Crítica Cinéfila: The Invite

Una pareja invita a los vecinos a su casa, lo que desencadena una velada llena de giros inesperados, revelando emociones profundamente reprimidas y una sexualidad inexplorada en esta historia que explora las complejidades de las relaciones de hoy en día. Basada en la obra de teatro Cesc Gay 'Los vecinos de arriba', que dio origen a su película 'Sentimental' (2020).

Cuando uno va al cine sabiendo que trata sobre dos parejas que se reúnen para una cena, existen ciertas expectativas sobre lo que va a suceder, expectativas que están prácticamente arraigadas en nuestro ADN cinematográfico. Uno espera que los diálogos, durante un tiempo, sean ligeros, divertidos, mordaces y cáusticos. Uno espera que, a medida que avanza la noche, las máscaras de cortesía se desmoronen, revelando algo más doloroso y quizás brutal bajo la superficie. Uno espera que haya una coquetería seria (entre quienes no son pareja) y que todo termine estructurado como una especie de juego de la verdad. Y uno espera que, al final, haya destrucción… pero quizás, en esa destrucción, una especie de sanación.    

“The Invite”, dirigida por Olivia Wilde (“Don't Worry Darling”) a partir de un guion de Will McCormack y Rashida Jones, y protagonizada por Wilde y Seth Rogen como una pareja de San Francisco, casada desde hace mucho tiempo, que se queja constantemente, y que invita a cenar a sus vecinos de arriba, es una película que cumple con todas las expectativas. Sin embargo, lo hace de una manera tan original, tan llena de sorpresas, tan fresca y actual en su visión de cómo funcionan (o no) las relaciones, que uno la ve completamente absorto y encantado.

Parte de lo novedoso de la película es su tono, que es a la vez mordazmente divertido y sutilmente serio. Es como si estuviéramos viendo una nueva versión de "Who's Afraid of Virginia Woolf??" al estilo de Woody Allen en "Husbands and Wives". La influencia de Allen se hace patente, sobre todo, en la caracterización de Joe (Rogen), un antiguo músico de indie rock que ahora es profesor asociado en un conservatorio de música cerca de Berkeley (atormentado por el hecho de que no sea ni de lejos tan bueno), y Angela (Wilde), que se graduó en la escuela de arte pero nunca siguió sus pasos, salvo por el cariño con el que ha amueblado y reformado su apartamento. Ella es un manojo de nervios, mientras que Joe es un cascarrabias bromista al estilo de Allen y Larry David, aunque su pesimismo es tal que sus chistes desprenden un matiz de desesperación tóxica.

La pareja tiene una hija de 12 años que está en una pijamada, y viven en un apartamento espacioso y acogedor que Joe heredó de sus padres, lo que lo hace sentir como un fracasado. También le preocupa que, tras un álbum con un pequeño éxito, sus sueños de indie rock se esfumaran. En cuanto Joe llega a casa y Angela le informa de que los vecinos vendrán esa noche, empiezan a discutir (sobre si ya se lo había dicho, sobre que Joe se comió un pepinillo del plato de aperitivos, sobre la alfombra que acaba de comprar, sobre la bicicleta plegable que le hace doler la espalda y que no consigue plegar, sobre el hecho de que él no compró una botella de vino). Pronto nos damos cuenta de que estos dos se pelean por cualquier tontería, por insignificante que parezca, porque ahora esa es su forma de conectar.

Sin embargo, a pesar del rencor contenido que se muestra, lo que nos atrae de "The Invite" es la fluidez de los diálogos; los personajes a menudo se interrumpen entre sí de forma muy realista, con la dosis justa de ingenio y rivalidad para que incluso la ira doméstica, presentada con tanta autenticidad, resulte un placer. Es el sonido de dos personas que ya no se soportan, pero también el de una comunicación tan cargada de melancolía que suena a jazz. (La película comienza con un collage de imágenes con una versión jazzística de «Isn't It Romantic?», ​​y sí, el uso de esa canción es sumamente irónico).

Entonces llega la otra pareja. Pína (Penélope Cruz) y Hawk (Edward Norton) son todo lo contrario a Joe y Angela: tranquilos, glamurosos y armoniosos. Ella es psicoterapeuta y sexóloga, él es un bombero jubilado (aunque se comporta más como un gurú de la Costa Oeste), y sabemos que disfrutan de una vida sexual intensa, porque ya ha sido motivo de una fuerte discusión: hacen tanto ruido por la noche que Joe quiere quejarse, mientras que Angela, una complaciente compulsiva, se horroriza ante la idea de que mencionarlo pueda interferir con los orgasmos de otra mujer. Al menos esa es su justificación; también da la impresión de que simplemente es demasiado tímida para atreverse a hablar del tema.

En cuanto aparecen estos dos, Joe empieza a provocar a Hawk, porque esa es su manera de ser, y empezamos a percibir la sutileza con la que estos cuatro se van a relacionar. Joe no tiene pelos en la lengua, pero Hawk dice que eso es lo que le gusta de él. Suena sarcástico, hasta que nos damos cuenta de que lo dice en serio. Pina, que es española, mantiene la conversación seria (aunque no del todo honesta), mientras que Angela es un manojo de nervios exuberante cuyo instinto es ocultarlo todo.

