Crítica Cinéfila: The Little Mermaid

Ariel, la más joven de las hijas del Rey Tritón y la más desafiante, desea saber más sobre el mundo más allá del mar y, mientras visita la superficie, se enamora del apuesto Príncipe Eric. Si bien las sirenas tienen prohibido interactuar con los humanos, Ariel debe seguir su corazón. Así, hace un trato con la malvada bruja del mar, Úrsula, que le da la oportunidad de experimentar la vida en la tierra, lo que pone en peligro su vida y la corona de su padre.

Seguro toda una generación sigue sintiéndose consternada por los grandes cambios que Disney Studios ha decidido establecer con los remakes a live-action de los clásicos animados de princesas y aventuras con los que muchos crecieron o se desarrollaron. Y la gran polémica de estos lanzamientos ha sido La Sirenita, basado en la caricatura de 1989, protagonizada por Jodi Benson como la sirena Ariel en bikini que debe encontrar el amor con el príncipe Eric para deshacerse de una maldición y el control tiránico de su padre. No particularmente por la cantidad de efectos visuales que tendrán que manejar para recrear toda esa vida marina o incluso darle "naturaleza visual" a las sirenas, sino más bien por el hecho de que ahora Ariel es interpretada por la joven Halle Bailey, una cantante afroamericana. El hecho de que Ariel no sea blanca porque se supone la historia ocurre en Dinamarca afectó a muchas personas que atacaron a la joven actriz por las redes anticipando que no se creerían su personificación de este ser ficticio.

La realidad es que este es el más reciente intento del estudio de reinventar su establo de clásicos amados pero problemáticos. Estos remakes no han sido del todo exitosos, y van desde sorprendentemente impresionantes a nivel visual pero no solicitada (como El libro de la selva de 2016) hasta lo inútil y que deja cicatrices en la infancia (como Dumbo de 2019). 

Felizmente, La Sirenita salta cómodamente del lote de mala suerte. Sirve como un hermoso homenaje a la niñez de muchos y al mismo tiempo hace un mayor enfoque a su mensaje de identidad y el lugar al que se uno pertenece, añadiéndole el punto de representar a una comunidad no representada anteriormente. Esta vez, Halle Bailey (quien tiene cinco nominaciones al Grammy) aporta una fuerza emocional indiscutible a los números musicales, llenándolos de un anhelo tempestuoso, pero aún más importante, ella sin lugar a dudas es Ariel. En la pantalla, tiene un vataje y naturaleza genuina, eclipsando a casi todos los demás personajes, sobre todo al Príncipe Eric de Jonah Hauer-King. 

Aquí, al pobre tipo se le da incluso menos que hacer que en la caricatura y, mientras que él ensaya valientemente una especie de afabilidad desafortunada, en su mayoría parece inútil (si no fuese por el romance entre él y Ariel, la historia no lo necesitaría). Es el tipo de papel que Hugh Grant alguna vez hizo suyo, pero que ni la canción ni los ojos enamoradizos lograron demostrar su destello en pantalla. 

En apoyo, Daveed Diggs y Awkwafina sí son un buen valor como los amigos peleones de Ariel, el cangrejo Sebastian y el alcatraz Scuttle. Y como el Rey Tritón, Javier Bardem se balancea y frunce el ceño con toda la seriedad que esperarías de un hombre que una vez hizo un corte de pelo aterrador; sin embargo, no miento que esperaba más de este personaje y su actorazo. Ahora, la única que se coloca al mismo nivel en pantalla de Halle es la Ursula de Melissa McCarthy. Ella interpreta a la bruja del mar cefalópodo con mucho cinismo, sarcasmo y a su vez un toque cómico muy particular. Su obra maestra intrigante "Poor Unfortunate Souls" es una alegría irónica. 

Con la música de Alan Menken, quien también compuso para la caricatura, la música no se aleja demasiado de la familiaridad que complace a los fans. Sin embargo, la presencia de Lin-Manuel Miranda agrega un rap bienvenido y un funk de acero a la banda sonora, que de otro modo sería decorosa, pero así mismo actualiza la lírica a un público que no es el mismo que el de los 90. Me hubiera gustado algo de la escala que aportó a la coreografía en películas como In the Heights; pero aceptamos que todo el nivel de CGI cargado en escena no podía saturarse con los coletazos y patas de animales marinos danzantes. 

