Crítica Cinéfila: The Son

La ajetreada vida de Peter junto a su nueva pareja Emma y su bebé se convierte en un caos cuando su ex esposa Kate reaparece con su hijo adolescente, Nicholas, un joven problemático con el que es difícil comunicarse, por agresivo y distante, y que acaba de abandonar la escuela. 

Desde Sófocles hasta Shakespeare, todo vuelve a la familia. Los escritores pueden obtener conceptos tan elevados como quieran, pero al final, los mejores narradores del mundo reconocen que nada es más potente, ni siquiera el amor romántico y banal, que las conexiones entre los niños y sus padres. Florian Zeller lo entiende. Antes de centrar su atención en la pantalla, este talentoso narrador escribió al menos una docena de obras, la más aclamada de las cuales fue una trilogía centrada en cómo los problemas de salud mental devastan a las familias burguesas aparentemente funcionales: “The Mother” (depresión), “The Father (demencia) y “The Son” (ya verás).

En el escenario, su estrategia ha sido mantener las situaciones visualmente simples, honestas y lo más universales posible. En 2020, dirigió a Anthony Hopkins y a sí mismo a un Oscar con “The Father”. Y ahora, con tantos mirando para ver qué hará a continuación, Zeller adapta su obra más personal, "The Son", sobre un adolescente depresivo de Nueva York que nadie parece entender, ni siquiera él mismo. “No soy como otras personas”, insiste Nicholas, de 17 años (Zen McGrath). "Estoy sufriendo todo el tiempo".

Es un grito de ayuda en una película en la que la gente quiere desesperadamente hacer lo correcto, pero nadie parece saber qué es eso, o de qué es capaz Nicholas. Esa incertidumbre le da a “The Son” su tensión: un bajo temor subconsciente de que algo terrible vaya a suceder, como si la tragedia fuera inevitable, pero no puedes estar seguro de qué forma tomará. La madre de Nicholas, Kate (Laura Dern), le dice al exmarido Peter (Hugh Jackman) que está asustada de su hijo en un tono que sugiere que lo admite por primera vez. Kate se presentó en la casa de Peter, un apartamento elegante que el abogado comparte con su nueva esposa Beth (Vanessa Kirby) y su bebé recién nacido, a una hora inapropiadamente tarde en busca de ayuda.

Nicholas ha faltado a la escuela durante casi un mes. Algo anda mal, pero el joven se niega a confiar en Kate. Quizá Peter pueda razonar con él, espera ella. Al día siguiente, Peter llega, duro pero preocupado, y trata de animar al niño a salir de lo que los padres llaman con optimismo una "fase", pero que, de hecho, es posible que nunca superen. Peter quiere que su hijo se sienta respetado. En la conversación de hombre a casi hombre que sigue, Nicholas termina preguntando si puede vivir con su padre, lo que pone en marcha el resto de "The Son".

En lugar de sentirse suelto y habitado, la adaptación de Zeller de su propia obra tiene una calidad ligeramente mayor, que no debe confundirse con "teatral": los decorados se sienten desconcertantemente poco decorados, como si los personajes estuvieran viviendo en una sala de exposición. El diseño de sonido se ha reducido, de modo que las sirenas y el ruido de la calle (casi constante en Nueva York) apenas se registran. El diálogo, adaptado al inglés con la ayuda de Christopher Hampton, sugiere lo que la gente podría decir en tal situación. Estas mismas preocupaciones han alimentado innumerables películas para televisión y, sin embargo, Zeller busca el tratamiento más "de buen gusto" posible. En lugar de simplemente desgarrarnos emocionalmente, lo que "The Son" inevitablemente logrará (y lo que quiere) es que el público piense.

Sobre todos los elementos, lo más destacable es la cuidadosa dinámica entre padre e hijo, un truco fascinante en el trabajo, incluso más sutil que el juego de manos que Zeller usó para hacer sentir al público como si estuviera perdiendo la cabeza lentamente (como el personaje de Hopkins) en “The Father”. En el papel de Peter, Jackman se convierte en un hombre atrapado en su propio tipo de actuación. El adicto al trabajo que rara vez está en casa quiere desesperadamente ser percibido como un patriarca ideal, pero parece saber (o sospechar) en el fondo que es un fracaso en ese departamento. Eso significa que Jackman está interpretando esencialmente a un hombre que quiere hacer el papel de un padre.