No se puede hablar de lo que sucede en "The Invite" sin dar spoilers, así que aquí va. El tema del sexo excesivamente ruidoso es algo que Pína y Hawk sacan a colación por su cuenta, lo que disipa la tensión durante aproximadamente un minuto. Pero luego revelan por qué su sexo es tan ruidoso: son lo que antes se llamaba swingers, solo que estos dos ahora se presentan como adictos "ilustrados" de la Nueva Era al sexo en grupo. "En realidad no se trata de penetración", dice Pína. "Bueno, un poco sí", dice Joe. El diálogo que sigue es casi impactante por su hilaridad casual, porque McCormack y Jones, en un acto brillante de guion, han imaginado los encuentros eróticos de esta pareja de una manera casi cinematográfica, como expresiones de su carácter. La película nos pide que nos riamos de la locura y la aventura sexual sin reducirla a una broma. Y eso es antes de que Pína y Hawk hagan la verdadera invitación de la película: ¿Quieren Joe y Angela unirse a ellos en un cuarteto?

Eso suena a la premisa de cierto tipo de película de Sundance; llamémosla "atrevida y divertida". Pero, afortunadamente, "The Invite" no es esa película. Wilde, como directora, la filma con una asombrosa sensación de autenticidad. El apartamento donde transcurre toda la película parece real, con historia; la iluminación es perfecta. Y la reacción de Joe y Angela a la invitación de sus vecinos no se reduce a una sola cosa. Su respuesta se despliega como una flor. Trata sobre la lujuria, la soledad y las posibilidades, sobre las razones por las que podrían desear tener una orgía, y sobre cómo la película va a aprovechar esta situación, sin caer en lo fácil ni simplificarla demasiado.

Los cuatro actores son increíbles. Rogen, aunque arraigado en su personaje clásico de racionalidad gruñona, nunca lo había explorado con tanta profundidad. Wilde, una actriz espectacular, dota a Angela de tantos matices de deseo, infelicidad y sueños a los que aún se aferra, que su actuación es como un borrón que poco a poco se enfoca con belleza. Norton nos hace reír con la certeza zen de vaquero de Hawk, hasta que escuchamos su propia historia en un monólogo que uno escucha en un silencio hipnotizado. Y Cruz, cuya Pína es la catalizadora de todo esto, proyecta una fuerza vital erótica que viene acompañada de su propio juego. Es Pína quien dice, en esencia, que algunas relaciones necesitan morir para poder renacer como algo diferente. 

"The Invite" es maravillosamente entretenida, pero parte de la razón es que creo que mucha gente se verá reflejada en esta película, que, a pesar de su bravura mordaz, es lo suficientemente humana como para jugar un juego de verdades que resuena con autenticidad.

Crítica Cinéfila: The Super Mario Bros. Movie

Mientras trabajan en una avería subterránea, los fontaneros de Brooklyn, Mario y su hermano Luigi, viajan por una misteriosa tubería hasta un nuevo mundo mágico. Pero, cuando los hermanos se separan, Mario deberá emprender una épica misión para encontrar a Luigi. Con la ayuda del champiñón local Toad y unas cuantas nociones de combate de la guerrera líder del Reino Champiñón, la princesa Peach, Mario descubre todo el poder que alberga en su interior.

Mario ha sido uno de los personajes más queridos en la historia de los videojuegos desde que se le vio por primera vez saltando barriles y subiendo vigas en Donkey Kong en 1981. Pero incluso si nunca has jugado un solo videojuego, no hay una razón por la que no valga la pena ver una película de Mario. Cierto, Super Mario Bros de 1993, con Bob Hoskins y John Leguizamo, fue un fracaso notorio, pero The Lego Movie estaba ligado a una línea de juegos de construcción de plástico, y eso fue maravilloso. Wreck-It Ralph demostró cuán inteligente podría ser una caricatura ambientada en un entorno de videojuegos. Y otro lanzamiento reciente Dungeons and Dragons: Honor Among Thieves demostró que las películas adaptadas de los juegos pueden ser muy divertidas, estés o no familiarizado con los juegos en cuestión. Desafortunadamente, The Super Mario Bros Movie no es una de esas películas.

La parte decepcionante es que la nueva caricatura imperdible está dirigida por Aaron Horvath y Michael Jelenic, los creadores de la brillantemente alocada Teen Titans Go!, pero cada episodio de 10 minutos de esa serie tenía más ideas que toda su película. Mario (Chris Pratt) y su nervioso hermano menor Luigi (Charlie Day) se establecen como jóvenes de buen corazón y tupidos bigotes que están tratando de construir su propio negocio de plomería independiente. Hay algunos guiños astutos al juego y algunas explicaciones ingeniosas para las cualidades más cuestionables de los personajes: sus guantes blancos son un truco de marketing, le dice Mario a su escéptica familia, y sus acentos italianos exagerados se ponen para un anuncio de televisión. Hay una divertida y caótica escena en la que un perro amargado sabotea un trabajo de arreglo de grifos. 

La animación por computadora es impresionantemente avanzada, el único inconveniente es que las superficies texturizadas de cada objeto son casi fotorrealistas, lo que hace que los simplificados y redondeados Mario y Luigi parezcan juguetes de peluche andantes en comparación al juego. La película no solo tiene referencias rápidas, tiene largas secuencias extraídas de ellos. 

