Crítica Cinéfila: The Phoenician Scheme

El magnate Zsa-zsa Korda es un rico empresario europeo que se ve envuelto en una trama de espionaje junto a su hija Liesl, una monja con la que mantiene una relación difícil y a la quiere dejar el negocio familiar.

Hubo una época en que empresarios adinerados como el ficticio Zsa-zsa Korda de Wes Anderson se saltaban las reglas, amasaban fortunas y urdían discretamente los planes de sucesión de las dinastías que habían forjado. Hoy en día, estos hombres gobiernan países, aunque no se debe interpretar un mensaje político demasiado fuerte en la última obra de Anderson, "The Phoenician Scheme". Es una mirada irónica a uno de estos titanes donde esta saga densa pero innegablemente entretenida funciona también como una conmovedora historia paternal, y en última instancia parece mucho más interesada en explorar el espíritu de barón ladrón del capitalismo del siglo XX que sus consecuencias.

Inspirada en figuras como J. Paul Getty, JP Morgan y el difunto suegro de Anderson, el magnate libanés de la construcción Fouad Mikhael Malouf, "The Phoenician Scheme" eleva a Benicio del Toro de actor secundario (el genio artístico encarcelado en "The French Dispatch" de 2021) a protagonista en el universo de Anderson. Mientras tanto, Mia Threapleton marca la incorporación más significativa a la compañía en constante expansión del director, interpretando a Leisl, la hija de rostro de porcelana de Zsa-zsa (y monja novicia).

Un afeitado y un corte de pelo le sientan de maravilla a Del Toro: el actor resulta muy digno como Korda, un comerciante culto con un toque de rufián. Con trajes cruzados a medida, el pelo canoso engominado hacia atrás y una caja de madera llena de granadas de mano dondequiera que vaya, Korda no pertenece a ningún país en particular, pero tiene negocios en muchos. Es una figura controvertida, buscada muerta por al menos uno de sus innumerables rivales.

La película comienza con el compositor Alexandre Desplat inyectando una dosis de suspense al estilo de Lalo Schifrin en un vuelo a baja altitud, mientras Korda lee con calma el tipo de libro de no ficción altamente especializado que dejaría a la mayoría dormido, cuando una explosión destroza el fuselaje de su avión privado. Es un comienzo relativamente espectacular para los estándares de Anderson, incluso si el accidente se representa en uno de esos travellings donde la cámara sigue los restos humeantes del avión con la suficiente lentitud como para que el público se ría al ver las pertenencias de Korda esparcidas por un maizal.

Este último roce con la muerte ha dejado a Korda con dos prioridades: reconciliarse con su hija, de quien está distanciada y quien aún no ha perdonado a Zsa-zsa por su participación en la muerte de su madre, y sacar adelante su proyecto más ambicioso hasta la fecha. Se trata de un proyecto de infraestructura de tres partes que consiste en un túnel locomotora transmontano, una vía fluvial transdesértica y un terraplén hidroeléctrico transcuenca, cuyos detalles son tan interesantes como sus tres nombres los hacen parecer.

Mientras Korda intenta cubrir un déficit de financiación que podría hundir sus planes, la mayor parte de "The Phoenician Scheme" transcurre recorriendo un país ficticio (la Gran Fenicia Independiente Moderna) vagamente inspirado en la Península Arábiga, con Leisl y su despampanante tutor sueco Bjorn (Michael Cera) a cuestas. Corre el año 1950, aproximadamente a medio camino entre las fechas de estreno de "Citizen Kane" y "Lawrence of Arabia", y el espíritu de esos dos iconos resuena aquí, aunque a una escala miniaturista que le sienta mejor a Anderson. Como tantos de las influencias del cineasta, desde Royal Tenenbaum hasta Steve Zissou, Korda es una figura que suscita tanto admiración como burla: una postura irónica que permite a Anderson colar una dosis de sinceridad junto con la caricatura.

Menos peculiar conceptualmente que la reciente "Asteroid City" del excéntrico autor (con su metaencuadre, una película dentro de un ensayo teatral dentro de un especial de televisión al estilo de "Playhouse 90"), pero no menos profunda, "The Phoenician Scheme" encuentra una vez más a Anderson incorporando cuestiones existenciales en una forma aparentemente satírica. No pasa un fotograma sin una mirada de detalles cómicos que divierten a su público, y sin embargo, en el fondo, el director se atreve a abordar cuestiones de la mortalidad. En el centro de todo esto se encuentra el dilema de Korda: si ha dedicado toda su energía a amasar riqueza, pero no ha tenido familia, ¿de qué le sirvió su fortuna?

