Crítica Cinéfila: The Invite

Una pareja invita a los vecinos a su casa, lo que desencadena una velada llena de giros inesperados, revelando emociones profundamente reprimidas y una sexualidad inexplorada en esta historia que explora las complejidades de las relaciones de hoy en día. Basada en la obra de teatro Cesc Gay 'Los vecinos de arriba', que dio origen a su película 'Sentimental' (2020).

Cuando uno va al cine sabiendo que trata sobre dos parejas que se reúnen para una cena, existen ciertas expectativas sobre lo que va a suceder, expectativas que están prácticamente arraigadas en nuestro ADN cinematográfico. Uno espera que los diálogos, durante un tiempo, sean ligeros, divertidos, mordaces y cáusticos. Uno espera que, a medida que avanza la noche, las máscaras de cortesía se desmoronen, revelando algo más doloroso y quizás brutal bajo la superficie. Uno espera que haya una coquetería seria (entre quienes no son pareja) y que todo termine estructurado como una especie de juego de la verdad. Y uno espera que, al final, haya destrucción… pero quizás, en esa destrucción, una especie de sanación.    

“The Invite”, dirigida por Olivia Wilde (“Don't Worry Darling”) a partir de un guion de Will McCormack y Rashida Jones, y protagonizada por Wilde y Seth Rogen como una pareja de San Francisco, casada desde hace mucho tiempo, que se queja constantemente, y que invita a cenar a sus vecinos de arriba, es una película que cumple con todas las expectativas. Sin embargo, lo hace de una manera tan original, tan llena de sorpresas, tan fresca y actual en su visión de cómo funcionan (o no) las relaciones, que uno la ve completamente absorto y encantado.

Parte de lo novedoso de la película es su tono, que es a la vez mordazmente divertido y sutilmente serio. Es como si estuviéramos viendo una nueva versión de "Who's Afraid of Virginia Woolf??" al estilo de Woody Allen en "Husbands and Wives". La influencia de Allen se hace patente, sobre todo, en la caracterización de Joe (Rogen), un antiguo músico de indie rock que ahora es profesor asociado en un conservatorio de música cerca de Berkeley (atormentado por el hecho de que no sea ni de lejos tan bueno), y Angela (Wilde), que se graduó en la escuela de arte pero nunca siguió sus pasos, salvo por el cariño con el que ha amueblado y reformado su apartamento. Ella es un manojo de nervios, mientras que Joe es un cascarrabias bromista al estilo de Allen y Larry David, aunque su pesimismo es tal que sus chistes desprenden un matiz de desesperación tóxica.

La pareja tiene una hija de 12 años que está en una pijamada, y viven en un apartamento espacioso y acogedor que Joe heredó de sus padres, lo que lo hace sentir como un fracasado. También le preocupa que, tras un álbum con un pequeño éxito, sus sueños de indie rock se esfumaran. En cuanto Joe llega a casa y Angela le informa de que los vecinos vendrán esa noche, empiezan a discutir (sobre si ya se lo había dicho, sobre que Joe se comió un pepinillo del plato de aperitivos, sobre la alfombra que acaba de comprar, sobre la bicicleta plegable que le hace doler la espalda y que no consigue plegar, sobre el hecho de que él no compró una botella de vino). Pronto nos damos cuenta de que estos dos se pelean por cualquier tontería, por insignificante que parezca, porque ahora esa es su forma de conectar.

Sin embargo, a pesar del rencor contenido que se muestra, lo que nos atrae de "The Invite" es la fluidez de los diálogos; los personajes a menudo se interrumpen entre sí de forma muy realista, con la dosis justa de ingenio y rivalidad para que incluso la ira doméstica, presentada con tanta autenticidad, resulte un placer. Es el sonido de dos personas que ya no se soportan, pero también el de una comunicación tan cargada de melancolía que suena a jazz. (La película comienza con un collage de imágenes con una versión jazzística de «Isn't It Romantic?», ​​y sí, el uso de esa canción es sumamente irónico).

Entonces llega la otra pareja. Pína (Penélope Cruz) y Hawk (Edward Norton) son todo lo contrario a Joe y Angela: tranquilos, glamurosos y armoniosos. Ella es psicoterapeuta y sexóloga, él es un bombero jubilado (aunque se comporta más como un gurú de la Costa Oeste), y sabemos que disfrutan de una vida sexual intensa, porque ya ha sido motivo de una fuerte discusión: hacen tanto ruido por la noche que Joe quiere quejarse, mientras que Angela, una complaciente compulsiva, se horroriza ante la idea de que mencionarlo pueda interferir con los orgasmos de otra mujer. Al menos esa es su justificación; también da la impresión de que simplemente es demasiado tímida para atreverse a hablar del tema.