Los hermanos investigan una inundación, que nunca se explica, y encuentran una tubería mágica, que tampoco se explica. La tubería los envía a ambos a otro planeta, o posiblemente a otro universo. Eso tampoco se explica nunca. Mario es depositado en el Reino Champiñón de cuento de hadas, donde los alegres hongos parlantes son dirigidos por una rubia parecida a Barbie llamada Princesa Peach (Anya Taylor-Joy). Pero el pobre Luigi es capturado por el monstruoso Bowser (Jack Black), que tiene un nombre que sugiere que es un perro y un físico que sugiere que es un dragón, pero que en realidad es el líder de una raza de tortugas llamada Koopas. Por una notable coincidencia, los hermanos llegan a este planeta surrealista (o, posiblemente, a este universo surrealista) justo después de que Bowser acaba de conseguir una estrella brillante que le permitirá conquistar el Reino Champiñón.

Para el ojo inexperto, parece que él y su ejército son tan fuertes que podrían haberlo conquistado, pero no importa. La película Super Mario Bros tiene el tipo de mitología desconcertante y sin sentido que podrías esperar cuando una compañía de juegos japonesa crea un plomero ítalo-estadounidense de Brooklyn y luego sigue desarrollando las aventuras de ese personaje durante 40 años. Siempre y cuando no te preocupes por eso y aceptes la aleatoriedad psicodélica, puedes aceptarlo como una ciencia ficción tonta y ya. Pero después de algunas escenas, este esquema argumental engañoso es el menor de los problemas de la película.

El problema comienza cuando Mario se ve repentinamente rodeado de ladrillos flotantes, monedas de oro gigantes, cubos "Power Up" y efectos de sonido electrónicos burbujeantes, que solo tienen sentido en el contexto de un videojuego. Llegado a este punto, queda claro que los directores han renunciado a hacer una caricatura que cualquiera pueda disfrutar y, en cambio, se han concentrado en acumular referencias en beneficio de los fanáticos devotos de los juegos.

Lo que es peor es que la película no solo tiene referencias rápidas a estos juegos, sino que tiene largas secuencias extraídas de ellos. En lugar de moverse a lo largo de la trama, los directores siguen haciendo que los personajes corran por pistas de asalto aéreo que desafían la gravedad, o conduzcan autos de carreras a lo largo de un arcoíris, solo porque eso es lo que sucede en los juegos. Disminuyen la velocidad de la película hasta detenerla cada vez más. Se supone que Mario y Peach se apresuran a defender su reino del ejército invasor de Bowser, pero estas secuencias sin sentido nos recuerdan que nadie tiene prisa por llegar a ningún lado. Tenga en cuenta la falta de lógica que rige si es posible lesionarse o morir, y podrá ver por qué la película se siente tan lenta y acolchada, a pesar de que faltan unos 80 minutos para que comiencen los créditos finales.

Matthew Fogel, el guionista, ha hecho un trabajo eficiente al vincular las diversas referencias, pero la película tiene una asombrosa falta de bromas, giros, líneas memorables, acrobacias emocionantes, momentos conmovedores y cualquier otra cosa que pueda atraer a cualquier espectador que no esté jugando Paper Mario. Tan ingeniosa y corporativa como The Super Mario Bros Movie es, tiene una pereza de primer borrador que es raro en la animación de pantalla grande. 

Obviamente, los cineastas están tan seguros de que tienen una franquicia infalible en sus manos que ni siquiera se han molestado en construir el mundo. Hay grandes misterios que no se aclaran ni se vuelven a mencionar, presumiblemente porque los productores lo están reservando para una de las muchas secuelas que están planeando. Sin duda su confianza está justificada. La película Super Mario Bros probablemente hará una fortuna, porque es lo suficientemente inofensiva y colorida como para ser casi adecuada como un pasatiempo de vacaciones de Pascua para niños pequeños, aunque eso signifique que cualquier adulto que acompañe a esos niños puede desear estar viendo la película de Hoskins y Leguizamo.

Crítica Cinéfila: The Fabelmans

Película semiautobiográfica de la propia infancia y juventud de Spielberg. Ambientada a finales de la década de 1950 y principios de los años 60, un niño de Arizona llamado Sammy Fabelman, influido por su excéntrica madre artista (Michelle Williams) y su pragmático padre ingeniero informático (Paul Dano), descubre un secreto familiar devastador y explora cómo el poder de las películas puede ayudarlo a contar historias y a forjar su propia identidad.

Ningún director ha hecho más por deconstruir el mito de la familia americana suburbana que Steven Spielberg. Se han escrito disertaciones y se han realizado documentales sobre el tema. Y ahora, a sus 75 años, el propio Spielberg opina sobre el origen de sus preocupaciones en "The Fabelmans", un relato personal de su crianza que se siente como escuchar dos horas y media de una lista de anécdotas de fiestas, sólo que mejorado, ya que se ha tomado la molestia de escenificarlas todas para nuestro beneficio. Spielberg es un narrador nato, y estas son posiblemente sus historias más preciadas.

Desde la primera película que vio ("The Greatest Show on Earth") hasta los recuerdos de su encuentro con el cineasta John Ford en el lote de Paramount, este relato entrañable y ampliamente atractivo de cómo Spielberg quedó amarrado a la industria del cine y por qué el prodigio casi abandonó la industria antes de que comenzara su carrera, contiene las claves de gran parte de la filmografía del maestro. Más similar a la autobiográfica "Radio Days" de Woody Allen que a películas de arte europeas como "The 400 Blows" y "Amarcord", "The Fabelmans" invita al público a la casa y el espacio mental del director vivo más querido del mundo, una zona extrañamente higienizada donde incluso el trauma, que incluye el antisemitismo, la desventaja financiera y el divorcio, parece mejorar si es visto como un entretenimiento.

