Crítica Cinéfila: A Complete Unknown

Ambientada en la influyente escena musical de Nueva York de principios de los años 60, A Complete Unknown cuenta la historia del meteórico ascenso del músico de Minnesota Bob Dylan, un cantante de folk de 19 años, hasta las salas de conciertos y lo más alto de las listas de éxitos. Sus canciones y su mística se convirtieron en un fenómeno mundial que culminó en 1965 con su rompedora actuación de rock eléctrico en el Newport Folk Festival.

Si tienes más de 60 años, es probable que algunos capítulos de tu vida hayan sido influenciados por la música de Bob. Si tienes menos de 30, seguro lo escuchaste gracias a ese miembro cool de tu familia. La historia de la vida de un hombre nacido como Robert Zimmerman tiene que servir de inspiración para alguien, pero ¿a quién? Hay que tomar decisiones, comprimir los plazos, sopesar los hechos frente a la leyenda.

Adaptando la excelente historia de Elijah Wald de 2015 “Dylan Goes Electric! Newport, Seeger, Dylan, and the Night That Split the Sixties”, “A Complete Unknown” opta por la leyenda, y lo hace de manera bastante hábil para los que desconocen su historia y que nunca entenderán por qué hubo tanto alboroto. Dirigida por James Mangold (“Walk the Line”), es una película biográfica de dos horas y 20 minutos, ágil, melodiosa y muy entretenida, con un chico popular y talentoso como protagonista para atraer a la Generación Z.

¿Y cómo está el chico? Está bastante bien, aunque su interpretación no tiene arco, por loque será la segunda mejor de la película. La historia sigue a un joven Bob Dylan durante cinco años de su vida, tocando la guitarra y la armónica, y trabajando duro para conseguir esa voz tan particular que aún hoy lo caracteriza. El esfuerzo técnico ha dado sus frutos, pero, lo que es más importante, Chalamet transmite la presencia de este jovencito folkie advenedizo: la seguridad y el mal humor, el oído que escucha más los cantos de sirena en su cabeza que a cualquiera de los presentes en la sala. La ética de trabajo y el desprecio, la inquietud y las máscaras, las letras ardientes y la voz de un joven profeta malhumorado: todo está ahí, excepto por la ligereza y la picardía que poseía Dylan en sus primeros años, antes de que todos lo confundieran con Dios.

"A Complete Unknown" abarca desde su llegada a Greenwich Village en 1961 como un don nadie de Minnesota de 19 años hasta su traición al resurgimiento del folk en Newport '65, coloca al cantante en el centro de una contracultura joven, seria y harta. La música se ve como una conexión con una versión más antigua y oprimida de los Estados Unidos: es una música de protesta contra la proliferación nuclear y en apoyo de los derechos civiles, y al principio Dylan encaja perfectamente.

El guión de Mangold y Jay Cocks muestra a Bob apareciendo junto a la cama del hospital de Nueva Jersey de Woody Guthrie (interpretado por Scoot McNairy), que está en cama debido a la enfermedad de Huntington. Pete Seeger (Edward Norton) también está allí, y el chico canta a los hombres mayores una canción —“Song for Woody”— que conmueve tanto a Seeger que lleva a Dylan a casa con su esposa, Toshi (Eriko Hatsune), y su familia para pasar la noche. 

Los meses de aprendizaje de Dylan, perfeccionando su personalidad y sus habilidades, se resumen en una aparición en el café del Village en la que cuatro personas importantes para la historia están convenientemente presentes: Robert Shelton, el escritor del New York Times cuyo artículo de septiembre de 1961 sobre Dylan impulsó su carrera; el poderoso productor discográfico John Hammond (David Alan Basche); Albert Grossman (Dan Fogler), que se convertirá en el manager de Dylan; y Joan Baez (Monica Barbaro), que se convertirá en su amante y rival.

“A Complete Unknown” transmite dos ideas importantes: que el resurgimiento del folk fue una reelaboración sobria y bastante privilegiada de material, y que Dylan revolucionó todo al escribir sus propias canciones. La película transmite el impacto electrizante que “Blowin' in the Wind” y “Masters of War” tuvieron en sus primeras audiencias; para cuando Dylan presenta “The Times They Are a-Changin'” en Newport '64, el público la ha adoptado como himno incluso antes de que llegue a la segunda estrofa. Para mucha gente, Dylan era un salvador; para la vieja guardia de la escena folk, era cada vez más una amenaza. La trama refleja con precisión el respeto que sentían por el joven Dylan personas como Seeger y Alan Lomax (Norbert Leo Butz), el legendario músico de campo y pilar del Newport Folk Festival. Y dramatiza con precisión su preocupación cuando el joven Jeremiah, entre ellos, siguió desafiante su propio camino.