En cuanto aparecen estos dos, Joe empieza a provocar a Hawk, porque esa es su manera de ser, y empezamos a percibir la sutileza con la que estos cuatro se van a relacionar. Joe no tiene pelos en la lengua, pero Hawk dice que eso es lo que le gusta de él. Suena sarcástico, hasta que nos damos cuenta de que lo dice en serio. Pina, que es española, mantiene la conversación seria (aunque no del todo honesta), mientras que Angela es un manojo de nervios exuberante cuyo instinto es ocultarlo todo.

No se puede hablar de lo que sucede en "The Invite" sin dar spoilers, así que aquí va. El tema del sexo excesivamente ruidoso es algo que Pína y Hawk sacan a colación por su cuenta, lo que disipa la tensión durante aproximadamente un minuto. Pero luego revelan por qué su sexo es tan ruidoso: son lo que antes se llamaba swingers, solo que estos dos ahora se presentan como adictos "ilustrados" de la Nueva Era al sexo en grupo. "En realidad no se trata de penetración", dice Pína. "Bueno, un poco sí", dice Joe. El diálogo que sigue es casi impactante por su hilaridad casual, porque McCormack y Jones, en un acto brillante de guion, han imaginado los encuentros eróticos de esta pareja de una manera casi cinematográfica, como expresiones de su carácter. La película nos pide que nos riamos de la locura y la aventura sexual sin reducirla a una broma. Y eso es antes de que Pína y Hawk hagan la verdadera invitación de la película: ¿Quieren Joe y Angela unirse a ellos en un cuarteto?

Eso suena a la premisa de cierto tipo de película de Sundance; llamémosla "atrevida y divertida". Pero, afortunadamente, "The Invite" no es esa película. Wilde, como directora, la filma con una asombrosa sensación de autenticidad. El apartamento donde transcurre toda la película parece real, con historia; la iluminación es perfecta. Y la reacción de Joe y Angela a la invitación de sus vecinos no se reduce a una sola cosa. Su respuesta se despliega como una flor. Trata sobre la lujuria, la soledad y las posibilidades, sobre las razones por las que podrían desear tener una orgía, y sobre cómo la película va a aprovechar esta situación, sin caer en lo fácil ni simplificarla demasiado.

Los cuatro actores son increíbles. Rogen, aunque arraigado en su personaje clásico de racionalidad gruñona, nunca lo había explorado con tanta profundidad. Wilde, una actriz espectacular, dota a Angela de tantos matices de deseo, infelicidad y sueños a los que aún se aferra, que su actuación es como un borrón que poco a poco se enfoca con belleza. Norton nos hace reír con la certeza zen de vaquero de Hawk, hasta que escuchamos su propia historia en un monólogo que uno escucha en un silencio hipnotizado. Y Cruz, cuya Pína es la catalizadora de todo esto, proyecta una fuerza vital erótica que viene acompañada de su propio juego. Es Pína quien dice, en esencia, que algunas relaciones necesitan morir para poder renacer como algo diferente. 

"The Invite" es maravillosamente entretenida, pero parte de la razón es que creo que mucha gente se verá reflejada en esta película, que, a pesar de su bravura mordaz, es lo suficientemente humana como para jugar un juego de verdades que resuena con autenticidad.

Crítica Cinéfila: We Live in Time

Almut y Tobias se conocen en un encuentro inesperado que cambia sus vidas. A través de pasajes de su vida en común −se enamoran, construyen un hogar, forman una familia− se nos revela una difícil verdad que amenaza con sacudir sus cimientos. A medida que emprenden un camino que los límites del tiempo desafían, los protagonistas aprenderán a apreciar cada momento del inusual camino que ha tomado su historia de amor, que abarca una década.

La belleza de las películas de John Crowley es su grandiosidad en cómo cuenta una buena historia de amor. Su obra maestra nominada al Oscar en 2015, "Brooklyn", convirtió la decisión de estar con alguien en una elección que, a sabiendas, definiría el futuro de la vida de su personaje principal, mientras que su adaptación de 2019 de "The Goldfinch" fue un ejemplo defectuoso pero ambicioso del poder que altera la vida del amor de una madre. La última película de Crowley, "We live in Time", también convierte una historia de amor poderosa pero relativamente simple, con todos sus giros, vueltas y la imprevisibilidad que nos trae la vida, en una gran pieza de romance. No hay nada más atrevido que entregarse por completo a otra persona, y Crowley lo demuestra en todo su desgarrador esplendor con su última película.

Desde los primeros minutos de "We live in Time" ya empezamos a ver el alcance de esta relación entre Almut (Florence Pugh) y Tobias (Andrew Garfield). Almut, una chef de renombre y emprendedora, despierta a Tobias para compartir su última creación. Hay una alegría pura en ella compartiendo lo que ama con él, y antes de que él abra los ojos, Tobias tiene una sonrisa en su rostro por la presencia de Almut. El guión de Nick Payne nos lleva luego al embarazo de Almut, luego nos lleva a los dos descubriendo que Almut tiene cáncer. Después de esto, volvemos de nuevo a cuando estos dos se conocieron. "We live in Time" sigue tres líneas temporales diferentes: su comienzo, su embarazo y la pareja luchando contra el cáncer. Al centrarse en estos tres períodos, Crowley y Payne nos dan un amor en su mejor y peor momento, y al final, realmente sentimos que hemos visto una vida compartida y plenamente realizada.