Si duda, considere una de las escenas definitorias de la película, cuando Peter se toma un raro descanso del trabajo para ver a su propio padre (Anthony Hopkins) para hacerle saber que está pensando en rechazar la oferta de un político de DC a supervisar su campaña, ya que Nicholas lo necesita. A Peter le parece la decisión correcta, pero Anthony ve a través de su agenda y le aconseja superar las cicatrices de su niñez.

Y ahí emerge otra dimensión del personaje de Jackman, que proviene de una generación en la que quedarse callado y soportar el dolor es visto como un signo de fortaleza personal. Hoy, la madurez emocional se asocia con las cualidades opuestas: la capacidad de identificar el propio trauma y aceptar el tratamiento, como intenta hacer Nicholas. Para su crédito, cuando no está demasiado distraído con el trabajo, Peter intenta comunicarse con su hijo. Es a través de una de estas conversaciones que Peter se entera de que el niño está profundamente traumatizado por la separación de sus padres. Esta revelación no se ofrece tanto como una "explicación". Nicholas claramente se siente traicionado y abandonado por su padre. 

Para los padres de Nicholas, así como para los padres y madres de la audiencia, es molesto ver a alguien tan joven abrumado por el mundo que lo rodea, un estado mental que McGrath interpreta de manera más sutil que Laurie Kynaston en la versión teatral del West End, donde el personaje garabateaba en las paredes y volcaba muebles agitado. No este Nicolás. Es en gran parte un cifrado, esconde un arma debajo de su colchón y muestra un interés inquietante en su hermanastro pequeño, a quien claramente ve como una especie de reemplazo. Este no es un papel fácil, ya que la más mínima amenaza probablemente sabotearía la sensibilidad de la interpretación de Zeller.

“The Son” no es un espectáculo fácil, pero es importante en un momento en que los jóvenes están en crisis constante. Solo mire las estadísticas, y está claro que la depresión, las autolesiones y el suicidio están aumentando en tasas alarmantes entre los adolescentes, y eso incluso antes de tener en cuenta los desafíos de la pandemia. Cuando Nicholas le pregunta a su padre sobre el rifle que vio en el cuarto de lavado, no está claro si este adolescente descontento planea usarlo contra sus compañeros de clase o contra él mismo. 

Beth está asustada, pero hace todo lo posible por ser una madrastra cariñosa, como en una escena atípicamente liviana cuando presiona a Peter para que demuestre su "famoso movimiento de cadera". Sale a la luz un vistazo detrás de la personalidad estelar de Hugh Jackman. Entre esto y "Bad Education", estamos viendo un nuevo capítulo de su carrera, ya que Jackman subsume su carisma natural para sugerir la inseguridad fundamental de Peter: quiere romper el ciclo, ser un mejor padre que el que tuvo. Pero él no entiende a lo que se enfrenta, y al ver el desarrollo de "The Son", la tragedia de esta familia se convierte en la nuestra, y la advertencia de Zeller se vuelve imposible de ignorar.

Crítica Cinéfila: Never Rarely Sometimes Always

Viéndose obligada a sobrellevar un embarazo accidental y sin alternativas viables para poder realizar un aborto en su propio estado, Autumn decide aventurarse con su prima hacia Nueva York. Con la dirección de una clínica apuntada en un papel y sin un lugar en el que pasar la noche, las dos chicas se adentran en una ciudad que desconocen.

Con tres películas en su carrera, la cineasta Eliza Hittman continúa demostrando ser una de las cronistas favoritas de la juventud moderna más empáticas y hábiles del cine contemporáneo. It Felt Like Love (2013), Beach Rats (2017) y ahora "Never Rarely Sometimes Always", todas acercándose a los adolescentes con trabajos de medio tiempo y al borde del despertar sexual, a menudo de la variedad peligrosa. La capacidad de Hittman para escribir y dirigir películas tan sensibles se ha visto reforzada durante mucho tiempo por su interés en presentar talentos nuevos, tanto mejor para vender la veracidad de sus historias e introducir a actores emergentes dignos de gran atención. Con "Never Rarely Sometimes Always", Hittman continúa sus tradiciones, pero esta no es el tipo de película que muchos conjuntos convencionales apoyarían y harían, por la crudeza de sus situaciones.

