equipo de superhéroes, incluso cuando los personajes fallan en pinturas cubistas psicodélicas. Pero una vez que el episodio de Mumbai termina con la victoria, Miles es absorbido por el cuartel general de Spider-Man: el centro neurálgico futurista de Spider-Society, donde se reúnen hasta el último Spider-Man, hay cientos de ellos.

La película se divierte mucho con esto, presentando versiones de Spider-Man que son autos, videojuegos, gatos y dinosaurios. Peter Parker de Jake Johnson regresa, ahora con su actuación en conjunto y un Spider-tot a cuestas. Pero si todo esto fuera solo una broma, todo podría colapsar. En cambio, las apuestas aumentan, con el hermano de Spider-Man asumiendo una dimensión más compleja e incluso siniestra. El lugar está dirigido por Miguel O'Hara (Oscar Isaac), el “vampiro ninja” Spider-Man y el único Spider-Man que aparentemente carece de sentido del humor; es una figura ceñida y llena de cicatrices que mantiene el orden sagrado del lugar. Para preservar ese orden, hay historias en el canon de Spider-Man que no se pueden violar, como la muerte del tío Ben. Son como mitologías. Y a medida que el irritable pero amoroso padre de Miles es ascendido al puesto de capitán del Departamento de Policía de Nueva York, se convierte en uno de esos personajes. Miles tendrá que hacer algo muy oscuro para preservar la integridad del Spider-Verse.

Es una situación espinosa y dramáticamente convincente, todo gira en torno a la línea que alguien le dice a Miles: "No hay un libro de jugadas para ser alguien como tú". Eso llega a casa en la vertiginosa secuencia de persecución en la que Miles, perseguido por cientos de Spider-Men demencialmente diversos, intenta escapar del cuartel general de Spider-Man y volver a casa. En la primera película, todavía estaba aprendiendo a balancearse de su red como enredaderas. En este, aprovechando sus poderes de invisibilidad y electrificación, es como si tuviera que convertirse en un gimnasta existencial que opera de acuerdo con las leyes del ajedrez tridimensional. La película nos conecta a un escalón completamente superior de los videojuegos. Para luego dar el verdadero twist.

“Spider-Man: Across the Spider-Verse” termina con un suspenso: la decisión se tomó hace varios años de dividir la secuela en dos. Las series originales de suspenso, las que inspiraron "En busca del arca perdida", te hicieron esperar una semana. En este caso, tenemos que esperar más cerca de un año. Pero la impaciencia que ahora muchos sienten es realmente por la inversión que sintió la audiencia en la historia y en el audiovisual. “Spider-Man: Across the Spider-Verse” ha hecho un pacto con nosotros, uno que es cada vez más raro en el universo del cine pop. Es prometedor que la serie nos mantenga enganchados, en cada fotograma, a la sorpresa. Y el final con el que nos dejan solo garantiza que el espectáculo visual puede evolucionar aún más.

Crítica Cinéfila: The Little Mermaid

Ariel, la más joven de las hijas del Rey Tritón y la más desafiante, desea saber más sobre el mundo más allá del mar y, mientras visita la superficie, se enamora del apuesto Príncipe Eric. Si bien las sirenas tienen prohibido interactuar con los humanos, Ariel debe seguir su corazón. Así, hace un trato con la malvada bruja del mar, Úrsula, que le da la oportunidad de experimentar la vida en la tierra, lo que pone en peligro su vida y la corona de su padre.

Seguro toda una generación sigue sintiéndose consternada por los grandes cambios que Disney Studios ha decidido establecer con los remakes a live-action de los clásicos animados de princesas y aventuras con los que muchos crecieron o se desarrollaron. Y la gran polémica de estos lanzamientos ha sido La Sirenita, basado en la caricatura de 1989, protagonizada por Jodi Benson como la sirena Ariel en bikini que debe encontrar el amor con el príncipe Eric para deshacerse de una maldición y el control tiránico de su padre. No particularmente por la cantidad de efectos visuales que tendrán que manejar para recrear toda esa vida marina o incluso darle "naturaleza visual" a las sirenas, sino más bien por el hecho de que ahora Ariel es interpretada por la joven Halle Bailey, una cantante afroamericana. El hecho de que Ariel no sea blanca porque se supone la historia ocurre en Dinamarca afectó a muchas personas que atacaron a la joven actriz por las redes anticipando que no se creerían su personificación de este ser ficticio.