La audaz estructuración de la historia por parte de Payne nunca es una lucha. Crowley hace un excelente trabajo al asegurarse de que siempre sepamos en qué período nos encontramos con estos dos, pero también juega con las posibilidades de esta estructura que mejoran enormemente esta relación. Al principio del proceso de cortejo, Tobias aborda la idea de tener un hijo con Almut. Sabe que se está enamorando profundamente de ella, pero la forma en que plantea la conversación molesta a Almut. Tobias quiere tener un hijo y Almut no cree que tener un hijo sea necesariamente para ella, lo que conduce a su primera pelea importante.

Y, sin embargo, ya sabemos que esta historia termina con estos dos teniendo un hijo juntos. Pero aún más importante es que Crowley poco después nos muestra un momento en el que Tobias tiene que darle una gran noticia a Almut, y en lugar de improvisar como lo hizo con la conversación sobre el bebé, ahora sabe que es importante para él tener un plan cuando habla de cosas tan importantes con Almut, ya que planea una gran muestra de su afecto y toma una gran cantidad de notas para lidiar con la situación. Es un pequeño detalle, pero hermoso. La forma inusual de contar esta historia de amor nos permite ver la evolución de esta relación de maneras encantadoras que no tendrían el mismo impacto en una historia de amor más directa o lineal.

Pero también, esta historia de amor triunfa gracias a las excelentes actuaciones de Florence Pugh y Andrew Garfield. Rara vez vemos a estos dos antes de conocerse, cuando Almut accidentalmente atropella a Tobias con su auto mientras él intenta finalizar su divorcio, pero eso se debe a que esta no es una historia sobre ninguno de ellos por separado, sino sobre la vida de toda esta relación. Sabemos que Almut vivió una vida impresionante antes de conocer a Tobias, mientras que Tobias ya tuvo que luchar en una relación, y la historia de Crowley y Payne prioriza inteligentemente sus momentos juntos y poco más. Todo lo que importa es este vínculo y en quién los convirtió, no quiénes eran antes de conocerse.

Gran parte de lo que necesitamos saber sobre esta pareja se refleja en esa escena inicial. Almut va a su jardín y elige sus ingredientes, creando un plato inesperado antes de que Tobias se despierte. Mientras tanto, Tobias encuentra consuelo y propósito en estar allí con Almut, siempre allí para apoyarla en sus esfuerzos y decisiones. Pugh y Garfield son fenomenales al mostrar esta relación en estos tres períodos distintos. Su energía y conexión son eléctricas, y está claro desde sus primeras interacciones que hay algo especial allí.

También es maravilloso tener a estos dos actores nominados al Oscar mostrando sus capacidades en una película que es simplemente un romance encantador. Hemos visto fragmentos de romances de estos dos antes, con Pugh en "Little Women", y aquí y allá para Garfield a lo largo de su carrera, pero nunca a esta escala para ninguno de ellos. Tener a estos dos actores de calidad asumiendo lo que podría haber sido poco más que un romance extremadamente emocional hace toda la diferencia, y sus talentos hacen que esto se sienta más como una relación romántica desarrollada de lo que hubiera sido manejada por dos actores menores.

Otra parte hermosa de lo que hace que "We Live in Time" funcione tan bien es la presentación de todo lo que puede ser una relación fuerte. Pugh y Garfield son adorables y sexys juntos cuando necesitan serlo, y verlos ser juguetones y tontos juntos solo nos hace querer más este vínculo. Quizás lo más importante es cómo la película muestra cuál es la escala de amor verdadero al que todo ser humano debería aspirar. Cuando las cosas se ponen difíciles y el futuro es incierto, Tobias sabe cómo estructurar sus conversaciones de manera práctica para aliviar la preocupación con la que deben lidiar. Mientras tanto, parte del arco de Almut es tratar de lidiar con sus propias ambiciones personales mientras existe dentro del marco de esta pareja. Como alguien que ha sido mucho más independiente que Tobias, a menudo lucha por ser parte de una sociedad. La forma en que estos dos equilibran las fortalezas y debilidades de cada uno es irresistible en cómo Pugh y Garfield manejan esta dinámica.

A pesar de la tragedia que sabemos que se avecina para Almut y Tobias, "We Live in Time" nunca cae en las trampas de la historia de amor más convencional y empalagosa, rogando al público por sus lágrimas. En lugar de intentar hacer llorar a su audiencia, Crowley nos muestra el poder y la belleza de una vida compartida, e incluso si esto se les pudiera quitar, se trata de cómo usan el tiempo que tienen juntos que es espectacular. Poco después de su diagnóstico, mientras Almut lucha con cómo quiere continuar con el tratamiento, le dice a Tobias que preferiría tener seis grandes meses con él, creando recuerdos y siendo proactiva, que tener un año de sufrimiento que podría llevarla a la muerte. 