La tranquila adolescente Autumn (Sidney Flanigan, en su debut como actriz) canta en un show de talentos de la escuela secundaria,  realizado con la temática de los años 70. La actuación dolorosa de Autumn de una canción sobre las terribles consecuencias del amor es valiente y más dramática cuando uno de sus compañeros le grita en medio de ella. Pocos minutos después se revelar la reputación que Autumn se ha ganado en la misma escuela.

Todo lo que esto significa para Autumn está en debate, pero pronto queda claro por qué está tan incómoda: está embarazada y está sola. A pesar de una madre cariñosa (Sharon Van Etten) y una vibrante mejor amiga y prima (Talia Ryder), Autumn es lo suficientemente inteligente como para darse cuenta de que tiene que darse cuenta de esto por sí misma, incluso con recursos limitados y la revelación de que su mejor opción no está disponible para ella. Cuando ella le dice a la doctora de la clínica aparentemente solitaria de su pequeño pueblo que no está segura de si quiere ser madre, todo lo que hemos visto hasta ahora (desde Autumn, de su familia, de su ciudad natal) apoya esa creencia.

El eventual deseo de Autumn de recibir atención médica de su elección la lleva a un viaje de confusión emocional y problemas burocráticos que se sentirán demasiado reales para cualquiera que haya experimentado incluso una fracción de su viaje de autodeterminación (y autocuidado). Ella y su prima Skylar deciden armar un viaje desesperante a la ciudad de Nueva York para conseguir un aborto.

Hittman diseña una extraña pareja con la que es fácil identificarse, y simplemente maravillosa de ver juntas en la pantalla. El romance entre hermanas/mejores amigas hace que la experiencia sea menos difícil, sobretodo en esa búsqueda de apoyo para este tipo de situaciones. Y aún con la química que mantienen ambas, cada una tiene su arma más letal e importante: Ryder como la más franca y vibrante de la pareja, mientras que Flanigan para algunos de los momentos dramáticos más notables.

El primer acto de la película es ocasionalmente tan duro como para restarle importancia al drama en su centro, a menudo en capas relativamente pequeñas de agresión masculina y toxicidad que, en el intento de Hittman de ilustrar el entorno en el que tanto Autumn como Skylar han sido criadas, caen extrañamente con simples detalles, desde el padre de Autumn (Ryan Eggold) como se muestra inmutado hacia su familia pero muestra cariño forzado hacia el perro de la familia, hasta los compañeros de clase que no tienen vergüenza para llamarla puta por disfrutar de la atención, y el espeluznante manager de las chicas Rick (Drew Seltzer) que se las juega de la manera más infraganti. Así mismo se ve todo desde el punto de vista femenino y la visión pasiva que muchas mujeres han sobrellevado en esta pequeña ciudad para evitar discusiones mayores o incluso queriendo mantener un pensamiento conservador que ya no luce en estos tiempos.

La película avanza una vez que las primas salen a la carretera y llegan a la ciudad de Nueva York por unos días vertiginosos que impactarán para siempre en sus vidas. En el camino, incluso se encuentran con el personaje masculino más convincente de la película, quien se encuentra con las chicas en el autobús y no deja de molestar a Skylar para una cita. Su marca de masculinidad tóxica está muy afinada, y es el tipo de hombre que seguramente se consideraría un "buen tipo", uno de los buenos, incluso cuando su presencia se vuelve aún más incómoda tanto para las chicas como para el público.

El vínculo entre Autumn y Skylar es el pulso principal de la trama que, a pesar de su tema y sus tragedias, no es solo el drama desgarrador que muchos podrían esperar. Sí, es un examen abrasador del estado actual de las delicadas leyes de aborto de Estados Unidos y los profesionales médicos encargados de hacerlas cumplir (desde los pequeños críticos hasta los de gran corazón). Si la trama puede tener algún impacto en sus consumidores, la película se quedará con muchos de sus espectadores, tal vez incluso cambiando las creencias arraigadas. Pero también es una mirada singular a lo que significa ser una adolescente hoy en día, con toda la alegría y el dolor que conlleva. Autumn y Skylar nunca serán tan vulnerables como lo son ahora, cruzando la línea entre niña y adulta, y haciendo todo lo posible para tomar las decisiones correctas por sí mismos.