Cuando Liesl regresa a su vida, Zsa-zsa aún no ha recapacitado. La sienta y le explica que, si uno de sus enemigos logra eliminarlo, la herencia de Korda pasará a ella; aunque esta futura monja no lo necesite mucho, pues tiene la plena intención de renunciar a todas sus posesiones terrenales al tomar los votos. Luego procede a mostrarle el alcance de sus operaciones, cuidadosamente clasificadas en una serie de cajas de zapatos y dispuestas en el suelo con el estilo geométricamente simétrico de Anderson. (El director se supera con algunas de sus meticulosas composiciones, incluyendo un plano cenital del baño de Korda que llena perfectamente el encuadre).

¿Qué interés podría tener para Leisl acompañar a Zsa-zsa en un viaje de negocios de seis paradas? ¿O para nosotros, en realidad? Por momentos, "The Phoenician Scheme" puede resultar tan divertido como ver a un talentoso contable sorteando las lagunas legales del impuesto de sociedades, dada la nueva preocupación de Anderson por las complejidades contractuales y los complejos acuerdos financieros, que en la película se renegocian constantemente mediante partidos de baloncesto y acuerdos secretos. Pero no olvidemos que eso es solo el MacGuffin, mientras que el acercamiento entre Leisl y su padre es el principal atractivo.

El director recluta a estrellas de primera línea con las que ya ha trabajado (Tom Hanks, Bryan Cranston, Mathieu Amalric, Scarlett Johansson y Benedict Cumberbatch) para interpretar a los diversos personajes a los que Korda debe convencer para que cubran parte del hueco. Pero Korda, cuyos diálogos del Toro interpreta con la misma cadencia mesurada que Bill Murray ha aportado a varios papeles de Anderson, está demasiado perturbado por visiones místicas como para centrarse por completo en la tarea en cuestión. En cinco ocasiones, generalmente provocadas por situaciones cercanas a la muerte, Zsa-zsa se imagina a sí mismo en secuencias de sueños en blanco y negro.

Antes de descartar estos interludios como absurdos, consideren el cuidado que Anderson ha puesto en cada composición. Todo significa algo, aunque la mayoría de los espectadores no logran descifrar el simbolismo críptico del director. Lo mismo podría decirse de las obras de arte de calidad museística que salpican la película. "Nunca compres buenas películas. Compra obras maestras", decreta Korda, hablando en nombre de todos esos magnates (desde Getty hasta Hearst) que gastaron sus fortunas acumulando tesoros.

Ese es un tipo de legado, aunque Anderson parece dirigir la indagación de la película sobre el sentido de la vida hacia sí mismo, como artista y padre. El estilo de Anderson es, por excelencia, personal, ya que nadie más que él podría imaginar mundos tan elaborados; sin embargo, esta historia está enriquecida por lo que ha faltado en sus primeras películas, más superficiales: un poco de introspección que ponga los negocios infernales de Korda en la perspectiva adecuada.

Crítica Cinéfila: Asteroid City

En 1955, colegiales y padres de todo el país se reúnen para un concurso escolar dedicado a la observación de fenómenos astronómicos (Junior Stargazer Convention) que se lleva a cabo en una ciudad ficticia del desierto estadounidense llamada Asteroid City. La convención se verá espectacularmente interrumpida por eventos que cambian el mundo. 

Como cualquier película de Wes Anderson, “Asteroid City” es el epítome de una película de Wes Anderson. Una película sobre un programa de televisión sobre una obra dentro de una obra "sobre el infinito y no sé qué más" (como lo describe un personaje), este cautivador del desierto deliciosamente profundo, con mucho, el el mejor trabajo del director desde "The Grand Budapest Hotel" y, en algunos aspectos, lo más conmovedor que jamás hayamos hecho, pues cuenta con todas sus características habituales y algo más. Un dispositivo de encuadre de varios niveles, un diseño de toma estilo diorama y Tilda Swinton diciendo con indiferencia cosas como "Nunca tuve hijos, pero a veces me pregunto si desearía tenerlos" son solo algunos de los muchos adornos característicos que podría reconocer del trabajo anterior de Anderson.