En esencia, "We Live in Time" trata sobre cómo aprovechamos al máximo el precioso tiempo que nos queda en esta Tierra, con quién lo pasamos y creando esos recuerdos que perduran mucho después de que nos desvanecemos de este mundo. Al igual que con sus películas anteriores, Crowley sabe cómo presentar perfectamente la idea de que el amor puede alterar el futuro. Aunque sabemos hacia dónde se dirige esta historia desde el principio, es pura alegría. Incluso en los peores momentos, la película de Crowley logra ser divertida, inesperada y encantadora en cada paso del camino. Esta no es una película sobre el duelo por una pérdida, se trata de celebrar la vida. Con Pugh y Garfield liderando esta tremenda historia de amor, se convierte en uno de los mejores romances cinematográficos en años y demuestra que pocos cineastas pueden presentar el poder del amor como Crowley.

Crítica Cinéfila: Players

La periodista deportiva neoyorquina Mack, que pasó años ideando con su mejor amigo Adam 'jugadas' exitosas para ligar, se enamora inesperadamente y aprende lo que se necesita para pasar de simplemente anotarse un ligue a jugar para siempre.

Desde que Netflix declaró el regreso de la moribunda comedia romántica con su “Summer of Love” en 2018, la compañía ha producido un flujo constante de fórmulas para tarifa en casa. El género no se reinició sino que mutó para un nuevo hogar de streaming con un estilo ahora distintivo: básico, visible, brillante y desechable. Probablemente he revisado una docena de ellos y sólo recuerdo unos pocos. Los pocos que se han mantenido ("To All the Boys I’ve Loved Before", "Set It Up") han perdurado en gran parte gracias al carisma de sus estrellas, sin el cual una comedia romántica tiene pocas esperanzas. Tal fue el caso de "Someone Great" de 2019, una película mediocre elevada a memorable por el encanto alegre de Gina Rodríguez.

La antigua estrella de "Jane the Virgin" tiene una afinidad natural por la protagonista romántica: sonrisa pegajosa, ojos de cachorrito, energía con cafeína, una presencia sobrenaturalmente soleada que alcanza el preciado punto ideal entre lo bello y lo identificable. Ella es merecidamente la atracción principal de Players, una nueva comedia romántica de Netflix lanzada el día de San Valentín protagonizada por Rodríguez como Mack, una periodista deportiva con sede en Brooklyn que busca mejorar su manual de trampa romántica.

Al igual que "Upgraded", estrenada simultáneamente por Amazon, protagonizada por Camila Mendes, Players, dirigida por Trish Sie (Pitch Perfect 3) a partir de un guión de Whit Anderson, es otro caso en el que el magnetismo de una estrella veterana de la pantalla chica supera los elementos más discordantes o evidentemente ridículos de una película. En este caso, los muchos planes para conseguir una aventura de una noche dirigidos por Mack y su equipo: su colega periodista y entusiasta amigo heterosexual Adam (Damon Wayans Jr), el malicioso y carnal Brannagan (Augustus Prew) y el algo desventurado hermano de Brannagan, Little (Joel Courtney). Son deportistas (Mack especialmente es una fanática acérrimo de los Yankees) para quienes el sexo y el romance son pura estrategia y recompensa, X y O en la pizarra. "Players" es a veces demasiado sitcom en su abstracción: todo es entre paredes móviles, el sexo es el resultado, nada es para siempre. 

Es decir, hasta que Mack se acuesta con Nick Marshall (Tom Ellis de "Lucifer"), un galardonado periodista de guerra cuyos elogios, experiencia y dinero despiertan envidia, un sentimiento a veces indistinguible de la lujuria o el amor. De repente, son los playoffs: convertir una aventura de una noche en un romance porque, como dice Mack, "tengo 33 años y estoy exhausta y quiero un adulto". O como Brannagan describe la tarea en uno de los muchos fragmentos divertidos de la película sobre las citas modernas, "deshacer un simple cerebro pervertido".

Los esfuerzos a los que el equipo llega para bloquearlo, incluido el acecho y carpetas llenas de datos personales, son extravagantes (y ocasionalmente divertidos), pero lo que está en juego parece real. Aunque Mack es una caricatura de una chica de chicos, come comida china grasosa para llevar en caja, mira lucha libre, va al bar todas las noches luciendo sexy y tonificada pero nunca hace ejercicio, Rodríguez mantiene su anhelo por amor, éxito profesional, cambio y dirección en la superficie. El guión de Anderson es lo suficientemente inteligente como para presentar a Nick ni como un villano ni como un receptor perfecto: es una persona adulta y, como tal, más complicado que sus estadísticas. ¿Pero quién no ha confundido la idea de alguien con el amor?