Crítica Cinéfila: Good Boys

Después de ser invitados a su primera "fiesta del beso", tres buenos amigos (Jacob Tremblay, Keith L. Williams y Brady Noon) destrozan por casualidad un dron que tenían prohibido tocar. Para reemplazarlo, se ausentan de clase y toman una serie de decisiones erróneas, involucrándose en un caso relacionado con droga, policía y, sobre todo, con muchas lágrimas.

El guionista de "The Office" Gene Stupnitsky y su co-escritor Lee Eisenberg siguen muchos de los ritmos familiares de una historia sobre niños del vecindario que solo quieren divertirse. Pero esa fórmula nunca se ha centrado en los estudiantes de sexto grado, y el valor de entretenimiento de verlos maldecir a través de una aventura de locura durante todo el día inyecta un nuevo valor de entretenimiento en una rutina familiar. Si bien el ritmo es irregular y no todos los chistes aterrizan, "Good Boys" logra ser adorable y retorcido al mismo tiempo.

El trío de amigos en el centro de la película es una mezcla de "Stand By Me" y "Stranger Things", en circunstancias más ligeras. Jacob Tremblay interpreta al miembro más sensato de un grupo de amigos que se hacen llamar "The Beanbag Boys" por ninguna otra razón que no sea que les gustan ese tipo de sillas/almohadas. Los niños pasan todo el tiempo juntos, andan en bicicleta por el vecindario y se sientan juntos en la cafetería inmersos en los desafíos peatonales de la vida cotidiana de los preadolescentes. Pero fragmentos de futuros desarrollos ya han comenzado a desafiarlos.

Solo están comenzando a comprender los desafíos emocionales de crecer: Thor (Brady Noon) alberga ambiciones de teatro musical, pero los bulliers de la clase le dan tanta dificultad que decide abandonar la obra de la escuela; el ingenuo Lucas (Keith L. Williams) sostiene una conversación con sus padres, quienes le explican que se están separando. "Good Boys" llega a su momento más genuino cuando los niños cantan "Walking on Sunshine" durante la clase de música de la escuela, mientras las lágrimas corren por las mejillas del pobre Lucas. Para una película que fomenta el cacareo en voz alta constante, "Good Boys" también tiene una buena cantidad de momentos emotivos.

Las dificultades personales de los niños se desvanecen en el fondo siempre y cuando los niños permanezcan juntos, pero el futuro de su dinámica se ve desafiado una vez que Max es convocado a la mesa de los niños populares durante la hora del almuerzo y recibe una invitación para una próxima "fiesta" esa noche donde habrán niñas y posibles besuqueos. Su verdadero enigma es darle la noticia a sus amigos de que no están invitados.

En cambio, los chicos deciden faltar a la escuela y pasar el rato en la casa de Max mientras su padre realiza una excursión y deja su drone desatendido. Sin saber cómo proceder con la idea misma de besar otras niñas, se embarcan en una serie de intentos de investigación equivocados: buscar porno en Google, practicar con la muñeca sexual de los padres de Max y, finalmente, intentar espiar a un par de adolescentes de al lado (Midori Frances y Molly Gordon). Max intenta este tercer enfoque usando el drone de su padre, pero cuando las chicas logran confiscar el dispositivo, los Beanbag Boys se encuentran en medio de un enfrentamiento aún más dramático. Y cuando Thor atrapa las "vitaminas" de las chicas de su cocina con la esperanza de organizar un intercambio, no se da cuenta de que en realidad ha robado el molly que planean tomar más tarde.

"Good Boys" solo está acelerando su motor con esta versión vulgar de una versión de "Little Rascals" cuando los niños terminan corriendo por la ciudad en una carrera loca para recuperar el drone y descubrir qué hacer con las drogas robadas. En el proceso, la película se instala en una serie de viñetas en su mayoría satisfactorias, como un encuentro incómodo con un desconcertado oficial de policía, un intento de slapstick para cruzar la autopista y bromas recurrentes sobre cerraduras a prueba de niños. Stupnitsky y Eisenberg tienen una habilidad especial para habitar la mentalidad de sus jóvenes protagonistas, mientras discuten su acertijo con ingenua encantadora. La realización de películas nunca se fusiona con el mismo grado de inteligencia ofrecido por el concepto principal sobretodo porque se enfoca en contarse desde la visión e ingenuidad de sus protagonistas, pero el guión sobresale al transmitir la incapacidad de los niños para comprender el lenguaje adulto para describir su situación. La película existe dentro de los límites de la cosmovisión de los niños, ya que las cámaras permanecen a la altura de sus ojos.