Mi mayor preocupación con esta película era como mostrarían las criaturas marinas virtuales. En general, sin embargo, la fusión funciona bien. Las imágenes digitales dan a las secuencias de acción un esplendor envolvente y una emoción punzante. De hecho, puede ser demasiado aterrador para algunos espectadores jóvenes: la niña a mi lado se metió en el regazo de su madre durante la presentación de Úrsula. Y los animales parlantes son bastante creíbles por la naturalidad de sus acciones. 

Otro aspecto a destacar es la reformulación e incluso aclaración de muchos detalles narrativos de la historia que no cabían en la película animada por el mismo formato en que se hizo. La idea de que la historia se desarrolle en una isla del Caribe le da una ambientación más tropical y la acerca más a la naturaleza de su mundo imaginario, y el concepto que cada hija de Tritón nació en uno de los siete mares justifica la diversidad intercultural de sus personajes. Habrán otros que no serán muy aplaudidos (como el hecho de que Eric ahora es adoptado), o algunos no muy aclarados (como la riña entre Ursula y Tritón), pero esto no le resta al desenvolvimiento rítmico de esta trama de dos horas y media que no se sintieron.

Casada con música nueva y su encantadora protagonista, The Little Mermaid justifica su brillante remake. Después de años de ir a la deriva, parece que Disney finalmente ha tropezado con terreno firme. Verdaderamente: la vida es (en su mayoría) mejor bajo el mar.

Crítica Cinéfila: Luca

La historia se desarrolla en un hermoso pueblo al lado del mar en la Riviera Italiana. Es la del crecimiento de un niño que experimenta un verano inolvidable con helado, pasta e interminables viajes en scooter. Luca comparte estas aventuras con su nuevo mejor amigo, pero toda la diversión se ve amenazada por un gran secreto: es un monstruo marino de otro mundo ubicado justo debajo de la superficie del agua. 

En 2012, Pixar lanzó "Brave", la poco convencional "película de princesas" ambientada en las Tierras Altas de Escocia, y con ella llegó "La Luna". Después de ver el corto de 7 minutos, “La Luna”, fue difícil concentrarse en la función. Es uno de los mejores cortometrajes de Pixar, lleno de un gran encanto, temas dinámicos sobre la unión familiar, la importancia de un trabajo bien hecho, y con un estilo distintivo que lo distingue no solo de otros cortometrajes de Pixar sino también de sus características. Ahora, diez años después del debut del cortometraje, el cineasta detrás de "La Luna”, Enrico Casarosa, finalmente ha presentado su ópera prima en Pixar, "Luca". Y como "La Luna”, es mágico, emotivo y diferente a todo lo que el estudio ha hecho antes. Si el cortometraje anunció a Casarosa como uno de los narradores más originales y distintivos del estudio, “Luca” lo confirma.

“Luca” tiene lugar en la Italia de la posguerra, en las aguas de una pequeña ciudad ficticia llamada Portorosso. Es en estas aguas donde vive, trabaja y tiene familias de una especie de monstruo marino. (Su aspecto es como una linda versión de las bestias que se ven en "The Shape of Water"). Un joven de una familia de monstruos marinos, Luca (Jacob Tremblay), anhela escapar de su existencia monótona. Esa fuga se presenta en forma de un encuentro casual con Alberto (Jack Dylan Grazer), un monstruo marino de su edad que se ha instalado en una isla cercana. Alberto le enseña a Luca que cuando sale del agua, se transforma en un humano y puede caminar entre ellos (si vuelve al agua o se salpica, vuelve a su forma acuática). Juntos, hacen un plan audaz para visitar Portorosso, a pesar de que es una pequeña comunidad obsesionada con la pesca (y profundamente desconfiada de las criaturas de las profundidades, gracias a las leyendas locales sobre monstruos marinos), donde obtendrán una Vespa y viajarán por el resto del mundo humano. También en la agenda: comer toneladas de helados y pastas.

En lo que respecta al alto concepto, “Luca” es una de las mejores en cuanto a las presentaciones adorables de Pixar. Presenta un acertijo identificable (los padres sobreprotectores de Luca, interpretados por Maya Rudolph y Jim Gaffigan, quienes prohíben su intento de aventurarse), inmerso en el marco de una fábula clásica (en la línea de algo como "La Sirenita"), con lo suficientemente moderno en su trama y las complejidades temáticas para mantenerlo atractivo y contemporáneo. Si esta ingeniosa presunción fuera todo lo que "Luca" hizo especial, sería bastante fenomenal. Afortunadamente, sin embargo, hay mucho más debajo de la superficie.