“¿Qué quieres ser?”, pregunta Bobby Neuwirth (Will Harrison), uno de los pocos en el círculo de Dylan que lo trataba simplemente como un amigo. “Lo que sea que no quieren que sea”, espeta Dylan. Como su ídolo Marlon Brando, rechazó la fama, y ​​en ese rechazo parecía más glamoroso, más necesario que nunca. 

Enfrentado a una multitud que persigue a su nuevo gurú por la calle exigiéndole la verdad, el Dylan de Chalamet se esconde tras unas gafas de sol, una mueca de desprecio y un rock and roll que, para los folkies de clase media, era la música de los matones. Aparece en el estudio de grabación con un grupo de chicos malos, entre ellos el guitarrista Mike Bloomfield (Eli Brown) y Al Kooper (Charlie Tahan), que se sienta al órgano en “Like a Rolling Stone” porque los productores le han dicho expresamente que no lo haga. La música es cruda y eléctrica, y sumamente enfadada. 

En esta película, el jefe es Pete Seeger. Un Norton perfecto convierte esa traición en el aspecto más inesperadamente trágico de “A Complete Unknown”. Seeger —el dulce, santurrón y nada irónico Pete— fue indispensable para llevar la música folk y su conciencia socialmente progresista a las masas de jóvenes nacidos en el baby boom. En la actuación de Norton, se ve cómo la tristeza se apodera de los ojos del hombre mayor cuando Dylan abandona su talento por algo que Seeger no puede entender que es mayor: la fusión de folk y rock, pop y poesía, la conexión con las masas y un sentido de rebelión mucho más profundo. Disfruté la actuación de Chalamet, pero la de Norton me afectó en el mejor de los sentidos, tan perfectamente captura la generosidad, la piedad y la incomprensión casi total de Pete ante lo que está sucediendo: toda su generación se volvió obsoleta de la noche a la mañana.

¿Qué le falta a “A Complete Unknown”? La adicción de la época y una inmersión más profunda en la escena folk. Me habría gustado que Joe Tippett apareciera más de dos veces brevemente como el cantante folk Dave Van Ronk, y digamos que una película sobre un hombre que escribió más (y mejores) canciones de despedida que canciones de amor no va a dar mucho espacio a las mujeres de su historia. Suze Rotolo, la novia que se aferra a Dylan en la portada de su segundo álbum, “The Freewheelin' Bob Dylan”, la han cambiado (aparentemente a petición del cantante) como Sylvie Russo (Elle Fanning); ella y Baez luchan una batalla perdida por la atención del cantante y de la película.

Más evidente aún es el clímax del Newport Folk Festival de 1965, cuando la multitud de folkies responde a la explosión sónica de “Maggie's Farm” con abucheos y casi disturbios. ¿Importa que gran parte del problema fuera que el sistema de sonido de un festival acústico no estaba a la altura del desafío y que redujo la revolución del rock de Dylan a un fango sonoro? ¿O que un miembro del público que gritara “¡Judas!” no se produjera hasta un año después y en otro país? La ironía es que la gran película biográfica de Bob Dylan ya existe: “I'm Not There” de Todd Haynes de 2007, una película tan desafiante como cualquier canción de Dylan y que responde a los trucos de toda su carrera al elegir a seis actores para interpretarlo, entre ellos Cate Blanchett y un joven negro.

Esa película, el libro de Wald y el documental de Martin Scorsese de 2005 “No Direction Home” son todo lo que se necesita si se quieren conocer los hechos y los restos, las joyas y los binoculares de la ascensión de Dylan. “A Complete Unknown” sólo cuenta la historia. Pero tal vez eso sea suficiente para que una nueva generación sienta la alegría de su apostasía en un momento en que el mundo parece estar una vez más al borde del precipicio de la artimaña, la traición y el desastre. Si es así, ¿qué siente al ver esta trama?