Tremblay, de 12 años, no ha tenido prisa por encontrar material para expandir su rango después de su discreto debut en "Room", pero en "Good Boys" demuestra que es tan capaz de ser un niño de clase media alta. Sin embargo, el verdadero toque de éxito es su conjunto muy unido con los demás actores: Williams, como Lucas, tiene una simpatía increíblemente irreverente y un talento inexpresivo que insinúa un potencial cómico aún mayor a la vuelta de la esquina, mientras que Noon tiene el espíritu bribón de una versión joven de Jonah Hill. Mientras Thor intenta beber cerveza con los matones de la escuela secundaria para demostrar que es genial, Lucas come casualmente dulces y muestra poca ambición por algo más que apoyar a sus amigos.

El truco de "Good Boys" se vuelve agotador después de un tiempo, pero no antes de que los Beanbag Boys se enfrenten a varias complicaciones anárquicas que se extienden mucho más allá de su comprensión. Obligados a recuperar las drogas para las niñas que retienen al drone como rehén, los niños se enfrentan a una casa de fraternidad llena de niños universitarios desagradables, produciendo una pelea caricaturesca de primer nivel que involucra una pistola de pintura, tablas de padel y un bong. En otro lugar, descubren los juguetes sexuales de sus padres y llegan a la conclusión de que han encontrado armas para defenderse. Incluso cuando "Good Boys" se instala en su acto final sin aventuras, sigue siendo una apuesta cinematográfica fascinante. 

La trama ofrece hilarantes recordatorios de la juventud de sus protagonistas en miniatura cuando sus travesuras golpean una serie de inconvenientes, y llega el momento más entrañable cuando tienen una pelea por su situación que amenaza el futuro de su amistad. El enfrentamiento llega justo a tiempo, como lo ha hecho en innumerables películas de amigos antes, pero ninguno de ellos termina con los niños en cuestión llorando como esta lo hace.

En sus momentos finales, "Good Boys" llega a un epílogo agridulce mientras contempla si los Beanbag Boys pueden mantener su vínculo más allá de la burbuja de la escuela secundaria, haciendo un mayor enfoque en la temática emocional que realmente desglozaba la película: la gran cuestión de cuánto puede tardar una amistad de colegio. Deja el futuro a largo plazo abierto, pero es divertido reflexionar sobre el potencial único de este proyecto a largo plazo.

Crítica Cinéfila: Five Feet Apart

Dos adolescentes que se encuentran en el hospital, ambos con enfermedades muy graves que amenazan sus vidas, se conocen y comienzan a enamorarse el uno del otro.

"Five Feet Apart", el primer largometraje del director Justin Baldoni, es un romance que se centra en torno a dos adolescentes que viven con fibrosis quística. En última instancia, no es más que un tratamiento de la banda de cobertura de "The Fault in Our Stars", pero al menos tiene un infierno de primera línea en Haley Lu Richardson. Recién salida de "The Edge of Seventeen" y "Support the Girls", Richardson le da un giro de estrella tan carismático y seguro, ya que la película es formulable y olvidable, aportando alma, estilo y matices a un personaje que ya hemos visto antes.

Richardson, un talento excepcional en un mar de adecuación bien intencionada, interpreta a Stella, una estudiante de secundaria brillante y muy optimista que ha estado lidiando con la fibrosis quística desde su infancia. El inicio de la película la situa ingresando en el hospital para otra estadía prolongada, y no pierde el tiempo decorando cada centímetro de su habitación, organizando sus píldoras en filas con códigos de colores perfectos y armando listas detalladas de tareas para cada día, diseñando aplicaciones desde la cama y transmitiendo en vivo sus sesiones de tratamiento mientras espera un trasplante de pulmón; convirtió su rincón del hospital en una especie de segundo hogar, manteniendo un diálogo continuo con la enfermera jefa materna Barb (Kimberly Hebert Gregory) y su mejor amigo Poe (Moises Arias), un paciente de larga estancia.