Por un lado, está el aspecto único de la película. Casarosa ha dicho que se inspiró en una variedad de estilos de animación, incluida la animación stop-motion del estudio británico Aardman y, por supuesto, la animación tradicional de Studio Ghibli y su cineasta estrella Hayao Miyazaki. Los personajes mismos tienen un aspecto mucho más exagerado y caricaturesco. Sus movimientos a menudo se recortan o empujan de maneras que son muy diferentes de una función tradicional de Pixar, que a menudo se inclina por el lado del realismo.

"Luca" está más interesado en la verdad emocional, en la forma en que algo se siente y en cómo se ve. Y la estilización algo intensificada nunca se interpone en el camino de esas emociones; en todo caso, los eleva. También le permite a Casarosa y su equipo ir más allá en términos de intensidad sin dejar de mantener una clasificación PG apta para familias (en particular, hay una escena en la que un matón local se vuelve físico que hubiera sido mucho más sorprendente sin esta estética). Hay un suave surrealismo en la película, tanto en la apariencia como en la narración que ocasionalmente se desplaza hacia el territorio de los sueños (Casarosa también ha citado a Federico Fellini como una influencia). A diferencia de "Soul" que separó el reino fantástico del nuestro, "Luca" tiene éxito al hacer que el mundo real sea más mágico.

También está la relación en el corazón de "Luca" que lo distingue. Se ha hablado mucho de las similitudes de la película, al menos superficialmente, con "Call Me By Your Name", otra historia ambientada en una Italia soleada. Su cineasta ya ha descartado las similitudes por completo, sin embargo la comparación existe de manera impresionante. Nunca está implícito explícitamente que las criaturas marinas tengan sentimientos el uno por el otro, pero su relación es claramente más romántica que cualquier otro dúo de Pixar del mismo sexo que no coincida. Y mientras los cineastas afirman que no hay nada ahí, existe una clara sensualidad en la forma en que interactúan los personajes, en sus miradas y toques. También está el tema de que "Luca" es una historia sobre cómo ocultar quién eres de quienes te aman (como la familia humana con la que se enganchan los chicos, incluida una niña que crea fricciones entre Alberto y Luca) debido a los temores dominantes de ser rechazados o repudiados. Es aceptación, no una Vespa nueva y reluciente, lo que los chicos anhelan con tanta desesperación, entre ellos, sus familias y la comunidad que los rodea. Ahora, metafóricamente hablando, este escenario se puede aplicar a muchas experiencias; la especificidad de la relación de Alberto y Luca la hace universal.

Vale la pena señalar que "Luca" no se desvía de la tradición de Pixar en un área clave: tiene un final absolutamente devastador que te dejará destrozado y probablemente sollozando. La relativa simplicidad de la historia de "Luca", sobre todo viniendo tan pronto después del "Soul" filosófico, le da este poder único. Hay momentos en los que indudablemente llorarás solo por la pura belleza de lo que estás viendo, no solo por la animación (con su trabajo de diseño, iluminación y fotografía virtual de primer nivel) sino por la alegría pura de la historia en sí. Esta película llenará tu corazón. Casarosa es un artista con una verdadera perspectiva, intrépido en sus impulsos creativos e ilimitado en su compasión, y “Luca” es una expresión pura de estas sensibilidades.

Crítica Cinéfila: Good Boys

Después de ser invitados a su primera "fiesta del beso", tres buenos amigos (Jacob Tremblay, Keith L. Williams y Brady Noon) destrozan por casualidad un dron que tenían prohibido tocar. Para reemplazarlo, se ausentan de clase y toman una serie de decisiones erróneas, involucrándose en un caso relacionado con droga, policía y, sobre todo, con muchas lágrimas.

El guionista de "The Office" Gene Stupnitsky y su co-escritor Lee Eisenberg siguen muchos de los ritmos familiares de una historia sobre niños del vecindario que solo quieren divertirse. Pero esa fórmula nunca se ha centrado en los estudiantes de sexto grado, y el valor de entretenimiento de verlos maldecir a través de una aventura de locura durante todo el día inyecta un nuevo valor de entretenimiento en una rutina familiar. Si bien el ritmo es irregular y no todos los chistes aterrizan, "Good Boys" logra ser adorable y retorcido al mismo tiempo.