Cerca del comienzo de la maravillosa nueva película de Wes Anderson, Asteroid City, el fotógrafo de guerra Augie Steenbeck (Jason Schwartzman) lleva su auto al mecánico de la ciudad (Matt Dillon). El mecánico le dice que hay dos posibles razones por las que el auto de Augie se descompuso. El primero requiere un simple reemplazo de una pieza barata, y el segundo significa que su automóvil se daña permanentemente. Si bien hay mucho en juego, este tipo de binario puede ser reconfortante para algunas personas: de todo lo que podría pasarle a un automóvil, el mecánico lo ha reducido a dos posibilidades: resultado será una solución rápida o lo convertirá en un automóvil chatarra.

Excepto, por supuesto, que no lo es. Después de que parece que el mecánico arregló el motor, el automóvil se detiene chisporroteando una vez más y expulsa una parte extraña y chispeante que debe neutralizarse con un extintor de incendios. “Creo que estamos lidiando con una tercera posibilidad que nunca antes había visto”, comenta el mecánico; el mundo rara vez es lo suficientemente amable como para darnos una cosa u otra. Esta es solo la primera manifestación de incertidumbre y caos en "Asteroid City", que encuentra a uno de los directores más meticulosos del cine moderno lidiando con las cosas que están fuera de su control, y del de todos los demás.

Esta no es la primera vez que Wes Anderson aborda grandes problemas. Estereotipado por las parodias de TikTok y la IA como un vendedor ambulante de confecciones cinematográficas ligeras, el famoso estilo de Anderson es una especie de caballo de Troya: permite al público disfrutar de su dirección de arte sinigual y la fantasía amanerada de su escritura, solo para golpearlos con el mazo de Croquet. "The Royal Tenenbaums" explora la depresión y el trauma generacional, "The Grand Budapest Hotel" persigue su delirante travesura con un recordatorio aleccionador de las cosas hermosas destruidas por el fascismo, y "The French Dispatch" lidia con todo, desde la mercantilización de la política revolucionaria hasta la vida solitaria de un expatriado. 

En "Asteroid City", sin embargo, los temas favoritos de Anderson de soledad y represión emocional adquieren un sesgo existencial. Ambas capas de la narrativa de la película, Asteroid City en sí mismo y el dispositivo de encuadre detrás de escena televisado a su alrededor, se relacionan con lo que significa encontrarse a la deriva e incierto en un mundo que parece haberse salido de su eje. En la "obra" propiamente dicha, un colorido elenco de personajes converge en Asteroid City para una convención de astronomía juvenil, solo para encontrarse cara a cara con el misterio infinito del cosmos cuando un extraterrestre interrumpe una sesión de observación de estrellas. Sus vidas se desequilibran aún más cuando el gobierno de EE.UU. impone una cuarentena de una semana en la ciudad, atrapándolos en medio del desierto con sus visiones del mundo recién destrozadas.

Algunas personas lo manejan mejor que otras. La remilgada maestra de escuela cristiana, June Douglas (Maya Hawke), está claramente desatada por la intrusión extraterrestre en el diseño de Dios; ella está alegre y nerviosa mientras intenta en vano seguir su plan de lecciones (sus estudiantes, por el contrario, se lo toman todo con calma, con un poco de ayuda de un vaquero cantante llamado Montana interpretado por Rupert Friend), se reduce a agarrar un rayo de la muerte y ladrar amenazas a un soldado; los cinco Junior Stargazers se encargan de filtrar la existencia del extraterrestre al público, impulsados ​​por las implicaciones científicas y filosóficas de la vida interestelar. Aquellos que permanecen imperturbables tienen algo más a lo que dedicarse, ya sea su trabajo (el gerente del motel de Steve Carell) o su sentido del deber hacia su difunta hija (Tom Hanks como el suegro de Augie).