Ahora, el que ha crecido con las películas de Spielberg, seguro se ha dado cuenta de ciertos temas recurrentes, especialmente en la forma en que los padres se relacionan con sus hijos. Ya sea que se trate de un padre emocionalmente distante que deja que su familia se desmorone en "Close Encounters of the Third Kind" o de un Peter Pan adulto que lucha por sus hijos en "Hook", esos lazos claramente importan en las ficciones en pantalla de Spielberg porque las mismas conexiones se rompieron en su realidad fuera de la pantalla. Aquí, el director comparte cómo era su propia familia, mientras deja espacio para una cierta cantidad de licencia creativa.

Papá es un ingeniero llamado Burt (Paul Dano) cuyo trabajo inicial en el campo de la informática obliga a los Fabelman a mudarse de casa varias veces durante unos años, desde Nueva Jersey hasta Arizona y el norte de California. Michelle Williams interpreta a su madre más emocionalmente sensible, Mitzi, que podría haber sido una concertista de piano, haciendo todo lo posible para fomentar los intereses creativos de su hijo Sam (Gabrielle LaBelle). 

Mamá tiene una capacidad similar para psicoanalizar a sus hijos, reconociendo cómo el pequeño Sammy (interpretado por Mateo Zoryon Francis-DeFord en las primeras escenas) parece no poder manejar un choque de trenes que presenció en "The Greatest Show on Earth". Todo es solo una película, por supuesto, pero antes de que pueda continuar, el niño se ve obligado a reconstruir cómo se logró el efecto utilizando un tren modelo, grabándolo con su cámara de 8 mm. Y así nace un cineasta, con una anécdota que relaciona los orígenes de Spielberg con la historia apócrifa de la “The Arrival of a Train” de los hermanos Lumière que asombró a las primeras audiencias del cine y las hizo saltar de sus asientos.

Qué divertido debe haber sido para el director recrear sus primeros experimentos frente a la cámara, desde envolver a sus hermanas en papel higiénico para una película de momias hasta "Escape to Nowhere", la película de guerra de 40 minutos que el Boy Scout hizo con sus amigos. Al verlo filmar este último, es difícil no pensar en "Super 8", producido por Spielberg, que presentaba a un grupo de cineastas aficionados menores de edad aprendiendo por sí mismos las cuerdas (o mejor aún, "Raiders!", el encantador documental de 2015 sobre niños que intentaron hacer una nueva versión toma por toma de la primera película de “Indiana Jones”).

Para cierto tipo de personalidad, el cine es una compulsión contagiosa, y es entretenido ver cómo le picó el gusanillo del interés a Spielberg, aunque una dosis de irreverencia podría haber sido más eficaz, apoyándose en lo adorablemente torpes que fueron esos esfuerzos. En cambio, Spielberg y el director de fotografía Janusz Kaminski dan la impresión de que estas primeras películas estaban mucho más pulidas. Aquellos que buscan huevos de Pascua probablemente se deleitarán con la forma en que algunas de las técnicas características de Spielberg (como mostrar una cara que reacciona ante algo increíble antes de cortar con lo que la persona está viendo) se remontan a estos experimentos. ¿Quién hubiera pensado que la apertura de Normandy Beach de "Saving Private Ryan" podría tener sus raíces en "Escape to Nowhere", por ejemplo?

La película toma un giro serio cuando Sam hace un descubrimiento alarmante entre las imágenes que tomó de un viaje de campamento familiar, como si el pequeño Spielberg hubiera entrado temporalmente en "Blow Up" de Antonioni o algo así. Este dilema moral surge al mismo tiempo que el tío abuelo de Sam, Boris (Judd Hirsch), llega para dar una charla sobre cómo el arte y la familia no se mezclan, una de esas maravillas de una sola escena, como Bradley Cooper en "Licorice Pizza", que deja una impresión imborrable. Lo siguiente que se sabe es que los Fabelman se están mudando de nuevo, abandonando al tío honorario Bennie (Seth Rogen) en Arizona, solo para volver a conectarse con la malhumorada abuela Hadassah (Jeannie Berlin) una vez que llegan a California.

Mudarse nunca es fácil para los niños, pero a menudo es más difícil cuando sucede durante el último año, como lo experimenta Sam. Hasta ahora, Spielberg no ha compartido gran parte de la vida escolar, pero durante la próxima hora, "The Fabelmans" sigue a Sam a clase. Imagine un cruce entre la nostálgica y fantástica “American Graffiti” de George Lucas y la ligeramente caricaturesca “Back to the Future”, producida por Spielberg. En su nueva escuela secundaria de California, Sam es acosado por deportistas que le hacen la vida complicada por ser judío; se enamora superficialmente de una chica cristiana rica llamada Monica (Chloe East), y se da cuenta de algo notable sobre el poder del cine para influir en el público, un superpoder que promete mantener en secreto, "a menos que haga una película sobre eso" algún día, dice Sam, ganándose la risa más grande de la película.

Durante años, Spielberg responsabilizó públicamente a su padre por la ruptura del matrimonio de sus padres, pero "The Fabelmans" pinta un cuadro muy diferente. El recién llegado LaBelle de diecinueve años está bien como Sam, aunque Spielberg ha tenido un historial tan bueno con actores jóvenes (Henry Thomas, Haley Joel Osment, Tye Sheridan) que esta elección se siente un poco plana. Claramente está más centrado en hacer lo correcto por sus padres, haciendo todo lo posible para darle a Williams las grandes oportunidades de actuación: un delirante baile nocturno, múltiples recitales de piano y una escena de reconciliación madre-hijo donde ella le dice al niño: “Haces lo que tu corazón dice que tienes que hacer para no deberle la vida a nadie”.