Pero esta vez, hay un nuevo niño en la sala: Will (Cole Sprouse), sarcástico, vagamente rebelde, humeante y "guapo", quien ha llegado para someterse a un ensayo clínico experimental, y su actitud arrogante hacia su propio tratamiento eleva los problemas de la exagerada disciplina de Stella. Por supuesto, la película conspira para juntarlos casi de inmediato, y se calientan entre sí a través de un cortejo apresurado de nuevo, golpeando acuerdos de quid-pro-quo, FaceTiming entre sí durante la noche, e inevitablemente golpeando los topes de velocidad cuando se rozan con los secretos y traumas de cada uno.

Sin embargo, existe un obstáculo mucho más grande para su relación que las típicas crisis de las comedias románticas: los "CFers", como se refieren los personajes a sí mismos, se les dice constantemente que observen la "regla de los seis pies", manteniendo una distancia segura de otras personas con fibrosis quística para evitar la infección cruzada. Esta es una preocupación particular cuando se trata de Will, que está infectado con la peligrosa bacteria B cepacia, y aumenta enormemente el riesgo para Stella si se acerca demasiado a él. Así que no solo su romance en ciernes es perseguido por el espectro muy real de la mortalidad temprana, sino que ni siquiera pueden tomarse de las manos, y mucho menos besarse.

Muchos se preguntarán entonces por qué se llama Five Feet apart, si la regla es de 6 pies. Pero es más bien una ruptura del personaje principal que, cuando se da cuenta de sus sentimientos hacia su "amado" querrá romper la regla, bajo su propio riesgo, y tratar de acercarse a este con una diferencia de 5 pies... que románticos.

El guión, escrito por Mikki Daughtry y Tobias Iaconis, no puede evitar saturar las obras con artilugios y diálogos confusos. El manejo del personaje de Poe recae en algunos desafortunados tropos de "mejor amigo gay" que uno podría haber esperado que hubiéramos dejado atrás hace mucho tiempo, y su tercer acto de telenovela ofrece un montón de giros melodramáticos, que solamente hacen reír al éxtremo a toda la audiencia. Por supuesto, la audiencia pasa a llorar abiertamente ante el desenlace de la película, lo cual es un gran logro para el cineasta. Pero el pasaje intermedio de la película es capaz de generar una dulzura genuina, en gran parte debido al magnetismo discreto de Richardson y Sprouse.

Cuando la pareja finalmente se aleja para ir a una cita (manteniendo un taco de billar entre ellos para mantener su distancia, así como para servir como fuente de contacto sustituto) Baldoni cultiva algunas chispas reales, e incluso un toque de calor castamente sensual, a pesar de salir raramente del ámbito hospitalario. Es en estas escenas, mucho más que en sus secuencias bienintencionadas pero casi académicas que explican los desafíos de la fibrosis quística, que “Five Feet Apart” logra humanizar los efectos de la enfermedad de manera más tangible y afectiva. Si solo el resto de la película hubiera seguido su ejemplo, podría haberse elevado al nivel de su estrella.

Mid90s

Stevie, un chico de 13 años que vive en el Los Ángeles de los años 90, pasa el verano lidiando con los problemas de su vida doméstica y viendo a su nuevo grupo de amigos que ha conocido en una tienda de skate.

Jonah Hill hace su debut como director bajo el lente sobre un joven que trata de crear balance entre la vida que ya tiene y la que diariamente se ilusiona. El protagonista es Stevie, un niño que trata de encontrar que hacer en un caluroso verano de Los Angeles. Como cualquier otro niño de su edad, los entretenimientos de su hogar no son suficiente para quemar su energía, y cuando se topa con un grupo de cuatro adolescentes, mayores que él, se impulsa a sí mismo a acercárseles y ser parte de su grupo, lo cual al principio parecía ser el asistente de mandados, pero terminó entrando y creando amistades honestas. 