El trío de amigos en el centro de la película es una mezcla de "Stand By Me" y "Stranger Things", en circunstancias más ligeras. Jacob Tremblay interpreta al miembro más sensato de un grupo de amigos que se hacen llamar "The Beanbag Boys" por ninguna otra razón que no sea que les gustan ese tipo de sillas/almohadas. Los niños pasan todo el tiempo juntos, andan en bicicleta por el vecindario y se sientan juntos en la cafetería inmersos en los desafíos peatonales de la vida cotidiana de los preadolescentes. Pero fragmentos de futuros desarrollos ya han comenzado a desafiarlos.

Solo están comenzando a comprender los desafíos emocionales de crecer: Thor (Brady Noon) alberga ambiciones de teatro musical, pero los bulliers de la clase le dan tanta dificultad que decide abandonar la obra de la escuela; el ingenuo Lucas (Keith L. Williams) sostiene una conversación con sus padres, quienes le explican que se están separando. "Good Boys" llega a su momento más genuino cuando los niños cantan "Walking on Sunshine" durante la clase de música de la escuela, mientras las lágrimas corren por las mejillas del pobre Lucas. Para una película que fomenta el cacareo en voz alta constante, "Good Boys" también tiene una buena cantidad de momentos emotivos.

Las dificultades personales de los niños se desvanecen en el fondo siempre y cuando los niños permanezcan juntos, pero el futuro de su dinámica se ve desafiado una vez que Max es convocado a la mesa de los niños populares durante la hora del almuerzo y recibe una invitación para una próxima "fiesta" esa noche donde habrán niñas y posibles besuqueos. Su verdadero enigma es darle la noticia a sus amigos de que no están invitados.

En cambio, los chicos deciden faltar a la escuela y pasar el rato en la casa de Max mientras su padre realiza una excursión y deja su drone desatendido. Sin saber cómo proceder con la idea misma de besar otras niñas, se embarcan en una serie de intentos de investigación equivocados: buscar porno en Google, practicar con la muñeca sexual de los padres de Max y, finalmente, intentar espiar a un par de adolescentes de al lado (Midori Frances y Molly Gordon). Max intenta este tercer enfoque usando el drone de su padre, pero cuando las chicas logran confiscar el dispositivo, los Beanbag Boys se encuentran en medio de un enfrentamiento aún más dramático. Y cuando Thor atrapa las "vitaminas" de las chicas de su cocina con la esperanza de organizar un intercambio, no se da cuenta de que en realidad ha robado el molly que planean tomar más tarde.

"Good Boys" solo está acelerando su motor con esta versión vulgar de una versión de "Little Rascals" cuando los niños terminan corriendo por la ciudad en una carrera loca para recuperar el drone y descubrir qué hacer con las drogas robadas. En el proceso, la película se instala en una serie de viñetas en su mayoría satisfactorias, como un encuentro incómodo con un desconcertado oficial de policía, un intento de slapstick para cruzar la autopista y bromas recurrentes sobre cerraduras a prueba de niños. Stupnitsky y Eisenberg tienen una habilidad especial para habitar la mentalidad de sus jóvenes protagonistas, mientras discuten su acertijo con ingenua encantadora. La realización de películas nunca se fusiona con el mismo grado de inteligencia ofrecido por el concepto principal sobretodo porque se enfoca en contarse desde la visión e ingenuidad de sus protagonistas, pero el guión sobresale al transmitir la incapacidad de los niños para comprender el lenguaje adulto para describir su situación. La película existe dentro de los límites de la cosmovisión de los niños, ya que las cámaras permanecen a la altura de sus ojos.

Tremblay, de 12 años, no ha tenido prisa por encontrar material para expandir su rango después de su discreto debut en "Room", pero en "Good Boys" demuestra que es tan capaz de ser un niño de clase media alta. Sin embargo, el verdadero toque de éxito es su conjunto muy unido con los demás actores: Williams, como Lucas, tiene una simpatía increíblemente irreverente y un talento inexpresivo que insinúa un potencial cómico aún mayor a la vuelta de la esquina, mientras que Noon tiene el espíritu bribón de una versión joven de Jonah Hill. Mientras Thor intenta beber cerveza con los matones de la escuela secundaria para demostrar que es genial, Lucas come casualmente dulces y muestra poca ambición por algo más que apoyar a sus amigos.