Los jugadores también son lo suficientemente conscientes de sí mismos como para burlarse de sus propios agujeros, como que Mack no tiene amigas, lo que presenta a la recepcionista Ashley (YouTuber Liza Koshy) y a la nueva novia de Adam, Claire (Ego Nwodim) al equipo (para ser justos, como dice Mack, es difícil hacer amigos cuando eres adulto). La dirección de Sie, aunque a veces llega a demasiado estilo, es sólida e inusualmente fundamentada para este microgénero; Brooklyn de esta película, las boleras, los bares junto a las piscinas y el paseo cerca del puente son mapas del distrito real.

En la historia de las comedias románticas desconectadas de cualquier comprensión real del periodismo, "Players" tiene más sustancia que la mayoría: hay una verdadera determinación en la carrera de Mack como periodista deportivo local, aunque es difícil creer que haya un periódico completo en la oficina de Brooklyn con una sección de deportes en el año 2024; gran parte de la película, desde el periodismo hasta la moda y los intentos de combinar la estética de Netflix con la seriedad en el lugar, parece más adecuada para mediados de la década de 2010.

Aún así, algunas cosas son imperecederas. Es fácil apoyar a la Mack de Rodríguez; sus confusos intentos de asentarse cuando tenía poco más de 30 años, por muy descabellados que sean en la práctica, fueron vividos emocionalmente. Wayans, quien perfeccionó su ritmo cómico en la comedia de situación "New Girl", es ideal para interpretar al mejor amigo que durante mucho tiempo se pasó por alto y que se convirtió en una (im)posible interés amoroso. Ellis, como Nick, es adecuadamente guapo, afable y no tan bueno como parece. Así es el juego de las citas. Los jugadores a veces pueden tropezar con sus trucos, pero hay suficiente experiencia vivida debajo de las rápidas bromas para que funcionen. Para una comedia romántica de la economía del streaming, particularmente de la variedad Netflix, está por encima del promedio, aunque se quede corto por momentos en su vagancia y sus coincidencias.

Crítica Cinéfila: The Worst Person in the World

Julie va a cumplir los treinta y su vida es un desastre existencial. Ya ha desperdiciado parte de su talento y su novio Aksel, un exitoso novelista gráfico mayor que ella, la presiona para que contenga su energía creativa y siente la cabeza. Una noche se cuela en una fiesta y conoce al joven y encantador Eivind. Tardará poco en romper con Aksel y embarcarse en una nueva relación con la esperanza de que su vida adquiera una nueva perspectiva. Sin embargo, tendrá que darse cuenta de que ya es demasiado tarde para ciertas opciones vitales.

En una escapada de fin de semana poblada en su totalidad por cuarentones, Julie (Renate Reinsve), de 29 años, es sometida a un análisis superficial por parte de un hombre mucho mayor y bien intencionado. “Ser joven hoy en día es diferente”, observa la otra mujer, señalando la mayor presión que enfrentan los millennials en la vida diaria. “No tienen tiempo para pensar, siempre hay algo en la pantalla”. Es el tipo de generalización, teóricamente simpática pero condescendiente, que los miembros de la llamada generación ansiosa estamos acostumbrados a escuchar: fastidiosa porque tal vez tiene algo de verdad, pero sobre todo porque está muy lejos de la realidad para otros. El tiempo para pensar no es el problema, es el momento para decidir.

Al principio, el desarrollo de los personajes y la trama de Joachim Trier en "La peor persona del mundo" amenaza con ser un ensayo igualmente elevado sobre la condición de los millennials, comenzando como lo hace con una voz en off omnisciente que nos habla a través de varios desafortunados o irreflexivos impulsos que provocan los veinte años de Julie con un toque de desdén pícaro y divertido. Comienza a estudiar medicina, antes de decidir que la psicología es su pasión, manteniéndose en eso poco tiempo antes de reinventarse como fotógrafa; sus relaciones románticas, al parecer, están igualmente determinadas por caprichos y fases personales. Prácticamente puedes escuchar los comentarios de fondo de los boomers conservadores que se desahogan contra los niños que criaron con muy pocos límites, la generación que simplemente no se apega a nada.

Pero Trier, el noruego detrás de psicodramas tan ricos en matices como "Oslo, 31 de agosto" y "Reprise", es un cineasta demasiado compasivo para tomas tan simples. A medida que esta comedia romántica melancólica sigue fielmente a su caprichosa protagonista en las buenas, en las malas y (en su mayoría) en algún punto intermedio, se convierte en algo encantador y sabio: un himno suave y pausado a la inquietud y la indecisión, a hacer esperar la vida, para bien o para mal. Escrita con perspicacia, ensamblada impecablemente y bellamente interpretada por Renate Reinsve y Anders Danielsen Lie como el hombre que podría ser el alma gemela de Julie si alguna vez decidiera tener una; este placer de autor ampliamente accesible merece convertirse en una película de referencia para muchos de los años 80 y 90. 