Al analizar las otras películas de Spielberg, uno tiene la sensación de que ha estado ocultando los hechos de su propia educación detrás de familias ficticias. Irónicamente, por la forma en que se presentan, los Fabelman en realidad se sienten bastante "normales", incluso al estilo de Norman Rockwell. Con ese fin, la forma conservadora y ligeramente artificial de Kaminski de filmar esta película, se inspira en los dramas domésticos de mediados de siglo. ¿Fueron Arthur y Leah Spielberg (a quienes está dedicada la película) realmente tan tradicionales como aparecen aquí, o al hacer “The Fabelmans”, no pudo resistirse a torcer la realidad más cerca del tipo de familia nuclear funcional que ha estado idealizando todo el tiempo?

Crítica Cinéfila: An American Pickle

Herschel es un inmigrante que se muda a Estados Unidos en 1920 con la esperanza de iniciar una vida mejor con su familia. Un día cae accidentalmente en una cuba de pepinillo y se queda en salmuera durante 100 años, despertando luego en perfectas condiciones en la moderna Brooklyn. La cosa se complica cuando descubre que el único miembro de su familia con vida es su bisnieto, con el que tiene muy poco en común.

La extraña mezcla de comedia ridículizada, frases hirientes y tomas de primer plano en exageración al estilo de los 90 con un gran corazón sentimental hace que An American Pickle sea una película difícil de gustar. Lo que lo eleva por encima de la trama a menudo desordenada del guión del ex escritor de Saturday Night Live Simon Rich es la cautivadora interpretación de Seth Rogen en dos roles, interpretando a familiares divididos por la rivalidad y la incomprensión antes de redescubrir finalmente las comodidades de su herencia compartida.

Rogen es un actor siempre agradable cuya reputación se basó en gran medida en interpretar a fumetas toscos y de segundo año. Pero hay una dulzura inherente en su personaje de la pantalla que ha estado allí desde el principio en Freaks and Geeks , especialmente en el conmovedor arco de la historia en el que su desconcertado personaje, Ken Miller, luchó con la revelación de los orígenes del nacimiento intersexual de su novia Amy, la tuba . Es una variación de Ken, el oso tierno y apasionado de un tipo que a veces se ve obstaculizado por sus puntos ciegos, lo que lleva a An American Pickle a través de sus momentos narrativos difíciles.

Originalmente planeada como un lanzamiento teatral de Sony, la comedia marca un debut como director de largometrajes para el director de fotografía Brandon Trost, quien filmó varias películas con Rogen, incluyendo This is the End, The Night Before, The Interview, The Disaster Artist, Neighbors y su secuela.

El encanto de una apertura, que mezcla la voz en off en inglés de Rogen con fuerte acento ruso y el diálogo yiddish, comienza en un pueblo ficticio de Europa del Este de Schlupsk en 1919. Herschel Greenbaum (Rogen) es el cavador de zanjas de la ciudad, luchando con palas rotas y carros desvencijados y un Dios que le dificulta la vida hasta que se encuentra con la hermosa Sarah (Sarah Snook) en el mercado. "Ella es fuerte y saludable, tiene todos sus dientes, arriba y abajo", dice Herschel con admiración. El noviazgo es rápido pero conmovedor y culmina con ellos compartiendo sus esperanzas y sueños junto a un "hermoso pantano". Sarah fantasea con ser lo suficientemente rica como para comprar su propia lápida, mientras que para Herschel, el máximo lujo imaginable es probar agua gaseosa.

Aparte de una mordaza que induce a carcajadas con un pescado seco, el humor aquí es estrictamente discreto, como una versión de comedia negra de una historia de Sholem Aleichem. Pero basa la película en una celebración cautivadora de la identidad judía. Herschel y Sarah apenas han intercambiado sus votos matrimoniales tradicionales cuando los cosacos rusos destruyen la ciudad. Su llegada a Ellis Island, recibida con una bienvenida casualmente antisemita, agrega capas temáticas sobre la experiencia de los inmigrantes que fortalecen aún más los sólidos cimientos de la comedia.

Al enterarse de que Sarah está esperando un hijo, Herschel jura que en 100 años, los Greenbaum tendrán poder y éxito. Pero poco después, cae en un barril de salmuera de pepinillos en la fábrica de Brooklyn donde se gana la vida matando ratas. Lo encierran en el edificio en ruinas, solo para ser descubierto un siglo después cuando dos niños chocan su dron a través de una ventana, derribando la tapa de la tina. En una divertida excavación sobre la credulidad de los medios, los reporteros se tragan instantáneamente su escepticismo cuando un científico (Sean Whalen) saca un gráfico para explicar el notable estado de conservación de Herschel.

Ese extraño suceso lo hace exactamente de la misma edad que su único pariente vivo, su bisnieto Ben (Rogen nuevamente), quien minimiza sus sentimientos aún crudos sobre la pérdida de sus padres en un accidente automovilístico. La consternación de Herschel por el rechazo de la religión por parte del informático Ben se ve algo mejorada por el hecho de que su bisnieto tiene su propia máquina seltzer. Pero una visita al cementerio judío donde está enterrada su amada Sarah se vuelve fea cuando Herschel se enfurece porque los trabajadores de la construcción levantan una valla publicitaria de vodka ruso. Se produce una pelea, y el arresto resultante mata cualquier posibilidad de que Ben venda su proyecto de cinco años, una aplicación para el consumidor éticamente consciente.