Sunny Suljic interpreta a Stevie, dejándose torturar por su hermano mayor, tolerando la transparencia de su joven madre y obligándose a sí mismo a aprender a montar skateboard, solo por querer ser parte de este banda de adolescentes, que a primera impresión parecerán una banda de delincuentes, pero quienes muy en el fondo terminan siendo niños con sueños, frustraciones e incluso mensajes profundos.

Agregue el nombre de Jonah Hill a la lista de actores que han dado el salto exitoso a la dirección. Pero no solo eso, ha escrito y dirigido una joya ambiciosa, segura y rica que no toma atajos mientras Hill traza la historia de la madurez de un niño a mediados de la década de 1990, y lo hace con un toque de confianza que usted juraría que había aprendido de los mejores directores de cine. Pero lo que quizás sea más sorprendente es que se siente como una película personal. Hill no está haciendo ninguna imitación, ya que apuesta lo que seguramente será una larga carrera como cineasta con una película que es agridulce pero real.

La película parecerá ligera de trama, pero los personajes son lo que le dan verdadero peso, con realidades, personalidades y actitudes que muchos adultos los categorizarán como adelantados a lo que le corresponde, pero solo actuan acorde a lo que su propia realidad los ha empujado, aunque esto signifique alcohol, cigarrillos e incluso drogas. Donde su edad no es ningún impedimento, y mucho menos una excusa para lograr lo que sea que se propongan, ya sea emborracharse hasta no poder, o querer dedicarse apasionadamente al skateboarding.

Lo más impresionante de esta historia es que Hill le confía los papeles estelares a niños que hacen su debut en el mundo de la actuación. Con excepción de Sunny, a quien ya habíamos visto en The House with a Clock in its Walls y The Killing of a Sacred Deer, el resto son jóvenes que si habían aparecido en la pantalla anteriormente, no tuvieron papeles tan relevantes como lo tienen en esta historia. Pero es muy clara la honestidad y sencillez detrás de sus actuaciones que hace un equilibrio entre el pensamiento de los adolescentes de esa época, y las condiciones sociales por las que tienen que pasar para poder ser aceptados y aceptarse a sí mismos. Cada personaje es muy específico y singular, dándole la oportunidad a destacarse por su talento, su personalidad o por el rol que representan en la vida de Stevie. 

Del mismo modo, Lucas Hedges, quien es el hermano mayor de Stevie, que abusa de Stevie cuando su hermanito le es honesto en su propia cara, trae un papel que no habíamos visto en sus actuaciones anteriores, sacandolé de su zona de comfort y teniendo que hacer una evolución interesante de un personaje que se veía muy encerrado en su realidad de hermano mayor. Además de estas actuaciones, las mujeres de la película representan las etapas del protagonista, donde él tiene que decidir si se comportará como la edad que tiene o se adelantará a lo que todavía no le toca vivir.

La fotografía y la musicalización le hace honor a la época del título. Filmada en una super 16, le da una calidad visual muy específica de años atrás, creando la sensación de que se está viendo una película de los años 90, complementada con una lista de sencillos de hip hop de los 90, junto con una banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross. 

A pesar de los buenos tiempos que ha tenido el nuevo grupo de amigos de Stevie, hay una tragedia a lo largo de la película. Hill lo marca justo a la derecha, de modo que cuando la película finalmente comienza a revelar algo de la angustia dentro de los personajes, todo está bien establecido. Todo el mundo está roto y esta es una lección difícil de aprender a cualquier edad, pero se siente especialmente difícil para Stevie. 

A pesar de estar arraigada en la cultura del skate, Hill hace un trabajo excelente al hacer que la historia sea a la vez específica y universal. No tienes que haber sido un niño patinador para entender lo que se siente al no pertenecer a ningún grupo. Mid90s es una joya que se siente como algo profundamente personal, que fue filmado en esos años y recientemente desenterrado de una cápsula del tiempo, con un secreto que hace balance entre lo divertido, lo oscuro y lo dulce, pero a la vez real.

Eighth Grade

Kayla, una niña de 13 años, tendrá que lidiar con los terremotos de la adolescencia suburbana en la última semana de colegio, tras un año desastroso antes de empezar el instituto. (FILMAFFINITY)

Ser adolescente es una de las peores etapas de la vida. Tener que pasar por octavo grado, los terribles cambios en el cuerpo y agregarle las nuevas tecnologías, redes sociales y competencias virtuales, es un reto para todo joven de esa edad. Sobretodo cuando es una persona tímida, que está tratando de adaptarse, pero a la velocidad que van las cosas ella no logra encajar.