Aunque es otro personaje que se refiere a sí mismo como "La peor persona del mundo", el título resume cómo Julie se castiga a sí misma por fallas y errores que no son ni más ni menos que humanos. El guión, coescrito por Trier con su colaborador habitual Eskil Vogt, está impulsado casi en su totalidad por sus cambios y pausas en el corazón. Una estructura literaria de 12 capítulos, respaldada por un prólogo y un epílogo, refleja acertadamente tanto el flujo y reflujo episódico de su vida, así como la forma en que Julie, quien, efectivamente, luego agrega "escritor ” a su lista de posibilidades de carrera, tiende a retratarse a sí misma como un personaje en su vida, y peor aún... un personaje secundario.

Sin embargo, el ritmo vacilante e incierto de su existencia es precisamente lo que atrae a Aksel (Danielsen Lie), dibujante de cómics de 44 años: su "descamación" lo saca de sus intensos y egoístas episodios de creatividad y le da mayor concentración. Desde el principio, reconocen la diferencia de edad de 15 años entre ellos, pero cuanto más viven juntos, sus referencias al "mal momento" se sienten menos como una broma. A Aksel le gustaría tener una familia, la decisión más grande y menos reversible de la vida, mientras que Julie no solo no está lista, sino que no está convencida de que alguna vez querrá  estar lista. “¿Qué tiene que pasar primero?” le pregunta con frustración. "No lo sé", admite. "Necesito hacer más primero".

Decenas de adultos de todas las edades, que aún esperan en vano esa certificación oficial precisa de su mayoría de edad, se estremecerán en reconocimiento: ¿que es la marca de un adulto? ¿Es tener un bebé? ¿Comprando una casa? ¿Tienes que conocerte realmente a ti mismo? ¿Alguna vez puedes? Esquivando todas estas preguntas y respuestas elusivas, Julie salta de una relación sólida (demasiado sólida, quizás) con Aksel a un coqueteo prolongado con Eivind (Herbert Nordrum), un compañero millennial a la deriva cuya insistencia en que nunca quiere tener hijos parece ser la razón. Aparentemente, ella y Eivind están mejor emparejados, pero su romance es un experimento para construir una relación sin cimientos, cada uno de los socios detesta someter al otro. En cuanto pasan los siguientes cumpleaños después del número 30, Julie comienza a preguntarse, como una Carrie Bradshaw menos insistente y menos irritante, si su estancamiento hasta ahora ha sido una elección de vida en sí misma.

Al estudiar a Julie, un personaje a la vez acuoso y opaco, uno se percata que está moldeado por todo lo que la rodea pero vocalmente resistente a la influencia. Reinsve tiene una tarea difícil que logra con notable fluidez y gracia. Ella es la misma persona inconstante de un capítulo al siguiente, madurando y retrocediendo en etapas alternas, comprensiva a pesar de (o debido a) su voluntad enloquecedora y esbelta. Ella y Nordrum interpretan un lindo encuentro performativo que es la versión más ingeniosa y perversa de esa comedia romántica en años, pero es su química tensa y cercana con Danielsen Lie lo que le da a "La peor persona del mundo" su frágil corazón, particularmente cuando el lacónico Generación X-er Aksel admite sus propias inseguridades existenciales y teme por un futuro que no lo incluirá.

Quizás es a través de Aksel que Trier habla más directamente: “Crecí en una época en la que la cultura se transmitía a través de los objetos, y podíamos vivir entre ellos”, se encoge de hombros. “La peor persona del mundo” no se detiene en debates trillados sobre los peligros de vivir en línea, pero anhela placeres simples y tangibles: el calor del tacto y la conexión humana espontánea, y el lujo de la quietud. En la escena más entusiasta de la película, durante varios minutos, el mundo se congela alrededor de Julie mientras pasea por Oslo para encontrarse con un amante, una de las dos únicas personas que se mueven en el mundo. La brisa acaricia el cabello de los peatones petrificados mientras ella pasa junto a ellos, tranquila y eufórica. Solo por una vez, por un breve y encantado momento, el tiempo espera a Julie, y ella nunca ha sido más feliz.

Crítica Cinéfila: Last Christmas

Kate (Emilia Clarke) es una mujer joven que suele tomar siempre la decisión menos acertada. ¿Su último error? Haber aceptado un trabajo como elfo de Santa Claus en un centro comercial. Sin embargo, el destino la lleva a conocer a Tom (Henry Golding), circunstancia que cambia por completo su vida. Para Kate, todo es demasiado bueno para ser cierto.