Si eso suena a mucha configuración de la trama, bueno, lo es. Pero la brecha entre Herschel y Ben impulsa el resto de la comedia, para bien o para mal, ya que el viajero en el tiempo se lanza por su cuenta, decidido a hacerse rico como un fabricante de pepinillos y menospreciar a su biznieto que duda.

El material fuente fue la novela Sell ​​Out de Rich, publicada por primera vez en cuatro partes en The New Yorker en 2013. Gran parte de la trama se ha condensado y elaborado, con efectos variables, y el antagonismo entre Herschel y su descendiente aumentó considerablemente. Esto da como resultado algunos conflictos que se sienten forzados y no siempre fieles a los personajes, en particular al Ben de modales apacibles.

Lo que sí se traslada efectivamente de la historia es el choque cultural de un inmigrante centenario que se encuentra en el Brooklyn hipster actual, donde su barba salvaje está de moda y su ropa despeinada le hace reconocer su estilo vintage.

El proceso de Herschel para hacer sus propios encurtidos, que involucra productos recuperados de un contenedor de basura, frascos rescatados, un carrito de supermercado convertido y agua de lluvia, es divertido de una manera curiosamente chiflada. Y hay risas en su primera transacción con una pareja gay (Eliot Glazer y Kalen Allen), que aprueban sus ingredientes de origen local, políticas de marketing y reciclaje sencillas. "Traigan el frasco o los encontraré y haré una violencia terrible", advierte Herschel a los clientes complacidos, lo que inspira una publicación de blog que convierte sus encurtidos artesanales en una sensación de la noche a la mañana.

El guión de Rich luego se estanca un poco cuando Ben se vuelve vengativo y comienza a sabotear el éxito de Herschel; la estructura de la escena se vuelve entrecortada. Esto continúa incluso cuando el descubrimiento de pasantes no remunerados por parte de este último le permite expandir el negocio y recomprar el control de la parcela del cementerio de Sarah. Ben usa el anzuelo de Twitter para incitar a su bisabuelo a que comparta sus puntos de vista religiosos retrógrados sobre las mujeres y la homosexualidad. Pero incluso eso no bloquea del todo la creciente fama de Herschel.

Hay matices de estar allí en la elevación del inarticulado Herschel al estatus de héroe popular nacional, con su pasión y verdad sin filtro atrayendo el apoyo de los defensores de la libertad de expresión, que incluso comienzan a cavilar sobre un posible futuro político. Pero la escritura de Rich se vuelve torpe y mecánica cuando el enfurecido Ben recurre a una creciente crueldad. Se infiltra un ligero mal humor, que parece fuera de personaje con el tono general.

Un juicio de deportación con fragmentos de comedia de mano dura es demasiado descuidado para funcionar, incluso dentro de la lógica caprichosa de esta película. Pero produce un interludio de antaño y una hermosa conclusión que refuerza los valores de la fe y la familia literalmente conservados en Herschel y transmitidos a lo largo de un siglo. En ese sentido, An American Pickle, a pesar de todas sus tonterías, es extraordinariamente espiritual para una comedia convencional. Ese aspecto se amplifica con los acordes de Klezmer en la partitura de Nami Melumad, con temas originales de Michael Giacchino.

Si bien hubiera sido gratificante ver más de la maravillosa Snook, la película no sufre por la ausencia de personajes secundarios más desarrollados. Eso se debe en gran parte a que Rogen es tan hábil para respirar profundidad en dos roles distintos, diferentes en su físico y expresiones faciales, así como en su uso del lenguaje, y sin embargo, claramente cortan del mismo tejido de maneras que el tiempo o los antecedentes culturales no pueden negar. A pesar de la amargura de su separación, apoyas su inevitable reconciliación, que cierra la película con una nota cálida. 

El trabajo de efectos que le permite a Rogen jugar escenas frente a él es de primera clase. Lo que es más sorprendente es la delicada belleza de los elementos generados por computadora en las escenas de Schlupsk y el avance rápido durante 100 años que parece una toma de libro de cuentos de la fábrica de pepinillos de Brooklyn con Manhattan de fondo. Se utiliza un cambio en las relaciones de aspecto para diferenciar el viejo mundo del nuevo. An American Pickle no es ni la comedia más sustancial ni la más sofisticada, pero su dulzura conmovedora supera sus defectos.

Crítica Cinéfila: Good Boys

Después de ser invitados a su primera "fiesta del beso", tres buenos amigos (Jacob Tremblay, Keith L. Williams y Brady Noon) destrozan por casualidad un dron que tenían prohibido tocar. Para reemplazarlo, se ausentan de clase y toman una serie de decisiones erróneas, involucrándose en un caso relacionado con droga, policía y, sobre todo, con muchas lágrimas.

El guionista de "The Office" Gene Stupnitsky y su co-escritor Lee Eisenberg siguen muchos de los ritmos familiares de una historia sobre niños del vecindario que solo quieren divertirse. Pero esa fórmula nunca se ha centrado en los estudiantes de sexto grado, y el valor de entretenimiento de verlos maldecir a través de una aventura de locura durante todo el día inyecta un nuevo valor de entretenimiento en una rutina familiar. Si bien el ritmo es irregular y no todos los chistes aterrizan, "Good Boys" logra ser adorable y retorcido al mismo tiempo.