La realidad es que este es el más reciente intento del estudio de reinventar su establo de clásicos amados pero problemáticos. Estos remakes no han sido del todo exitosos, y van desde sorprendentemente impresionantes a nivel visual pero no solicitada (como El libro de la selva de 2016) hasta lo inútil y que deja cicatrices en la infancia (como Dumbo de 2019). 

Felizmente, La Sirenita salta cómodamente del lote de mala suerte. Sirve como un hermoso homenaje a la niñez de muchos y al mismo tiempo hace un mayor enfoque a su mensaje de identidad y el lugar al que se uno pertenece, añadiéndole el punto de representar a una comunidad no representada anteriormente. Esta vez, Halle Bailey (quien tiene cinco nominaciones al Grammy) aporta una fuerza emocional indiscutible a los números musicales, llenándolos de un anhelo tempestuoso, pero aún más importante, ella sin lugar a dudas es Ariel. En la pantalla, tiene un vataje y naturaleza genuina, eclipsando a casi todos los demás personajes, sobre todo al Príncipe Eric de Jonah Hauer-King. 

Aquí, al pobre tipo se le da incluso menos que hacer que en la caricatura y, mientras que él ensaya valientemente una especie de afabilidad desafortunada, en su mayoría parece inútil (si no fuese por el romance entre él y Ariel, la historia no lo necesitaría). Es el tipo de papel que Hugh Grant alguna vez hizo suyo, pero que ni la canción ni los ojos enamoradizos lograron demostrar su destello en pantalla. 

En apoyo, Daveed Diggs y Awkwafina sí son un buen valor como los amigos peleones de Ariel, el cangrejo Sebastian y el alcatraz Scuttle. Y como el Rey Tritón, Javier Bardem se balancea y frunce el ceño con toda la seriedad que esperarías de un hombre que una vez hizo un corte de pelo aterrador; sin embargo, no miento que esperaba más de este personaje y su actorazo. Ahora, la única que se coloca al mismo nivel en pantalla de Halle es la Ursula de Melissa McCarthy. Ella interpreta a la bruja del mar cefalópodo con mucho cinismo, sarcasmo y a su vez un toque cómico muy particular. Su obra maestra intrigante "Poor Unfortunate Souls" es una alegría irónica. 

Con la música de Alan Menken, quien también compuso para la caricatura, la música no se aleja demasiado de la familiaridad que complace a los fans. Sin embargo, la presencia de Lin-Manuel Miranda agrega un rap bienvenido y un funk de acero a la banda sonora, que de otro modo sería decorosa, pero así mismo actualiza la lírica a un público que no es el mismo que el de los 90. Me hubiera gustado algo de la escala que aportó a la coreografía en películas como In the Heights; pero aceptamos que todo el nivel de CGI cargado en escena no podía saturarse con los coletazos y patas de animales marinos danzantes. 

Mi mayor preocupación con esta película era como mostrarían las criaturas marinas virtuales. En general, sin embargo, la fusión funciona bien. Las imágenes digitales dan a las secuencias de acción un esplendor envolvente y una emoción punzante. De hecho, puede ser demasiado aterrador para algunos espectadores jóvenes: la niña a mi lado se metió en el regazo de su madre durante la presentación de Úrsula. Y los animales parlantes son bastante creíbles por la naturalidad de sus acciones. 

Otro aspecto a destacar es la reformulación e incluso aclaración de muchos detalles narrativos de la historia que no cabían en la película animada por el mismo formato en que se hizo. La idea de que la historia se desarrolle en una isla del Caribe le da una ambientación más tropical y la acerca más a la naturaleza de su mundo imaginario, y el concepto que cada hija de Tritón nació en uno de los siete mares justifica la diversidad intercultural de sus personajes. Habrán otros que no serán muy aplaudidos (como el hecho de que Eric ahora es adoptado), o algunos no muy aclarados (como la riña entre Ursula y Tritón), pero esto no le resta al desenvolvimiento rítmico de esta trama de dos horas y media que no se sintieron.

Casada con música nueva y su encantadora protagonista, The Little Mermaid justifica su brillante remake. Después de años de ir a la deriva, parece que Disney finalmente ha tropezado con terreno firme. Verdaderamente: la vida es (en su mayoría) mejor bajo el mar.