El truco de "Good Boys" se vuelve agotador después de un tiempo, pero no antes de que los Beanbag Boys se enfrenten a varias complicaciones anárquicas que se extienden mucho más allá de su comprensión. Obligados a recuperar las drogas para las niñas que retienen al drone como rehén, los niños se enfrentan a una casa de fraternidad llena de niños universitarios desagradables, produciendo una pelea caricaturesca de primer nivel que involucra una pistola de pintura, tablas de padel y un bong. En otro lugar, descubren los juguetes sexuales de sus padres y llegan a la conclusión de que han encontrado armas para defenderse. Incluso cuando "Good Boys" se instala en su acto final sin aventuras, sigue siendo una apuesta cinematográfica fascinante. 

La trama ofrece hilarantes recordatorios de la juventud de sus protagonistas en miniatura cuando sus travesuras golpean una serie de inconvenientes, y llega el momento más entrañable cuando tienen una pelea por su situación que amenaza el futuro de su amistad. El enfrentamiento llega justo a tiempo, como lo ha hecho en innumerables películas de amigos antes, pero ninguno de ellos termina con los niños en cuestión llorando como esta lo hace.

En sus momentos finales, "Good Boys" llega a un epílogo agridulce mientras contempla si los Beanbag Boys pueden mantener su vínculo más allá de la burbuja de la escuela secundaria, haciendo un mayor enfoque en la temática emocional que realmente desglozaba la película: la gran cuestión de cuánto puede tardar una amistad de colegio. Deja el futuro a largo plazo abierto, pero es divertido reflexionar sobre el potencial único de este proyecto a largo plazo.

The Predator

Cuando el pequeño Rory activa accidentalmente el regreso a la Tierra de los yautjas, desencadenará la vuelta de los cazadores más letales del universo, una especie extraterrestre caracterizada por convertir en su trofeo al resto de criaturas y por obtener su poder a través de la hibridación. Ahora, estos alienígenas han mejorado su ADN y ahora son aún más peligrosos, fuertes, inteligentes y mortales. Por eso, solo un grupo de exsoldados y una profesora de ciencias podrán evitar el fin de la humanidad.

El tema con las secuelas: algunas funcionan y otras no. Algunas tienen gran éxito taquillero, otras tienen éxito en la crítica. Pero en la gran mayoría de las ocasiones demuestran que no todas las historias valen la pena seguir siendo contadas.

Quinn McKenna (Boyd Holbrook) es un ex francotirador del ejército de EE.UU. convertido en mercenario de alquiler, a punto de acabar con los malos en una situación de rehenes mexicanos cuando él y su unidad se distraen con una nave espacial estrellándose. McKenna termina siendo el único superviviente de un encuentro con su ocupante hostil; huye con las herramientas de batalla que roba de la nave espacia y las envía a casa en Estados Unidos. Mientras tanto, la bióloga evolutiva Dra. Casey Brackett (Olivia Munn) es secuestrada de su trabajo universitario en un laboratorio secreto del gobierno donde un "depredador", uno de los varios que visita la Tierra desde 1987, está cautivo bajo sedación. Cuando sus caminos se cruzan, descubrirán la razón por la que este ser alienígena ha llegado a la Tierra, obligándolos a enfrentarse, a pesar de poner sus propias vidas en peligro.

¿Alguna película de "Predator" desde el original de 1987 ha funcionado? Seguro que no. Muy por el contrario cada una llega decepcionando a su audiencia: "Predator 2" fue un exagerado desastre y uno de esos casos sobre "mientras más grande no sera mejor"; las dos películas de "Alien vs. Predator" tomaron dos conceptos sumamente interesantes y los convirtieron en un vómito espacial. Los "depredadores" sombríamente contrastantes de 2010 fueron eficientes, pero no lo suficiente. Y con esta última, la saga dice a gritos que ya no más.