El trío de amigos en el centro de la película es una mezcla de "Stand By Me" y "Stranger Things", en circunstancias más ligeras. Jacob Tremblay interpreta al miembro más sensato de un grupo de amigos que se hacen llamar "The Beanbag Boys" por ninguna otra razón que no sea que les gustan ese tipo de sillas/almohadas. Los niños pasan todo el tiempo juntos, andan en bicicleta por el vecindario y se sientan juntos en la cafetería inmersos en los desafíos peatonales de la vida cotidiana de los preadolescentes. Pero fragmentos de futuros desarrollos ya han comenzado a desafiarlos.

Solo están comenzando a comprender los desafíos emocionales de crecer: Thor (Brady Noon) alberga ambiciones de teatro musical, pero los bulliers de la clase le dan tanta dificultad que decide abandonar la obra de la escuela; el ingenuo Lucas (Keith L. Williams) sostiene una conversación con sus padres, quienes le explican que se están separando. "Good Boys" llega a su momento más genuino cuando los niños cantan "Walking on Sunshine" durante la clase de música de la escuela, mientras las lágrimas corren por las mejillas del pobre Lucas. Para una película que fomenta el cacareo en voz alta constante, "Good Boys" también tiene una buena cantidad de momentos emotivos.

Las dificultades personales de los niños se desvanecen en el fondo siempre y cuando los niños permanezcan juntos, pero el futuro de su dinámica se ve desafiado una vez que Max es convocado a la mesa de los niños populares durante la hora del almuerzo y recibe una invitación para una próxima "fiesta" esa noche donde habrán niñas y posibles besuqueos. Su verdadero enigma es darle la noticia a sus amigos de que no están invitados.

En cambio, los chicos deciden faltar a la escuela y pasar el rato en la casa de Max mientras su padre realiza una excursión y deja su drone desatendido. Sin saber cómo proceder con la idea misma de besar otras niñas, se embarcan en una serie de intentos de investigación equivocados: buscar porno en Google, practicar con la muñeca sexual de los padres de Max y, finalmente, intentar espiar a un par de adolescentes de al lado (Midori Frances y Molly Gordon). Max intenta este tercer enfoque usando el drone de su padre, pero cuando las chicas logran confiscar el dispositivo, los Beanbag Boys se encuentran en medio de un enfrentamiento aún más dramático. Y cuando Thor atrapa las "vitaminas" de las chicas de su cocina con la esperanza de organizar un intercambio, no se da cuenta de que en realidad ha robado el molly que planean tomar más tarde.

"Good Boys" solo está acelerando su motor con esta versión vulgar de una versión de "Little Rascals" cuando los niños terminan corriendo por la ciudad en una carrera loca para recuperar el drone y descubrir qué hacer con las drogas robadas. En el proceso, la película se instala en una serie de viñetas en su mayoría satisfactorias, como un encuentro incómodo con un desconcertado oficial de policía, un intento de slapstick para cruzar la autopista y bromas recurrentes sobre cerraduras a prueba de niños. Stupnitsky y Eisenberg tienen una habilidad especial para habitar la mentalidad de sus jóvenes protagonistas, mientras discuten su acertijo con ingenua encantadora. La realización de películas nunca se fusiona con el mismo grado de inteligencia ofrecido por el concepto principal sobretodo porque se enfoca en contarse desde la visión e ingenuidad de sus protagonistas, pero el guión sobresale al transmitir la incapacidad de los niños para comprender el lenguaje adulto para describir su situación. La película existe dentro de los límites de la cosmovisión de los niños, ya que las cámaras permanecen a la altura de sus ojos.

Tremblay, de 12 años, no ha tenido prisa por encontrar material para expandir su rango después de su discreto debut en "Room", pero en "Good Boys" demuestra que es tan capaz de ser un niño de clase media alta. Sin embargo, el verdadero toque de éxito es su conjunto muy unido con los demás actores: Williams, como Lucas, tiene una simpatía increíblemente irreverente y un talento inexpresivo que insinúa un potencial cómico aún mayor a la vuelta de la esquina, mientras que Noon tiene el espíritu bribón de una versión joven de Jonah Hill. Mientras Thor intenta beber cerveza con los matones de la escuela secundaria para demostrar que es genial, Lucas come casualmente dulces y muestra poca ambición por algo más que apoyar a sus amigos.

El truco de "Good Boys" se vuelve agotador después de un tiempo, pero no antes de que los Beanbag Boys se enfrenten a varias complicaciones anárquicas que se extienden mucho más allá de su comprensión. Obligados a recuperar las drogas para las niñas que retienen al drone como rehén, los niños se enfrentan a una casa de fraternidad llena de niños universitarios desagradables, produciendo una pelea caricaturesca de primer nivel que involucra una pistola de pintura, tablas de padel y un bong. En otro lugar, descubren los juguetes sexuales de sus padres y llegan a la conclusión de que han encontrado armas para defenderse. Incluso cuando "Good Boys" se instala en su acto final sin aventuras, sigue siendo una apuesta cinematográfica fascinante. 

La trama ofrece hilarantes recordatorios de la juventud de sus protagonistas en miniatura cuando sus travesuras golpean una serie de inconvenientes, y llega el momento más entrañable cuando tienen una pelea por su situación que amenaza el futuro de su amistad. El enfrentamiento llega justo a tiempo, como lo ha hecho en innumerables películas de amigos antes, pero ninguno de ellos termina con los niños en cuestión llorando como esta lo hace.