Last Christmas, la cursi e intermitentemente encantadora película de Paul Feig, le pide a su audiencia que suspenda su incredulidad temprano, abriendo la comedia romántica con temas festivos en un lugar decididamente infeliz: Yugoslavia a principios de los años 90. Si la situación parece sombría, eso es por diseño, mucho mejor para un giro bastante esperado (de mi parte), y muy poco probable, de magia musical para animar las cosas en una iglesia de pueblo pequeño.

Las cosas pueden ser malas en un país a punto de separarse, pero mejorarán una vez que el coro juvenil de la iglesia, liderado por Kate (interpretada por Madison Ingoldsby cuando era niña), se convierta en un favorito local: "Heal the Pain" de George Michael. Es una elección extraña para cualquier coro, pero no es una elección descabellada para la última película de Feig, que guarda opciones curiosas dentro de una bolsa de elementos de comedias románticas que de otra manera serían cálidas.

La fórmula está ahí: está la protagonista salada (una atractiva post- "Juego de tronos" Emilia Clarke, tan experta en el romance fabricado en el estudio como lo es en la fantasía de gran presupuesto), el interés amoroso que habla suave (Henry Golding, también atractivo, incluso con un tiempo de pantalla significativamente menor), una ubicación brillante y un toque estacional, sin mencionar un gran toque de bocina para que todo siga adelante hasta un final conmovedor. Poco sobre "Last Christmas" es tan sorprendente, pero a medida que Hollywood continúa lidiando con la idea de que la comedia romántica todavía tiene piernas y el público tiene hambre de entretenimiento, es una adición bienvenida a un género rebotante.

Al igual que muchas mujeres de comedias románticas antes que ella, Kate (Clarke) guarda un secreto, del tipo que entierra bajo malas decisiones y peor comportamiento. En un momento, otro personaje la considera "la mujer más egoísta del mundo", una designación que probablemente se encogió de hombros en el momento, solo para sentir el aguijón de ella mucho más tarde. Kate ha pasado el año pasado complaciéndose en sus peores deseos. Bebe mucho, se va a casa con hombres incompatibles e intenta reunir todo por la mañana para prestarle atención a su trabajo como duende en una tienda navideña durante todo el año, propiedad de nada menos que una Michelle ruda.

Pero Kate esconde muchas cosas clave debajo de su espinoso exterior, como algunos problemas familiares serios (dependientes de una relación irregular con su madre, interpretada por Emma Thompson, quien también coescribió la película) y un deseo de cantar profesionalmente frente a alguna audiencia masiva. La película en sí tampoco está lo suficientemente junta como para mantener mucha atención en las ambiciones de Kate, a pesar de que en última instancia refuerzan la función en forma musical desenfrenada. Kate no está buscando amor, compañía, comprensión, y si lo está, está buscando en todos los lugares equivocados, lo que la convierte en la heroína perfecta para el género.

Rodeada de historias de amor y alegría navideña en un Londres brillante (incluso "Notting Hill" mostró más mugre, y esa es una película que se desarrolla principalmente en una librería y en lujosas tiendas de prensa), Kate se enfrenta de repente a Tom (Golding), quien no parece sentirse molesto por la irritación de Kate. De hecho, incluso puede usar su buen humor y su caridad para convertir a Kate en una mejor persona. Como Kate y el público asumen, él debe estar tramando algo.

Resulta que también lo hace la película, pero eso ya yo lo sabía. "Last Christmas" se presenta como una historia sencilla, una que funciona lo suficientemente bien, incluso si a menudo se siente como el equivalente cinematográfico de los dulces navideños, pero hay algo más que acecha fuera de marco. Muchos posibles espectadores han especulado sobre la posibilidad de un giro, gracias a la curiosa elección del título y la referencia de George Michael, la película finalmente llega a una conclusión que proporciona algunas respuestas necesarias. Sin embargo, es esperado: el twist es predecible si prestas atención al trailer; si evitas el trailer, quizás te sorprenderás, y quizás llorarás. Pero al final, resulta incluso algo decepcionante.

De arriba a abajo, "Last Christmas" es tímida al comprometerse con sus ingredientes más sustanciales, desde elementos clave sobre Kate (todo lo relacionado con querer convertirse en cantante profesional se deja de lado) hasta un cuadro de personajes secundarios que van y vienen con poco cuidado. Incluso la obsesión de Kate por años con George Michael nunca se explica por completo (bien), y solo se utiliza como un truco para los momentos musicales de la película y su título cursi. El guión de Thompson y Bryony Kimmings intenta introducir algunos temas de actualidad, incluida una inyección realmente extraña de la conciencia del Brexit y una mirada más exitosa a la dinámica familiar compleja de Kate, pero llegan demasiado tarde en un guión que se ha desviado, llegando a un final que podría haber usado significativamente más delicadeza.

Al menos está Clarke, que maneja hábilmente el momento más rocoso con encanto y la cantidad adecuada de ventaja para un personaje tan complicado como Kate. Last Christmas podría no estar destinada a entrar en las listas de los clásicos de navidad, pero Kate ya es una reina de las comedias románticas a tener en cuenta. Vale la pena celebrarlo en sus propios términos.