Crítica Cinéfila: Asteroid City

En 1955, colegiales y padres de todo el país se reúnen para un concurso escolar dedicado a la observación de fenómenos astronómicos (Junior Stargazer Convention) que se lleva a cabo en una ciudad ficticia del desierto estadounidense llamada Asteroid City. La convención se verá espectacularmente interrumpida por eventos que cambian el mundo. 

Como cualquier película de Wes Anderson, “Asteroid City” es el epítome de una película de Wes Anderson. Una película sobre un programa de televisión sobre una obra dentro de una obra "sobre el infinito y no sé qué más" (como lo describe un personaje), este cautivador del desierto deliciosamente profundo, con mucho, el el mejor trabajo del director desde "The Grand Budapest Hotel" y, en algunos aspectos, lo más conmovedor que jamás hayamos hecho, pues cuenta con todas sus características habituales y algo más. Un dispositivo de encuadre de varios niveles, un diseño de toma estilo diorama y Tilda Swinton diciendo con indiferencia cosas como "Nunca tuve hijos, pero a veces me pregunto si desearía tenerlos" son solo algunos de los muchos adornos característicos que podría reconocer del trabajo anterior de Anderson.

Cerca del comienzo de la maravillosa nueva película de Wes Anderson, Asteroid City, el fotógrafo de guerra Augie Steenbeck (Jason Schwartzman) lleva su auto al mecánico de la ciudad (Matt Dillon). El mecánico le dice que hay dos posibles razones por las que el auto de Augie se descompuso. El primero requiere un simple reemplazo de una pieza barata, y el segundo significa que su automóvil se daña permanentemente. Si bien hay mucho en juego, este tipo de binario puede ser reconfortante para algunas personas: de todo lo que podría pasarle a un automóvil, el mecánico lo ha reducido a dos posibilidades: resultado será una solución rápida o lo convertirá en un automóvil chatarra.

Excepto, por supuesto, que no lo es. Después de que parece que el mecánico arregló el motor, el automóvil se detiene chisporroteando una vez más y expulsa una parte extraña y chispeante que debe neutralizarse con un extintor de incendios. “Creo que estamos lidiando con una tercera posibilidad que nunca antes había visto”, comenta el mecánico; el mundo rara vez es lo suficientemente amable como para darnos una cosa u otra. Esta es solo la primera manifestación de incertidumbre y caos en "Asteroid City", que encuentra a uno de los directores más meticulosos del cine moderno lidiando con las cosas que están fuera de su control, y del de todos los demás.

Esta no es la primera vez que Wes Anderson aborda grandes problemas. Estereotipado por las parodias de TikTok y la IA como un vendedor ambulante de confecciones cinematográficas ligeras, el famoso estilo de Anderson es una especie de caballo de Troya: permite al público disfrutar de su dirección de arte sinigual y la fantasía amanerada de su escritura, solo para golpearlos con el mazo de Croquet. "The Royal Tenenbaums" explora la depresión y el trauma generacional, "The Grand Budapest Hotel" persigue su delirante travesura con un recordatorio aleccionador de las cosas hermosas destruidas por el fascismo, y "The French Dispatch" lidia con todo, desde la mercantilización de la política revolucionaria hasta la vida solitaria de un expatriado. 

En "Asteroid City", sin embargo, los temas favoritos de Anderson de soledad y represión emocional adquieren un sesgo existencial. Ambas capas de la narrativa de la película, Asteroid City en sí mismo y el dispositivo de encuadre detrás de escena televisado a su alrededor, se relacionan con lo que significa encontrarse a la deriva e incierto en un mundo que parece haberse salido de su eje. En la "obra" propiamente dicha, un colorido elenco de personajes converge en Asteroid City para una convención de astronomía juvenil, solo para encontrarse cara a cara con el misterio infinito del cosmos cuando un extraterrestre interrumpe una sesión de observación de estrellas. Sus vidas se desequilibran aún más cuando el gobierno de EE.UU. impone una cuarentena de una semana en la ciudad, atrapándolos en medio del desierto con sus visiones del mundo recién destrozadas.

Algunas personas lo manejan mejor que otras. La remilgada maestra de escuela cristiana, June Douglas (Maya Hawke), está claramente desatada por la intrusión extraterrestre en el diseño de Dios; ella está alegre y nerviosa mientras intenta en vano seguir su plan de lecciones (sus estudiantes, por el contrario, se lo toman todo con calma, con un poco de ayuda de un vaquero cantante llamado Montana interpretado por Rupert Friend), se reduce a agarrar un rayo de la muerte y ladrar amenazas a un soldado; los cinco Junior Stargazers se encargan de filtrar la existencia del extraterrestre al público, impulsados ​​por las implicaciones científicas y filosóficas de la vida interestelar. Aquellos que permanecen imperturbables tienen algo más a lo que dedicarse, ya sea su trabajo (el gerente del motel de Steve Carell) o su sentido del deber hacia su difunta hija (Tom Hanks como el suegro de Augie).