El arco más convincente de todos pertenece al propio Augie, así como al actor del universo, Jones Hall. Augie es una de las muchas figuras paternas distantes de Anderson, y se las arregla para superar a personas como Steve Zissou y Royal Tenenbaum en términos de estreñimiento emocional puro. Augie, un hombre barbudo con cara de piedra que habitualmente mastica una pipa, pronuncia sus líneas en un tono monótono y seco que es inexpresivo incluso para un personaje de Wes Anderson, evita contarles a sus hijos sobre la muerte de su esposa durante semanas después del hecho, ya que “nunca es el momento adecuado”; cuando finalmente lo hace, solo puede decir que ella “sucumbió a su enfermedad”, como si estuviera escribiendo un comunicado de prensa. Limita sus emociones fuertes: el trauma de la Segunda Guerra Mundial, la lujuria por la estrella de cine Midge Campbell (Scarlett Johansson), maravillarse ante un extraterrestre recién llegado, dentro del marco de su cámara, manteniéndolos a una distancia segura e ingeniosa. Al igual que el general del ejército (Jeffrey Wright) que ordena a la gente de Asteroid City que se quede tranquila, él preferiría mantener los problemas en cuarentena antes que dejar nada al azar; por supuesto, están obligados a salir tarde o temprano.

Puede que Jones Hall no tenga que lidiar con un extraterrestre (o al menos, como actor, sabe que su extraterrestre es interpretado por Jeff Goldblum), pero lidia con muchos de los mismos problemas que Augie. Él también busca soluciones claras que nunca puede encontrar realmente; hace preguntas que nadie puede responder. Ni siquiera el dramaturgo, Conrad Earp (Edward Norton), sabe por qué Augie se quema la mano en una plancha en el Acto III; cuando Jones ofrece una suposición vacilante, Earp inmediatamente acepta, pero Jones sigue insatisfecho. Incluso cuando llega el momento en el que Augie realiza la acción automáticamente y sin pensar, la pregunta es solo una pequeña parte de una incertidumbre mayor; acorrala al director Schubert Green (Adrien Brody) y le pregunta con urgencia si está “haciendo esto bien”, y solo una conversación melancólica con una excompañera de escena cortada por tiempo (Margot Robbie , interpretando a la actriz que habría interpretado a la esposa de Augie) ayuda a ponerlo en el camino correcto. Al final, él es quien crea un mantra de clase de actuación que sirve como declaración de tesis de la película: "No puedes despertarte si no te quedas dormido".

Hasta ahora, tan típico, incluso si Asteroid City en sí es un lugar tan vibrante y elaborado como Anderson jamás haya concebido. Hogar de exactamente 87 personas, esta ciudad de una sola bomba está dividida a ambos lados de una larga carretera del desierto y atravesada por un conjunto de vías de tren que el gobierno usa para transportar de todo, desde nueces hasta ojivas nucleares. Hay un luncheonette con 12 taburetes, una cancha de motor con 10 cabinas y una máquina expendedora donde puedes comprar pequeños lotes de bienes raíces como si fueran barras de chocolate. Hay una rampa de salida sin terminar que deja varados autos a unos 15 pies en el aire y, en la distancia, un enorme cráter formado por un meteorito que ha estado esperando en el fondo durante quién sabe cuántos años. 

Absorbiendo la "luz limpia" del sol del desierto, la cámara de Robert Yeoman nos revela la mayoría de estas vistas en el lapso de un solo giro de 360 ​​grados, una flexión que subraya el dominio absoluto de Anderson sobre el set de la película, donde sus personajes pronto quedarán atrapados contra su voluntad, obligándolos así a renunciar a la ilusión de control que ha definido a muchos de los personajes de Anderson a lo largo de su carrera. Es quizás lo más radical que jamás haya sucedido en una de sus películas, el tipo de momento transformador que la IA nunca podría soñar, sin importar la cantidad de datos que ingiera, y gira "Asteroid City" en una nueva dirección cósmica. Lo que hasta entonces era solo otra película inmaculada de Wes Anderson, de repente se convierte en única. 

Puedes intentar establecer un orden en tu vida. Puedes construir una pequeña ciudad en un vasto y árido desierto; puedes tomar fotos de las cosas para hacerlas menos reales; puede apegarse a su plan de lección sobre el Sistema Solar después de experimentar un encuentro extraterrestre; incluso puedes convertirte en un director de fama mundial reconocido por tu microscópica atención a los detalles. Pero siempre te enfrentarás a preguntas que no podrás responder y verdades que no podrás tragar; siempre le mostrarás a un mecánico algo que nunca antes ha visto; nunca encontrará una solución fácil para el duelo o el trauma; nunca estarás 100% seguro de que estás donde debes estar. Pero no puedes despertarte o experimentar algo como la serenidad si no te duermes, si no aceptas lo que no puedes controlar y haces las paces con lo desconocido. O, como le dice Schubert Green a Jones cuando admite que todavía no entiende la obra: “No importa. Sigue contando la historia. Lo estás haciendo genial".