A pesar de que todos los personajes tienen tremenda química en la historia y funcionan como equipo de aventuras, no funcionan por sí solos (con excepción de Rory, que es un superdotado y sí se merecería una película para sí). Los personajes son demasiado conflictivos, y a pesar de que sus debilidades son necesarias para que exista trama en la historia, sus debilidades parecen desecharse, o peor, son ignoradas y los personajes siguen adelante con ellas o mueren en el intento. A su vez, muchos de los personajes se muestran demasiado exagerados en muchas ocasiones (sobretodo aquellos que tienen PTSD) y toman decisiones que cuando logran sobrevivir solo dejan esa gran cuestión de "¿cómo lo lograron?". 

Y si los protagonistas eran problemáticos, los antagonistas eran peores: el personaje de Sterling K. Brown es su peor interpretación, pues sus acciones y líneas caen en lo ridículo, y su crueldad no tiene razón de ser. Los depredadores resultan ser tan solo puro músculo y ataque, la justificación de su visita que les quisieron dar se quedó corta cuando la furia se le subió a la cabeza. Así mismo, a la historia le hace falta mucha lógica para que todo lo que acontece tenga sentido: no solo en las decisiones de los personajes, sino en el orden que los sucesos fueron aconteciendo. El tono por igaul es extremadamente confuso, pues no sabes cómo sentirte, si asustado, triste o emocionado; es una mezcla de emociones y situaciones en que ni siquiera el hecho de estar entretenido es suficiente para entender y disfrutar la película. Lo único salvable de esta historia son los efectos especiales y la escenografía, que es lo que verdaderamente llama la atención y da esa sensación de películas de ciencia ficción/aventuras.

Los valores de producción están muy bien realizados en todos los ámbitos, pero no es lo mismo que decir que la película tenga estilo. A nivel narrativo, el resultado termina siendo desastroso, decepcionante y puro chiste, donde solo nos preguntamos a dónde quedaron los clásicos y por qué las productoras de cine tiene tanto afán por evolucionarlo.

Wonder

Un niño de 10 años (Jacob Tremblay, conocido por 'La habitación') nacido con una deformidad facial que le ha obligado a ser operado 27 veces de cirugía, se esfuerza por encajar en su nuevo colegio. (FILMAFFINITY)

Hay historias basadas en hechos reales y otras en temas reales. El cine se enriquece a diario de ellas, y no importa cual elijan, siempre serán entretenidas y asombrosas para aquellos que desconocen ese tema, hecho, persona o lugar. Esto es aún más interesante si se trata de un niño o niña narrando la historia.

Auggie Pullman es un niño que nació con una condición facial conocida como el síndrome de Treacher Collins. Hasta ese momento en su vida, estudiaba en casa y las únicas personas con quienes se relacionaba eran sus padres, su hermana y la mejor amiga de su hermana. Pasa al 5to nivel de primaria y su madre decide que ya es tiempo de estar en una escuela normal con otros niños, y a pesar de que auggie sabe cuál es la realidad que se le avecina, la acepta. Los primeros días de clase le demuestran al resto la excelente educación de Auggie, pero a la vez son difíciles pues ningún niño se le quiere acercar con temor a que se le pegue "la plaga".

Cada personaje existente en el filme es importante para el desarrollo de la trama. Lo mejor de la película es el elenco con el que cuenta, protagonizado por Jacob Tremblay, quien tuvo la tarea (otra vez) de robarse nuestros corazones, encarnando a este personaje. El hecho de estar totalmente transformado y desarrollándose con todas las condiciones físicas de su papel, demuestran una vez más el talento innato de este niño. El reparto es complementado con Julia Roberts y Owen Wilson, quienes cuentan con la experiencia y la capacidad de moldear sus personajes, con el objetivo de presentar una historia emotiva y cálida, capaz de ablandar cualquier corazón en casi todos los momentos de la historia.

La historia de Auggie es narrada en primera persona por su protagonista, quien guía a la audiencia en la difícil tarea de la crueldad de los niños frente a personas "diferentes". Lo que más atrae de la trama es que Auggie ya sabe cómo van a reaccionar las personas alrededor de él y sabe como seguir con su vida aunque las miradas hieran. Otro aspecto a destacar es que la historia nos permite conocer a las personas que rodean al protagonista y cómo deben sobrellevar esta situación.