El arco más convincente de todos pertenece al propio Augie, así como al actor del universo, Jones Hall. Augie es una de las muchas figuras paternas distantes de Anderson, y se las arregla para superar a personas como Steve Zissou y Royal Tenenbaum en términos de estreñimiento emocional puro. Augie, un hombre barbudo con cara de piedra que habitualmente mastica una pipa, pronuncia sus líneas en un tono monótono y seco que es inexpresivo incluso para un personaje de Wes Anderson, evita contarles a sus hijos sobre la muerte de su esposa durante semanas después del hecho, ya que “nunca es el momento adecuado”; cuando finalmente lo hace, solo puede decir que ella “sucumbió a su enfermedad”, como si estuviera escribiendo un comunicado de prensa. Limita sus emociones fuertes: el trauma de la Segunda Guerra Mundial, la lujuria por la estrella de cine Midge Campbell (Scarlett Johansson), maravillarse ante un extraterrestre recién llegado, dentro del marco de su cámara, manteniéndolos a una distancia segura e ingeniosa. Al igual que el general del ejército (Jeffrey Wright) que ordena a la gente de Asteroid City que se quede tranquila, él preferiría mantener los problemas en cuarentena antes que dejar nada al azar; por supuesto, están obligados a salir tarde o temprano.

Puede que Jones Hall no tenga que lidiar con un extraterrestre (o al menos, como actor, sabe que su extraterrestre es interpretado por Jeff Goldblum), pero lidia con muchos de los mismos problemas que Augie. Él también busca soluciones claras que nunca puede encontrar realmente; hace preguntas que nadie puede responder. Ni siquiera el dramaturgo, Conrad Earp (Edward Norton), sabe por qué Augie se quema la mano en una plancha en el Acto III; cuando Jones ofrece una suposición vacilante, Earp inmediatamente acepta, pero Jones sigue insatisfecho. Incluso cuando llega el momento en el que Augie realiza la acción automáticamente y sin pensar, la pregunta es solo una pequeña parte de una incertidumbre mayor; acorrala al director Schubert Green (Adrien Brody) y le pregunta con urgencia si está “haciendo esto bien”, y solo una conversación melancólica con una excompañera de escena cortada por tiempo (Margot Robbie , interpretando a la actriz que habría interpretado a la esposa de Augie) ayuda a ponerlo en el camino correcto. Al final, él es quien crea un mantra de clase de actuación que sirve como declaración de tesis de la película: "No puedes despertarte si no te quedas dormido".

Hasta ahora, tan típico, incluso si Asteroid City en sí es un lugar tan vibrante y elaborado como Anderson jamás haya concebido. Hogar de exactamente 87 personas, esta ciudad de una sola bomba está dividida a ambos lados de una larga carretera del desierto y atravesada por un conjunto de vías de tren que el gobierno usa para transportar de todo, desde nueces hasta ojivas nucleares. Hay un luncheonette con 12 taburetes, una cancha de motor con 10 cabinas y una máquina expendedora donde puedes comprar pequeños lotes de bienes raíces como si fueran barras de chocolate. Hay una rampa de salida sin terminar que deja varados autos a unos 15 pies en el aire y, en la distancia, un enorme cráter formado por un meteorito que ha estado esperando en el fondo durante quién sabe cuántos años. 

Absorbiendo la "luz limpia" del sol del desierto, la cámara de Robert Yeoman nos revela la mayoría de estas vistas en el lapso de un solo giro de 360 ​​grados, una flexión que subraya el dominio absoluto de Anderson sobre el set de la película, donde sus personajes pronto quedarán atrapados contra su voluntad, obligándolos así a renunciar a la ilusión de control que ha definido a muchos de los personajes de Anderson a lo largo de su carrera. Es quizás lo más radical que jamás haya sucedido en una de sus películas, el tipo de momento transformador que la IA nunca podría soñar, sin importar la cantidad de datos que ingiera, y gira "Asteroid City" en una nueva dirección cósmica. Lo que hasta entonces era solo otra película inmaculada de Wes Anderson, de repente se convierte en única. 