Crítica Cinéfila: The French Dispatch

Una carta de amor al mundo del periodismo, ambientada en la redacción de un periódico estadounidense en una ciudad francesa ficticia del siglo XX, con tres historias interconectadas entre sí. 

Wes Anderson escribe una extravagante carta de amor a los aventureros editores de sofisticadas revistas literarias como The New Yorker , y a los escritores, humoristas e ilustradores formados en sus filas en The French Dispatch . Rebosante de delicias visuales hechas a mano y actuaciones excéntricas de un elenco totalmente en sintonía con la longitud de onda característica del escritor-director, esta es la película equivalente a una colección de cuentos. Eso lo hace episódico por naturaleza y menos nutritivo en términos narrativos que algunas de las características de Anderson. Pero el lanzamiento de Searchlight es una curiosidad cautivadora, y una que muy pocos otro cineastas se hubiesen atrevido a crear.

La decisión de mantener la película en espera durante un año desde su estreno original después de la cancelación del Festival de Cine de Cannes 2020 tiene mucho sentido dada su celebración lúdica de todo lo francés, sobre todo el cine francés. Anderson reconoce una larga lista de influencias, entre las que se encuentran el hipsterismo beatnik de la nouvelle vague-period Godard, la rebelión juvenil y el arrebato romántico de Truffaut, la sátira social de Renoir y la payasada de Tati. Adicionalmente se evocan en la deslumbrante paleta de colores que nunca decepciona de parte de este director.

Es poco probable que el público que en el pasado ha encontrado el trabajo de Anderson precioso y excesivamente educado cambie un poco de parecer, y no sería sorprendente que algunos acusen a la nueva película de convertirse casi en una auto-parodia. Pero otros que han saboreado sus excursiones a los mundos idiosincrásicos y ricamente imaginados del director se adentrarán en las maravillas del diseño de producción de Adam Stockhausen, con sus ingeniosos decorados, miniaturas y modelos, que transforman la antigua ciudad romana de Angulema, en el lugar ficticio caprichosamente nombrado de Ennui-sur-Blasé. El escenario no es menos elaborado y cada fotograma no está menos lleno de detalles artesanales que los de The Grand Budapest Hotel, posiblemente el pariente más cercano de The French Dispatch entre las películas anteriores de Anderson.

Continuando con su afecto por las cajas narrativas dentro de las cajas, Anderson estructura la película como un obituario, una columna de viajes y tres artículos de fondo, todos apareciendo en el número final de la revista ampliamente leída que proporciona el título. El obituario es para Arthur Howitzer Jr. (Bill Murray), el editor fundador de The French Dispatch, quien dejó su Kansas natal 50 años antes y pasó décadas reuniendo un talentoso equipo de periodistas expatriados. Inspirado por los editores legendarios neoyorquino Harold Ross y William Shawn, Howitzer es una figura paternal pero también un duro capataz en la actuación típicamente inexpresiva de Murray. El letrero de "No llorar" que cuelga sobre la puerta de su oficina indica su tolerancia por el sentimiento, mientras que el tablero de Issue-in-Progress que presenta los diversos artículos e ilustraciones que compiten por el espacio podría ser casi uno de los propios guiones gráficos de Anderson. El testamento de Howitzer estipula que la revista dejará de publicarse tras su muerte.

La columna de viajes está escrita por el “reportero ciclista” Herbsaint Sazerac (Owen Wilson), quien recorre la ciudad en su bicicleta, comentando graciosamente un día en la vida de Ennui. Con una ayuda visual con pantalla dividida y toallitas ingeniosas, nos guía a través del pasado, presente y futuro de varios rincones, y observa a lugareños coloridos como las prostitutas y los gigolós que se reúnen en los adoquines después del anochecer. Su estudio cubre las ratas que colonizan los túneles subterráneos, los gatos que se congregan en los tejados y los anguillettes serpenteantes que viven en los canales.