Kayla Day cursa el octavo grado en su última semana de secundaria. Publica videos de motivación en YouTube sobre la confianza y la autoimagen (a pesar de que ella representa todo lo opuesto a lo que dice en sus videos), mientras lucha en la escuela para hacer amigos, y gana el premio "la Más Silenciosa" de sus compañeros de clase. Mark, su padre soltero, lucha por conectarse con ella y romper su dependencia de las redes sociales. A lo largo de la historia, Kayla se dará cuenta que, no se trata de cambiar tu personalidad para adaptarte a los cambios, sino adaptarte a los cambios y ser tu mismo a la vez.

Para ser su primera película como director, Bo Burnham logra captar los miedos que se vive en la adolescencia: la pesadilla de no encajar con los demás, ser demasiado tímida o demasiado expresivo, no tener amigos o alguien con quien compartir. Cada una de las escenas de esta película son un llamado importante a la sociedad, no solo a los adultos y cómo manejar su relación con sus hijos, sino también a los jóvenes de esta edad, quienes no solo se enfrentan a los terrores de las redes sociales, sino también a los de carne y hueso que solo quiere hacerles mal (SUPER SPOILER: Hay una escena que la protagonista está sola en un carro con un chico. Se que muchos, sobretodo los que ya tienen hijos, se sentirán incómodos y asustados por lo que le pudiese suceder a la joven).

Otro aspecto a resaltar es que te lleva a todos los escenarios modernos de los jóvenes, haciendo una perfecto retrato de lo que significa ser adolescente en el siglo XXI: la escuela, las actividades sociales, la plaza, sus habitaciones y las redes sociales. Es un recorrido a reflexionar y comparar la adolescencia de los más adultos con la que viven muchos jóvenes de esa edad ahora mismo. 

Hay una escena en "Eighth Grade" donde el personaje principal, Kayla, recibe una invitación a una fiesta en la piscina lanzada por un compañero popular y a la que asisten todos los que la tímida chica desea poder emular. La brillantez de este momento tan "random", sin embargo, es que en este punto de la película, estás tan inmerso en la torpeza de la vida de Kayla, que su caminata larga y tímida desde el baño de invitados en su traje de baño a la piscina casi te hace sudar con ansiedad. Claro, solo son adolescentes. Pero al ver a la secundaria tomar su lugar en un pequeño rincón de la escena social activa, te preguntas si Kayla casi preferiría estudiar desde casa.

El personaje de Kayla es uno de los más interesantes de este año, debido al contraste que ella presenta entre la imagen digital que ha creado para poder obtener atención de personas online, a la incomodidad frenética, particularmente cuando entabla conversaciones con niños de su edad, que están demasiado consumidos con su propia ambivalencia para darse cuenta de que Kayla está tratando muy duro de tener amigos. Gran parte de su diálogo en la película se entrega directamente a la cámara mientras Kayla filma videos de YouTube en primera persona y autoayuda destinados a otros niños de su edad. Poco visto, los videos terminan siendo una crónica de un adolescente que le da a los demás el consejo que deseaba saber cómo poner en acción.

A su vez, Josh Hamilton, quien interpreta al padre de Kayla, hace un gran trabajo por encarnar la vida de un padre que trata día tras día de tener la mejor relación con su hija, quien desprecia sus intentos de acercarse y tener una conversación "normal", pero al final se da cuenta cuan orgulloso está de que sea su hija.

Por otro lado, el estilo cinematográfico empleado en esta historia parece ser expresado como un punto de vista, donde la audiencia está en las gradas tratando de apoyar a Kayla, pero está tan lejos que solo su voz interna es lo que puede escuchar. A su vez, traslada a la audiencia con un ritmo lento para ayudarle a entender cada etapa y el significado de cada momento en la historia.

Elsie Fisher hace un excelente retrato a la angustia diaria de los Millenials y otorga uno de los filmes más memorables del 2018, pues es dolorosamente real y empático con todo tipo de público que se atreva a sumergirse en los terrores de esta etapa.