Puedes intentar establecer un orden en tu vida. Puedes construir una pequeña ciudad en un vasto y árido desierto; puedes tomar fotos de las cosas para hacerlas menos reales; puede apegarse a su plan de lección sobre el Sistema Solar después de experimentar un encuentro extraterrestre; incluso puedes convertirte en un director de fama mundial reconocido por tu microscópica atención a los detalles. Pero siempre te enfrentarás a preguntas que no podrás responder y verdades que no podrás tragar; siempre le mostrarás a un mecánico algo que nunca antes ha visto; nunca encontrará una solución fácil para el duelo o el trauma; nunca estarás 100% seguro de que estás donde debes estar. Pero no puedes despertarte o experimentar algo como la serenidad si no te duermes, si no aceptas lo que no puedes controlar y haces las paces con lo desconocido. O, como le dice Schubert Green a Jones cuando admite que todavía no entiende la obra: “No importa. Sigue contando la historia. Lo estás haciendo genial".

Crítica Cinéfila: Glass Onion - A Knives Out Mystery

Cuando el multimillonario Miles Bron (Edward Norton) invita a algunos de sus allegados a una escapada a su isla griega privada, pronto queda claro que no todo es perfecto en el paraíso. Y cuando alguien aparece muerto, ¿quién mejor que Benoit Blanc para desentrañar todas las capas del misterio?

Es increíble que lo que comenzó como el pensamiento ocioso de continuar las aventuras del detective Benoit Blanc, el "detective más grande del mundo", haya resultado no solo en el inevitable marcador de posición de la franquicia, sino en una de las películas más emocionantes, divertidas y francamente agradables del año pasado. Con un elenco astuto, cuenta con uno de los guiones más brillantes del año, no solo en términos de diálogos entretenidos que hacen reír a carcajadas e indirectas satíricas sobre la cultura pop, sino también en la meta trama meticulosa de una novela policíaca tradicional que mantiene la mente calculando movimientos de principio a fin. Inusualmente para una presentación reciente de Netflix, apenas se desperdicia un minuto, complaciendo a su audiencia con cada momento y dando en el blanco con cada latido.

El director Rian Johnson fue bastante abierto sobre las influencias originales de Knives Out, y la premisa inmediata de esta secuela sugiere un homenaje al thriller criminal de 1973, "The Last of Sheila", la inverosímil y algo psicodélica creación de los guionistas Stephen Sondheim y Anthony Perkins. Glass Onion, sin embargo, simplemente se burla de esa referencia; después de zarpar, se convierte en su propia bestia, estableciendo un ritmo cinético frenético que nunca se detiene. Estos son los alienígenas de Knives Out-universe, una repetición exponencial de un gran concepto que ahora conoce a su personaje principal de adentro hacia afuera y está pensando en grande cuando se trata de encontrar un desafío cerebral que sea digno de él.

Aquí, el anfitrión es Miles Bron, el multimillonario dueño de la compañía Alpha, y los amigos que se reúnen para navegar a su isla son un grupo dispar. Está Claire Debella (Kathryn Hahn), una política que se postula como candidata independiente después de perder a sus seguidores demócratas; Lionel Toussaint (Leslie Odom Jr), un renombrado científico; Birdie Jay (Kate Hudson), una ex modelo con su propia línea de ropa; y Duke (Dave Bautista), un YouTuber de los derechos de los hombres, que llega con su novia Whiskey (Madelyn Cline). Mientras esperan en el muelle, todos se sorprenden cuando el detective de celebridades Blanc (Daniel Craig) muestra su rostro enmascarado, pero se sorprenden aún más al ver a Andi Brown (Janelle Monáe), la ex socia comercial de Bron, con quien no hay más que mala sangre después de un amargo caso judicial.

Habiendo enviado sofisticadas cajas de rompecabezas (diseñadas por un aprendiz de Ricky Jay, aparentemente), Bron saluda a sus invitados cuando llegan a la orilla. Las esculturas de Banksy los esperan en la arena, y Bron está rasgueando distraídamente "Blackbird" en la guitarra en la que afirma que McCartney la escribió. Cada 60 minutos escuchamos el "dong por hora", escrito especialmente para Bron por Philip Glass, y casi todo sobre su ridículo escondite se comercializa y mercantiliza: "Esta gente rica es rara", como comenta un personaje. Y es que el diseño de producción de esta película anivela esa riqueza que Bron parece tener, con unos espectaculares salones y unos exteriores que parecen haber salido de una revista de espacios paradisiacos.