El primero de los artículos de fondo es The Concrete Masterpiece, escrita por la corresponsal de arte JKL Berensen, quien enmarca la pieza como una conferencia en un centro de arte de Kansas. Tilda Swinton, que nunca conoció un disfraz extravagante que no le gustó, luce cada centímetro del papel, vestida por la vestuarista Milena Canonero en un boho-chic elegante y deliciosamente llamativo, con un peinado de matrona, un montón de joyas poderosas y una placa dental. Berensen disfruta de cada detalle lascivo, en particular los indicios de sus propias asociaciones íntimas con el mundo del arte moderno.

Su historia se centra en Moses Rosenthaler (Benicio Del Toro), un sociópata gruñón que cumple condena por un doble homicidio en la prisión/asilo de Ennui. En la sala de pasatiempos, comienza a pintar una serie de desnudos de su musa, la taciturna guardia de la prisión Simone (Léa Seydoux), que despiertan el interés del adquisicionista de arte Julien Cadazio (Adrien Brody) mientras está en la cárcel por evasión de impuestos. Tras su liberación, Cadazio y sus tíos (Bob Balaban y Henry Winkler) comienzan a promocionar el trabajo de Rosenthaler, avivando el mercado hasta que se atraen compradores prominentes de todas partes a la sorprendente presentación de su obra maestra, incluido el reconocido coleccionista de Kansas Upshur "Maw" Clampette (Lois Smith). 

El siguiente de los artículos es To a Manifesto, la característicamente descabellada versión de Anderson de las protestas de Francia de mayo de 1968, escrita por la estoica ensayista Lucinda Krementz (Frances McDormand). Mientras que alternativamente guarda y desprecia las virtudes de la neutralidad periodística, se une a los estudiantes revolucionarios ocupados derrocando siglos de autoridad republicana, o simplemente exigiendo acceso al dormitorio de las niñas. El principal de ellos es el apasionado maestro de ajedrez Zeffirelli (Timothée Chalamet), cuya distracción momentánea con la mundana Lucinda no oscurece del todo su mutua atracción antagónica con su compañera fanática Juliette (Lyna Khoudri).

El tercero y más complicado artículo es The Private Dining Room of the Police Commissioner, del escritor gastronómico Roebuck Wright, interpretado por Jeffrey Wright como un James Baldwin. El marco esta vez es una entrevista de un programa de televisión realizada por Liev Schreiber. Roebuck explica cómo su perfil del teniente Nescaffier (Stephen Park), el talentoso chef personal del comisario de policía municipal (Mathieu Amalric), se convirtió en un caos. Esto sucedió cuando una pandilla de matones y showgirls (entre ellos Saoirse Ronan) secuestró al hijo protegido del comisario (Winston Ait Hellal), exigiendo la liberación del contador del inframundo conocido como The Abacus (Willem Dafoe).

Inspiró figuras de comedia física a lo largo de la película, pero alcanza alturas particularmente vertiginosas en esta sección, que presenta magníficas secuencias de escape animadas que recuerdan al dibujante belga Hergé, creador de Las aventuras de Tintín, al tiempo que evoca las portadas clásicas de los neoyorquinos.

La “nota final” es la redacción del obituario de Howitzer, que se convierte en un esfuerzo de colaboración que involucra a todo el personal. Eso incluye a la editora de texto con mentalidad matemática (Elisabeth Moss) y al caricaturista (Jason Schwartzman, quien desarrolló la historia con Anderson, Roman Coppola y Hugo Guinness). Incluso el papel más pequeño está adornado con las encantadoras peculiaridades que son Anderson vintage, aunque si tuviera que elegir a los destacados, esos serían Del Toro, Seydoux, McDormand, Chalamet y Wright, todos los cuales parecen estar pasando un buen rato. Y es un placer escuchar la voz de Anjelica Huston (tan divinamente seca en The Royal Tenenbaums ) como narradora.

Los colaboradores habituales que hacen contribuciones vitales incluyen al director de fotografía Robert Yeoman, cuyas imágenes mezclan el blanco y negro con el color y están vivas con todas las simetrías, ángulos sesgados y composiciones cuidadosas tradicionales de Anderson; y el compositor Alexandre Desplat, cuyos teclazos de piano ayudan a dar forma al tono alegre.