La narración (o voz en off) es utilizada en el cine para complementar tramas dentro de la historia, y normalmente es desde el punto de vista de un solo personaje; no obstante, en Wonder, la narración es tomada por Auggie, su hermana, la mejor amiga de la hermana, y otros personajes. Eso le resta a la historia desde dos puntos: le quita la oportunidad de exponer con acciones de sus personajes y tiende a repetir aspectos que ya lo sabíamos, desde antes de que lo mencionaran. Si se hubiese narrado solo desde el punto de vista de Auggie solamente, hubiese sido mucho más interesante. Al igual que las narraciones, la fotografía se enfoca en destacar las distintas perspectivas de los personajes y cómo la historia va evolucionando a lo largo de la trama.

El director Stephen Chbosky (Beauty and the Beast, Perks of being a wallflower) narra esta historia, que podría ser melodramática y triste, pero termina siendo inspiradora y manipuladora de sentimientos, con el propósito de crear constantes reflexiones en el ser humano y cuestionarnos como podemos ser mejores para la sociedad.

Crítica Cinéfila: The Book of Henry

Una madre soltera, Susan, cría a dos niños, uno de ellos, Henry, es un genio. Susan descubre que la familia de al lado, donde vive Christina, una de las amigas de Henry, tiene secretos y que su hijo ha elaborado un plan para ayudar a Christina (FILMAFFINITY)

Henry es un chico superdotado, y eso lo sabemos desde el principio de la historia; justo en el momento en que comienza a hablar de cómo ve la vida. ¿Qué niño de 11 años tiene pensamientos tan analíticos? Pero aunque no lo parezca, estos niños sí existen en la vida real, y viven una realidad muy distinta al resto de los jóvenes de esa edad. En el caso de Henry, es quien se encarga de las finanzas de la casa, los cálculos de las cuentas por pagar, las deudas y los ahorros. Pero a parte, debe tratar de ser un niño común, defender a su hermano de los bullyers de la escuela y vigilar que el padrastro de su vecina no la maltrate.

Sin embargo, esta película tiene ciertas discordancias que provocan un caos dentro de la historia: no mantiene el género, el estilo ni el ritmo que plantea al principio de la trama, lo cual causa que sea confusa. Al inicio parece una comedia sobre un niño superdotado y su familia, después pasa a ser una trama de suspenso, una vez descubre el abuso intrafamiliar que vive la niña que le gusta/su vecina, y comienza a crear un plan de cómo ayudarla, que lo va registrando en su diario rojo. Después se convierte en drama, cuando se da a conocer que Henry tiene un tumor cerebral, matándolo a mitad de la historia (eso fue una movida bastante arriesgada). Va a thriller cuando la mamá y el hermano de Henry descubren su diario y el plan que tenía para salvar a Cristina, lo cual implicaba matar a su padrastro.

Tantos estilos implicados hacen que la historia tenga muchos cambios de tiempo, ritmo y secuencias, y crea un desorden que, por más que te guste la trama y sus actores, da la sensación de que se está viendo más de una película a la vez.

Por otro lado, y a pesar del buen elenco que pudo haber sido explotado en esta historia, los diálogos aniquilan la esencia de cada uno de sus personajes, llevándolos a lo convencional en términos de carácter. Ni siquiera Jacob Tremblay (que es el tipo de actor que sabe llevarse al público en el bolsillo) logra evitar caer en el cliché de su personaje, obligándolo a caer en el olvido total durante muchos momentos de la película. El papel protagónico, que en principios era Henry (Jaeden Lieberher), cambia a mitad del filme cuando su personaje muere, y pasa a Susan (Naomi Watts) cuando encuentra el diario y comienza a poner el plan en ejecución. Este cambio quizás no afecte tanto, porque no es la primera película que mata al protagonista mucho antes de que esta concluya... pero en este caso, no fue nada divertido verlo morir y que su madre sea la que asuma el verdadero objetivo de esta trama.

Aunque también confunda, la historia trata sobre el abuso infantil y cómo los niños también se dan cuenta de cuándo esto sucede a su alrededor. No importa si es bullying escolar o violencia intrafamiliar, es un tema que los afecta y que ellos tratan de buscarle solución. Aunque de una manera un poco arriesgada, Colin Trevorrow trató de buscarle la vuelta a la trama y darle al público la moraleja de "todo tiene solución, porque si no, no fuese un problema".

No obstante, creo que pudo haber sido mejor. Si hubiese mantenido un solo ritmo, menos diálogos para los personajes y más acciones como las que implementa Henry a principio de la historia, esta película hubiese tenido un final más agradable.