Bron ha reunido a estas personas aparentemente aleatorias para un juego de misterio y asesinatos de fin de semana que los verá investigar su asesinato. Pero dado que todos los invitados tienen una buena razón para verlo muerto (todos son, como revela Andi, adictos a las "tetas doradas" de Bron), ¿se jugará el juego de verdad? El juego de adivinanzas comienza ahora, y los giros y vueltas que siguen hacen que Glass Onion sea casi imposible de revisar sin spoilers; pero, lo que es más importante, nunca se desvía demasiado por delante de su audiencia.

La clave de esto es un sentido del humor amplificado que permite que Blanc florezca de una manera que Knives Out anterior no habría permitido: ahora que el personaje está establecido, Craig se divierte muchísimo con él, llevando la caricatura sureña al límite y luego explotándolo en los primeros 40 minutos en un espectacular paso en falso. Siguiendo su ejemplo, todos los personajes pueden enviarse a sí mismos, entre ellos Birdie, ex estrella de portada de The Face y una twittera tan imprudente que su asistente tiene que esconder su teléfono. Duke, con sus calzoncillos cortos con pistolera, es una maravillosa y igualmente valiente pieza de autoburla, y un Norton alto en su carrera (¿dónde ha estado exactamente este fantástico actor todos estos años?), es solo el cherry en la punta del pastel.

Esto deja dos destacados: Craig, ahora libre de Bond, finalmente ha logrado la comedia, revelando profundidades previamente inexploradas (una escena en la que el inexpresivo Blanc se esconde detrás y entre las nalgas de una estatua de bronce es una mini-obra maestra de la comedia muda). Pero el premio de la segunda versión de Knives Out es para la simplemente fantástica Monáe, quien presenta una de las mejores y más intuitivamente perfectas actuaciones del 2022. El final explosivo puede ser un poco desordenado, pero Glass Onion no es solo un jugueteo contagiosamente alegre que distorsiona la pompa satisfecha y la estupidez literal de un mundo que se ha vuelto verdaderamente loco. Es igualmente un autoanálisis de cómo, otorgando un poquito de poder y riqueza, el ser humano no se sacia de este hasta autodestruirse.

Crítica Cinéfila: Motherless Brooklyn

Nueva York. Años 50. Lionel Essrog es un solitario detective privado, afectado por el Síndrome de Tourette, que se aventura a intentar resolver el asesinato de su mentor y único amigo, Frank Minna.

Después de ver una película con un misterio extendido por dos horas y media, la melancolía me invade: podría ser por tratarse de una historia ambiciosa con asesinatos, chantaje y corrupción en un Nueva York de mediados de siglo para competir con "Chinatown" en su complejidad, elegancia y atractivo de ese cerebro, pero también podría ser por el viaje visual y musical tan regocijante que fluye con la misma facilidad lograda en la novela de Jonathan Lethem.

"Brooklyn", en este caso, es el apodo de Lionel Essrog, también conocido como "Freakshow", un hombre con síndrome de Tourette cuyos tics espontáneos y arrebatos verbales de mal color pueden resultar vergonzosos en público, pero le sirven bien en el empleo para un profesional detective llamado Frank Minna (Bruce Willis). Para un actor como Norton, que ha hecho una carrera de papeles importantes: el esquizofrénico tartamudeo de "Primal Fear", o el hombre interno que finge el autismo para lograr un atraco en "The Score" - Lionel representa a ambos: un nuevo desafío enorme y una variación increíblemente única del arquetipo de ojo privado que de otro modo estaría desgastado. 

En lugar de seguir el modelo del libro, que tiene lugar en 1999, Norton toma el personaje y lo traslada de vuelta alrededor de medio siglo, a la década de 1950, donde el colorido Lionel de Norton es libre de investigar otro personaje más grande: Moses Randolph, un seudónimo poco disfrazado para Robert Moses, el "maestro de obras" de la moderna Nueva York, que arrasó barrios enteros para dar paso a los puentes y autopistas que sirven a la ciudad hoy. Moses era un visionario, pero su desdén por las minorías y los pobres se mezcló con el mismísimo concreto de sus logros: la infraestructura como una forma de racismo.