Si bien The French Dispatch puede parecer una antología de viñetas sin un tema general fuerte, cada momento está agraciado por el amor de Anderson por la palabra escrita y los personajes extravagantes que dedican su vida profesional a ella. Hay una sensación nostálgica del paso del tiempo y una hermosa dedicatoria a los placeres de los viajes incrustada en el material, junto con un aprecio por la historia de los corresponsales extranjeros estadounidenses que llevan su perceptiva mirada de forasteros a otras culturas. La misión de la revista se resume así cerca del final de la película: "Quizás con buena suerte encontremos lo que se nos escapó en los lugares que alguna vez llamamos hogar".

Isle of Dogs

Después de que todas las mascotas caninas de Megasaki City sean exiliadas a una isla que es un vertedero, un niño de 12 años emprende un viaje para buscar a su perro extraviado. (FILMAFFINITY)

En un Japón distópico, el virus de la gripe se esparce por toda la población canina de Megasaki. El alcalde decide exiliar todos los perros a Trash Island, cariñosamente denominada como Ciudad de Perros. Mientras algunos tratan de encontrar una cura para esta enfermedad, el resto de la población se ha unido a la causa del exilio de los perros, sin importar cuales perros sufren de la gripe o no.

En la isla, los perros se dividen por clanes y territorios. Chief, un perro que (según él) siempre vivió en las calles, es el líder de un grupo de perros domesticados "con collar", quienes pelean contra quiensea por las bolsas de basura que lanzan a la isla, en busca de posibles residuos de comida.

Un día, una pequeña avioneta aterriza a la isla. Su piloto, un niño de 12 años, le pide al grupo de Chief que lo ayuden a encontrar a su perro Spots. El grupo acepta la aventura, excepto por Chief, que siempre se ha negado al amor humano. Mientras inicia la búsqueda alrededor de la isla, la amistad de Chief y el niño comienza a crecer; no obstante, los planes malignos del alcalde de Megasaki contra la Ciudad de los Perros se cruzan por el camino de nuestros aventureros, quienes deberán idear un plan para salvar todos los perros de la isla.

Wes Anderson es un cineasta que siempre ha tenido un estilo muy bien marcado de contar historias, tanto en sus guiones como en la cinematografía. Quien no es fanático de Wes Anderson quizás no se sienta atraído, pero es una forma que se ha convertido en un arquetipo del cine y permiten reconocer sus películas con facilidad, al punto de que es una tendencia y quienes sí son fanáticos lo imitan.

Pero si dejamos a un lado la ideología de su cineasta, Isle of Dogs es una historia que puede ser utilizada como un ejemplo de un guión completo. Tiene personajes memorables y muy particulares, que no solo son graciosos, sino que tienen complejos y que crean conflictos inimaginables en la trama (lo cual, siempre es bueno).

Es una historia donde la única confusión es quién es el verdadero villano de la historia, y es un "misterio" que no afecta pues no es algo que ya no hayamos visto en otras películas. Es graciosa, pero no al exceso de convertirse en una comedia, sino al punto de tratar de darle un lado amigable a una historia que trata sobre abuso animal y desigualdad.

En fin, es completa, pues desarrolla cada una de las tramas que introduce, les da final lógico y no te deja con esa inquietud de "¿pero qué pasa después?", sino que deja ese buen sabor en la boca de que no has desperdiciado 1 hora y media de tu vida.

Desde el punto de vista cinematográfico, es visualmente sorprendente, principalmente por el hecho de que ha sido realizada con el método de stop-motion; sin embargo, se ve tan fluida, donde debe destacarse el trabajo de cada uno de los animadores que trabajaron en este proyecto, por la naturalidad que le dieron a cada acción de los personajes, desde las peleas de perros hasta las lagrimas derramadas. La técnica "Wes Anderson" está bien acentuada en la elección de planos, pues a pesar de que parezcan muy estáticos, es algo que ya hemos visto en la mayoría de sus películas.

La musicalización, realizada por el compositor Alexandre Desplat, reciente ganador al Oscar por Mejor Banda Sonora, es pegajosa y se mantiene a lo largo de la película, creando momentum en cada una de las situaciones de los personajes y cediendo indicios de las emociones de los personajes y sus posibles decisiones.

Esta película es arte en su máxima expresión. Es una historia que habla de problemáticas sociales que no son extrañas para la audiencia, pero que a través de su humor, entretiene y se convierte en una película atractiva. Nadie, ni siquiera los Anderson-haters, puede perderse esta película. Recomendada para todo público.