Crazy Rich Asians

Rachel y su novio Nick tienen que viajar a Singapur para asistir a la boda de su mejor amigo, allí descubre que su novio pertenece a una de las familias más ricas de Asia y que todas las solteras de clase alta están increíblemente celosas de ella. La joven tendrá que enfrentarse a todas ellas y demostrar a la familia de Nick que ella también es digna de estar con él. (SENSACINE)

Warner Bros adapta "Crazy Rich Asians" con el plan de hacer un cambio en el cine hollywoodense presentando un elenco casi complatemente asiático, pero a la vez con un giro moderno en la fórmula de películas de princesas.

En la historia, Rachel Chu (de decendencia china, pero nacida y criada en New York) es invitada por su novio, Nick Young, a la boda de su mejor amigo en Singapur. Emocionada por visitar Asia por primera vez, pero también nerviosa ya que conocerá a la familia de Nick, lo que Rachel descubre es que a Nick se le olvidó mencionar que no solo es el heredero de una de las familias más ricas del país, sino también uno de sus solteros más buscados. 

Rachel es el objetivo de los celos de toda la jóvenes de la alta sociedad de Asia y, peor aún, de la propia madre de Nick, quien desaprueba también esta relación. Si bien el dinero no puede comprar amor, definitivamente puede complicar las cosas. Y Rachel tiene que demostrar durante cada oportunidad que ella es digna, no solo del amor de Nick, sino también de ser parte de su familia.

Si hay algo que esta película quiso dejar claro era que estos personajes son verdaderamente y locamente ricos, gracias a las ridículas maneras de gastar dinero, además de las maravillas que se daban el gusto de disfrutar, las fiestas en grandes y las compras fuera de control. Esto fue resaltado constantemente a lo largo de la historia, lo cual mantiene ese contraste entre las riquezas materiales y las riquezas culturales que se destacan en la trama. No solo importa cuantos diamantes se compran al día, sino las tradiciones familiares de las personas en Singapur, la importancia de la familia sobretodo lo demás y cómo los roles en la sociedad son importantísimos para saber si una familia te aceptará o no.

A pesar de que el elenco practicamente completo proviene del otro lado del mundo, hay algunas caras conocidas, como Constance Wu (Fresh off the Boat), Gemma Chan (Fantastic Beasts and Where to Find Them), Awkwafina (Ocean's 8), Nico Santos (Superstore), Lisa Lu (2012), Ken Jeong (Hungover) y Michelle Yeoh (Memoirs of a Geisha), quienes una vez más conquitan a la audiencia con su talento inigualable y el realzamiento de su cultura.

Pero el verdadero corazón de la película es la relación entre Rachel y Nick, que es sólida cuando comienza la película, pero pasa por un juicio común para muchas parejas jóvenes: conocer a la familia. Esa experiencia se concreta al mundo del que proviene Nick. Aun así, Wu y Golding tienen una química impresionante, anclando todo el espectáculo extravagante de la película en una relación dulce y sólida. Además, Yeoh ofrece una actuación deslumbrante como Eleanor, la madre multifacética que intenta proteger a su familia, aunque sus métodos pueden ser crueles. Awkwafina es un destacado como Peik Lin (proporcionando una gran dosis de alivio cómico), mientras Chan y Santos completan el elenco principal, con el primero liderando su propia historia paralela; este último es más un tipo de hada madrina de una nota en comparación, pero el personaje es indudablemente necesario para el elemento de fantasía de la película

Sin embargo, lo que hace de esta historia una película única es el escenario de Singapur. La dirección de Chu permite al espectador experimentar Singapur lo más posible con solo los sentidos de la vista y el oído. Gran parte de la película, de hecho, una vez que Rachel y Nick llegan, está impregnada de la cultura de Singapur: con imágenes panorámicas del paisaje y la arquitectura, así como primeros planos sobre la comida y la gente. Y no se puede dejar de mencionar que la banda sonora incluye canciones en inglés y en otros idiomas, lo que destaca aún más la mezcla de cultura occidental y oriental. La preocupación de Chu por mostrar solo la comida de Singapur es maravillosamente sincera y deliciosa, desde el centro de vendedores ambulantes hasta La familia de Nick construyendo albóndigas caseras. En total, Chu saca a la luz la extravagancia de Singapur y las vidas de las personas dentro de Nick.

En conclusión, Crazy Rich Asians se comporta como el fairytale perfecto para la sociedad moderna, donde se une la comedia romántica perfecta con las extravagancias de una sociedad distinta a la americana. A pesar de que la historia no fue tan divertida como prometía en todos sus avances, sí cumple con la promesa de ser un buen rato en el cine y una historia difícil de olvidar.

Hasta yo quiero conocer un rico loco asiático...