Por el aspecto de las cosas, "Motherless Brooklyn" toma prestado tanto de la asombrosa de exposición de Robert Caro de Moses en "The Power Broker" como de la novela de Lethem. En un conjunto que también incluye a actores pesados ​​como Willem Dafoe y Cherry Jones, Norton aterriza a Alec Baldwin como el planificador de la ciudad. Baldwin puede jugar a este tipo de magnates mientras duerme, y aunque el hecho de que lo haga con Donald Trump en "Saturday Night Live" puede hacer que algunos crean que es a quien está canalizando aquí, Norton se ha esforzado por hacer esto sobre Moses.

Metiendo un mensaje junto con más trama de la que la película puede manejar, Norton tiene como objetivo educar al público sobre las prácticas deplorables que sustentan la ciudad que damos por sentado hoy. El truco, por supuesto, es resumirlo en una historia de detectives convincente, que debe haber sido un dolor de cabeza logístico increíble, confiando en ubicaciones reales de Nueva York, desde Washington Square Park hasta Penn Station, tal como se veía en ese momento. Para mantener nuestro interés, se apoya en la invención de Lethem del excéntrico nervioso que ve un hilo suelto y no lo suelta hasta que se deshilacha todo el suéter: una metáfora de la forma en qué funciona la mente de Lionel.

"Me hace decir cosas graciosas, pero no estoy tratando de ser gracioso", explica Lionel, describiendo su aflicción sobre su síndrome que para ese entonces muy pocos entendían. Pero también es un obsesivo y capaz de memorizar hechos y conversaciones literalmente, una especie de computadora humana con fallas que dice cosas como "tócalo" y "tetas". Sacks probablemente sería el primero en observar que, si bien Norton ha clavado la condición física de la condición, su rendimiento no es tanto sensible ya que es narrativamente conveniente y convincente.

Los gestos de Lionel podrían haberse vuelto desagradables a toda prisa, pero Norton calibra la actuación para que el personaje permanezca impredecible sin volverse insoportable. Podemos ver a Lionel tratando de luchar contra sus interrupciones espontáneas para que se sometan. ¿Tal personaje realmente habría sido tan fácilmente aceptado en la década de 1950? Es difícil de decir, pero Norton lo hace encantador al mantener los arrebatos ingeniosos y oportunos, y porque la personalidad subyacente de Lionel es todo menos dura. Es más un caballero, lo que explica cómo termina acercándose a Laura Rose (Gugu Mbatha-Raw), la activista que tiene la llave del caso.

Laura vive en Harlem, encima de un club nocturno que marca la pauta para el sedoso puntaje de jazz de la película, pero pasa sus días luchando contra la discriminación racial en el centro, enfrentándose a hombres como Moses. 

En el libro, Lionel es uno de los pocos huérfanos (por eso le llaman Motherless Brooklyn) a quien Frank toma bajo su protección, preparando a estos niños para que hagan su trabajo sucio. Aquí, Frank es más un mentor benévolo, pero aún lo suficientemente sombrío como para ir a dispararse en un callejón lateral después de reunirse con un grupo de matones. Antes de que Frank muriera, dijo la palabra "Formosa" y algo sobre una "niña de color" que podría ser la clave para descubrir quién lo mató.

Es el trabajo de Lionel resolver casos, pero por alguna razón, nadie más que él parece tan interesado en resolver este. La esposa de Frank (Leslie Mann) deja su agencia de detectives en manos de Tony (Bobby Cannavale), y aunque el lugar parece estar demasiado ocupado, ¿qué pasa con Gil (Ethan Suplee) y Danny (Dallas Roberts) o con Lionel termina investigando lo que le pasó a Frank más o menos por su cuenta?

En comparación con las relativamente sencillas Guerras del Agua de California que inspiraron "Chinatown", la corrupción en el corazón de "Motherless Brooklyn" no se trata solo de dinero. Los misterios de las opciones de infraestructura de Nueva York son una lección de historia densa y parlante, y una audiencia que necesitará tiempo para digerir. Ese legado incluye historias sobre cómo Moses ordenó que se construyeran puentes a poca altura sobre la ruta verde que conducía a Long Island, con la intención de mantener alejadas a las minorías que solo podían permitirse viajar en autobús, y estrategias cobardes usadas en nombre de la "limpieza de barrios bajos" para engañar a las familias de bajos ingresos fuera de sus hogares. A pesar de toda su audacia, incluso el libro de Lethem no se atrevió a ir allí. Al final tocan teclas que nadie más se atrevía a tocar.