En sus momentos finales, "Good Boys" llega a un epílogo agridulce mientras contempla si los Beanbag Boys pueden mantener su vínculo más allá de la burbuja de la escuela secundaria, haciendo un mayor enfoque en la temática emocional que realmente desglozaba la película: la gran cuestión de cuánto puede tardar una amistad de colegio. Deja el futuro a largo plazo abierto, pero es divertido reflexionar sobre el potencial único de este proyecto a largo plazo.

Crítica Cinéfila: Long Shot

Cuando Fred Flarsky (Seth Rogen) se reencuentra inesperadamente con el primer amor de su vida, que ahora es una de las mujeres más influyentes del mundo, Charlotte Field (Charlize Theron), logra llamar su atención gracias a su peculiar sentido del humor y a su visión idealista del mundo y de la política. Mientras se prepara para aspirar a la presidencia del país, Charlotte contrata a Fred para que sea el encargado de escribir sus discursos.

Ya hay muchas historias que tratan sobre como dos personas de "mundos diferentes" comienzan una relación, a pesar de la negatividad y rechazo de los que le rodean. Estos romances, que normalmente terminan completamente opuestas a las tragedias de Shakespeare, son historias para hacer sentir a la audiencia, y recordarles que, no importa cuan difícil haya sido el proceso, siempre habrá un final feliz. Sin embargo, y a pesar de las diferencias fisiológicas y de personalidad, hay que admitir que Charlize Theron y Seth Rogen serían una pareja bien bonita.

En Long Shot, Theron interpreta a Charlotte Field, la Secretaria de Estado de un gobierno liderado por un personaje aparentemente inspirado en Trump. Field, quien trabaja día y noche para poder ejecutar cada una de sus tareas a tiempo y con exactitud, parece no descansar entre reuniones, llamadas a larga distancia y eventos inagotables, pero ella sabe manejar el estrés con estilo, muy diferente a Fred, interpretado por Seth Rogen, quien es un periodista que sabe narrar sus crónicas con una voz muy particular y sin filtro, arriesgando hasta su vida en muchos sucesos con tan solo de llevar la verdad a quienes lo leen. A pesar de que estos dos se conocen desde sus años de juventud, la vida los llevaron por distintos caminos que ahora los obligan a comportarse como deben, dependiendo de sus estatus.

Sin embargo, una vez Charlotte decide contratar a Fred como su escritor de discursos para preparar a la audiencia a su próxima candidatura como presidenta, el pasado vuelve a sus vidas, y lo que alguna vez nunca pudo ser, ahora es inevitable. Pero esto no significa que todos lo aceptarán con villas y castillas, pues una vez se enteran los que encabezan el mando. Y sus vidas privadas quedarán expuestas ante una sociedad que cree que tiene derecho a saber de la vida privada de los políticos.

A pesar del apresurado final con que esta comedia romántica concluye, Long Shot es una historia sobre personas que, con sus grandes diferencias, saben encontrar un punto medio de similitudes. No solo es el hecho de que las apariencias también influyen, sino también en la constante comparación de personalidades y cómo la imagen de una persona puede dañar la de otra aún más influyente. La escena en la que la asistente de Charlotte trata de convencerla que no siga su relación con Fred, enseñándole comparaciones de mujeres importantes y bellas junto a hombres que, a pesar de su fama, su atractivo desanima. Es un momento en que en muchas otras películas se dice de manera indirecta, y aquí se toma la libertad de dejar el filtro a un lado, y contar las verdades sin miedo.

Sin embargo, la química entre Fred y Charlotte es el verdadero pegamento de la historia. No solo demuestran crear una relación realista. Desde el momento en que él comienza a preguntarle de su vida para poder hacer los discursos más personales, hasta que comienzan a intimar con gustos similares, el romance es tan orgánico que no deja dudas de los sentimientos que los personajes dicen sentir el uno por el otro. Esto es gracias a la actuación de Charlize Theron y Seth Rogen, a quienes no se les había visto actuando juntos, pero que logran cautivar a la audiencia con esos momentos en que, entre ridiculez y vergüenza, convencen.

Por otro lado, el guion ha sido realizado por Dan Sterling y Liz Hannah, dos guionistas con historiales completamente diferentes (él escribió para South Park y The Office; ella fue coguionista de The Post). Y sus distintas voces lograron captar dos tonalidades en la historia: la seriedad que se puede lograr en este tipo de romances, complementado por momentos hilarantes que se salen de lo común, pero no resultan difíciles de creer. Sin embargo, el final, el cual suponía terminar tal y como lo hizo, resulta apresurado y descuidado, dejando subtramas inconclusas. Es quizás el único aspecto de la película que no funciona, pues el resto logra contar una historia entretenida con armonía, a pesar de ser 130 minutos.

Y a propósito de la duración, el largo no se sintió, gracias a cuan entretenido terminó siendo cada momento de la trama principal, sobretodo por las buenas risas que causó y la comedia negra que desarrolló a lo largo de la historia.

Long Shot es exactamente lo que su nombre dice: es una toma larga con dos personajes que demuestran que no hay barreras sociales ni de personalidad que logren ser impedimento para que dos personas estén juntas. Es una historia honesta, divertida y diversificada, trayendo ideas sociales, y hasta políticas, que en cualquier momento podrían hacerse realidad.