Motherless Brooklyn es la opera prima de Edward Norton como guionista, y su segunda película como director. Y a diferencia de muchos otros que se balancean entre los roles con debilidad, aquí lo hace con mucha altura, donde no solo es necesario resaltar la elegancia de las escenas y la increíble actuación de todo un elenco, sino también el mensaje tan bien llevado sobre el maltrato de los políticos hacia las minorías y trabajadores.

Isle of Dogs

Después de que todas las mascotas caninas de Megasaki City sean exiliadas a una isla que es un vertedero, un niño de 12 años emprende un viaje para buscar a su perro extraviado. (FILMAFFINITY)

En un Japón distópico, el virus de la gripe se esparce por toda la población canina de Megasaki. El alcalde decide exiliar todos los perros a Trash Island, cariñosamente denominada como Ciudad de Perros. Mientras algunos tratan de encontrar una cura para esta enfermedad, el resto de la población se ha unido a la causa del exilio de los perros, sin importar cuales perros sufren de la gripe o no.

En la isla, los perros se dividen por clanes y territorios. Chief, un perro que (según él) siempre vivió en las calles, es el líder de un grupo de perros domesticados "con collar", quienes pelean contra quiensea por las bolsas de basura que lanzan a la isla, en busca de posibles residuos de comida.

Un día, una pequeña avioneta aterriza a la isla. Su piloto, un niño de 12 años, le pide al grupo de Chief que lo ayuden a encontrar a su perro Spots. El grupo acepta la aventura, excepto por Chief, que siempre se ha negado al amor humano. Mientras inicia la búsqueda alrededor de la isla, la amistad de Chief y el niño comienza a crecer; no obstante, los planes malignos del alcalde de Megasaki contra la Ciudad de los Perros se cruzan por el camino de nuestros aventureros, quienes deberán idear un plan para salvar todos los perros de la isla.

Wes Anderson es un cineasta que siempre ha tenido un estilo muy bien marcado de contar historias, tanto en sus guiones como en la cinematografía. Quien no es fanático de Wes Anderson quizás no se sienta atraído, pero es una forma que se ha convertido en un arquetipo del cine y permiten reconocer sus películas con facilidad, al punto de que es una tendencia y quienes sí son fanáticos lo imitan.

Pero si dejamos a un lado la ideología de su cineasta, Isle of Dogs es una historia que puede ser utilizada como un ejemplo de un guión completo. Tiene personajes memorables y muy particulares, que no solo son graciosos, sino que tienen complejos y que crean conflictos inimaginables en la trama (lo cual, siempre es bueno).

Es una historia donde la única confusión es quién es el verdadero villano de la historia, y es un "misterio" que no afecta pues no es algo que ya no hayamos visto en otras películas. Es graciosa, pero no al exceso de convertirse en una comedia, sino al punto de tratar de darle un lado amigable a una historia que trata sobre abuso animal y desigualdad.

En fin, es completa, pues desarrolla cada una de las tramas que introduce, les da final lógico y no te deja con esa inquietud de "¿pero qué pasa después?", sino que deja ese buen sabor en la boca de que no has desperdiciado 1 hora y media de tu vida.

Desde el punto de vista cinematográfico, es visualmente sorprendente, principalmente por el hecho de que ha sido realizada con el método de stop-motion; sin embargo, se ve tan fluida, donde debe destacarse el trabajo de cada uno de los animadores que trabajaron en este proyecto, por la naturalidad que le dieron a cada acción de los personajes, desde las peleas de perros hasta las lagrimas derramadas. La técnica "Wes Anderson" está bien acentuada en la elección de planos, pues a pesar de que parezcan muy estáticos, es algo que ya hemos visto en la mayoría de sus películas.

La musicalización, realizada por el compositor Alexandre Desplat, reciente ganador al Oscar por Mejor Banda Sonora, es pegajosa y se mantiene a lo largo de la película, creando momentum en cada una de las situaciones de los personajes y cediendo indicios de las emociones de los personajes y sus posibles decisiones.

Esta película es arte en su máxima expresión. Es una historia que habla de problemáticas sociales que no son extrañas para la audiencia, pero que a través de su humor, entretiene y se convierte en una película atractiva. Nadie, ni siquiera los Anderson-haters, puede perderse esta película. Recomendada para todo público.